Un libro de historietas , también llamado cómic , [1] [2] revista de historietas o simplemente historieta , es una publicación que consiste en arte de historietas en forma de paneles yuxtapuestos secuenciales que representan escenas individuales. Los paneles suelen ir acompañados de prosa descriptiva y narrativa escrita, generalmente diálogos contenidos en globos de palabras emblemáticos de la forma de arte del cómic.
" Comic Cuts " fue un cómic británico publicado entre 1890 y 1953. Fue precedido por " Ally Sloper's Half Holiday " (1884), que se destaca por su uso de dibujos animados secuenciales para desarrollar la narrativa. Estos cómics británicos existieron junto con los populares y escabrosos " Penny dreadfuls " (como " Spring-heeled Jack "), los " Story papers " para niños y la humorística Punch (revista) , que fue la primera en utilizar el término "caricatura" en su formato moderno. sentido de un dibujo humorístico. El entrelazamiento de los dibujos y la palabra escrita fue iniciado, entre otros, por William Blake (1757 - 1857) en obras como "El descenso de Cristo" de Blake (1804 - 1820).
El primer cómic moderno (estilo americano), Famous Funnies , se publicó en Estados Unidos en 1934 y era una reimpresión de tiras cómicas de humor de periódicos anteriores , que habían establecido muchos de los recursos narrativos utilizados en los cómics. [3] El término cómic deriva de los cómics estadounidenses que alguna vez fueron una recopilación de historietas de tono humorístico; sin embargo, esta práctica fue reemplazada por la presentación de historias de todos los géneros, generalmente sin tono humorístico.
El mercado de cómics más grande es Japón. En 1995, el mercado del manga en Japón estaba valorado en ¥ 586,4 mil millones ( entre 6 y 7 mil millones de dólares ), [4] con ventas anuales de 1,9 mil millones de libros manga ( volúmenes tankōbon y revistas manga ) en Japón, equivalente a 15 números por persona. [5] En 2020, el mercado del manga en Japón alcanzó un nuevo valor récord de ¥612,5 mil millones debido al rápido crecimiento de las ventas de manga digital, así como a un aumento en las ventas impresas. [6] [7] El mercado de cómics en los Estados Unidos y Canadá se valoró en $ 1,09 mil millones en 2016. [8] A partir de 2017 [update], el mayor editor de cómics en los Estados Unidos es el distribuidor de manga Viz Media , seguido de DC Comics. y Marvel Comics, las franquicias originales de edición especial de larga duración que incluyen Superman , Batman , Wonder Woman , Spider-Man , Incredible Hulk y X-Men . [9] Las categorías de cómics más vendidas en los EE. UU. a partir de 2019 [update]son la ficción infantil juvenil con un 41%, el manga con un 28% y los cómics de superhéroes con un 10% del mercado. [10] Otro mercado importante del cómic es Francia , donde los cómics franco-belgas y el manga japonés representan cada uno el 40% del mercado, seguidos por los cómics estadounidenses con una cuota de mercado del 10%. [11]
Los cómics dependen en gran medida de su organización y presentación visual. Los autores dedican especial atención a aspectos como el diseño de la página, el tamaño, la orientación y la posición de los paneles. Estas características son cruciales para transmitir eficazmente el contenido y los mensajes del cómic. Los componentes clave de los cómics incluyen paneles, bocadillos (también conocidos como globos), líneas de texto y personajes. Los globos de diálogo generalmente toman la forma de contenedores convexos que contienen el diálogo del personaje y están conectados al personaje a través de un elemento de cola. La cola comprende un origen, una trayectoria, una punta y un punto direccional. La creación de cómics implica varios pasos esenciales: escribir, dibujar y colorear. Se emplean diversas herramientas y métodos tecnológicos para elaborar cómics, incorporando conceptos como direcciones, ejes, datos y métricas. Siguiendo estas pautas de formato, el proceso se desarrolla con escritura, dibujo y coloración. [12] En los Estados Unidos, el término "cómic" se utiliza generalmente para publicaciones periódicas de cómics y libros de bolsillo comerciales , mientras que " novela gráfica " es el término utilizado para libros independientes. [13] [14]
Los cómics como medio impreso han existido en los Estados Unidos desde la impresión de Las aventuras del Sr. Obadiah Oldbuck en 1842 en tapa dura, [15] lo que lo convierte en el primer prototipo de cómic estadounidense conocido. Las publicaciones periódicas de protocómics comenzaron a aparecer a principios del siglo XX, siendo el primer cómic de tamaño estándar Funnies on Parade . Funnies on Parades fue el primer libro que estableció el tamaño, la duración y el formato del cómic moderno. A esto le siguió Famous Funnies: A Carnival of Comics, de 36 páginas, de Dell Publishing, como el primer cómic estadounidense de quiosco auténtico; Goulart, por ejemplo, lo llama "la piedra angular de una de las ramas más lucrativas de la edición de revistas". [16] En 1905, GW Dillingham Company publicó 24 tiras selectas del dibujante Gustave Verbeek en un libro de antología titulado 'The Incredible Upside-Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo'. [17] La introducción de Superman de Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938 convirtió los cómics en una industria importante [18] y marcó el comienzo de la Edad de Oro de los cómics . La Edad de Oro originó el arquetipo del superhéroe . Según el historiador Michael A. Amundson, los atractivos personajes de los cómics ayudaron a aliviar el miedo de los lectores jóvenes a la guerra nuclear y a neutralizar la ansiedad sobre las cuestiones que plantea la energía atómica. [19]
