La era moderna de los cómics es un período en la historia de los cómics de superhéroes estadounidenses que comenzó a mediados de la década de 1980 y continúa hasta el día de hoy. [1] [2] Durante aproximadamente los primeros 15 años de este período, muchos personajes de cómics fueron rediseñados, los creadores ganaron prominencia en la industria, los cómics independientes florecieron y las editoriales más grandes se comercializaron más. [3]
Un nombre alternativo para este período es Edad Oscura de los cómics , debido a la popularidad e influencia artística de títulos con contenido serio, como Batman: The Dark Knight Returns y Watchmen . [4]
Debido a que el período que abarca la Edad Moderna no está bien definido y, en algunos casos, es discutido tanto por los fanáticos como por la mayoría de los profesionales, una historia completa está abierta al debate. Muchas influencias de la Edad del Bronce de los cómics se superpondrían con la infancia de la Edad Moderna. El trabajo de creadores como John Byrne ( Alpha Flight , Fantastic Four ), Chris Claremont ( Iron Fist , Uncanny X-Men ) y Frank Miller ( Daredevil ) llegaría a buen término en la Edad del Bronce, pero su impacto aún se sentía en la Edad Moderna. Edad. The Uncanny X-Men es el ejemplo más definitivo de este impacto, ya que personajes de la Edad de Bronce como Wolverine y Sabretooth tendrían una gran influencia en el Universo Marvel en la década de 1980 y más allá. [ cita necesaria ]
Para DC, Crisis en Tierras Infinitas es el puente que une las dos eras. El resultado fue la cancelación de The Flash (con el número 350), Superman (con el número 423) y Wonder Woman (con el número 329). El mundo posterior a la crisis tendría a Wally West como el nuevo Flash, John Byrne escribiendo una nueva serie de Superman y George Pérez trabajando en una nueva serie de Wonder Woman. Batman también recibiría un cambio de imagen, ya que la historia de Batman: Año Uno sería una de las historias de Batman más populares jamás publicadas. [ cita necesaria ]
En orden cronológico aproximado desde el comienzo de la tendencia, a continuación se presentan algunos desarrollos importantes que ocurrieron durante la Edad Moderna, muchos de los cuales están interrelacionados:
A finales de la década de 1970, creadores famosos empezaron a trabajar para nuevas editoriales independientes. La llegada de Jim Shooter como editor en jefe de Marvel Comics supuso la salida de creadores clave de Marvel como Steve Gerber , Marv Wolfman y otros. En estas nuevas empresas ( Pacific , Eclipse , First ) los creadores tenían libertad para crear historias muy personales. Jon Sable independiente de Mike Grell , American Flagg de Howard Chaykin . , Nexus de Mike Baron y Steve Rude , Rocketeer de Dave Steven y GrimJack de John Ostrander atrajeron cierta atención y obtuvieron varios premios. Estos creadores fueron contratados por el editor de DC, Mike Gold, para crear obras definitorias como Green Arrow: The Longbow Hunters de Grell, Blackhawk de Chaykin y Hawkworld de Truman. Con Alan Moore , Frank Miller y Maus de Art Spiegelman (que luego recibiría el Premio Pulitzer ), este período marca la cima de la forma de arte según el experto en cómics Scott McCloud . [ cita necesaria ]
La Comics Code Authority se estableció en 1954 y especificaba que ningún cómic debía contener las palabras "horror" o "terror" en su título. Esto llevó a EC Comics a abandonar su línea de cómics de terror. Editores como Dell Comics y Gold Key Comics publicaron una línea en expansión de títulos de terror y "misterio" de la edad de plata a principios de la década de 1960, y Charlton mantuvo una historia de publicación continua de ellos; durante finales de la década de 1960, se produjo una flexibilización gradual de los estándares de aplicación. Finalmente condujo al restablecimiento de los títulos de terror dentro de las alineaciones de DC y Marvel a finales de la década. Las series de antología de terror de la década de 1970 simplemente continuaron lo que ya se había establecido a fines de la década de 1960 y perduraron hasta la década de 1980 hasta que se transformaron notablemente en nuevos formatos, muchos de los cuales fueron muy influenciados por contenidos y estilos "previos al Código" o directamente reimpresos. de principios de los años cincuenta. [ cita necesaria ]
