La pintura de paisajes , también conocida como arte paisajístico , es la representación de paisajes naturales como montañas , valles , árboles , ríos y bosques , especialmente cuando el tema principal es una vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En otras obras, los fondos paisajísticos para figuras todavía pueden formar una parte importante de la obra. El cielo casi siempre se incluye en la vista y el clima suele ser un elemento de la composición. Los paisajes detallados como tema distinto no se encuentran en todas las tradiciones artísticas y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representar otros temas. [1]
Dos tradiciones principales surgen de la pintura occidental y del arte chino , y en ambos casos se remontan a más de mil años. El reconocimiento de un elemento espiritual en el arte del paisaje está presente desde sus inicios en el arte de Asia Oriental, bebiendo del taoísmo y otras tradiciones filosóficas, pero en Occidente sólo se hace explícito con el Romanticismo .
Las vistas de paisajes en el arte pueden ser completamente imaginarias o copiadas de la realidad con distintos grados de precisión. Si el propósito principal de una imagen es representar un lugar real y específico, incluyendo especialmente edificios de manera prominente, se llama vista topográfica . [2] Estas vistas, extremadamente comunes como impresiones en Occidente, a menudo se consideran inferiores a los paisajes de bellas artes , aunque la distinción no siempre es significativa; Prejuicios similares existían en el arte chino, donde la pintura de los literatos solía representar vistas imaginarias, mientras que los artistas profesionales pintaban vistas reales. [3]
La palabra "paisaje" entró en el idioma inglés moderno como landskip (escrito de diversas formas), una anglicización del holandés landschap , a principios del siglo XVII, simplemente como un término para obras de arte, con su primer uso como palabra para un pintura en 1598. [4] En unas pocas décadas se utilizó para describir vistas en poesía, [5] y, finalmente, como término para vistas reales. Sin embargo, el término afín landscaef o landskipe para una parcela de tierra despejada había existido en inglés antiguo , aunque no está registrado en inglés medio . [6]
Las primeras formas de arte en todo el mundo representan poco de lo que realmente podría llamarse paisaje, aunque se incluyen líneas de tierra y, a veces, indicaciones de montañas, árboles u otras características naturales. Los primeros "paisajes puros" sin figuras humanas son frescos del arte minoico de alrededor del 1500 a. C. [7]
Las escenas de caza, especialmente aquellas ambientadas en la vista cerrada de los cañaverales del delta del Nilo del Antiguo Egipto, pueden dar una fuerte sensación de lugar, pero el énfasis está en las formas vegetales individuales y las figuras humanas y animales más que en el paisaje general. Los frescos de la Tumba de Nebamun , ahora en el Museo Británico (c. 1350 a. C.), son un ejemplo famoso.
Para una representación coherente de un paisaje completo, se necesita algún sistema aproximado de perspectiva, o escala para la distancia, y según la evidencia literaria, esto parece haberse desarrollado por primera vez en la antigua Grecia en el período helenístico , aunque no sobreviven ejemplos a gran escala. Sobreviven paisajes romanos más antiguos , desde el siglo I a. C. en adelante, especialmente frescos de paisajes que decoran habitaciones que se han conservado en sitios arqueológicos de Pompeya , Herculano y otros lugares, y mosaicos . [8]
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La tradición china de pintar con tinta shan shui ("agua de montaña"), o paisaje "puro", en el que el único signo de vida humana suele ser un sabio, o un vistazo a su cabaña, utiliza sofisticados fondos paisajísticos para representar a los sujetos. y el arte paisajístico de este período conserva un estatus clásico y muy imitado dentro de la tradición china.
Tanto la tradición romana como la china suelen mostrar grandes panoramas de paisajes imaginarios, generalmente respaldados por una cadena de montañas espectaculares (en China a menudo con cascadas y en Roma a menudo incluyen mar, lagos o ríos). Estos se utilizaron con frecuencia, como en el ejemplo ilustrado, para cerrar la brecha entre una escena en primer plano con figuras y una vista panorámica lejana, un problema persistente para los paisajistas. El estilo chino generalmente mostraba solo una vista lejana, o usaba terreno muerto o niebla para evitar esa dificultad.