Los historiadores generalmente dividen la línea de tiempo del cómic estadounidense en eras. La Edad de Oro de los cómics comenzó en 1938, con el debut de Superman en Action Comics #1, publicado por Detective Comics (predecesor de DC Comics), que generalmente se considera el comienzo del cómic moderno tal como se lo conoce hoy. [20] Generalmente se considera que la Edad de Plata de los cómics data del primer resurgimiento exitoso de la forma de superhéroe entonces latente, con el debut de Flash en Showcase # 4 (octubre de 1956). [21] [22] La Edad de Plata duró hasta finales de la década de 1960 o principios de la de 1970, tiempo durante el cual Marvel Comics revolucionó el medio con superhéroes naturalistas como los Cuatro Fantásticos de Stan Lee y Jack Kirby y Spider-Man de Lee y Steve Ditko. . La demarcación entre la Edad de Plata y la siguiente era, la Edad de Bronce de los cómics , está menos definida, ya que la Edad del Bronce se extiende desde principios de los años setenta hasta mediados de los ochenta. [23] La era moderna de los cómics se extiende desde mediados de la década de 1980 hasta la actualidad. [24]
Un acontecimiento significativo en la línea de tiempo de los cómics estadounidenses ocurrió cuando el psiquiatra Fredric Wertham expresó sus críticas al medio a través de su libro La seducción de los inocentes (1954). Esta crítica llevó a la participación del Subcomité del Senado estadounidense sobre Delincuencia Juvenil , que inició una investigación sobre los cómics. Wertham argumentó que los cómics eran responsables del aumento de la delincuencia juvenil y presentaban un impacto potencial en la sexualidad y los valores morales de un niño. [25] En respuesta a la atención del gobierno y de los medios de comunicación, la industria del cómic estadounidense creó la Comics Magazine Association of America. [26] La CMAA inculcó la Autoridad del Código de Cómics en 1954 y redactó el Código de Cómics de autocensura ese año, que requería que todos los cómics pasaran por un proceso de aprobación. No fue hasta la década de 1970 que se pudieron publicar cómics sin pasar por la inspección de la CMAA. [27] El Código dejó de existir formalmente en noviembre de 2011.
A finales de los años 1960 y principios de los años 1970, surgió una oleada de creatividad en lo que se conoció como cómics underground . Publicados y distribuidos independientemente de la industria del cómic establecida, la mayoría de estos cómics reflejaban la contracultura juvenil y la cultura de las drogas de la época. El cómic clandestino "reflexionó y comentó sobre las divisiones y tensiones sociales de la sociedad estadounidense". [ atribución necesaria ] [28] Muchos tenían un estilo desinhibido, a menudo irreverente; sus francas representaciones de desnudez, sexo, malas palabras y política no tenían paralelo fuera de sus precursoras, las pornográficas y aún más oscuras " biblias de Tijuana ". Los cómics clandestinos casi nunca se vendían en los quioscos, sino más bien en establecimientos orientados a los jóvenes, como tiendas de artículos de cabecera y tiendas de discos, así como por correo . Los cómics clandestinos alentaron a los creadores a publicar su trabajo de forma independiente para tener todos los derechos de propiedad sobre sus personajes. [28]
Las aventuras de Jesús de Frank Stack , publicadas con el nombre de Foolbert Sturgeon, [29] [30] han sido acreditadas como el primer cómic underground; [29] [30] mientras que R. Crumb y el equipo de caricaturistas que trabajaron en Zap Comix popularizaron la forma.
El auge de las tiendas especializadas en cómics a finales de la década de 1970 creó y fue paralelo a un mercado dedicado a los cómics "independientes" o "alternativos " en Estados Unidos. Los primeros cómics de este tipo incluyeron la serie de antología Star Reach , publicada por el escritor de cómics Mike Friedrich de 1974 a 1979, y American Splendor de Harvey Pekar , que continuó publicándose esporádicamente en el siglo XXI y que Shari Springer Berman y Robert Pulcini adaptaron a un Película de 2003 . Algunos cómics independientes continuaron con la tradición de los cómics underground. Si bien su contenido en general permaneció menos explícito, otros se parecían a la producción de los principales editores en formato y género, pero fueron publicados por compañías más pequeñas propiedad de artistas o por artistas individuales. Unos pocos (notablemente RAW ) representaron intentos experimentales de acercar los cómics al estatus de bellas artes .