Comenzando con el trabajo innovador de Alan Moore en Swamp Thing de DC en 1984-1987, los cómics de terror incorporaron elementos de ciencia ficción/fantasía y se esforzaron por alcanzar un nuevo estándar artístico. Otros ejemplos incluyen The Sandman , de Neil Gaiman (seguido unos años más tarde por Preacher , de Garth Ennis y Steve Dillon ). La línea Vertigo de DC , bajo la dirección de Karen Berger , fue lanzada en 1993, con el objetivo de especializarse en este género. Títulos existentes como Animal Man , Doom Patrol , Hellblazer y Shade, the Changing Man fueron absorbidos por esta nueva línea. Posteriormente se crearon otros títulos para la línea, que continuó con éxito hasta la década de 2010. [ cita necesaria ]
A partir de la década de 1990 y a lo largo de la década de 2000, una serie de adaptaciones cinematográficas exitosas de libros de historietas, en parte debido a mejoras en la tecnología de efectos especiales, ayudaron a ampliar su audiencia en el mercado, atrayendo la atención de muchos nuevos lectores que antes no habían estado interesados en las historietas. libros. Esto también llevó a una avalancha de otras adaptaciones cinematográficas que incluían títulos de Vertigo previamente menos conocidos , en particular Constantine (basado en el cómic Hellblazer ) y V de Vendetta . [ cita necesaria ]
A mediados de la década de 1980, los antihéroes de Marvel como Wolverine de los X-Men , Punisher y la versión más oscura de Daredevil del escritor y artista Frank Miller desafiaron el modelo anterior del superhéroe como un humanitario alegre . Miller también creó a Elektra , quien se encontraba a caballo entre el límite convencional entre el interés amoroso y el villano . [ cita necesaria ]
Dos series limitadas de DC Comics artísticamente influyentes contribuyeron a la tendencia: Batman: The Dark Knight Returns , también de Frank Miller y Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons , ambas series de profundidad psicológica protagonizadas por héroes con problemas. [ cita necesaria ]
A finales de la década de 1980, DC había publicado muchos títulos para adultos como John Constantine, Hellblazer , Swamp Thing y Lobo . Presentaban personajes moralmente ambiguos como el cínico John Constantine y el amante de la violencia Lobo con violencia gráfica y contenido para adultos que los diferenciaba de otros títulos convencionales. Posteriormente, DC separó estos títulos en su sello Vertigo lanzado que publica títulos fuera del Universo DC. [ cita necesaria ]
A principios de la década de 1990, los antihéroes se habían convertido en la regla más que en la excepción, y entre los más populares se encontraban Cable and Venom de Marvel Comics y Spawn de Image Comics . [ cita necesaria ]
La tendencia de crear personajes con más profundidad psicológica y menos blancos y negros, también afectó a los supervillanos . Por ejemplo, el Joker , el enemigo de Batman, fue retratado menos como un criminal malvado y más como un psicópata con una enfermedad mental que no puede controlar sus acciones, Galactus , el devorador de planetas galáctico de Marvel Comics , se convirtió en una fuerza de la naturaleza que no busca malicia personal en su alimentación. , y Magneto, el enemigo de los X-Men, se volvió más benigno y comprensivo como un hombre que lucha por un pueblo oprimido, aunque a través de medios que otros consideran inaceptables. [ cita necesaria ]
A mediados de la década de 1980, X-Men se había convertido en uno de los títulos de cómics más populares. Marvel decidió aprovechar este éxito creando una serie de títulos derivados , a veces denominados colectivamente "libros X". Estos primeros libros X incluían New Mutants (que luego se convertiría en X-Force ), X-Factor , Excalibur y una serie en solitario de Wolverine . Hubo muchas nuevas incorporaciones populares a los X-Men en la década de 1990, incluidos Cable y Bishop .
