La cerámica de figuras rojas es un estilo de cerámica griega antigua en el que el fondo de la cerámica está pintado de negro mientras que las figuras y los detalles se dejan en el color rojo o naranja natural de la arcilla .
Se desarrolló en Atenas alrededor del 520 a. C. y se mantuvo en uso hasta finales del siglo III d. C. Reemplazó al estilo dominante anteriormente de cerámica de figuras negras en unas pocas décadas. Su nombre moderno se basa en las representaciones figurativas en color rojo sobre un fondo negro, en contraste con el estilo de figuras negras anterior con figuras negras sobre un fondo rojo. Las áreas de producción más importantes, aparte del Ática , estaban en el sur de Italia . El estilo también fue adoptado en otras partes de Grecia . Etruria se convirtió en un importante centro de producción fuera del mundo griego .
Los jarrones áticos de figuras rojas se exportaron a toda Grecia y más allá. Durante mucho tiempo, dominaron el mercado de la cerámica fina. Pocos centros de producción de cerámica podían competir con Atenas en términos de innovación, calidad y capacidad de producción. De los jarrones de figuras rojas producidos solo en Atenas, sobreviven hoy más de 40.000 ejemplares y fragmentos. Del segundo centro de producción más importante, el sur de Italia, se conservan más de 20.000 jarrones y fragmentos. A partir de los estudios de John D. Beazley y Arthur Dale Trendall , el estudio de este estilo de arte ha avanzado enormemente. Algunos jarrones pueden atribuirse a artistas o escuelas individuales. Las imágenes proporcionan evidencia para la exploración de la historia cultural griega , la vida cotidiana , la iconografía y la mitología .
La técnica de figuras rojas es, en pocas palabras, la inversa de la técnica de figuras negras. Ambas se conseguían utilizando la técnica de cocción en tres fases . Las pinturas se aplicaban a las vasijas moldeadas pero sin cocer después de que se hubieran secado hasta adquirir una textura correosa, casi quebradiza. En Ática , la arcilla normal sin cocer era de color naranja en esta etapa. Los contornos de las figuras previstas se dibujaban con un raspador romo, dejando una ligera ranura, o con carbón, que desaparecía por completo durante la cocción. Luego, los contornos se volvían a dibujar con un pincel, utilizando una capa de arcilla brillante . Ocasionalmente, el pintor decidía cambiar un poco la escena figurativa. En tales casos, las ranuras del boceto original a veces permanecen visibles. Los contornos importantes a menudo se dibujaban con una capa más gruesa, lo que daba lugar a un contorno ligeramente saliente (línea de relieve); las líneas menos importantes y los detalles internos se dibujaban con arcilla brillante diluida.
En este punto se aplicaron detalles en otros colores, incluidos el blanco o el rojo. La línea de relieve probablemente se dibujó con un pincel de cerdas o un cabello, sumergido en pintura espesa. (La sugerencia de que una aguja hueca pudiera explicar tales características parece algo improbable). [a] La aplicación de contornos en relieve fue necesaria, ya que de lo contrario la arcilla brillante bastante líquida habría resultado demasiado opaca. Después de la fase inicial de desarrollo de la técnica, se utilizaron ambas alternativas para diferenciar gradaciones y detalles con mayor claridad. El espacio entre las figuras se rellenó con una barbotina de arcilla gris brillante. Luego, los vasos se sometieron a una cocción de triple fase, durante la cual la arcilla brillante alcanzó su color negro o marrón oscuro característico a través de la reducción , y el color rojizo por una reoxidación final . [ b] Dado que esta fase de oxidación final se coció utilizando temperaturas más bajas, las partes esmaltadas del vaso no se reoxidaron de negro a rojo: su superficie más fina se fundió (sinterizó) en la fase reductora y ahora estaba protegida del oxígeno.
La nueva técnica tenía la ventaja principal de permitir una ejecución mucho mejor de los detalles internos. En la pintura de figuras negras para vasos, estos detalles tenían que ser rayados en las superficies pintadas, lo que siempre era menos preciso que la aplicación directa de los detalles con un pincel. Las representaciones de figuras rojas eran generalmente más vivas y realistas que las siluetas de figuras negras . También contrastaban más claramente con los fondos negros. Ahora era posible representar humanos no solo de perfil, sino también en perspectiva frontal, trasera o de tres cuartos. La técnica de figuras rojas también permitía indicar una tercera dimensión en las figuras. Sin embargo, también tenía desventajas. Por ejemplo, la distinción de sexos mediante el uso de engobe negro para la piel masculina y pintura blanca para la piel femenina era ahora imposible. La tendencia actual a representar héroes y deidades desnudos y de edad juvenil también hizo más difícil distinguir los sexos a través de las prendas o los peinados. En las fases iniciales, también hubo errores de cálculo con respecto al grosor de las figuras humanas.
En la pintura de jarrones de figuras negras, los contornos predefinidos formaban parte de la figura. En los jarrones de figuras rojas, el contorno, tras la cocción, formaba parte del fondo negro. Esto dio lugar a jarrones con figuras muy delgadas en un principio. Otro problema era que el fondo negro no permitía representar el espacio con profundidad, por lo que casi nunca se intentaba la perspectiva espacial. No obstante, las ventajas superaban a las desventajas. La representación de músculos y otros detalles anatómicos ilustra claramente el desarrollo del estilo. [1]
La pintura de vasos de figuras negras se desarrolló en Corinto en el siglo VII a. C. y rápidamente se convirtió en el estilo dominante de decoración de cerámica en todo el mundo griego y más allá. Aunque Corinto dominaba el mercado general, se desarrollaron mercados regionales y centros de producción. Inicialmente, Atenas copió el estilo corintio, pero gradualmente llegó a rivalizar y superar el dominio de Corinto. Los artistas áticos desarrollaron el estilo hasta una calidad sin precedentes, alcanzando el apogeo de sus posibilidades creativas en el segundo tercio del siglo VI a. C. Exekias , activo alrededor del 530 a. C., puede considerarse el representante más importante del estilo de figuras negras.