Un contraste importante entre la pintura de paisajes en Asia occidental y oriental ha sido que, mientras que en Occidente hasta el siglo XIX ocupó una posición baja en la jerarquía aceptada de géneros , en Asia oriental la clásica pintura china con tinta de agua de montaña era tradicionalmente la más representativa. prestigiosa forma de arte visual. Las teorías estéticas en ambas regiones otorgaron el estatus más alto a las obras que se consideraba que requerían la mayor imaginación del artista. En Occidente esto era pintura histórica , pero en Asia Oriental era el paisaje imaginario, donde los practicantes famosos eran, al menos en teoría, literatos aficionados , incluidos varios emperadores tanto de China como de Japón. A menudo también eran poetas cuyos versos e imágenes se ilustraban mutuamente. [9]
Sin embargo, en Occidente, la pintura de historia llegó a requerir una extensa base paisajística cuando correspondía, por lo que la teoría no iba del todo en contra del desarrollo de la pintura de paisaje: durante varios siglos, los paisajes fueron promovidos regularmente al estatus de pintura de historia mediante la adición de pequeños figuras para realizar una escena narrativa, típicamente religiosa o mitológica.
En el arte medieval temprano occidental , el interés por el paisaje desaparece casi por completo y se mantiene vivo sólo en copias de obras de la Antigüedad tardía , como el Salterio de Utrecht ; la última reelaboración de esta fuente, en una versión gótica temprana, reduce los paisajes anteriormente extensos a unos pocos árboles que llenan los huecos de la composición, sin sensación de espacio general. [10] Inicialmente, el resurgimiento del interés por la naturaleza se manifestó principalmente en representaciones de pequeños jardines como el Hortus Conclusus o en los tapices millefleur . Los frescos de figuras trabajando o jugando frente a un fondo de densos árboles en el Palacio de los Papas, Aviñón, son probablemente una supervivencia única de lo que era un tema común. [11] Han sobrevivido varios frescos de jardines de casas romanas como la Villa de Livia . [12]
Durante el siglo XIV, Giotto di Bondone y sus seguidores comenzaron a reconocer la naturaleza en su obra, introduciendo cada vez más elementos del paisaje como escenario de la acción de las figuras en sus pinturas. [13] A principios del siglo XV, la pintura de paisaje se consolida como género en Europa, como escenario de la actividad humana, a menudo expresada en un tema religioso, como los temas del Descanso en la Huida a Egipto , el Viaje del Los Reyes Magos , o San Jerónimo en el Desierto . Los manuscritos iluminados de lujo fueron muy importantes en el desarrollo inicial del paisaje, especialmente las series de Labores de los meses como las de Très Riches Heures du Duc de Berry , que convencionalmente mostraban pequeñas figuras de género en escenarios paisajísticos cada vez más grandes. Un avance particular se muestra en las menos conocidas Horas de Turín-Milán , ahora destruidas en gran parte por un incendio, cuya evolución se reflejó en la pintura holandesa temprana durante el resto del siglo. El artista conocido como "Hand G", probablemente uno de los hermanos Van Eyck , tuvo especial éxito en la reproducción de efectos de luz y en una progresión de apariencia natural desde el primer plano hasta la vista lejana. [14] Esto fue algo que a otros artistas les resultó difícil durante un siglo o más, y a menudo resolvieron el problema mostrando un fondo de paisaje desde lo alto de un parapeto o alféizar de una ventana, como desde una altura considerable. [15]
Los fondos de paisajes para diversos tipos de pintura se volvieron cada vez más prominentes y hábiles durante el siglo XV. El período de finales del siglo XV vio dibujos y acuarelas de paisajes puros de Leonardo da Vinci , Alberto Durero , Fra Bartolomeo y otros, pero los temas de paisajes puros en pintura y grabado , todavía pequeños, fueron producidos por primera vez por Albrecht Altdorfer y otros del siglo XV. Escuela alemana del Danubio a principios del siglo XVI. [16] Sin embargo, el exterior de las alas de un tríptico de Gerard David , fechado "alrededor de 1510-15", son los más antiguos de los Países Bajos , y posiblemente de Europa. [17] Al mismo tiempo, Joachim Patinir en los Países Bajos desarrolló el " paisaje mundial ", un estilo de paisaje panorámico con pequeñas figuras y utilizando un punto de vista aéreo elevado, que permaneció influyente durante un siglo, siendo utilizado y perfeccionado por Pieter Brueghel el Viejo . El desarrollo italiano de un completo sistema de perspectiva gráfica era ahora conocido en toda Europa, lo que permitía pintar vistas grandes y complejas de forma muy eficaz.