A principios de la década de 1990, X-Men se había convertido en la franquicia más grande de cómics y, a mediados de la década, se publicaban cada mes más de una docena de cómics relacionados con X-Men, tanto series continuas como limitadas . Casi anualmente desde 1986 hasta 1999, una historia apareció en casi todos los libros X durante dos o tres meses. Estos "X-overs" generalmente provocaban un aumento en las ventas.
Este auge de las ventas dio lugar a una gran cantidad de merchandising, como figuras de acción , videojuegos y tarjetas coleccionables . Este éxito se debió en gran parte a la serie animada X-Men de Fox Network , que debutó en 1992 y atrajo a un gran número de fanáticos más jóvenes.
El auge de las ventas comenzó a decaer entre mediados y finales de los años 1990, debido a la caída del mercado de especuladores y el efecto que tuvo en la industria. Marvel se declaró en quiebra en 1996 [5] y, como resultado, redujo todas sus franquicias, incluida X-Men. Se cancelaron varios "X-books" y se redujo la cantidad de series limitadas publicadas, así como la mercancía general.
A principios de la década de 2000, una serie de películas taquilleras de X-Men mantuvieron saludable la franquicia X-Men y dieron como resultado una mayor presencia en el mercado fuera de los cómics. En 1999-2000, debutó una nueva serie animada, X-Men: Evolution , mientras que se han desarrollado y vendido nuevos juguetes desde el éxito del primer largometraje de X-Men . Los propios cómics se han reinventado en series como New X-Men y Ultimate X-Men de Grant Morrison , que, al igual que otras series " Ultimate " de Marvel , es una historia de universo alternativo, que comienza de nuevo la historia de X-Men. Esto se hizo para X-Men y otros libros porque Marvel temía que las largas y complejas historias de las historias establecidas de ciertos títulos estuvieran asustando a nuevos lectores.
Muchas series intentaron imitar el modelo que los X-Men tallaron como franquicia. Marvel y DC expandieron propiedades populares, como Punisher , Spider-Man , Batman y Superman a redes de libros derivados a mediados y finales de la década de 1980. Al igual que los X-books, algunos de estos spin-offs destacaban un concepto o personajes secundarios de una serie principal, mientras que otros eran simplemente series mensuales adicionales con un personaje popular. En otra similitud con los X-books, estas franquicias presentaban regularmente crossovers, en los que una historia se superponía a cada título de la “familia” durante unos meses.
Con respecto a la superposición de historias, las historias de Superman de 1991 a 2000 se escribieron semanalmente. Era necesario comprar Superman , Adventures of Superman , Action Comics y Superman: The Man of Steel (y eventualmente, Superman: The Man of Tomorrow ) para mantenerse al día con las historias existentes. Si un coleccionista solo comprara Action Comics , solo obtendría el veinticinco por ciento de la historia. En la portada de cada título de Superman aparecía un triángulo con un número. Este número indicaba en qué semana del año se lanzó el título de Superman.
Complementando la creación de estas franquicias estaba el concepto de rediseñar los personajes. La Era Moderna de los cómics marcaría el comienzo de esta era de cambios. El impacto de Crisis en Tierras Infinitas fue el primer ejemplo, ya que Supergirl murió en el número 7 y Flash (Barry Allen) murió en el número 8. Específicamente, Barry Allen significó el comienzo de la Edad de Plata de los cómics y su muerte fue altamente impactante en ese momento. Secret Wars de Marvel Comics marcaría el comienzo de un nuevo cambio y Spider-Man usaría un traje negro. Este cambio de vestuario llevó al desarrollo del personaje Venom .
