Samuel Grosvenor Wood (10 de julio de 1883 - 22 de septiembre de 1949) fue un director y productor de cine estadounidense, conocido por haber dirigido éxitos de Hollywood como Una noche en la ópera , Un día en las carreras , Adiós, Mr. Chips , El orgullo de los Yankees y Por quién doblan las campanas , y por su trabajo no acreditado dirigiendo partes de Lo que el viento se llevó . También participó en algunos proyectos de actuación y escritura.
Cuando era joven, Wood desarrolló un entusiasmo por la aptitud física que persistió hasta sus años mayores e influyó en su interés en hacer películas con temática deportiva. [1]
Wood pasó de realizar películas en gran medida competentes pero rutinarias en las décadas de 1920 y 1930 a dirigir varias obras muy valoradas durante la década de 1940 en la cima de sus habilidades, entre ellas Kings Row (1942) e Ivy (1947). [2]
La ejecución rápida, eficiente y profesional de las tareas cinematográficas de Wood le granjeó el aprecio de los ejecutivos de los estudios y, aunque no fue un director "brillante", el legado de Wood representa "una larga y respetable carrera cinematográfica". [3]
Samuel Grosvenor Wood nació el 10 de julio de 1883 en Filadelfia, Pensilvania, hijo de William Henry Wood y Katherine (de soltera Corn) Wood. Asistió a la escuela M. Hall Stanton. Una de las hijas de Wood, nacida Gloria Wood, fue la actriz de cine y televisión KT Stevens . [4]
Pasé un tiempo en verano alrededor de 1900 en la playa de Atlantic City con amigos. [ cita requerida ]
Cuando Wood cumplió 18 años en el verano de 1901, él y un compañero emprendieron un viaje de un año a través de los Estados Unidos, llegando finalmente a Los Ángeles, donde Wood se embarcó en una exitosa carrera como corredor de bienes raíces. En 1906, la entonces primitiva industria cinematográfica del sur de California atrajo a Wood a entrar en la naciente industria actuando, adoptando el nombre artístico de "Chad Applegate". Ocultó cuidadosamente su (por entonces considerada) vocación de mala reputación a los asociados y clientes del sector inmobiliario. [5]
En 1908, Wood se casó con Clara Louise Roush, quien animó a su esposo a comprometerse con una carrera en el cine. Incitado por un colapso en el mercado inmobiliario, Wood consiguió trabajo como asistente de producción cinematográfica y, en 1914, se desempeñaba como asistente de dirección de Cecil B. DeMille . Durante los siguientes cinco años, Wood contribuyó a la producción de cientos de cortometrajes como asistente de dirección, principalmente para Paramount Pictures. [6] [7] [8]
A finales de 1919, Wood obtuvo su primer trabajo como director en la película de Paramount Double Speed , la primera de cinco películas en las que trabajó junto a la estrella de cine Wallace Reid , todas ellas filmadas y estrenadas en 1920. Wood demostró una dirección eficiente y eficaz que lo hizo atractivo para los ejecutivos de Paramount. El éxito de estas comedias de acción de una hora de duración fue muy elogiado por el jefe de producción Jesse Lasky por su producción y rentabilidad de "cadena de montaje". [9]
El actor Reid, herido durante un rodaje en 1919, sufría dolores crónicos que trataba con morfina. (Adicto funcional durante su colaboración con Wood, moriría en 1923 a los 32 años debido a complicaciones relacionadas con su adicción.) [10]
A pesar del extraordinario éxito de sus películas para Reid, Wood expresó su deseo de trabajar en otros proyectos. Paramount, "quizás como señal de desagrado", complació a Wood degradándolo a su unidad cinematográfica subsidiaria, Realart , un lugar para la producción de "películas de programa rutinario" de bajo presupuesto que ofrecían poco en cuanto a sustancia. Wood soportó la tarea, haciendo cuatro películas en Realart, protagonizadas por Ethel Clayton y Wanda Hawley , todas filmadas en 1920. La perseverancia de Wood en Realart le valió una reputación como un activo confiable del estudio. [11]
Sam Wood estaba bien, pero en el fondo era un agente inmobiliario... no tenía nada de artista temperamental. Habíamos estado haciendo películas desde El gran momento , y cada una era peor que la anterior. Lo único que cambió fue la cantidad y el largo de los vestidos que usé y el rostro del protagonista.