En el siglo V a. C., la cerámica fina ática, predominantemente de figuras rojas, mantuvo su dominio en los mercados. La cerámica ática se exportó a la Magna Grecia e incluso a Etruria . La preferencia por los vasos áticos condujo al desarrollo de talleres o "escuelas" locales en el sur de Italia y en Etruscos, fuertemente influenciados por el estilo ático, pero que producían exclusivamente para los mercados locales.
Los primeros vasos de figuras rojas se produjeron alrededor del 530 a. C. La invención de la técnica se suele atribuir al Pintor de Andócides . Él y otros representantes tempranos del estilo, como Psiax , pintaron inicialmente vasos en ambos estilos, con escenas de figuras negras en un lado y figuras rojas en el otro. Estos vasos, como el Ánfora del vientre del Pintor de Andócides (Múnich 2301) , se denominan vasos bilingües . Aunque muestran avances importantes en comparación con el estilo de figuras negras, las figuras todavía parecen algo forzadas y rara vez se superponen. Las composiciones y técnicas del estilo más antiguo siguieron utilizándose. Así, las líneas incisas son bastante comunes, al igual que la aplicación adicional de pintura roja ("rojo añadido") para cubrir grandes áreas. [2]
Los artistas del llamado " Grupo de los Pioneros " dieron el paso hacia una explotación completa de las posibilidades de la técnica de las figuras rojas. Estuvieron activos entre los años 520 y 500 a.C. Entre sus representantes más importantes se encuentran Eufronio , Eutímides y Fintias . Este grupo, reconocido y definido por los estudiosos del siglo XX, experimentó con las diferentes posibilidades que ofrecía el nuevo estilo. Así, aparecieron figuras en nuevas perspectivas, como vistas frontales o traseras, y se experimentaron con escorzos en perspectiva y composiciones más dinámicas. Como innovación técnica, Eufronio introdujo la "línea en relieve". Al mismo tiempo se inventaron nuevas formas de vasos , un desarrollo favorecido por el hecho de que muchos de los pintores del grupo de los pioneros también eran ceramistas.
Entre las nuevas formas se encuentran el psykter y el pelike . Las cráteras y las ánforas de gran tamaño se hicieron populares en esta época. Aunque no hay indicios de que los pintores se entendieran a sí mismos como un grupo en la forma en que lo hace la erudición moderna, hubo algunas conexiones e influencias mutuas, tal vez en una atmósfera de competencia amistosa y estímulo. Así, un vaso de Eutímides lleva la inscripción "como Eufronio nunca [habría sido capaz]" . En términos más generales, el grupo pionero tendía a utilizar inscripciones. El etiquetado de figuras mitológicas o la adición de inscripciones de Kalos son la regla más que la excepción. [2]
Además de los pintores de vasos, algunos pintores de cuencos también utilizaron el nuevo estilo, entre ellos Oltos y Epícteto . Muchas de sus obras eran bilingües y a menudo utilizaban figuras rojas solo en el interior del cuenco.
La generación de artistas que siguió a los pioneros, activa durante el período Arcaico Tardío ( hacia el 500 al 470 a. C.), dio un nuevo impulso al estilo. Durante este tiempo, los vasos de figuras negras no lograron alcanzar la misma calidad y finalmente fueron expulsados del mercado. Algunos de los pintores de vasos áticos más famosos pertenecen a esta generación. Entre ellos se incluyen el Pintor de Berlín , el Pintor de Cleofrades y, entre los pintores de cuencos , Onésimo , Duris , Makrón y el Pintor de Brygos . La mejora de la calidad fue acompañada por una duplicación de la producción durante este período. Atenas se convirtió en el productor dominante de cerámica fina en el mundo mediterráneo , eclipsando a casi todos los demás centros de producción. [3]
Una de las características clave de este estilo de pintura de vasos áticos de gran éxito es el dominio del escorzo en perspectiva, que permite una representación mucho más naturalista de las figuras y las acciones. Otra característica es la reducción drástica de las figuras por vaso, de los detalles anatómicos y de las decoraciones ornamentales. En contraste, el repertorio de escenas representadas se incrementó. Por ejemplo, los mitos en torno a Teseo se hicieron muy populares en esta época. Se emplearon con frecuencia formas de vasos nuevas o modificadas, incluidas las ánforas de Nola (véase Tipología de las formas de los vasos griegos ), los lecitos , así como los cuencos de los tipos askos y dinos . La especialización en pintores de vasos y cuencos separados aumentó. [3]
La característica clave de las figuras del Clásico temprano es que suelen ser más robustas y menos dinámicas que sus predecesoras. Como resultado, las representaciones adquirieron seriedad, incluso patetismo . Los pliegues de las prendas se representaron de forma menos lineal, pareciendo más plásticos. La forma de presentar las escenas también cambió sustancialmente. En primer lugar, las pinturas dejaron de centrarse en el momento de un acontecimiento particular, sino que, en cambio, mostraron con tensión dramática la situación inmediatamente anterior a la acción, insinuando y contextualizando el acontecimiento propiamente dicho. Además, algunos de los otros nuevos logros de la democracia ateniense comenzaron a mostrar una influencia en la pintura de vasos. Así, se pueden detectar influencias de la tragedia y de la pintura mural . Dado que la pintura mural griega se ha perdido casi por completo en la actualidad, su reflejo en los vasos constituye una de las pocas, aunque modestas, fuentes de información sobre ese género artístico.