El interés en el mercado especulador por un nuevo disfraz de Spider-Man provocó otros cambios para los personajes de Marvel en los años 1980. Iron Man tendría una armadura plateada y roja en el número 200. El Capitán América sería despedido y renacería como el Capitán, vistiendo un traje negro en el número 337 de la serie. El Increíble Hulk volvería a su color de piel gris original en el número 325. El número 300 de la primera serie de Los Vengadores resultó en una nueva alineación que incluía a Mister Fantastic y la Mujer Invisible , de los Cuatro Fantásticos . Dentro de la década, Wolverine cambiaría a un traje marrón y amarillo, Thor sería reemplazado por Thunderstrike , Arcángel emergería como la contraparte oscura del Ángel de los X-Men después de servir como uno de los Jinetes de Apocalipsis , y muchos otros personajes de Marvel habrían completado Renovaciones de imagen. Los cambios en Spider-Man, Thor, Capitán América, Iron Man, Wolverine y la mayoría de los demás personajes de Marvel se desharían a principios de la década de 1990.
La década de 1990 traería cambios similares al Universo DC , incluida la muerte de Superman [6] y la mutilación de Bruce Wayne [7] en 1993. El único cambio duradero fue que Kyle Rayner reemplazó a Hal Jordan como Linterna Verde .
Además de los cambios de imagen de personajes individuales o franquicias/familias, Crisis on Infinite Earths marcó el comienzo de una tendencia popular de "reiniciar", "rehacer" o reinventar en gran medida los universos de todo el editor cada 5 a 10 años en diferentes escalas. La práctica de reiniciar universos enteros se produjo con tanta frecuencia que a esta era también se la conoce como La Edad del Hierro. Esto a menudo resultó en que se volvieran a contar los orígenes, se reescribieran las historias, etc. Estas reinvenciones podrían ser a una escala tan grande como reconfigurar repentinamente puntos fundamentales de la historia y reescribir las historias de los personajes, o simplemente introducir y/o eliminar/escribir varios elementos importantes y menores de un universo. Crisis on Infinite Earths resultó en varias miniseries que reconfiguraban explícitamente las historias de los personajes, como Batman: Year One , Superman: Man of Steel y Wonder Woman: Gods and Mortals . Un ejemplo de una escala de cambios menos ambiciosa es Green Arrow: The Longbow Hunters , que no recontó ni volvió a contar explícitamente la historia de Green Arrow, sino que simplemente cambió su escenario y otros elementos del presente, dejando el pasado en gran medida intacto. Esta tendencia de reinvenciones en toda la editorial, que a menudo consiste en una nueva miniserie y varias historias derivadas de libros establecidos, continuó durante décadas, con New 52 de DC en 2011 y Secret Wars de Marvel en 2015.
.jpg/1280px-Spawn_(no._1_-_cover_art).jpg)
A mediados de la década de 1980, el artista Jack Kirby , cocreador de muchos de los personajes más populares de Marvel, entró en disputa con Marvel por la desaparición de páginas originales de obras de arte de algunos de sus títulos más famosos. Alan Moore , Frank Miller y muchas otras estrellas contemporáneas se convirtieron en firmes defensores de Kirby.
A principios de la década de 1990, estos eventos, así como la influencia de los defensores vocales de las publicaciones independientes, ayudaron a inspirar a varios artistas de Marvel a formar su propia compañía, Image Comics , que serviría como un ejemplo destacado de publicación de cómics propiedad de los creadores. . Artistas de Marvel como Jim Lee de X-Men , Rob Liefeld de The New Mutants / X-Force y Todd McFarlane de Spider-Man fueron extremadamente populares y fueron idolatrados por los lectores más jóvenes de maneras más comunes entre los atletas profesionales y los músicos de rock. que los artistas de cómics. Impulsados por el poder de las estrellas y molestos por no ser propietarios de los personajes populares que crearon para Marvel, varios ilustradores, incluidos los tres mencionados anteriormente, formaron Image Comics en 1992, una etiqueta general bajo la cual existían varias empresas autónomas propiedad de los creadores. [8] Las propiedades de imagen, como WildC.ATs , Gen¹³ , Witchblade y especialmente McFarlane's Spawn proporcionaron una enérgica competencia para los superhéroes de larga data. Algunos críticos señalan a Image en particular por contribuir a las condiciones que llevaron a la caída del mercado especulador , ya que los títulos de Image favorecían portadas alternativas, portadas metálicas y otros cómics "coleccionables". [9]
Muchos creadores populares siguieron el ejemplo de Image e intentaron utilizar su poder estelar para lanzar su propia serie; aquellos para los cuales tendrían derechos de licencia y control editorial. Chris Claremont , famoso por su larga trayectoria como escritor de Uncanny X-Men , creó Sovereign Seven para DC ; Joe Madureira , también popularizado por Uncanny X-Men , lanzó Battle Chasers para WildStorm Productions ; y Kurt Busiek , Alex Ross y Brent Anderson crearon Astro City for Image.