Gloria Swanson, de sus memorias Swanson on Swanson (1980). [12]
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El aprecio de Paramount por la entrega "rápida y eficiente" de los productos cinematográficos de Wood y su excelente relación con su elenco y equipo le valieron el honor de dirigir a su recientemente adquirida actriz Gloria Swanson en su primer trabajo protagónico, The Great Moment (1921). DeMille , a quien Wood había servido como asistente de dirección de 1914 a 1916, y Swanson, un amigo personal cercano de Wood, influyeron en la elección de Paramount. [13] [14]
Con el éxito popular de The Great Moment , coprotagonizada por Milton Sills (en una escena escandalosa, chupa veneno de serpiente de cascabel del pecho de Swanson), Paramount procedió a financiar nueve colaboraciones más entre Swanson y Wood durante los siguientes dos años, comenzando con Under the Lash (1921) y terminando con Bluebeard's 8th Wife (1923). El camarógrafo Alfred Gilks fotografió las diez producciones. [15] Durante la serie de películas de Wood y Swanson, "el departamento de vestuario rompió todos los récords de fastuosidad de Hollywood..." [16]
Las películas de Wood incluían una gran variedad de escenarios y ambientaciones, lo que proporcionó abundantes oportunidades para que Swanson y sus protagonistas masculinos "se lucieran con una variedad de trajes de época" (por ejemplo, Beyond the Rocks (1922) con Rudolf Valentino ) y aparecieran con la "atrevida ropa moderna" de la era del jazz (por ejemplo, Prodigal Daughters (1923) con Ralph Graves ). La carrera cinematográfica muda de Swanson mejoró significativamente gracias a estas producciones de Wood. Sin embargo, en 1923, por consentimiento mutuo, Swanson y Wood acordaron concluir su colaboración. [17]
Sam Wood y Swanson "habían encontrado claramente la fórmula del éxito en estas comedias románticas de matrimonio e intriga aderezadas con una serie de apuestos protagonistas y un desfile interminable de vestidos fabulosos". [18]
A finales de 1923, la relación de Wood con Paramount comenzó a deteriorarse debido a su descontento con la calidad de sus proyectos. Wood completó el "relato moralista de mano dura" His Children's Children a finales de 1923, y sólo hizo Bluff (1924) con Agnes Ayers bajo protesta debido a su baja valoración del potencial estelar de Ayers. [19]
Wood aceptó dos ofertas del productor Irving "Sol" Lesser, de la recién formada Principal Pictures, para hacer "una película muy inusual", The Female (1924), ambientada en el Veld sudafricano protagonizada por Betty Compson , así como un western y el primer trabajo de Wood en este género, The Mine with the Iron Door (1924) con Dorothy Mackaill . Wood consintió en hacer otra película con Dorothy Mackaill para Paramount en The Next Corner (1924) que, a pesar de sus "costosos valores de producción", estaba cargada con una "trama pobre". Wood y Paramount llegaron a un punto muerto cuando se negó a dirigir otra película de Agnes Ayers. Wood fue suspendido oficialmente de Paramount y de los otros estudios principales durante un año. [20]
Sol Lesser de Principal Pictures contactó a Wood para dirigir una versión cinematográfica de la novela The Re-Creation of Brian Kent del novelista Harold Bell Wright . Cuando la adaptación de Wood resultó ser un éxito de taquilla, los ejecutivos de Paramount intentaron atraer a Wood de nuevo al estudio, otorgándole una producción generosamente financiada, Fascinating Youth (1926). Wood completó la "comedia ligera", pero siguió convencido de que no tenía futuro con Paramount y consiguió con éxito la liberación de su contrato. [21]
La separación de Wood de Paramount resultó ser una suerte para el director. De hecho, fue "un punto de inflexión importante en su carrera". En 1927, dirigió brevemente películas para Cole-Robertson Pictures , una pequeña productora de Boston, y al mismo tiempo negoció un compromiso a largo plazo con el estudio dominante de Hollywood, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). [22]
Robertson-Cole Pictures (que pronto se convertiría en Film Booking Company , FBO y más tarde se asoció con RKO Radio Studios) contrató de inmediato a Wood, que ya estaba disponible. El director de producción Joseph P. Kennedy había contratado al famoso héroe deportivo "Red" Grange y Wood, un entusiasta del fútbol americano, acogió con agrado la oportunidad de presentar una historia de fútbol apasionante, One Minute to Play (1926). [23] Wood dirigió a Grange por segunda vez en una pequeña epopeya en honor a las carreras de caballos. Enfatizando las virtudes del deporte en lugar de la actuación menos que impresionante de Grange, A Racing Romeo (1927) completó las tareas de Wood para Cole-Robertson. [24]
Los dos primeros trabajos de Wood para MGM, Rookies , con Karl Dane y George K. Arthur , y The Fair Co-Ed con Marion Davies fueron comedias, ambas realizadas en 1927, lo que le valió un contrato a largo plazo con el estudio para el que haría películas casi exclusivamente durante más de diez años. [25]
Wood procedió a llevar su velocidad y eficiencia características a MGM, dirigiendo a sus principales estrellas y proveyéndoles de guiones "del material más fino": Norma Shearer en Lo último de París (1928), William Haines en Telling the World (1928), las hermanas Duncan (1929) en Qué gran vida y en su primera película sonora en 1929, presentó al actor Robert Montgomery .