Otras influencias en la pintura de vasos del Alto Clasicismo incluyen el recién erigido Partenón y su decoración escultórica . Esto es especialmente visible en la representación de las prendas; el material ahora cae de manera más natural y se representan más pliegues, lo que lleva a una mayor "profundidad" de la representación. Las composiciones generales se simplificaron aún más. Los artistas pusieron especial énfasis en la simetría , la armonía y el equilibrio. Las figuras humanas habían vuelto a su esbeltez anterior; a menudo irradian una serenidad divina y ensimismada. [3]
Entre los pintores más importantes de este período, que se extiende aproximadamente entre el 480 y el 425 a. C., se encuentran el Pintor de Providencia , Hermonax y el Pintor de Aquiles , todos ellos siguiendo la tradición del Pintor de Berlín. También es importante el Pintor de Fiale , probablemente discípulo del Pintor de Aquiles. También se desarrollaron nuevas tradiciones de taller. Entre los ejemplos más notables se encuentran los denominados " manieristas ", entre los que destaca el Pintor de Pan . Otra tradición fue iniciada por el Pintor de Nióbide y continuada por Polignoto , el Pintor de Cleofón y el Pintor de Dinosaurios . El papel de los cuencos disminuyó, aunque todavía se producían en grandes cantidades, por ejemplo en el taller del Pintor de Pentesilea . [3]
Durante el período clásico tardío, en el último cuarto del siglo V a. C., se crearon dos tendencias opuestas. Por un lado, se desarrolló un estilo de pintura de vasos fuertemente influenciado por el "estilo rico" de la escultura, por otro, algunos talleres continuaron los desarrollos del período clásico alto, con un énfasis creciente en la representación de la emoción y una gama de escenas eróticas. El representante más importante del estilo rico es el pintor de Meidias . Los rasgos característicos incluyen prendas transparentes y múltiples pliegues de tela. También hay un aumento en la representación de joyas y otros objetos. El uso de colores adicionales, principalmente blanco y dorado, representando accesorios en bajorrelieve, es muy llamativo. Con el tiempo, hay un marcado "suavización": el cuerpo masculino, hasta entonces definido por la representación de los músculos, gradualmente perdió esta característica clave. [3]
Las pinturas representaban escenas mitológicas con menos frecuencia que antes. Las imágenes del mundo privado y doméstico se volvieron cada vez más importantes. Las escenas de la vida de las mujeres son especialmente frecuentes. Las escenas mitológicas están dominadas por imágenes de Dioniso y Afrodita . No está claro qué causó este cambio de tema entre algunos de los artistas. Las sugerencias incluyen un contexto con los horrores de la Guerra del Peloponeso , pero también la pérdida del papel dominante de Atenas en el comercio de cerámica mediterránea (en sí mismo parcialmente resultado de la guerra). El creciente papel de los nuevos mercados, por ejemplo Iberia , implicó nuevas necesidades y deseos por parte de los clientes. Estas teorías se contradicen con el hecho de que algunos artistas mantuvieron el estilo anterior. Algunos, por ejemplo el Pintor de Eretria , intentaron combinar ambas tradiciones. Las mejores obras del período clásico tardío se encuentran a menudo en vasos más pequeños, como lecitos de vientre , píxides y oinochai . Lekanis , crátera de campana (ver Tipología de formas de vasos griegos ) e hidria también fueron populares. [4]
La producción de cerámica de figuras rojas de uso corriente cesó alrededor del año 360 a. C. Los estilos rico y simple existieron hasta esa fecha. Entre los representantes tardíos se encuentran el Pintor de Meleagro (estilo rico) y el Pintor de Jena (estilo simple).
Las últimas décadas de la pintura de vasos áticos de figuras rojas están dominadas por el estilo Kerch . Este estilo, vigente entre 370 y 330 a. C., combinaba los estilos rico y modesto anteriores, con una preponderancia del rico. Las composiciones abarrotadas con grandes figuras escultóricas son típicas. Los colores añadidos ahora incluyen azul, verde y otros. El volumen y el sombreado se indican mediante el uso de arcilla brillante líquida diluida. Ocasionalmente, se añaden figuras enteras como apliques, es decir, como finos relieves figurativos unidos al cuerpo del vaso. La variedad de formas de vasos en uso se redujo drásticamente. Las formas pintadas comunes incluyen pelike , crátera de cáliz , lekythos de vientre , skyphos , hydria y oinochoe . Las escenas de la vida femenina son muy comunes. Los temas mitológicos todavía están dominados por Dionisos ; Ariadna y Heracles son los héroes representados con mayor frecuencia. El pintor más conocido de este estilo es el Pintor de Marsias . [4]
Los últimos vasos atenienses con representaciones figurativas se crearon en torno al año 320 a. C. como muy tarde. El estilo perduró durante algo más de tiempo, pero con decoraciones no figurativas. Los últimos ejemplos reconocidos son de pintores conocidos como el grupo YZ .
El Kerameikos era el barrio de los alfareros de Atenas. Contenía una variedad de pequeños talleres, y probablemente algunos más grandes. En 1852 d. C., durante la actividad de construcción en la calle Ermou , se descubrió el taller del Pintor de Jena . Los artefactos de este se exhiben ahora en la colección universitaria de la Universidad Friedrich Schiller de Jena . [5] Según la investigación moderna, los talleres eran propiedad de los alfareros. Se conocen los nombres de unos 40 pintores de vasos áticos, a partir de inscripciones de vasos, generalmente acompañadas por las palabras ἐγραψεν (égrapsen, ha pintado). En contraste, la firma del alfarero, ἐποίησεν (epoíesen, ha hecho) ha sobrevivido en más del doble de ollas, es decir, alrededor de 100, (ambos números se refieren a la totalidad de la pintura de vasos figurativos áticos). Aunque las firmas se conocían desde c. 580 a. C. (primera firma conocida del alfarero Sophilos ), su uso aumentó hasta alcanzar su apogeo alrededor de la Fase Pionera. Una actitud cambiante, aparentemente cada vez más negativa, hacia los artesanos condujo a una reducción de las firmas, comenzando durante el período Clásico a más tardar. [6] En general, las firmas son bastante raras. El hecho de que se encuentren principalmente en piezas especialmente buenas indica que expresaban el orgullo del alfarero y/o pintor. [7]
El estatus de los pintores en relación con el de los alfareros sigue siendo un tanto confuso. El hecho de que, por ejemplo, Eufronio pudiera trabajar como pintor y alfarero sugiere que al menos algunos de los pintores no eran esclavos . Por otro lado, algunos de los nombres conocidos indican que había al menos algunos antiguos esclavos y algunos perioikoi entre los pintores. Además, algunos de los nombres no son únicos: por ejemplo, varios pintores firmaban como Polygnotos . Esto puede representar intentos de sacar provecho del nombre de ese gran pintor. Lo mismo puede suceder cuando los pintores llevan nombres por lo demás famosos, como Aristófanes (pintor de vasos) . Las carreras de algunos pintores de vasos son bastante conocidas. Aparte de los pintores con períodos de actividad relativamente cortos (una o dos décadas), algunos pueden rastrearse durante mucho más tiempo. Los ejemplos incluyen a Douris , Makron , Hermonax y el Pintor de Aquiles . El hecho de que varios pintores se convirtieran posteriormente en alfareros, y los casos relativamente frecuentes en los que no está claro si algunos alfareros también eran pintores o viceversa , sugieren una estructura de carrera, que tal vez comenzaba con un aprendizaje que implicaba principalmente pintura y conducía a convertirse en alfarero.