En 1993, una coalición de escritores y artistas afroamericanos fundó Milestone Comics , creyendo que los personajes minoritarios estaban subrepresentados en los cómics de superhéroes estadounidenses. Algunas de las series más conocidas de la compañía incluyen Static , sobre un adolescente afroamericano que se convirtió en el personaje clave de Milestone; Hardware , ejemplo de afrofuturismo ; Icon , sobre un extraterrestre que imita la apariencia de un afroamericano; y Blood Syndicate , una serie sobre una pandilla multicultural de superhéroes. Todos estos títulos emblemáticos fueron cocreados por Dwayne McDuffie . En 1997, el Universo Milestone se fusionó con el Universo DC .
A finales de la década de 1980, los cómics importantes, como la primera aparición de un personaje clásico o el primer número de una serie de larga duración, se vendían por miles de dólares. Los principales periódicos publicaron informes de que los cómics eran buenas inversiones financieras y pronto los coleccionistas estaban comprando cantidades masivas de cómics que pensaban que serían valiosos en el futuro.
Los editores respondieron fabricando artículos de colección, como tarjetas coleccionables , y “ediciones limitadas” de ciertos números con una portada especial o variante. Los primeros números de X - Force , X-Men vol. 2, y Spider-Man se convirtieron en algunos de los primeros y más notorios ejemplos de esta tendencia. Otra tendencia que surgió fueron las portadas estampadas. El primer cómic de Marvel con una cubierta estampada fue el tercer volumen de Silver Surfer , número 50 (junio de 1991). También apareció una portada que brilla en la oscuridad para Ghost Rider , volumen 3, número 15. Esto provocó un auge del mercado, en el que las tiendas minoristas y las editoriales obtuvieron enormes beneficios y muchas empresas, grandes y pequeñas, ampliaron sus líneas. Image Comics en particular se hizo famoso por esto, y muchas de sus series debutaron con portadas alternativas, un amplio uso de portadas en relieve y de aluminio y otros rasgos "coleccionables".
Esta tendencia no se limitó a los libros en sí, y muchas otras mercancías, como juguetes, en particular figuras de acción de "persecución" (figuras hechas en tiradas más pequeñas que otras en una línea particular), tarjetas coleccionables y otros artículos, también se hicieron populares. se espera que se aprecie su valor. McFarlane Toys se destacó por esto, ya que creó muchas variaciones en sus juguetes de alta calidad, la mayoría de los cuales eran personajes principales o estrellas invitadas ocasionales en la serie Spawn.
Pero pocos, en el exceso de nuevas series, poseían una calidad artística duradera y los artículos que se predijo que serían valiosos no lo fueron, a menudo debido a las enormes tiradas que los convirtieron en algo común. El mercado de especuladores comenzó a colapsar en el verano de 1993 después de que Turok #1 (vendido sin mejoras de portada) tuviera un rendimiento muy inferior y el regreso de Superman en Adventures of Superman #500 vendiera menos que su muerte en Superman #75, algo que los especuladores y minoristas no habían esperado. Las empresas comenzaron a esperar una contracción y el director de ventas de Marvel Reino Unido , Lou Marks, declaró el 29 de septiembre que los minoristas decían que "simplemente no había espacio para exhibir todos los cómics que se estaban produciendo". [10] La resultante caída del mercado del cómic devastó la industria: las ventas se desplomaron, cientos de tiendas minoristas cerraron y muchas editoriales redujeron su tamaño. Marvel tomó una decisión imprudente durante la crisis al comprar Heroes World Distribution para utilizarlo como su propio distribuidor exclusivo, [11] lo que resultó en problemas de distribución para Marvel y otros editores importantes de la industria que hicieron acuerdos de distribución exclusiva con otras compañías, lo que llevó a Diamond Comic Distributors Inc. a convertirse en el único distribuidor destacado en América del Norte. [12] [13] En 1996, Marvel Comics, la empresa más grande de la industria y enormemente rentable apenas tres años antes, se declaró en quiebra . [14]
El colapso también marcó la caída relativa de las grandes franquicias y las "familias" de títulos interconectadas que llevaron a un exceso de merchandising. Si bien los títulos de las grandes franquicias todavía tienen una gran cantidad de títulos regulares y merchandising adjuntos, todas estas cosas se redujeron notablemente después del colapso.