Los paisajes fueron idealizados, reflejando en su mayoría un ideal pastoral extraído de la poesía clásica que fue expresado plenamente por primera vez por Giorgione y el joven Tiziano , y permaneció asociado sobre todo con el paisaje montañoso y boscoso italiano, que fue representado por artistas del norte de Europa que nunca habían visitado Italia. del mismo modo que los literatos que vivían en las llanuras de China y Japón pintaron montañas vertiginosas. Aunque a menudo se animaba a los artistas jóvenes a visitar Italia para experimentar la luz italiana , muchos artistas del norte de Europa podían ganarse la vida vendiendo paisajes italianos sin siquiera molestarse en hacer el viaje. De hecho, ciertos estilos fueron tan populares que se convirtieron en fórmulas que podían copiarse una y otra vez. [18]
La publicación en Amberes en 1559 y 1561 de dos series de un total de 48 grabados (los Pequeños Paisajes ) a partir de dibujos de un artista anónimo al que se hace referencia como el Maestro de los Pequeños Paisajes marcó un alejamiento de los paisajes imaginarios y lejanos con contenido religioso. del paisaje mundial hacia representaciones en primer plano a la altura de los ojos de fincas y pueblos identificables poblados por figuras dedicadas a actividades cotidianas. Al abandonar el punto de vista panorámico del paisaje mundial y centrarse en lo humilde, lo rural e incluso lo topográfico, los Pequeños paisajes sentaron las bases para la pintura paisajística holandesa del siglo XVII. Después de la publicación de los Pequeños paisajes, los paisajistas de los Países Bajos continuaron con el paisaje mundial o siguieron el nuevo modelo presentado por los Pequeños paisajes. [19]
La popularidad de las escenas de paisajes exóticos se puede ver en el éxito del pintor Frans Post , quien pasó el resto de su vida pintando paisajes brasileños después de un viaje allí en 1636-1644. Otros pintores que nunca cruzaron los Alpes pudieron ganar dinero vendiendo paisajes de Renania , y otros más construyendo escenas de fantasía para un encargo particular, como la vista de Smeerenburg de Cornelis de Man en 1639.
Se desarrollaron fórmulas compositivas que utilizaban elementos como el repoussoir , que siguen siendo influyentes en la fotografía y la pintura modernas, en particular por Poussin [20] y Claude Lorrain , ambos artistas franceses que vivieron en la Roma del siglo XVII y pintaron principalmente temas clásicos, o escenas bíblicas ambientadas en el siglo XVII. mismos paisajes. A diferencia de sus contemporáneos holandeses, los paisajistas italianos y franceses todavía querían mantener su clasificación dentro de la jerarquía de géneros como pintura histórica incluyendo pequeñas figuras para representar una escena de la mitología clásica o la Biblia. Salvator Rosa dio emoción pintoresca a sus paisajes al mostrar el país más salvaje del sur de Italia, a menudo poblado por bandidos . [21]
La pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII vio el espectacular crecimiento de la pintura de paisajes, en la que se especializaron muchos artistas, y el desarrollo de técnicas realistas extremadamente sutiles para representar la luz y el clima. Hay diferentes estilos, períodos y subgéneros de pintura marina y animal, así como un estilo distinto de paisaje italiano. La mayoría de los paisajes holandeses eran relativamente pequeños, pero los paisajes de la pintura barroca flamenca , todavía habitualmente poblados, eran a menudo muy grandes, sobre todo en la serie de obras que Peter Paul Rubens pintó para sus propias casas. Las impresiones de paisajes también eran populares, siendo las de Rembrandt y las obras experimentales de Hércules Seghers las que generalmente se consideraban las mejores.