Esta división del trabajo parece haberse desarrollado junto con la introducción de la pintura de figuras rojas, ya que se conocen muchos pintores alfareros del período de figuras negras (incluidos Exequias , Nearcos y quizás el Pintor de Amasis ). La mayor demanda de exportaciones habría llevado a nuevas estructuras de producción, fomentando la especialización y la división del trabajo, lo que llevó a una distinción a veces ambigua entre pintor y alfarero. Como se mencionó anteriormente, la pintura de vasijas probablemente era principalmente responsabilidad de asistentes o aprendices más jóvenes. Se pueden sugerir algunas conclusiones adicionales sobre los aspectos organizativos de la producción de cerámica. Parece que, en general, varios pintores trabajaban para un taller de cerámica, como lo indica el hecho de que, con frecuencia, varias vasijas aproximadamente contemporáneas del mismo alfarero son pintadas por varios pintores. Por ejemplo, se ha encontrado que las vasijas hechas por Eufronio fueron pintadas por Onésimo , Duris , el Pintor de Antífona , el Pintor de Triptolemos y el Pintor de Pistoxenos . Por el contrario, un pintor individual también podía cambiar de un taller a otro. Por ejemplo, el pintor de cuencos Oltos trabajó para al menos seis alfareros diferentes. [7]
Aunque desde una perspectiva moderna los pintores de vasos son considerados a menudo artistas, y sus vasos, por tanto, obras de arte , esta visión no es coherente con la sostenida en la antigüedad. Los pintores de vasos, como los alfareros, eran considerados artesanos, y sus productos, bienes comerciales. [8] Los artesanos debían tener un nivel de educación razonablemente alto, ya que aparecen una variedad de inscripciones. Por un lado, las inscripciones de Kalos antes mencionadas son comunes; por otro lado, las inscripciones a menudo etiquetan a las figuras representadas. Que no todos los pintores de vasos sabían escribir se muestra con algunos ejemplos de filas de letras aleatorias sin sentido. Los vasos indican una mejora constante de la alfabetización desde el siglo VI a. C. en adelante. [9] Hasta ahora no se ha aclarado satisfactoriamente si los alfareros, y quizás los pintores de vasos, pertenecían a la élite ática . ¿Reflejan las frecuentes representaciones del simposio , una actividad definida de la clase alta, la experiencia personal de los pintores, sus aspiraciones a asistir a tales eventos o simplemente las demandas del mercado? [10] Una gran proporción de los vasos pintados producidos, como el psykter , el krater , el kalpis , el stamnos , así como los kylikes y los kantharoi , se hicieron y compraron para ser utilizados en simposios. [11]
Los jarrones pintados de forma elaborada eran buenos, pero no los mejores, artículos de mesa disponibles para un griego. Los vasos de metal, especialmente los de metales preciosos, eran tenidos en mayor estima. No obstante, los jarrones pintados no eran productos baratos; los ejemplares más grandes, especialmente, eran caros. Alrededor del 500 a. C., un gran jarrón pintado costaba alrededor de una dracma , equivalente al salario diario de un albañil. Se ha sugerido que los jarrones pintados representan un intento de imitar los vasos de metal. Normalmente se asume que las clases sociales más bajas tendían a utilizar vajillas simples y toscas sin decorar, de las cuales se encuentran cantidades masivas en las excavaciones . Las vajillas hechas de materiales perecederos, como la madera, pueden haber sido aún más extendidas. [12] No obstante, múltiples hallazgos de jarrones de figuras rojas, generalmente no de la más alta calidad, encontrados en asentamientos, prueban que tales vasos se usaban en la vida diaria. Una gran proporción de la producción estaba ocupada por vasos de culto y funerarios. En cualquier caso, se puede asumir que la producción de cerámica de alta calidad era un negocio rentable. Por ejemplo, en la Acrópolis de Atenas se encontró un costoso obsequio votivo del pintor Eufronio . [13] No cabe duda de que la exportación de este tipo de cerámica contribuyó de manera importante a la opulencia de Atenas. No es de extrañar que muchos talleres parezcan haber orientado su producción a los mercados de exportación, por ejemplo, produciendo formas de vasijas que eran más populares en la región de destino que en Atenas. La desaparición de la pintura de vasos áticos en el siglo IV a. C. coincide de manera reveladora con el mismo período en el que los etruscos , probablemente el principal mercado de exportación occidental, se vieron sometidos a una creciente presión por parte de los griegos del sur de Italia y los romanos . Otra razón para el fin de la producción de vasos decorados con figuras es un cambio de gustos a principios del período helenístico . La razón principal, sin embargo, debe verse en el progreso cada vez más infructuoso de la Guerra del Peloponeso, que culminó con la devastadora derrota de Atenas en el 404 a. C. Después de esto, Esparta controló el comercio occidental, aunque sin tener la fuerza económica para explotarlo por completo. Los alfareros áticos tuvieron que buscar nuevos mercados y lo hicieron en la zona del Mar Negro . Pero Atenas y sus industrias nunca se recuperaron del todo de la derrota. Algunos alfareros y pintores ya se habían trasladado a Italia durante la guerra en busca de mejores condiciones económicas. Un indicador clave de la naturaleza orientada a la exportación de la producción de vasos áticos es la ausencia casi total de escenas teatrales. Los compradores de otros orígenes culturales, como los etruscos o clientes posteriores de la península Ibérica, habrían encontrado esta representación incomprensible o carente de interés. En la pintura de vasos del sur de Italia, que en su mayoría no estaba destinada a la exportación, este tipo de escenas son bastante comunes. [14]