Aunque las ventas de publicaciones periódicas de cómics individuales cayeron a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000, las ventas aumentaron en el caso de los libros de bolsillo comerciales , [15] [16] ediciones recopiladas en las que varios números están encuadernados con un lomo y, a menudo, se venden en librerías y tiendas de cómics. . Los editores de cómics comenzaron a publicar libros de bolsillo comerciales de arcos de historias recopilados directamente después de la publicación periódica original de esas historias porque un nuevo lector podía comprar los libros de bolsillo comerciales y acceder a las historias de la serie completa hasta la fecha. La Guía del bibliotecario sobre novelas gráficas para niños y preadolescentes de David S. Serchay explica: "Al principio se recopilaban las historias más populares, pero ahora se comercializan cada vez más historias de cómics, a veces en menos de dos meses". después de que se haya vendido el número "más nuevo". Y [...] no sólo material reciente, sino también una gran cantidad de material antiguo finalmente se está reuniendo para comercializar". [16] : 15 En 2015, Polygon destacó que "aunque esto era mucho menos común hace una década, casi todos los cómics mensuales que existen en este momento eventualmente se recopilan en ediciones comerciales de bolsillo o de tapa dura que imprimen varios números en un solo paquete". [17] Los libros de bolsillo comerciales a menudo incluso reciben números de volumen, lo que los convierte en una especie de serialización. Debido a esto, muchos escritores ahora consideran sus tramas teniendo en cuenta la edición de bolsillo comercial, escribiendo historias que duran de cuatro a doce números, que podrían leerse fácilmente como una " novela gráfica ".
Además, el formato editorial ha ganado tal respetabilidad como literatura que se convirtió en una parte cada vez más destacada tanto de las colecciones de las librerías como de las bibliotecas públicas . [ cita necesaria ] Los libros de bolsillo comerciales y las novelas gráficas son el formato preferido para las colecciones de bibliotecas en circulación, ya que estas colecciones se crean para ser leídas y no para ser conservadas como artículos de colección o como inversiones. [18] [19] Los intentos de catalogar y hacer circular cómics de un solo número pueden plantear problemas difíciles [20] [21] y la durabilidad del formato de bolsillo comercial es una consideración importante para la longevidad y el desarrollo de colecciones en bibliotecas públicas y escolares. Los libros de bolsillo comerciales "también son el principal culpable de la confusión del léxico entre la gente, ya que 'los TPB constituyen el 95% de lo que muchos bibliotecarios denominan novelas gráficas'". [15]
A pesar de la creciente popularidad del libro de bolsillo comercial, los números individuales serializados todavía se consideran el principal modo de venta por parte de los editores de cómics, y una serie que se vende mal puede enfrentar la cancelación independientemente de las ventas del libro de bolsillo comercial. [22] [23] [24] Sin embargo, algunas series [25] "sobreviven gracias a la popularidad de sus ventas comerciales, no sólo en el mercado directo y en las tiendas de cómics locales, sino también en las librerías de todo el mundo" y en " Scholastic [ ferias del libro y similares". [26]
La popularidad de los libros de bolsillo comerciales ha dado lugar a que también se reimprima material más antiguo. La línea de libros de bolsillo comerciales Essential Marvel ha reimpreso héroes como Spider-Man y los Cuatro Fantásticos y ha podido presentar estas historias de la Edad de Plata a una nueva generación de fanáticos. Estas ediciones tienden a parecerse a una guía telefónica en el sentido de que son libros muy gruesos y en blanco y negro (para ayudar a mantener el costo bajo). DC Comics ha seguido su ejemplo al presentar una línea llamada Showcase Presents . Los primeros cuatro han incluido a Superman, Green Lantern , Jonah Hex y Metamorpho the Elemental Man. Otros personajes han incluido a Green Arrow , la familia Superman , los Jóvenes Titanes y el Hombre Alargado . [ cita necesaria ]