Wood era famoso por entregar sus películas de manera consistente "a tiempo y dentro del presupuesto", pero estas virtudes, que agradaban a la oficina principal, "militaron contra su obtención de trabajos más dignos". [26] Dos comedias más siguieron en 1930, The Girl Said No y They Learned About Women , esta última con un tema de béisbol y un vehículo sentimental protagonizado por el actor alemán Louis Mann en una excelente actuación, y con el coprotagonista Robert Montgomery. [27]
Wood dirigió al ídolo del cine mudo John Gilbert en Way for a Sailor , una película romántica de aventuras marítimas que el actor esperaba que redimiera su reputación en el emergente "cine sonoro" . Gilbert fue mal elegido para el papel de un marinero duro frente a Wallace Beery . Cuenta la leyenda que el jefe de estudio de MGM, Louis B. Mayer, fue cómplice de elegir mal a Gilbert para un papel viril que no se ajustaba a su imagen, y Wood no logró salvar su actuación. Al concentrarse en escenas de acción que representan naufragios y rescates en alta mar, Wood le dio a Way for the Sailor apenas una medida de realismo. [28] [29]
La joven actriz de cine mudo y estrella emergente del cine sonoro Joan Crawford fue emparejada con Wood para Paid (1930), un drama criminal que se benefició de la ejecución "tensa" de Wood y de la cinematografía de Charles Rosher , [30]
Wood siguió con dos encargos menos afortunados y los dos últimos de los cuatro largometrajes que haría con William Haines: A Tailor Made Man y New Adventures of Get Rich Quick Wallingford , ambos de 1931. Haines se retiraría posteriormente de la actuación para convertirse en un exitoso decorador de interiores. Wood terminó el año dirigiendo su última y exitosa película con Robert Montgomery, The Man in Possession , una "comedia descabellada". [31]
La reunión de 1932 fue otra oportunidad para que Wood demostrara su talento para presentar el fútbol americano universitario. Madge Evans aparece junto al protagonista Ramon Novarro , una estrella de la era del cine mudo que tuvo dificultades para hacer la transición al cine sonoro. [32]
En un intento por revitalizar la carrera de Novarro, MGM encargó a Wood la filmación de una nueva versión de la exitosa película muda "romántica y exótica" El árabe, filmada originalmente por el director Cecil B. DeMille en 1915 protagonizada por Edgar Selwyn , y en 1924 , protagonizada por Navarro, que entonces tenía 25 años, ambas con el mismo título. Wood rehizo El bárbaro con la estrella de cine emergente Myrna Loy como el objeto del afecto de Novarro, quien se la roba a su prometido Reginald Denny en este "atractivo paquete menor" cinematográfico. [33]
Marie Dressler, de 62 años, ex estrella de teatro y vodevil , y su coprotagonista Wallace Beery obtuvieron un enorme éxito financiero para MGM con Min and Bill (1930) , dirigida por George Hill , que le valió un premio de la Academia a la mejor actriz. Wood dirigió a Dressler en esta comedia ligera de ritmo rápido Prosperity (1933), sobre la presidenta de un banco de un pequeño pueblo (Dressler) que se pelea con sus vecinos y clientes provinciales. Wood se reunió con Dressler en 1933 para hacer Christopher Bean , una parodia ligera sobre los aspectos humorísticos de la avaricia. [34]
Wood trabajó como productor y director en Hold Your Man , un papel doble que no le gustaba dentro de la organización de "cadena de montaje" que prevalecía en los principales estudios de la década de 1930. [35] Sin embargo, la asignación fue una promoción para Wood, brindándole la oportunidad de hacer un romance criminal que es "sentimental, descarado, ingenioso" y como siempre "de ritmo rápido" y con dos de las principales estrellas de MGM de la época, Jean Harlow y Clark Gable . [36]