Al menos desde un punto de vista moderno, las pinturas de vasos de figuras rojas del sur de Italia representan la única región de producción que alcanza los estándares áticos de calidad artística. Después de los vasos áticos, los del sur de Italia (incluidos los de Sicilia ) son los más investigados. A diferencia de sus contrapartes áticas, se produjeron principalmente para los mercados locales. Solo se han encontrado pocas piezas fuera del sur de Italia y Sicilia. Los primeros talleres fueron fundados a mediados del siglo V a. C. por alfareros áticos. Pronto, los artesanos locales fueron capacitados y la dependencia temática y formal de los vasos áticos se superó. Hacia finales de siglo, el distintivo "estilo ornamentado" y "estilo sencillo" se desarrolló en Apulia . Especialmente el estilo ornamentado fue adoptado por otras escuelas continentales, pero sin alcanzar la misma calidad. [15]
Hasta el momento se conocen 21.000 vasos y fragmentos del sur de Italia, de los cuales 11.000 se atribuyen a talleres de Apulia, 4.000 a los de Campania, 2.000 a los de Paestan, 1.500 a los de Lucania y 1.000 a los de Sicilia. [16]
La tradición de la pintura de vasos de Apulia se considera el estilo más importante del sur de Italia. El principal centro de producción estaba en Taras . Los vasos de figuras rojas de Apulia se produjeron entre el 430 y el 300 a. C. Se distinguen los estilos sencillos y ornamentados. La principal diferencia entre ellos es que el estilo sencillo favorecía las cráteras de campana , las cráteras de columna y los vasos más pequeños, y que un solo vaso "sencillo" rara vez representaba más de cuatro figuras. Los temas principales eran escenas mitológicas, cabezas femeninas, guerreros en escenas de combate o despedida e imágenes dionisíacas de tiasos . El reverso a menudo mostraba jóvenes con capas. La característica clave de estas piezas decoradas de forma sencilla es la ausencia general de colores adicionales. Representantes importantes del estilo sencillo son el Pintor de Sísifo y el Pintor de Tarporley . Después de mediados del siglo IV a. C., el estilo se vuelve cada vez más similar al estilo ornamentado. Un artista importante de ese período es el Pintor de Varrese . [17]
Los artistas que utilizaban el estilo ornamentado tendían a favorecer los vasos de gran tamaño, como las cráteras de voluta , las ánforas , los lutróforos y las hidrias . La superficie más grande se utilizaba para representar hasta 20 figuras, a menudo en varios registros en el cuerpo del vaso. Se utilizaban abundantemente colores adicionales, especialmente tonos de rojo, amarillo dorado y blanco. Desde la segunda mitad del siglo IV, los cuellos y los lados de los vasos están decorados con ricas decoraciones vegetales u ornamentales. Al mismo tiempo, se desarrollan las vistas en perspectiva, especialmente de edificios como el "Palacio de Hades " ( naiskoi ). Desde 360 a. C., este tipo de estructuras se representan a menudo en escenas relacionadas con ritos funerarios ( vasos naiskos ). Representantes importantes de este estilo son el Pintor de Ilioupersis , el Pintor de Darío y el Pintor de Baltimore . Las escenas mitológicas eran especialmente populares: la asamblea de los dioses, la amazonomaquia , la guerra de Troya , Heracles y Belerofonte . Además, estos vasos representan con frecuencia escenas de mitos que rara vez se ilustran en vasos. Algunos ejemplares representan la única fuente de la iconografía de un mito en particular. Otro tema desconocido en la pintura de vasos áticos son las escenas teatrales. Sobre todo, las escenas de farsa, por ejemplo, de los llamados vasos Phlyax , son bastante comunes. Las escenas de actividad deportiva o de la vida cotidiana solo aparecen en la fase temprana, desapareciendo por completo después del 370 a. C. [18]
La pintura de vasos de Apulia ejerció una influencia determinante en las tradiciones de los demás centros de producción del sur de Italia. Se supone que algunos artistas de Apulia se establecieron en otras ciudades italianas y aportaron allí sus conocimientos. Además de las figuras rojas, Apulia también produjo vasos lacados en negro con decoración pintada (vasos de Gnathia) y vasos policromados (vasos de Canosa). [19]
Campania también produjo vasos de figuras rojas en los siglos V y IV a. C. La arcilla marrón clara de Campania se cubría con un engobe que desarrollaba un tinte rosado o rojo después de la cocción. Los pintores de Campania preferían tipos de vasos más pequeños, pero también hidrias y cráteras de campana . La forma más popular es la ánfora con asa de arco. Muchas formas de vasos típicas de Apulia, como cráteras de voluta , cráteras de columna , lutroforos , ritas y ánforas nestoris están ausentes, los pelikes son raros. El repertorio de motivos es limitado. Los temas incluyen jóvenes, mujeres, escenas de tiasos, pájaros y animales, y a menudo guerreros nativos. Los dorsos a menudo muestran jóvenes con capas. Las escenas mitológicas y las representaciones relacionadas con los ritos funerarios juegan un papel secundario. Las escenas de Naiskos , los elementos ornamentales y la policromía se adoptan después de 340 a. C. bajo la influencia lucana. [20]
Antes de la inmigración de alfareros sicilianos en el segundo cuarto del siglo IV a.C., cuando se establecieron varios talleres en Campania, solo se conoce el Taller de la Lechuza-Pilar de la segunda mitad del siglo V. La pintura de vasos de Campania se subdivide en tres grupos principales:
El primer grupo está representado por el Pintor de Kassandra de Capua , todavía bajo influencia siciliana. Le siguieron el taller del Pintor de Parrish y el del Pintor de Laghetto y el Pintor de Caivano. Su obra se caracteriza por una preferencia por las figuras de sátiros con tirsos , representaciones de cabezas (normalmente debajo de las asas de las hidrias ), bordes decorativos de las prendas y el uso frecuente de blanco, rojo y amarillo adicionales. Los Pintores de Laghetto y Caivano parecen haberse trasladado a Paestum más tarde. [21]