Durante la década de 1970 la cultura de la " pequeña prensa " creció y se diversificó. En la década de 1980, varias editoriales independientes (como Pacific , Eclipse , First , Comico y Fantagraphics ) habían comenzado a publicar una amplia gama de estilos y formatos, desde cómics de superhéroes en color, detectives y ciencia ficción hasta cómics en negro y negro. Historias en formato revista blanca del realismo mágico latinoamericano .
En la década de 1990, varias editoriales pequeñas cambiaron el formato y la distribución de sus cómics para parecerse más a las publicaciones que no son cómics. La forma de " minicomics ", una versión extremadamente informal de la autoedición , surgió en los años 1980 y se hizo cada vez más popular entre los artistas en los años 1990, [31] a pesar de llegar a un público aún más limitado que la prensa pequeña.
Las pequeñas editoriales que publican títulos con regularidad incluyen Avatar Press , Hyperwerks , Raytoons y Terminal Press, impulsadas por avances en la tecnología de impresión como la impresión digital bajo demanda .
En 1964, Richard Kyle acuñó el término " novela gráfica ". [32]
Los precursores de esta forma existieron en la década de 1920, cuando se produjo un resurgimiento de la tradición medieval del grabado en madera por parte del belga Frans Masereel , [33] el estadounidense Lynd Ward y otros, incluido Stan Lee.
En 1947, Fawcett Publications publicó "Comics Novel No. 1", como la primera de una serie prevista de estas "novelas de cómics". La historia del primer número fue "Anarcho, dictador de la muerte", un cuento de género de espías de cinco capítulos escrito por Otto Binder y dibujado por Al Carreño. Se puede leer online en el Museo del Cómic Digital . [34] La revista nunca llegó a un segundo número.
En 1950, St. John Publications produjo la "novela ilustrada" orientada a adultos del tamaño de un resumen It Rhymes with Lust , un resumen de 128 páginas escrito por el escritor seudónimo "Drake Waller" ( Arnold Drake y Leslie Waller ), el dibujante Matt Baker y el entintador. Ray Osrin , promocionado como "una novela original de larga duración" en su portada. "Rima con lujuria" también está disponible para leer en línea en el Museo del Cómic Digital. [35]
En 1971, el escritor y artista Gil Kane y sus colaboradores aplicaron un formato de bolsillo a su "novela de historietas" Blackmark . Will Eisner popularizó el término "novela gráfica" cuando lo utilizó en la portada de la edición de bolsillo de su obra Un contrato con Dios y otras historias de vivienda en 1978 y, posteriormente, el uso del término comenzó a aumentar.
En 2017, el tamaño del mercado de cómics en América del Norte fue de poco más de mil millones de dólares, con ventas digitales estables, librerías con una disminución del 1 por ciento y tiendas de cómics con una disminución del 10 por ciento con respecto a 2016. [36] El mercado mundial del cómic experimentó un crecimiento sustancial del 12% en 2020, alcanzando un valor total de 8.490 millones de dólares. Esta trayectoria positiva continuó en 2021, con la valoración anual del mercado aumentando a 9,21 mil millones de dólares. La creciente popularidad de los cómics puede atribuirse al mayor interés global, impulsado significativamente por los esfuerzos de colaboración entre diversas marcas. Estas colaboraciones están orientadas a producir contenido cómico más atractivo y atractivo, contribuyendo al crecimiento continuo de la industria. [37]
La década de 1970 vio la llegada de las tiendas especializadas en cómics . Inicialmente, los editores comercializaban los cómics dirigidos a los niños porque los cómics se percibían como entretenimiento para niños. Sin embargo, con el creciente reconocimiento de los cómics como forma de arte y la creciente presencia de las convenciones de cómics en la cultura pop , ahora muchos adultos los adoptan. [26]
Los coleccionistas de cómics suelen mostrar una pasión permanente por las historias de los cómics, centrándose a menudo en superhéroes específicos y esforzándose por reunir una colección completa de una serie en particular. A los cómics se les asignan números secuenciales, y el número inicial de una serie de cómics duradera tiende a ser el más escaso y el más codiciado entre los coleccionistas. La introducción de un nuevo personaje puede ocurrir dentro de un título existente. Por ejemplo, la primera aparición de Spider-Man tuvo lugar en Amazing Fantasy #15. Con frecuencia se introducían nuevos personajes de esta manera, esperando a una audiencia establecida antes de lanzar sus propios títulos. En consecuencia, los cómics que presentan la aparición debut de un personaje importante a veces pueden ser incluso más difíciles de localizar que el número inaugural de la serie independiente de ese personaje.