Después de terminar sus dos largometrajes con Dressler, Wood hizo la segunda de sus tres películas con Myrna Loy, Stamboul Quest (1934), una historia de espionaje y romance ambientada en los Dardanelos turcos durante la Primera Guerra Mundial. Loy interpreta a un personaje parecido a Mata Hari , perseguido por contraespías y su devoto pretendiente George Brent . Wood disfrutó de los servicios de la experta cinematografía de James Wong Howe . [37] Durante la década que Wood estuvo en MGM, hizo solo una película para otro estudio, los estudios Reliance de Edward Small . Let 'Em Have It (1935) está protagonizada por Richard Arlen en una historia con temática de Underworld vs. G-man a la que Wood intentó agregarle sustancia al incluir secuencias que describían la metodología moderna de lucha contra el crimen del Departamento de Justicia de los Estados Unidos . [38]
En 1935, Irving Thalberg , el respetado jefe de producción de MGM, contrató al equipo de comedia The Marx Brothers , que había hecho cinco películas que definieron su carrera en Paramount Pictures , pero cuya disputa con Paramount por dineros impagos, así como la tibia taquilla de su ahora clásico "Duck Soup" (1933), resultó en que su contrato de cinco películas no fuera renovado. Thalberg, al ofrecerles un contrato cinematográfico con MGM, exigió un grado significativo de control sobre cada aspecto del proyecto. A esto los hermanos Marx accedieron. Zeppo Marx había dejado el equipo en 1934 para centrarse en otros proyectos comerciales, dejando un trío formado por Groucho , Harpo y Chico Marx. [39]
La decisión de Thalberg de contratar a Wood para dirigir a los Hermanos Marx marcaría un "punto de inflexión" en la carrera profesional del director. Wood, que ya tenía casi cuarenta años y "en gran medida no se había distinguido" durante la era del cine mudo (aunque exhibía "momentos inesperados de genialidad"), era considerado uno de los "hombres más destacados" de la MGM. [40] [41]
Inicialmente escéptico sobre la realización de Una noche en la ópera , Thalberg aseguró a Wood que se impondría una estructura cinematográfica coherente que incorporaría intereses amorosos y números musicales, alternando con las creaciones cómicas de los Hermanos Marx. El control magistral de Wood sobre el guion y el reparto sirvió para integrar estos elementos en la película. El historiador John Baxter observa que:
El manejo que Wood hace de los nihilistas hermanos Marx en Una noche en la ópera ... es impecable, tal vez porque a diferencia de otros [directores] no descuida el reparto secundario en las secuencias musicales y románticas intermedias que Irving Thalberg consideró necesarias para el éxito comercial de la película. Bajo la dirección de Wood, las escenas de Marx no aparecen como puntos culminantes en un paisaje aburrido, sino que surgen naturalmente de la suave trama de la película. [42]
El enfoque "perfeccionista" de Wood para filmar Una noche en la ópera implicaba revisiones diarias del metraje y la edición de las escenas, un proceso que garantizaba nuevas tomas que "ponían en peligro la espontaneidad del humor". El enfoque a menudo tedioso de Wood para volver a filmar escenas clave de los Hermanos Marx generó una tensión en el elenco y el equipo técnico que Wood abordó con halagos de buen humor. [43]
El enorme éxito de Una noche en la ópera hizo que se hiciera una secuela, pero Thalberg había declarado una moratoria temporal para aumentar el interés del público por la esperada película. Wood fue designado de antemano como su director. [44]
Mientras MGM planeaba la siguiente comedia épica de los Hermanos Marx, Wood estaba ocupado con un proyecto de dos películas. La primera fue Whipsaw (1936), un drama romántico y criminal con Myrna Loy y Spencer Tracy . El rodaje incluyó un breve enfrentamiento entre Wood y Tracy, en el que el actor se rebeló contra el director por ser "demasiado meticuloso". [45] El segundo trabajo de Wood fue un "melodrama elegante y brillante" con "los elegantes adornos de MGM" con Loretta Young y Franchot Tone y un excelente reparto secundario: The Unguarded Hour (1936). [46]
Mientras filmaba Un día en las carreras de los hermanos Marx , Wood se exasperó por la falta de seriedad de los hermanos en el set:
Wood: "¡No se puede hacer un actor de arcilla!"