Los holandeses tendían a realizar cuadros más pequeños para casas más pequeñas. Algunas especialidades paisajísticas holandesas nombradas en los inventarios de la época incluyen el Batalje , o escena de batalla; [22] el Maneschijntje , [23] o escena a la luz de la luna; los Bosjes , [24] o escena boscosa; el Boederijtje , o escena de granja, [25] y el Dorpje o escena de pueblo. [26] Aunque no se nombró en ese momento como un género específico, la popularidad de las ruinas romanas inspiró a muchos paisajistas holandeses de la época a pintar las ruinas de su propia región, como monasterios e iglesias arruinadas después de la tormenta Beelden . [27]
Jacob van Ruisdael es considerado el más versátil de todos los paisajistas holandeses del Siglo de Oro. [28] La popularidad de los paisajes en los Países Bajos fue en parte un reflejo de la virtual desaparición de la pintura religiosa en una sociedad calvinista , y el declive de la pintura religiosa en los siglos XVIII y XIX en toda Europa, combinado con el romanticismo, dio a los paisajes un significado mucho más amplio. lugar mayor y más prestigioso en el arte del siglo XIX del que habían asumido antes.
En Inglaterra, los paisajes habían sido inicialmente principalmente fondos para retratos, típicamente sugiriendo los parques o propiedades de un terrateniente, aunque en su mayoría pintados en Londres por un artista que nunca había visitado las onduladas hectáreas de su modelo. La tradición inglesa fue fundada por Anthony van Dyck y otros artistas, en su mayoría flamencos , que trabajaban en Inglaterra, pero en el siglo XVIII las obras de Claude Lorrain fueron profundamente recopiladas e influyeron no sólo en las pinturas de paisajes, sino también en los jardines paisajísticos ingleses de Capability Brown y otros.
En el siglo XVIII, la pintura con acuarela , principalmente de paisajes, se convirtió en una especialidad inglesa, con un mercado boyante para obras profesionales y un gran número de pintores aficionados, muchos de los cuales seguían los sistemas populares que se encuentran en los libros de Alexander Cozens y otros. A principios del siglo XIX, los artistas ingleses con mayor reputación moderna eran en su mayoría pintores de paisajes dedicados, mostrando la amplia gama de interpretaciones románticas del paisaje inglés que se encuentran en las obras de John Constable , JMW Turner y Samuel Palmer . Sin embargo, todos ellos tuvieron dificultades para establecerse en el mercado del arte contemporáneo, que todavía prefería las pinturas y los retratos históricos. [29]
En Europa, como dijo John Ruskin [30] y confirmó Sir Kenneth Clark , la pintura de paisajes fue la "principal creación artística del siglo XIX" y "el arte dominante", con el resultado de que en el período siguiente la gente era "apta para asumir que la apreciación de la belleza natural y la pintura del paisaje es una parte normal y duradera de nuestra actividad espiritual" [31] En el análisis de Clark, las formas europeas subyacentes de convertir la complejidad del paisaje en una idea eran cuatro enfoques fundamentales: la aceptación de símbolos descriptivos, una curiosidad por los hechos de la naturaleza, la creación de fantasía para disipar miedos profundamente arraigados a la naturaleza y la creencia en una Edad de Oro de armonía y orden, que podría recuperarse.
El siglo XVIII también fue una gran época para la impresión topográfica, que representaba con mayor o menos precisión una vista real de una manera que rara vez lo hacía la pintura de paisajes. Inicialmente, estos se centraban principalmente en un edificio, pero a lo largo del siglo, con el crecimiento del movimiento romántico , los paisajes puros se hicieron más comunes. La impresión topográfica, a menudo destinada a ser enmarcada y colgada en una pared, siguió siendo un medio muy popular hasta el siglo XX, pero a menudo se clasificaba como una forma de arte inferior a un paisaje imaginado.