En 2018, Screen Rant destacó que "los editores y minoristas tradicionalmente ignoran las ventas de libros de bolsillo comerciales cuando se trata de decidir si un título específico está funcionando bien o no. Durante décadas, el tema único ha sido el rey, a pesar de que esas cifras de ventas están lejos". de útil. [...] Los libros de bolsillo comerciales son cada vez más importantes como marcador de lo que se vende, y en 2016 se registró un aumento del 12 % en las ventas comerciales con respecto a 2015, un período en el que las ventas de un solo número cayeron. Las ventas de ejemplares individuales cayeron en comparación con 2016, las transacciones disminuyeron un 9,38%, en comparación con las emisiones individuales que cayeron un 10,4%". [23] En 2019, Bleeding Cool enfatizó que "en los últimos años, los números recopilados/los libros de bolsillo comerciales son más populares y rentables que las publicaciones periódicas mensuales de cómics. A medida que las ventas de un solo número se han desplomado constantemente, los libros de bolsillo comerciales y las novelas gráficas han llenado los vacíos". "De 2013 a 2018, la novela gráfica fue el formato de cómic más vendido". [24] Según informes de la industria, [27] [28] "el cambio masivo hacia las novelas gráficas como formato preferido para los cómics continuó en 2019, elevando las ventas en el canal de libros por encima del canal de tiendas de cómics en América del Norte por primera vez en el historia del medio" [29] y que "las ventas de novelas gráficas crecían más rápidamente en el comercio del libro que en las tiendas de cómics". [30]
Si bien muchos artistas y escritores de cómics se habían hecho muy conocidos entre sus lectores ya en la década de 1940, algunos creadores de historietas a finales de los años 1980 y 1990 se hicieron conocidos por la población en general. Estos incluyeron a Todd McFarlane , Neil Gaiman , Alan Moore y Frank Miller . Algunos, como Gaiman, escribieron novelas de éxito comercial y de crítica. Otros, como Miller, se convirtieron en guionistas y directores de Hollywood.
Por el contrario, los directores y productores de cine y televisión se involucraron con los cómics. J. Michael Straczynski , creador de la serie de televisión Babylon 5 , fue reclutado para escribir The Amazing Spider-Man de Marvel Comics y, más tarde, el cineasta de los Cuatro Fantásticos, Reginald Hudlin, se convirtió en el escritor de Black Panther de Marvel . Joss Whedon , creador de la serie de televisión Buffy the Vampire Slayer , escribió Astonishing X-Men y Runaways de Marvel , entre otras series. Richard Donner , quien dirigió las películas de Superman de las décadas de 1970 y 1980, se convirtió en escritor de la película de Superman en Action Comics en 2006, coescribiendo con el escritor de cómics (y ex asistente de producción de Donner ) Geoff Johns . Paul Dini , productor y escritor de Batman: The Animated Series y Superman: The Animated Series , comenzó a escribir para DC en 1994 en proyectos especiales y tomó el mando como escritor de Detective Comics en 2006.
La carrera del escritor de cómics Peter David como novelista se desarrolló al mismo tiempo que su carrera en el cómic. [31] [32] El escritor de Sandman, Neil Gaiman , también ha disfrutado del éxito como escritor de fantasía y número uno en ventas del New York Times . Michael Chabon , que ganó el Premio Pulitzer con Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay , una novela sobre el inicio de la Edad de Oro de los cómics , luego pasó a escribir cómics para DC y Dark Horse. El novelista Brad Meltzer tuvo éxito en el campo del cómic con la controvertida miniserie Identity Crisis , así como con Green Arrow y Justice League of America .