El grupo AV también tenía su taller en Capua. De particular importancia es el Pintor de Carablanca-Frignano, uno de los primeros de este grupo. Su característica típica es el uso de pintura blanca adicional para representar los rostros de las mujeres. Este grupo favoreció las escenas domésticas, las mujeres y los guerreros. Las figuras múltiples son raras, por lo general solo hay una figura en cada uno de los lados del vaso, a veces solo la cabeza. Las prendas suelen estar dibujadas de manera informal. [22]
Después de 350 a. C., el pintor CA y sus sucesores trabajaron en Cumas . El pintor CA es considerado como el artista más destacado de su grupo, o incluso de la pintura de vasos de Campania en su conjunto. A partir de 330, es visible una fuerte influencia de Apulia. Los motivos más comunes son naiskos y escenas funerarias, escenas dionisíacas y simposios. Las representaciones de cabezas femeninas adornadas con joyas también son comunes. El pintor CA era policromado, pero tendía a usar mucho blanco para la arquitectura y las figuras femeninas. Sus sucesores no pudieron mantener completamente su calidad, lo que llevó a una rápida desaparición, que terminó con el final de la pintura de vasos de Campania alrededor del 300 a. C. [22]
La tradición de la pintura de vasos de Lucania comenzó alrededor del 430 a. C., con las obras del Pintor de Pisticci . Probablemente estuvo activo en Pisticci , donde se descubrieron algunas de sus obras. Estaba fuertemente influenciado por la tradición ática. Sus sucesores, el Pintor de Amycus y el Pintor de Cyclops tenían un taller en Metaponto . Fueron los primeros en pintar el nuevo tipo de vaso nestoris (ver Tipología de las formas de vasos griegos ). Las escenas míticas o teatrales son comunes. Por ejemplo, el pintor Cheophoroi, llamado así por el Cheophoroi de Esquilo, mostró escenas de la tragedia en cuestión en varios de sus vasos. La influencia de la pintura de vasos de Apulia se hace tangible aproximadamente en la misma época. Especialmente la policromía y la decoración vegetal se convirtieron en estándar. Representantes importantes de este estilo incluyen al Pintor de Dolon y al Pintor de Brooklyn-Budapest. Hacia mediados del siglo IV a. C., se hace notable una caída masiva en la calidad y la variedad temática. El último pintor de vasos lucano notable fue el Pintor Primato, fuertemente influido por el Pintor Licurgo de Apulia. Después de él, una rápida desaparición es seguida por el cese de la pintura de vasos lucana a principios del último cuarto del siglo IV a. C. [23]
El estilo de pintura de vasos de Paestan se desarrolló como el último de los estilos del sur de Italia. Fue fundado por inmigrantes sicilianos alrededor del 360 a. C. El primer taller estaba controlado por Asteas y Python . Son los únicos pintores de vasos del sur de Italia conocidos por inscripciones. Pintaron principalmente cráteras de campana , ánforas de cuello, hidrias , lebes gamikos , lekanes , lecitos y jarras, más raramente pelikes , cráteras de cáliz y cráteras de volutas . Las características incluyen decoraciones como palmetas laterales, un patrón de zarcillos con cáliz y umbela conocido como "flor de asteas", patrones similares a almenas en las prendas y cabello rizado colgando sobre la espalda de las figuras. Las figuras que se inclinan hacia adelante, descansando sobre plantas o rocas, son igualmente comunes. A menudo se usan colores especiales, especialmente blanco, dorado, negro, morado y tonos de rojo. [24]
Los temas representados pertenecen a menudo al ciclo dionisíaco: escenas de tiasos y simposios, sátiros, ménades , Sileno , Orestes , Electra , los dioses Afrodita y Eros , Apolo , Atenea y Hermes . La pintura de Paestum rara vez representa escenas domésticas, sino que favorece a los animales. Asteas y Pitón tuvieron una gran influencia en la pintura de vasos de Paestum. Esto es claramente visible en la obra del Pintor de Afrodita, que probablemente emigró de Apulia. Alrededor de 330 a. C., se desarrolló un segundo taller, originalmente siguiendo el trabajo del primero. La calidad de su pintura y la variedad de sus motivos se deterioraron rápidamente. Al mismo tiempo, se hace notable la influencia del Pintor Caivano de Campania, que siguió las prendas de vestir de forma lineal y las figuras femeninas sin contornos. Alrededor de 300 a. C., la pintura de vasos de Paestum se detuvo. [25]
La producción de pintura de vasos sicilianos comenzó antes de finales del siglo V a. C., en las polis de Himera y Siracusa . En términos de estilo, temas, ornamentación y formas de los vasos, los talleres estaban fuertemente influenciados por la tradición ática, especialmente por el pintor de Meidias del clasicismo tardío . En el segundo cuarto del siglo IV, los pintores de vasos sicilianos emigraron a Campania y Paestum, donde introdujeron la pintura de vasos de figuras rojas. Solo Siracusa conservó una producción limitada. [26]
El estilo típico siciliano se desarrolló sólo alrededor del 340 a. C. Se pueden distinguir tres grupos de talleres. El primero, conocido como el Grupo Lentini-Manfria, estaba activo en Siracusa y Gela , un segundo, que fabricaba cerámica Centuripe alrededor del monte Etna , y un tercero en Lípari . La característica más típica de la pintura de vasos sicilianos es el uso de colores adicionales, especialmente el blanco. En la fase temprana, se pintaban vasos grandes como cráteras de cáliz e hidrias , pero son más típicos los vasos más pequeños como frascos, lecanos , lecitos y píxidas escifoides . Los motivos más comunes son escenas de la vida femenina, erotes , cabezas femeninas y escenas de phlyax . Las escenas mitológicas son raras. Como en todas las demás áreas, la pintura de vasos desaparece de Sicilia alrededor del 300 a. C. [26]
A diferencia de la pintura de figuras negras sobre vasos, la pintura de figuras rojas sobre vasos desarrolló pocas tradiciones, talleres o "escuelas" regionales fuera del Ática y el sur de Italia. Las pocas excepciones incluyen algunos talleres en Beocia (Pintor del Gran Atenas Kantharos), Calcídica , Élide , Eretria , Corinto y Laconia .