Los paisajes en acuarela sobre papel se convirtieron en una especialidad distintiva, sobre todo en Inglaterra, donde se desarrolló una tradición particular de artistas talentosos que sólo, o casi en su totalidad, pintaban acuarelas de paisajes, como no ocurrió en otros países. Muy a menudo se trataba de vistas reales, aunque a veces las composiciones se ajustaban para lograr un efecto artístico. Las pinturas se vendieron relativamente baratas, pero su producción fue mucho más rápida. Estos profesionales podrían aumentar sus ingresos formando a los "ejércitos de aficionados" que también pintaban. [32]
Los artistas destacados incluyeron a John Robert Cozens , Francis Towne , Thomas Girtin , Michael Angelo Rooker , William Pars , Thomas Hearne y John Warwick Smith , todos de finales del siglo XVIII, y John Glover , Joseph Mallord William Turner , John Varley , John Sell Cotman. , Anthony Copley Fielding , Samuel Palmer a principios del 19. [33]
El movimiento romántico intensificó el interés existente por el arte paisajístico, y los paisajes remotos y salvajes, que habían sido un elemento recurrente en el arte paisajístico anterior, ahora se volvieron más prominentes. El alemán Caspar David Friedrich tenía un estilo distintivo, influenciado por su formación danesa , donde se había desarrollado un estilo nacional distintivo, inspirado en el ejemplo holandés del siglo XVII. A esto añadió un romanticismo casi místico. Los pintores franceses tardaron más en desarrollar la pintura de paisajes, pero aproximadamente a partir de la década de 1830, Jean-Baptiste-Camille Corot y otros pintores de la Escuela de Barbizon establecieron una tradición paisajística francesa que se convertiría en la más influyente en Europa durante un siglo, con los impresionistas y los posmodernos. Los impresionistas hacen por primera vez de la pintura de paisajes la principal fuente de innovación estilística general en todos los tipos de pintura.
El nacionalismo de las nuevas Provincias Unidas había sido un factor en la popularidad de la pintura paisajística holandesa del siglo XVII y, en el siglo XIX, cuando otras naciones intentaron desarrollar escuelas nacionales distintivas de pintura, el intento de expresar la naturaleza especial del paisaje de la patria se convirtió en una tendencia generalizada. En Rusia, como en Estados Unidos, el tamaño gigantesco de las pinturas era en sí mismo una declaración nacionalista. En Polonia los principales representantes de la pintura de paisaje , en la segunda parte del siglo XIX , fueron Maksymilian Gierymski , Józef Chełmoński y Stanisław Masłowski [34] [35] [36]
En España , el principal impulsor del género fue el pintor belga Carlos de Haes , uno de los más activos profesores de paisaje de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid desde 1857. Tras estudiar con los grandes maestros paisajistas flamencos, Desarrolló su técnica para pintar al aire libre. [37] De regreso a España, Haes llevó a sus alumnos con él a pintar al campo; bajo su enseñanza los "pintores proliferaron y aprovecharon el nuevo sistema ferroviario para explorar los rincones más lejanos de la topografía del país". [38] [39]
En los Estados Unidos , la Escuela del Río Hudson , prominente entre mediados y finales del siglo XIX, es probablemente el desarrollo nativo más conocido en el arte paisajístico. Estos pintores crearon obras de escala gigantesca que intentaron capturar el alcance épico de los paisajes que los inspiraron. El trabajo de Thomas Cole , el fundador generalmente reconocido de la escuela, tiene mucho en común con los ideales filosóficos de las pinturas de paisajes europeas: una especie de fe secular en los beneficios espirituales que se obtienen de la contemplación de la belleza natural. Algunos de los artistas posteriores de la Escuela del Río Hudson, como Albert Bierstadt , crearon obras menos reconfortantes que pusieron mayor énfasis (con mucha exageración romántica) en el poder crudo, incluso aterrador, de la naturaleza. Frederic Edwin Church , alumno de Cole, sintetizó las ideas de sus contemporáneos con las de los viejos maestros europeos y los escritos de John Ruskin y Alexander von Humboldt para convertirse en el pintor paisajista estadounidense más destacado del siglo. [40] Los mejores ejemplos del arte paisajístico canadiense se pueden encontrar en las obras del Grupo de los Siete , prominente en la década de 1920. [41]
Aunque ciertamente menos dominantes en el período posterior a la Primera Guerra Mundial, muchos artistas importantes todavía pintaban paisajes en la amplia variedad de estilos ejemplificados por Edvard Munch , Georgia O'Keeffe , Charles E. Burchfield , Neil Welliver , Alex Katz , Milton Avery , Peter Doig. , Andrew Wyeth , David Hockney y Sidney Nolan .