Se sabe que el interés por el anime y el manga en los Estados Unidos se remonta a mediados de la década de 1970 en la costa oeste de Estados Unidos, aunque entre mediados y finales de la década de 1980 se vería la introducción silenciosa de varios manga japoneses traducidos en América del Norte. Si bien no fue la primera en lanzar manga traducido , la primera compañía en hacerlo en gran medida fue Eclipse, que presentó Area 88 , Legend of Kamui y Mai the Psychic Girl , los tres títulos que generalmente se asocian con la primera ola de manga traducido . en Inglés. Con tendencias e influencias sociales como la burbuja económica japonesa de la década de 1980 y los estudios empresariales promovidos por las empresas centrados en las relaciones japonesas y los negocios en las universidades, el interés y el conocimiento de la cultura popular japonesa , incluidos el anime y el manga, pronto comenzaron a extenderse lenta pero constantemente entre los fanáticos en los Estados Unidos. Estados Unidos a mediados de los años 1990. Tras la quiebra de Marvel y DC y la languidez de los cómics estadounidenses después de 1996, y con el auge del auge de los medios alternativos de la década, el interés por el manga aumentó considerablemente en la década de 2000. El consenso entre los fanáticos del manga, tanto antiguos como nuevos, a menudo hablaba de cómo el léxico de las obras del manga variaba mucho más que la variedad, a menudo restringida, limitada a historias de superhéroes en el mercado estadounidense, y proporcionaba una mejor calidad al no sujetarse a la censura y a estándares opresivos como la Autoridad del Código de Cómics o los muy conservadores; influencia estadounidense predominantemente blanca que fue prominente años antes. Durante la década de 1990, se crearon editoriales como Dark Horse Comics , Kodansha USA y Viz Media para satisfacer la demanda de manga. En la década de 2000, Shonen Jump establecería una sucursal en América del Norte en 2001. Si bien las traducciones de manga se presentaban anteriormente en el formato tradicional de revista de cómics estadounidense, las publicaciones de tamaño resumen tradicionales del manga se han vuelto comunes. Por demanda y para respetar sus orígenes culturales, los libros se presentan en el formato original pensado para ser leídos de derecha a izquierda.
El manga original en inglés , o OEL, ha sido prominente incluso antes del auge del anime y el manga de principios de la década de 2000. Los OEL son material original escrito por autores no japoneses que emulan directamente el estilo manga tanto en la narración como en el arte e identifican abiertamente sus obras como manga. En la década de 1980, junto con la adaptación de Comico y Eternity Comics de la serie animada Robotech , varias otras compañías lanzaron cómics de estilo manga, como Ninja High School de Ben Dunn y Samurai de Barry Blair . Tokyopop fue la primera empresa en papel en contratar artistas no japoneses para producir y comercializar ( manga original en inglés ). Aunque los cómics de estilo manga anteriores consistían principalmente en préstamos selectivos de elementos de manga o anime para una obra que no estaba destinada a ser considerada como manga, sus inspiraciones y métodos artísticos los clasifican bajo el término.
En octubre de 2019, el analista de la industria Milton Griepp presentó datos en una conferencia ICv2 en Nueva York que mostraban que, por primera vez en décadas, el mercado no estaba dominado por los cómics mensuales tradicionalmente estadounidenses del género de superhéroes, sino por las novelas gráficas y los libros de bolsillo de otros géneros. en particular aquellos dirigidos a lectores más jóvenes, como Dog Man de Dav Pilkey y Guts de Raina Telgemeier , y manga japonés y libros inspirados en manga. Estos libros registran altas ventas en las librerías, aunque el cambio también se reflejó en las tiendas de cómics. Según datos de Bookscan , los cómics y novelas gráficas infantiles representaron el 41% de las ventas en librerías, y el manga el 28%, mientras que los libros del género de superhéroes constituyeron menos del 10%, un descenso del 9,6% interanual. -año. [33]
Portal de cómics
portal de los años 80
portal de los 90
Portal de los años 2000
portal de la década de 2010
portal de la década de 2020{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)