Sólo Etruria , uno de los principales mercados de exportación de vasos áticos, desarrolló sus propias escuelas y talleres, y acabó exportando sus propios productos. La adopción de la pintura de figuras rojas, imitando los vasos atenienses, se produjo sólo después del 490 a. C., medio siglo después de que se hubiera desarrollado el estilo. Debido a la técnica utilizada, los primeros ejemplos se conocen como pinturas de vasos de pseudofiguras rojas. La verdadera técnica de figuras rojas se introdujo mucho más tarde, hacia finales del siglo V a. C. Se conocen varios pintores, talleres y centros de producción de ambos estilos. Sus productos no sólo se utilizaban localmente, sino que también se exportaban a Malta , Cartago , Roma y Liguria .
Los primeros ejemplos etruscos simplemente imitaban la técnica de las figuras rojas. De manera similar a una técnica ática rara y temprana (ver la técnica de Six ), todo el vaso estaba cubierto con arcilla negra brillante y las figuras se aplicaban después usando colores minerales que oxidarían el rojo o el blanco. Por lo tanto, en contraste con la pintura de vasos ática contemporánea, el color rojo no se lograba dejando áreas sin pintar, sino agregando pintura a la capa de imprimación negra. Al igual que en los vasos de figuras negras, los detalles internos no se pintaban, sino que se grababan en las figuras. Representantes importantes de este estilo incluyen al Pintor de Praxias y otros maestros de su taller en Vulci . A pesar de su evidente buen conocimiento del mito y la iconografía griega, no hay evidencia que indique que estos pintores hubieran inmigrado del Ática. Una excepción a esto puede ser el Pintor de Praxias, ya que la inscripción griega en cuatro de sus vasos puede indicar que se originó en Grecia. [27]
En Etruria, el estilo pseudo-figuras rojas no fue sólo un fenómeno de las primeras fases, como lo había sido en Ática. Especialmente durante el siglo IV, algunos talleres se especializaron en esta técnica, aunque la verdadera pintura de figuras rojas estaba muy extendida entre los talleres etruscos en la misma época. Los talleres notables incluyen el Grupo Sokra y el Grupo Fantasma. El Grupo Sokra, algo más antiguo, prefería cuencos con decoración interior de temas míticos griegos, pero también algunos motivos etruscos. El Grupo Fantasma pintaba principalmente figuras encapuchadas combinadas con ornamentación vegetal o palmetas. Se sospecha que los talleres de ambos grupos estuvieron en Caere , Falerii y Tarquinia . El Grupo Fantasma produjo hasta principios del siglo III a. C. Como en otros lugares, los gustos cambiantes de los clientes finalmente llevaron al final de este estilo. [28]
La pintura de vasos con figuras rojas, es decir, vasos en los que las zonas rojas se han dejado sin pintar, se introdujo en Etruria hacia finales del siglo V a. C. Los primeros talleres se desarrollaron en Vulci y Falerii y produjeron también para las áreas circundantes. Es probable que los maestros áticos estuvieran detrás de estos primeros talleres, pero también es evidente una influencia del sur de Italia . Estos talleres dominaron el mercado etrusco hasta el siglo IV a. C. Los vasos grandes y medianos, como las cráteras y las jarras, estaban decorados principalmente con escenas mitológicas. En el transcurso del siglo IV, la producción falerina comenzó a eclipsar a la de Vulci. Se desarrollaron nuevos centros de producción en Chiusi y Orvieto . Especialmente el Grupo Tondo de Chiusi, que produjo principalmente vasos para beber con representaciones interiores de escenas dionisíacas, adquirió importancia. Durante la segunda mitad del siglo, Volterra se convirtió en un centro principal. Aquí, especialmente se produjeron cráteras con asa de vara y, especialmente en las primeras fases, se pintaron de manera elaborada.