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La pintura de paisajes ha sido llamada "la mayor contribución de China al arte del mundo", [44] y debe su carácter especial a la tradición taoísta (daoísta) en la cultura china. [45] William Watson señala que "Se ha dicho que el papel del arte del paisaje en la pintura china corresponde al del desnudo en Occidente, como un tema invariable en sí mismo, pero convertido en vehículo de infinitos matices de visión y sentimiento". . [46]
Hay fondos paisajísticos cada vez más sofisticados para representar temas que muestran caza, agricultura o animales desde la dinastía Han en adelante, con ejemplos que se conservan principalmente en relieves de tumbas en piedra o arcilla, que se presume siguen los estilos predominantes en la pintura, sin duda sin capturar la totalidad. Efecto de las pinturas originales. [47] El estado exacto de las copias posteriores de obras reputadas de pintores famosos (muchos de los cuales están registrados en la literatura) antes del siglo X no está claro. Un ejemplo es una famosa pintura del siglo VIII de la colección imperial, titulada El emperador Ming Huang viajando por Shu . Esto muestra al séquito cabalgando a través de montañas vertiginosas del tipo típico de pinturas posteriores, pero está a todo color "produciendo un patrón general que es casi persa", en lo que evidentemente era un estilo cortesano popular y de moda. [48]
El cambio decisivo hacia un estilo paisajístico monocromático, casi desprovisto de figuras, se atribuye a Wang Wei (699-759), también famoso como poeta; en su mayoría sólo sobreviven copias de sus obras. [49] A partir del siglo X sobrevive un número cada vez mayor de pinturas originales, y las mejores obras de la Escuela del Sur de la dinastía Song (960-1279) siguen estando entre las más respetadas en lo que ha sido una tradición ininterrumpida hasta el día de hoy. La convención china valoraba las pinturas del caballero erudito aficionado , a menudo también un poeta, por encima de las producidas por profesionales, aunque la situación era más compleja que eso. [50] Si incluyen figuras, muy a menudo se trata de personas o sabios que contemplan las montañas. Las obras famosas han acumulado numerosos "sellos de agradecimiento" rojos y, a menudo, poemas añadidos por propietarios posteriores: el emperador Qianlong (1711-1799) fue un prolífico añadido de sus propios poemas, siguiendo a emperadores anteriores.
La tradición shan shui nunca tuvo la intención de representar lugares reales, ni siquiera cuando se les dio su nombre, como en la convención de las Ocho Vistas . [51] Un estilo diferente, producido por talleres de artistas profesionales de la corte, pintó vistas oficiales de giras y ceremonias imperiales, con énfasis principal en escenas muy detalladas de ciudades abarrotadas y grandes ceremonias desde un punto de vista elevado. Estos fueron pintados en rollos de enorme longitud en colores brillantes (ejemplo a continuación).
La escultura china también logra la difícil hazaña de crear paisajes efectivos en tres dimensiones. Existe una larga tradición de apreciación de las " piedras de observación" : cantos rodados formados naturalmente, típicamente piedra caliza de las orillas de los ríos de montaña que ha sido erosionada en formas fantásticas, fueron transportadas a los patios y jardines de los literatos. Probablemente asociada con esto está la tradición de tallar cantos rodados de jade o alguna otra piedra semipreciosa mucho más pequeños en forma de montaña, incluidas pequeñas figuras de monjes o sabios. Los jardines chinos también desarrollaron una estética muy sofisticada mucho antes que los occidentales; El karensansui o jardín seco japonés del budismo zen acerca aún más el jardín a una obra de escultura, representando un paisaje muy abstracto.