Algunos libros de historietas raros incluyen copias del inédito Motion Picture Funnies Weekly #1 de 1939. Ocho copias, más una sin portada, surgieron en el patrimonio del editor fallecido en 1974. La "copia de pago" de este libro se vendió por 43.125 dólares en una subasta de Patrimonio de 2005 . [38]
Los cómics americanos más valiosos han combinado rareza y calidad con las primeras apariciones de personajes populares y duraderos. Cuatro cómics se han vendido por más de 1 millón de dólares hasta diciembre de 2010 [update], incluidos dos ejemplos de Action Comics #1, la primera aparición de Superman , [39] [40] ambos vendidos de forma privada a través del distribuidor en línea ComicConnect.com en 2010, y Detective Comics #27, la primera aparición de Batman , vía subasta pública.
Actualizando el precio anterior obtenido por Action Comics #1, la primera aparición de Superman , la venta más alta registrada para este libro es de $3,2 millones, por una copia 9.0. [41]
Los errores de imprenta, las impresiones promocionales de incentivos para los comerciantes de cómics y los números con una distribución excepcionalmente baja tienden a tener un valor de escasez en el mercado del cómic. Los cómics modernos más raros incluyen la tirada de prensa original de The League of Extraordinary Gentlemen #5, que el ejecutivo de DC Paul Levitz recordó y descartó debido a la aparición de un anuncio antiguo de la época victoriana de "Marvel Douche ", que el editor consideró ofensivo; [42] Sólo existen 100 copias, la mayoría de las cuales han sido calificadas por CGC . (Consulte Cómics retirados del mercado para ver más cómics eliminados, retirados del mercado y erróneos).
En 2000, una empresa llamada Comics Guaranty (CGC) inició la práctica de "slabbing" cómics, que consiste en encerrarlos en gruesas cajas de plástico y asignarles una calificación numérica. Este enfoque inspiró la aparición del Servicio de Certificación de Cómics . Dada la importancia de la condición para determinar el valor de los cómics raros, el concepto de calificación por parte de una empresa imparcial, que no se dedica a la compra o venta de cómics, parecía prometedor. Sin embargo, existe un debate en curso sobre si el costo relativamente alto de este servicio de clasificación está justificado y si sirve a los intereses de los coleccionistas o atiende principalmente a los especuladores que buscan ganancias rápidas, similares al comercio de acciones o de obras de arte. La calificación de cómics ha desempeñado un papel en el establecimiento de estándares de valoración, que las guías de precios en línea como GoCollect y GPAnalysis utilizan para proporcionar información sobre el valor de mercado en tiempo real.
Los coleccionistas también buscan las páginas de ilustraciones originales de los cómics, que son quizás los elementos más exclusivos en el ámbito del coleccionismo de cómics. Estas páginas tienen una escasez incomparable debido al hecho de que solo existe una página de arte única por cada página que se imprimió y publicó.
La creación de estas páginas de obras de arte originales implica un esfuerzo de colaboración: un escritor elabora la historia, un dibujante de lápiz diseña los paneles secuenciales de la página, un artista de tinta revisa el lápiz con pluma y tinta, un rotulador proporciona el diálogo y la narración a mano. -lettering y, finalmente, un colorista añade color como toque final antes de enviar las páginas a la imprenta.
Cuando la imprenta devuelve las páginas de arte originales, normalmente se devuelven a los propios artistas. Estos artistas a veces optan por vender estas páginas en convenciones de cómics, galerías y exposiciones de arte centradas en el arte de los cómics. Las páginas originales de DC y Marvel, que presentan las primeras apariciones de personajes icónicos como Superman, Batman, Wonder Woman , Flash , Captain Marvel , Spider-Man, Incredible Hulk , Iron Man , Captain America y Mighty Thor se consideran como tesoros invaluables dentro del mundo del cómic.
Muchas de las primeras versiones de personajes negros en los cómics "se convirtieron en variaciones de la 'imagen estereotipada única de Sambo'". [43] Sambo estaba estrechamente relacionado con el estereotipo del mapache, pero tenía algunas diferencias sutiles. Ambos son una forma despectiva de retratar personajes negros. "El nombre en sí, una abreviatura de mapache, es deshumanizante. Al igual que Sambo, el mapache fue retratado como un bufón perezoso, que se asusta fácilmente, crónicamente inactivo e inarticulado". [44] Esta representación "fue, por supuesto, otro intento de solidificar la inferioridad intelectual de la raza negra a través de la cultura popular". [43] Sin embargo, en la década de 1940 hubo un cambio en la representación de los personajes negros. "Una mirada superficial... podría dar la impresión de que las situaciones han mejorado para los afroamericanos en los cómics." [43] En muchos cómics que se produjeron en esta época hubo un gran impulso a la tolerancia entre razas. "Estos héroes con mentalidad igualitaria comenzaron a entrar en acción justo cuando se pedía a los afroamericanos que participaran en el esfuerzo bélico". [43]
Durante este tiempo, un programa dirigido por el gobierno, la Junta de Guerra de Escritores, se involucró mucho en lo que se publicaría en cómics. "La Junta de Escritores de Guerra utilizó libros de historietas para moldear las percepciones populares de raza y etnicidad..." [45] No sólo estaban usando libros de historietas como un medio para reclutar a todos los estadounidenses, sino que también los estaban usando como propaganda para "[construir ] una justificación para el odio racial hacia los enemigos extranjeros de Estados Unidos". [45] La Junta de Guerra de Escritores creó libros de historietas destinados a "[promover] la armonía racial interna". [45] Sin embargo, "estas narrativas a favor de la tolerancia lucharon por superar los tropos negativos populares y ampliamente entendidos utilizados durante décadas en la cultura de masas estadounidense ...". [45] Sin embargo, no estaban logrando esta agenda en todos sus cómics.