Durante la segunda mitad del siglo IV a. C., los temas mitológicos desaparecieron del repertorio de los pintores etruscos. Fueron reemplazados por cabezas femeninas y escenas de hasta dos figuras. En lugar de representaciones figurativas, adornos y motivos florales cubrían los cuerpos de las vasijas. Las grandes composiciones figurativas, como la de una crátera del Pintor del Grupo de Embudos de La Haya, solo se produjeron excepcionalmente. La producción originalmente a gran escala de Falerii perdió su papel dominante en favor del centro de producción de Caere, que probablemente había sido fundado por pintores falerianos y no se puede decir que represente una tradición distinta. El repertorio estándar de los talleres de Caere incluía oinochoai , lekythoi y cuencos para beber pintados de forma sencilla del Grupo Torcop, y platos del Grupo Genucuilia. El cambio a la producción de vasos de esmalte negro hacia finales del siglo IV, probablemente como reacción a los gustos cambiantes de la época, marcó el final de la pintura de vasos etruscos de figuras rojas. [29]
Se sabe que sobrevivieron alrededor de 65.000 jarrones de figuras rojas y fragmentos de jarrones. [c] El estudio de la cerámica antigua y de la pintura de vasos griegos comenzó ya en la Edad Media . Restoro d'Arezzo dedicó un capítulo ( Capitolo delle vasa antiche ) de su descripción del mundo a los vasos antiguos (Della composizione del mondo, libro VIII, capitolo IV). Consideró especialmente los vasos de arcilla como perfectos en términos de forma, color y estilo artístico. [30] Sin embargo, inicialmente la atención se centró en los vasos en general, y quizás especialmente en los vasos de piedra. Las primeras colecciones de vasos antiguos, incluidos algunos vasos pintados, se desarrollaron durante el Renacimiento . Incluso sabemos de algunas importaciones de Grecia a Italia en esa época. Aún así, hasta el final del período barroco , la pintura de vasos se vio eclipsada por otros géneros, especialmente por la escultura . Una rara excepción preclasicista es un libro de acuarelas que representan vasos figurativos, que se produjo para Nicolas-Claude Fabri de Peiresc . Al igual que algunos de sus coleccionistas contemporáneos, Peiresc poseía varios jarrones de arcilla. [31]
Desde el período del Clasicismo , las vasijas de cerámica se coleccionaban con mayor frecuencia. Por ejemplo, Sir William Hamilton [d] y Giuseppe Valletta tenían colecciones de jarrones. Los jarrones encontrados en Italia eran relativamente asequibles, por lo que incluso los particulares podían reunir colecciones importantes. Los jarrones eran un recuerdo popular para que los jóvenes europeos del noroeste trajeran a casa del Grand Tour . En los diarios de su viaje a Italia, [e] Goethe se refiere a la tentación de comprar jarrones antiguos. Aquellos que no podían permitirse los originales tenían la opción de adquirir copias o grabados. Incluso había fábricas especializadas en imitar cerámica antigua. La más conocida es la cerámica Wedgwood , aunque empleaba técnicas completamente ajenas a las utilizadas en la antigüedad, utilizando motivos antiguos simplemente como inspiración temática. [32]
Desde la década de 1760, la investigación arqueológica también comenzó a centrarse en las pinturas sobre vasos. Los vasos eran apreciados como material de referencia para todos los aspectos de la vida antigua, especialmente para estudios iconográficos y mitológicos . La pintura sobre vasos ahora se consideraba un sustituto de la obra casi totalmente perdida de la pintura monumental griega . En esta época, la opinión generalizada de que todos los vasos pintados eran obras etruscas se volvió insostenible. No obstante, la moda artística de esa época de imitar vasos antiguos pasó a llamarse all'etrusque . Inglaterra y Francia intentaron superarse mutuamente en términos de investigación e imitación de vasos. Los escritores estéticos alemanes Johann Heinrich Müntz y Johann Joachim Winckelmann estudiaron las pinturas sobre vasos. Winckelmann elogió especialmente el Umrißlinienstil ("estilo de contorno", es decir, pintura de figuras rojas). Los adornos de vasos se recopilaron y difundieron en Inglaterra a través de libros de patrones . [33]
Las pinturas sobre jarrones influyeron incluso en el desarrollo de la pintura moderna. El estilo lineal influyó en artistas como Edward Burne-Jones , Gustave Moreau o Gustav Klimt . Alrededor de 1840, Ferdinand Georg Waldmüller pintó una Naturaleza muerta con vasijas de plata y crátera de campanas de figuras rojas . Henri Matisse produjo una pintura similar ( Intérieur au vase étrusque ). Su influencia estética se extiende hasta el presente. Por ejemplo, la conocida forma curva de la botella de Coca-Cola está inspirada en los jarrones griegos. [34]
El estudio científico de las pinturas de vasos áticos fue impulsado especialmente por John D. Beazley . Beazley comenzó a estudiar los vasos a partir de 1910 aproximadamente, inspirado por la metodología que el historiador de arte Giovanni Morelli había desarrollado para el estudio de las pinturas. Supuso que cada pintor produjo obras individuales a las que siempre se puede atribuir inequívocamente. Para ello, se compararon detalles particulares, como rostros, dedos, brazos, piernas, rodillas, pliegues de la ropa, etc. Beazley examinó 65.000 vasos y fragmentos (de los cuales 20.000 eran de figuras negras). En el transcurso de seis décadas de estudio, pudo atribuir 17.000 de ellos a artistas individuales. Cuando sus nombres permanecieron desconocidos, desarrolló un sistema de nombres convencionales. Beazley también unió y combinó a pintores individuales en grupos, talleres, escuelas y estilos. Ningún otro arqueólogo ha tenido nunca una influencia tan formativa en toda una subdisciplina como la que tuvo Beazley en el estudio de la pintura de vasos griegos. Una gran parte de su análisis todavía se considera válida hoy en día. Beazley publicó por primera vez sus conclusiones sobre la pintura de jarrones de figuras rojas en 1925 y 1942. Sus estudios iniciales solo consideraron material anterior al siglo IV a. C. Para una nueva edición de su trabajo publicada en 1963, también incorporó ese período posterior, haciendo uso del trabajo de otros eruditos, como Karl Schefold , que había estudiado especialmente los jarrones de estilo Kerch . Los eruditos famosos que continuaron el estudio de las figuras rojas del Ático después de Beazley incluyen a John Boardman , Erika Simon y Dietrich von Bothmer . [35]
Para el estudio de la pintura de caja del sur de Italia , el trabajo de Arthur Dale Trendall tiene una importancia similar a la de Beazley para el Ática. Se puede decir que la mayoría de los estudiosos posteriores a Beazley siguen la tradición de Beazley y utilizan su metodología. [f] El estudio de los vasos griegos está en curso, sobre todo debido a la constante adición de nuevo material procedente de excavaciones arqueológicas , excavaciones ilícitas y colecciones privadas desconocidas.
, en: DNP 1 (1996), col. 922 y siguientes; Kampanische Vasenmalerei , en: DNP 6 (1998), col. 227 y siguientes; Lukanische Vasen , en: DNP 7 (1999), col. 491; Paestanische Vasen , en: DNP 9 (2000), col. 142/43; Sizilische Vasen , en: DNP 11 (2001), col. 606; Unteritalische Vasenmalerei , en: DNP 12/1 (2002), col. 1009-1011 , en DNP 15/3, col. 946-958 , en: DNP 10 (2001), col. 1141–43 , en: DNP 12/I (2002), col. 1147 y siguientes.