El arte japonés inicialmente adaptó los estilos chinos para reflejar su interés en temas narrativos en el arte, con escenas ambientadas en paisajes mezclándose con aquellas que muestran escenas de palacios o ciudades usando el mismo punto de vista elevado, recortando techos según sea necesario. Estos aparecieron en los larguísimos rollos de escenas yamato-e que ilustran la Historia de Genji y otros temas, en su mayoría de los siglos XII y XIII. El concepto del pintor caballero-aficionado tuvo poca resonancia en el Japón feudal , donde los artistas eran generalmente profesionales con un fuerte vínculo con su maestro y su escuela, en lugar de los artistas clásicos del pasado lejano, en los que los pintores chinos tendían a inspirarse. . [55] Inicialmente, la pintura estaba completamente coloreada, a menudo de manera brillante, y el paisaje nunca abruma a las figuras que a menudo son bastante grandes.
La escena de la biografía del sacerdote Ippen que se ilustra a continuación proviene de un pergamino que en su totalidad mide 37,8 cm × 802,0 cm, siendo sólo uno de los doce pergaminos que ilustran la vida de un monje budista ; Al igual que sus homólogos occidentales, los monasterios y templos encargaron muchas obras de este tipo, y éstas han tenido más posibilidades de sobrevivir que sus equivalentes cortesanos. [56] Aún más raros son los restos de biombos plegables y pergaminos colgantes de byōbu paisajísticos , que parecen tener algo en común en los círculos de la corte: el Cuento de Genji tiene un episodio en el que los miembros de la corte producen las mejores pinturas de sus colecciones para un concurso. Estos estaban más cerca del shan shui chino, pero aún completamente coloreados. [57]
Muchos más temas paisajísticos puros sobreviven a partir del siglo XV; Varios artistas clave son clérigos budistas zen y trabajaron en un estilo monocromático con mayor énfasis en las pinceladas al estilo chino. Algunas escuelas adoptaron un estilo menos refinado, con vistas más pequeñas que daban mayor énfasis al primer plano. Un tipo de imagen que tuvo un atractivo duradero para los artistas japoneses y que llegó a denominarse "estilo japonés", de hecho se encuentra por primera vez en China. Esto combina uno o más pájaros, animales o árboles grandes en primer plano, generalmente a un lado en una composición horizontal, con un paisaje más amplio más allá, que a menudo solo cubre partes del fondo. Las versiones posteriores de este estilo a menudo prescindieron por completo del fondo paisajístico.
El estilo ukiyo-e que se desarrolló a partir del siglo XVI, primero en la pintura y luego en las xilografías en color , baratas y ampliamente disponibles, se concentró inicialmente en la figura humana, individualmente y en grupos. Pero a partir de finales del siglo XVIII, el paisaje ukiyo-e se desarrolló bajo Hokusai e Hiroshige hasta convertirse en el tipo más conocido de arte paisajístico japonés. [58]
Aunque hay algunos elementos paisajísticos en el arte anterior, la tradición paisajística de la miniatura persa realmente comienza en el período Ilkhanid , en gran parte bajo la influencia china. Se prefiere el territorio montañoso rocoso, que se muestra lleno de animales y plantas representados de forma cuidadosa e individualizada, así como formaciones rocosas. La convención particular del punto de vista elevado que se desarrolló en la tradición llena la mayoría de los espacios de la imagen de formato vertical con el paisaje, aunque las nubes también se muestran típicamente en el cielo, mostradas en una convención curvada extraída del arte chino. Por lo general, todo lo que se ve está bastante cerca del espectador y hay pocas vistas lejanas. Normalmente todas las imágenes de paisajes muestran escenas narrativas con figuras, pero hay algunas escenas de paisajes puramente dibujadas en los álbumes.
La pintura hindú había ambientado durante mucho tiempo escenas en medio de una exuberante vegetación, como exigían muchas de las historias representadas. La pintura mogol combinaba este estilo con el persa, y en miniaturas de cacerías reales a menudo representaba amplios paisajes. Son populares las escenas ambientadas durante las lluvias monzónicas , con nubes oscuras y relámpagos. Posteriormente se hace evidente la influencia de los grabados europeos.