En la serie de cómics Captain Marvel Adventures , había un personaje llamado Steamboat que encarnaba una colección de estereotipos muy negativos que prevalecían durante ese período. La Junta de Guerra de Escritores no solicitó ninguna modificación para este personaje a pesar de la representación problemática. La eliminación de Steamboat de la serie sólo se produjo debido a la persistente defensa de un grupo de jóvenes negros con sede en la ciudad de Nueva York". [45] Originalmente, su solicitud fue rechazada por personas que trabajaban en el cómic afirmando: " Las aventuras del Capitán Marvel incluían muchos tipos de caricaturas 'por puro humor'". [45] El grupo de jóvenes negros respondió con "esta no es la raza negra, pero su millón y medio de lectores lo pensarán así". [45] Después, Steamboat desapareció de los cómics por completo. Se creó un cómic sobre el 99.º Escuadrón, también conocido como Tuskegee Airmen , una unidad de la fuerza aérea totalmente negra. En lugar de hacer el cómic sobre su historia, el cómic trataba sobre Hop Harrigan. Piloto blanco que captura a un nazi, le muestra videos del Escuadrón 99 derrotando a sus hombres y luego le revela al nazi que sus hombres fueron derrotados por afroamericanos, lo que lo enfureció porque los ve como una raza menos superior y no puede creer que hayan superado a sus hombres. "Los aviadores de Tuskegee y las imágenes de aviadores negros aparecen en sólo tres de los cincuenta y tres paneles... los pilotos del 99º Escuadrón no dialogan ni interactúan ni con Hop Harrigan ni con su cautivo nazi." [ 45] Durante este tiempo , también utilizaron personajes negros en los cómics como medio para invalidar a los grupos militantes negros que luchaban por la igualdad dentro de los EE.UU. "Spider-Man 'dejó en claro que el poder militante negro no era el remedio para la injusticia racial'." [43 ] "El Halcón criticó abiertamente el comportamiento de los negros afirmando que 'tal vez sea importante para nosotros calmar las cosas, para que podamos proteger los derechos por los que hemos estado luchando'". [43] Esta representación y desarrollo de los personajes negros puede ser Se le achaca parcialmente la culpa al hecho de que, durante este tiempo, "rara vez se permitía un artista o escritor negro en una importante compañía de cómics" .
Los personajes asiáticos de los cómics encontraron un trato prejuicioso similar al de los personajes negros. Fueron sometidos a representaciones deshumanizantes, y las narrativas a menudo los retrataban como "incompetentes y subhumanos". [45] En una edición de 1944 de la publicación United States Marines , había una historia titulada El olor de los hombres mono . Esta narrativa retrataba a los soldados japoneses como simios brutales, y mostraba sus posiciones ocultas siendo traicionadas por su repugnante olor corporal. [45] Los caracteres chinos recibieron el mismo tratamiento. "Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, las percepciones negativas de los chinos eran una parte establecida de la cultura de masas..." [45] Sin embargo, preocupados de que los japoneses pudieran utilizar el material antichino de Estados Unidos como propaganda, comenzaron a "presentar una imagen más positiva de los aliados chinos de Estados Unidos..." [45] Así como intentaron mostrar una mejor representación de los negros en los cómics, hicieron lo mismo con los asiáticos. Sin embargo, "los personajes japoneses y filipinos eran visualmente indistinguibles. Ambos grupos tienen dientes grotescos, ropa andrajosa y piel de color amarillo brillante". [45] "Los editores describieron a los aliados asiáticos de Estados Unidos a través de imágenes despectivas y un lenguaje perfeccionado durante las décadas anteriores". [45] Los personajes asiáticos fueron retratados anteriormente como "espantosos demonios amarillos". [43] Durante la Segunda Guerra Mundial, "[todos] los superhéroes importantes que valían su spandex se dedicaron a la erradicación de los invasores asiáticos". [43] Había "una carrera de relevos constante en la que una cultura asiática simplemente entregaba el testigo del odio a otra sin cambios perceptibles en la forma en que se retratarían los personajes". [43]
"La única representación específica de un superhéroe hispano [ dudoso ] no terminó bien. En 1975, Marvel nos dio a Héctor Ayala (alias El Tigre Blanco)". [43] "Aunque luchó durante varios años junto a héroes mucho más populares como Spider-Man y Daredevil, solo duró seis años antes de que las ventas de cómics en los que actuaba empeoraran tanto que Marvel lo obligó a retirarse. [43 ] El personaje hispano más famoso es Bane, un villano de Batman". [43]
La representación de los nativos americanos en los cómics "se puede resumir en el estereotipo del noble salvaje" [43] "un tema recurrente... instó a los indios americanos a abandonar su tradicional hostilidad hacia los Estados Unidos. Ellos fueron los que fueron pintados como intolerantes e irrespetuosos. de las preocupaciones dominantes de la América blanca". [43]
Manga (漫画) son cómics o novelas gráficas originarias de Japón. La mayoría del manga se ajusta a un estilo desarrollado en Japón a finales del siglo XIX, aunque la forma de arte tiene una larga prehistoria en el arte japonés anterior . El término manga se utiliza en Japón para referirse tanto a los cómics como a las caricaturas en general. Fuera de Japón, la palabra se utiliza normalmente para referirse a los cómics publicados originalmente en el país.
Dōjinshi (同人誌, revista de fans ) , cómics japoneses hechos por fans , operan en un mercado mucho más grande en Japón que el mercado estadounidense de "cómics underground"; La mayor feria de dōjinshi, Comiket , atrae a 500.000 visitantes dos veces al año. [46]
Manhwa (만화) son cómics o novelas gráficas originarias de Corea del Sur . El término manhwa se utiliza en Corea del Sur para referirse tanto a los cómics como a las caricaturas en general. Fuera de Corea del Sur, el término suele referirse a los cómics publicados originalmente en el país. Manhwa está muy influenciado por los cómics manga japoneses, aunque se diferencia del manga y manhua por sus propias características distintivas.
Los webtoons se han vuelto populares en Corea del Sur como una nueva forma de leer cómics. Gracias en parte a las diferentes reglas de censura, colores y efectos visuales únicos, y a la optimización para una lectura más sencilla en teléfonos inteligentes y computadoras. Más manhwa han hecho el cambio del manhwa impreso tradicional a los webtoons en línea gracias a mejores salarios y más libertad que el manhwa impreso tradicional. El formato webtoon también se ha expandido a otros países fuera de Corea, como China, Japón, el Sudeste Asiático y países occidentales. Los principales distribuidores de webtoon incluyen Lezhin , Naver y Kakao .
Francia y Bélgica tienen una larga tradición en cómics y libros de historietas, a menudo llamados BD (una abreviatura de bandes dessinées , que significa literalmente "tiras dibujadas") [47] en francés, y tiras en holandés o flamenco . Los cómics belgas escritos originalmente en holandés muestran la influencia de los cómics francófonos "franco-belgas", pero tienen su propio estilo distintivo. [ cita necesaria ]
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Aunque Half Holiday (1884) de Ally Sloper estaba dirigido a un mercado adulto, los editores rápidamente se dirigieron a un grupo demográfico más joven, lo que ha llevado a que la mayoría de las publicaciones sean para niños y ha creado una asociación en la mente del público de los cómics como algo juvenil. The Guardian se refiere a Ally Sloper como "uno de los primeros personajes de dibujos animados icónicos del mundo" y "tan famoso en la Gran Bretaña victoriana como lo sería Dennis the Menace un siglo después". [49] Los cómics británicos de principios del siglo XX evolucionaron típicamente a partir de novelas de terror ilustradas de la época victoriana (con Sweeney Todd , Dick Turpin y Varney el vampiro ). [50] Publicados por primera vez en la década de 1830, los penny dreadfuls fueron "la primera muestra británica de cultura popular producida en masa para los jóvenes". [51]
Los dos cómics británicos más populares, The Beano y The Dandy , fueron publicados por primera vez por DC Thomson en la década de 1930. En 1950, la circulación semanal de ambos alcanzó los dos millones. [52] [53] Al explicar la enorme popularidad de los cómics en el Reino Unido durante este período, Anita O'Brien, curadora directora del Cartoon Museum de Londres, afirma: "Cuando se inventaron cómics como Beano y Dandy en la década de 1930, y a través de realmente a los años 1950 y 60: estos cómics eran casi el único entretenimiento disponible para los niños". [52] Dennis the Menace se creó en la década de 1950, lo que hizo que las ventas de The Beano se dispararan. [54] Aparece en la portada de The Beano , y la BBC se refiere a él como el "definitivo chico travieso del mundo del cómic". [54]
En 1954, los cómics de Tiger presentaron Roy of the Rovers , la popular tira basada en el fútbol que relata la vida de Roy Race y el equipo en el que jugó, Melchester Rovers . Los escritores, comentaristas y fanáticos del fútbol suelen utilizar la frase de los medios de comunicación "cosas reales de 'Roy of the Rovers'" cuando describen demostraciones de gran habilidad o resultados sorprendentes que van en contra de las probabilidades, en referencia a las dramáticas historias que fueron las historias de la tira. marca comercial. [55] Otros cómics como Eagle , Valiant , Warrior , Viz y 2000 AD también florecieron. Algunos cómics, como Judge Dredd y otros títulos de 2000 AD , se han publicado en forma de tabloide . También han aparecido en el Reino Unido cómics underground y títulos de "pequeña prensa" , en particular Oz y Escape Magazine .