La mayoría de los primeros paisajes son claramente imaginarios, aunque desde muy temprano las vistas de paisajes urbanos están claramente destinadas a representar ciudades reales, con distintos grados de precisión. Se utilizaron varias técnicas para simular la aleatoriedad de las formas naturales en composiciones inventadas: el consejo medieval de Cennino Cennini de copiar riscos irregulares de pequeñas rocas rugosas fue aparentemente seguido tanto por Poussin como por Thomas Gainsborough , mientras que Degas copió formas de nubes de un pañuelo arrugado que se sostenía en alto. contra la luz. [61] El sistema de Alexander Cozens utilizaba manchas de tinta aleatorias para dar la forma básica de un paisaje inventado, que sería elaborado por el artista. [62]
La distintiva vista de fondo del lago Lemán hasta el pico Le Môle en La pesca milagrosa de Konrad Witz (1444) se cita a menudo como el primer paisaje rural occidental que muestra una escena específica. [63] Los estudios de paisaje de Durero representan claramente escenas reales, que en muchos casos pueden identificarse, y fueron realizadas al menos en parte sobre el terreno; Los dibujos de Fra Bartolomeo también parecen claramente esbozados del natural. Las obras terminadas de Durero parecen utilizar generalmente paisajes inventados, aunque la espectacular vista de pájaro de su grabado Némesis muestra una vista real de los Alpes , con elementos adicionales. Se sabe que varios paisajistas hicieron dibujos y bocetos en acuarela de la naturaleza, pero la evidencia de que las primeras pinturas al óleo se realizaron al aire libre es limitada. La Hermandad Prerrafaelita hizo esfuerzos especiales en esta dirección, pero no fue hasta la introducción de pinturas al óleo premezcladas en tubos en la década de 1870, seguidas por el " caballete de caja " portátil, que la pintura al aire libre se volvió una práctica generalizada.
Una cortina de montañas al fondo del paisaje es estándar en las amplias vistas romanas y aún más en los paisajes chinos. En las primeras obras de ambas tradiciones se le da relativamente poco espacio al cielo; Los chinos solían utilizar niebla o nubes entre montañas y, a veces, también mostraban nubes en el cielo mucho antes que los artistas occidentales, que al principio utilizaban principalmente las nubes como soporte o cobertura para figuras divinas o el cielo. Tanto las pinturas sobre paneles como las miniaturas de los manuscritos solían tener un "cielo" o fondo dorado o estampado sobre el horizonte hasta aproximadamente 1400, pero los frescos de Giotto y otros artistas italianos habían mostrado durante mucho tiempo cielos azules. El único retablo superviviente de Melchior Broederlam , terminado para Champmol en 1399, tiene un cielo dorado poblado no sólo por Dios y ángeles, sino también por un pájaro volador. Una escena costera en el Horario Turín-Milán tiene un cielo cubierto con nubes cuidadosamente observadas. En los grabados en madera, un gran espacio en blanco puede hacer que el papel se combe durante la impresión, por lo que Durero y otros artistas suelen incluir nubes o garabatos que representan pájaros para evitar esto.
La tradición monocromática china ha utilizado tinta sobre seda o papel desde sus inicios, con gran énfasis en la pincelada individual para definir los ts'un o "arrugas" en las laderas de las montañas y otras características del paisaje. La acuarela occidental es un medio más tonal, incluso con dibujos visibles.
Tradicionalmente, el arte paisajístico representa la superficie de la Tierra , pero existen otros tipos de paisajes, como los paisajes lunares .
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,_oil_on_canvas,_72.5_x_100_cm,_Rijksmuseum_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller,_Otterlo,_Netherlands.jpg/1280px-Jean_Metzinger,_1906,_Coucher_de_Soleil_No._1_(Landscape),_oil_on_canvas,_72.5_x_100_cm,_Rijksmuseum_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller,_Otterlo,_Netherlands.jpg)
,_oil_on_canvas,_60_x_73_cm,_Mus%C3%A9e_Picasso,_Paris.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1908,_Paysage_aux_deux_figures_(Landscape_with_Two_Figures),_oil_on_canvas,_60_x_73_cm,_Mus%C3%A9e_Picasso,_Paris.jpg)
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Medios relacionados con la pintura de paisajes en Wikimedia Commons