El contenido de Action , otro título dirigido a los niños y lanzado a mediados de los años 1970, se convirtió en tema de discusión en la Cámara de los Comunes . Aunque a menor escala que investigaciones similares en Estados Unidos, tales preocupaciones llevaron a una moderación del contenido publicado en los cómics británicos. Tal moderación nunca llegó a formalizarse hasta el punto de promulgar un código, ni duró mucho. El Reino Unido también ha establecido un mercado saludable en la reimpresión y reenvasado de material, en particular material originario de Estados Unidos. La falta de suministros confiables de cómics estadounidenses dio lugar a una variedad de reimpresiones en blanco y negro, incluidos los cómics de monstruos de Marvel de la década de 1950, el Capitán Marvel de Fawcett y otros personajes como Sheena , Mandrake the Magician y el Fantasma . Varias empresas de reimpresión se involucraron en el reenvasado de material estadounidense para el mercado británico, en particular el importador y distribuidor Thorpe & Porter . Marvel Comics estableció una oficina en el Reino Unido en 1972. DC Comics y Dark Horse Comics también abrieron oficinas en la década de 1990. El reenvasado de material europeo ha ocurrido con menos frecuencia, aunque las series de Las aventuras de Tintín y Astérix se han traducido y reenvasado con éxito en libros de tapa blanda. El número de cómics europeos disponibles en el Reino Unido ha aumentado en las últimas dos décadas. La empresa británica Cinebook , fundada en 2005, ha publicado versiones traducidas al inglés de muchas series europeas.
En la década de 1980, un resurgimiento de escritores y artistas británicos ganó prominencia en los cómics convencionales, lo que fue denominado la " invasión británica " en la historia del cómic. [56] Estos escritores y artistas trajeron consigo sus propios temas y filosofías maduras, como la anarquía, la controversia y la política, comunes en los medios británicos. Estos elementos allanarían el camino para cómics maduros, "más oscuros y atrevidos" y darían inicio a la Era Moderna de los Cómics . [57] Los escritores incluyeron a Alan Moore , famoso por su V de Vendetta , From Hell , Watchmen , Marvelman y The League of Extraordinary Gentlemen ; [58] Neil Gaiman con The Sandman Mythos y Books of Magic ; Warren Ellis , creador de Transmetropolitan y Planetary ; y otros como Mark Millar , creador de Wanted y Kick-Ass . La serie de cómics John Constantine, Hellblazer , ambientada en gran parte en Gran Bretaña y protagonizada por el mago John Constantine , allanó el camino para escritores británicos como Jamie Delano . [59]
El músico inglés Peter Gabriel publicó en 2000 The Story of OVO , que se publicó en un cómic en forma de folleto en CD como parte de la edición en CD con el título " OVO The Millennium Show ". El Millennium Dome Show de 2000 se basó en él. [60]
En Navidad, los editores reenvasan y encargan material para anuarios de cómics , impresos y encuadernados en libros de tapa dura de tamaño A4 ; "Rupert" es un ejemplo famoso de la revista cómica británica. DC Thomson también reempaqueta las tiras de The Broons y Oor Wullie en libros de tapa blanda de tamaño A4 para la temporada navideña.
El 19 de marzo de 2012, el servicio postal británico, el Royal Mail , lanzó una serie de sellos que representaban personajes y series de cómics británicos. [61] La colección incluía a The Beano , The Dandy , Eagle , The Topper , Roy of the Rovers , Bunty , Buster , Valiant , Twinkle y 2000 AD . [61]
Se ha afirmado que las Cantigas de Santa María del siglo XIII podrían considerarse como el primer "cómic" español , aunque las historietas (también conocidas en España como historietas o tebeos ) debutaron hacia 1857. La revista TBO influyó en la popularización del medio. Tras la Guerra Civil Española , el régimen franquista impuso una estricta censura en todos los medios: se prohibieron las historietas de superhéroes y, en consecuencia, los héroes cómicos se basaban en la ficción histórica (en 1944 el héroe medieval El Guerrero del Antifaz fue creado por Manuel Gago y otro personaje popular). El héroe medieval, Capitán Trueno , fue creado en 1956 por Víctor Mora y Miguel Ambrosio Zaragoza ). Dos editoriales, Editorial Bruguera y Editorial Valenciana, dominaron el mercado del cómic español durante su época dorada (1950-1970). Los cómics más populares mostraban un estilo reconocible de humor slapstick (influenciado por autores franco-belgas como Franquin ): Carpanta y Zipi y Zape de Escobar , Las hermanas Gilda y Anacleto de Vázquez , Mortadelo y Filemón y 13 de Ibáñez . Rue del Percebe o Jan 's Superlópez . Tras el fin del franquismo , se incrementa el interés por el cómic para adultos con revistas como Totem , El Jueves , 1984 , y El Víbora , y obras como Paracuellos de Carlos Giménez .
Los artistas españoles han trabajado tradicionalmente en otros mercados obteniendo gran éxito, ya sea en el americano (por ejemplo, los premios Eisner Sergio Aragonés , Salvador Larroca , Gabriel Hernández Walta, Marcos Martín o David Aja ), el británico (por ejemplo, Carlos Ezquerra , cocreador del juez Dredd ) o el franco-belga (por ejemplo, el ganador del Fauve d'Or Julio Ribera o los autores de Blacksad Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido ).
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En Italia , los cómics (conocidos en italiano como fumetti ) debutaron como tiras de humor a finales del siglo XIX, y posteriormente evolucionaron hacia historias de aventuras. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, artistas como Hugo Pratt y Guido Crepax expusieron el cómic italiano a una audiencia internacional. Los cómics populares como Diabolik o la línea Bonelli (es decir, Tex Willer o Dylan Dog) siguen siendo los más vendidos. [62]
Los cómics convencionales suelen publicarse mensualmente, en un formato de resumen en blanco y negro , con aproximadamente 100 a 132 páginas. También son habituales las colecciones de material clásico de los personajes más famosos, normalmente con más de 200 páginas. Los cómics de autor se publican en formato BD francés, siendo un ejemplo Corto Maltese de Pratt .
Los dibujantes italianos muestran la influencia de los cómics de otros países, entre ellos Francia, Bélgica, España y Argentina . Italia también es famosa por ser uno de los principales productores de historietas de Walt Disney fuera de Estados Unidos; El alter ego superhéroe del Pato Donald , Paperinik , conocido en inglés como Superduck, fue creado en Italia.
La industria del cómic ha luchado con problemas de distribución a lo largo de su historia, ya que numerosos minoristas tradicionales han dudado en almacenar cantidades sustanciales de los cómics más atractivos y buscados. El teléfono inteligente y la tableta se han convertido en un medio ideal para la distribución online. [63]
El 13 de noviembre de 2007, Marvel Comics lanzó Marvel Digital Comics Unlimited , un servicio de suscripción que permite a los lectores leer muchos cómics de la historia de Marvel en línea. El servicio también incluye el lanzamiento periódico de nuevos cómics que no están disponibles en otros lugares. Con el lanzamiento de Avenging Spider-Man #1, Marvel también se convirtió en el primer editor en ofrecer copias digitales gratuitas como parte de la copia impresa del cómic. [64]
Con la creciente popularidad de los teléfonos inteligentes y las tabletas, muchas editoriales importantes han comenzado a publicar títulos en formato digital. La plataforma más popular es comiXology . Algunas plataformas, como Graphicly , han cerrado.
Numerosas bibliotecas albergan amplias colecciones de cómics en forma de novelas gráficas. Esto sirve como un medio conveniente para que el público en general se familiarice con el medio. [sesenta y cinco]
En 2015, el artista de manga japonés Eiichiro Oda recibió el título de Récord Mundial Guinness por tener "la mayor cantidad de copias publicadas para la misma serie de cómics por un solo autor". Su serie de manga One Piece , que él escribe e ilustra, se ha serializado en la revista japonesa Weekly Shōnen Jump desde diciembre de 1997, y hasta 2015, se habían publicado 77 volúmenes recopilados . Guinness World Records informó en su anuncio que los volúmenes recopilados de la serie habían vendido un total de 320.866.000 unidades. One Piece también ostenta el título de Récord Mundial Guinness por "Más copias publicadas de la misma serie de manga". [66]
El 5 de agosto de 2018, el título Guinness World Records al "cómic más grande jamás publicado" fue otorgado al cómic brasileño Turma da Mônica — O Maior Gibi do Mundo! , publicado por Panini Comics Brasil y Mauricio de Sousa Produções . El cómic mide 69,9 cm por 99,8 cm (2 pies 3,51 pulgadas por 3 pies 3,29 pulgadas). El cómic de 18 páginas tuvo una tirada de 120 ejemplares. [67]
Con la publicación en julio de 2021 del volumen recopilatorio número 201 de su serie de manga Golgo 13 , el artista de manga japonés Takao Saito recibió el título de Guinness World Records por "La mayoría de los volúmenes publicados para una sola serie de manga". [68] Golgo 13 se ha serializado continuamente en la revista japonesa Big Comic desde octubre de 1968, lo que también lo convierte en el manga más antiguo aún en publicación. [69] [70]
{{cite news}}: CS1 maint: unfit URL (link){{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)Se discute la era exacta de la Edad de Oro, aunque la mayoría coincide en que nació con el lanzamiento de Superman en 1938.
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