Groucho Marx (gritando de vuelta): "¡Ni un director de Wood!" [47]
Los hermanos Marx llegaron para el rodaje de Un día en las carreras después de haber probado nuevas rutinas en lugares de burlesque, y Thalberg y Wood estaban preparados para utilizar este material para emular la rentabilidad de Una noche en la ópera . Poco después de comenzar el rodaje, Thalberg murió inesperadamente, a los treinta y siete años, de neumonía , una pérdida que dejó a Wood personalmente conmocionado. Wood prosiguió con la película, adhiriéndose a la fórmula que equilibraba el "romance y los números musicales" con el humor abundante que ofrecían las secuencias de los hermanos Marx. [48]
"Si no es demasiado bueno, sigue adelante". El director Sam Wood sobre sus principios para la realización cinematográfica de Hollywood. [49]
Tras el éxito de sus dos películas sobre los hermanos Marx, Wood solicitó a la MGM historias y guiones más sustanciales, y obtuvo el premio. Wood proporcionó al estudio "buenas piezas de entretenimiento" en sus siguientes cuatro obras "pero nada memorable". [50]
Navy Blue and Gold (1937): En esta película, Wood volvió a los deportes universitarios y le dio a esta "comedia ligera" (protagonizada por James Stewart , Robert Young y Tom Brown ) un "emocionante" partido de fútbol entre el ejército y la marina . Florence Rice es el interés amoroso. [51]
Madame X (1937): Una obra de teatro popular de Alexandre Bisson que disfrutó de numerosas adaptaciones cinematográficas hasta 1966 , Wood dirigió a Gladys George como la madre sufrida que se sacrifica por sus hijos. El biógrafo Tony Thomas informa que la actriz fue uno de los raros casos en los que Wood desarrolló una aversión personal por un jugador. [52]
Lord Jeff (1938): Una historia sentimental sobre niños huérfanos que se preparan para un aprendizaje en la marina británica. El popular actor infantil Freddy Bartholomew recibe la corrección de un huérfano mayor, Mickey Rooney , con la ayuda de Peter Lawford .
Compañeros de cuadra (1938): En la segunda aparición de Rooney en una película de Wood, un "niño abandonado en las pistas de carreras" reforma al veterinario de caballos alcohólico pero de buen corazón Wallace Beery . Wood, en su manejo de estos vehículos inherentemente sentimentales, evita caer en la "bathos", una tentación que "evitó en todas sus películas". [53]
Durante los siguientes 10 años hasta su muerte en 1949, Wood dirigiría y produciría su trabajo más importante como uno de los principales cineastas de Hollywood. [53]
Una favorita perenne entre los cineastas desde 1904, Raffles está basada en el popular cuento " The Amateur Cracksman " (1899) de EW Hornung y filmada por el director King Baggot en 1925, y Harry D'Arrast y George Fitzmaurice en 1930. Wood hizo la película mientras estaba cedido a Sam Goldwyn para esta producción. [54]
La película de Raffles está protagonizada por Olivia de Havilland y debuta David Niven como el caballero ladrón de joyas que frustra con buen humor los planes de Scotland Yard. Wood, como varios de sus colegas directores, entre ellos King Vidor , sufrió la intromisión de Goldwyn en el set. [55] [56]
Los derechos cinematográficos de la popular novela corta del novelista británico James Hilton , Goodbye, Mr. Chips, fueron adquiridos por Irving Thalberg de la MGM después de que los elogios del crítico literario Alexander Woollcott a la obra ayudaran a popularizarla en los Estados Unidos. Wood viajó a Inglaterra para hacer Goodbye, Mr. Chips , la única estancia profesional de su carrera, parte de un intento de la MGM de satisfacer las demandas de los sindicatos británicos de una parte del lucrativo mercado de exportación de películas estadounidenses. [57] [58]
La novela narra la vida de un maestro de escuela inglés ( Robert Donat ) cuya existencia solitaria e inhibida se transforma, gracias al amor de su comprensiva esposa ( Greer Garson ), en un pedagogo bondadoso amado por generaciones de sus estudiantes. La dirección de Wood de Donat fue minuciosa en su precisión, un papel que requirió que el actor representara a su personaje en la juventud y la vejez (en cuatro etapas, a los veinticuatro, cuarenta, sesenta y cuatro y ochenta y tres años de edad). Wood demostró su moderación al contar la historia inherentemente conmovedora de manera convincente sin caer en el sentimentalismo. [59]
La actriz Greer Garson debutó en Hollywood con Goodbye, Mr. Chips . Apenas unos días antes de que la actriz "aún no elegida" regresara a Gran Bretaña después de que MGM le retirara la opción de filmar el papel, Wood vio por casualidad su prueba de pantalla y rápidamente le informó a MGM que quería que interpretara el papel de Katherine. [60]
Adiós, Mr. Chips le valió a Donat un Oscar al Mejor Actor, y Wood recibió la primera de sus tres nominaciones al Oscar al Mejor Director. A su regreso de Inglaterra, Wood decidió poner fin a su larga asociación con MGM, confiado en que podría prosperar ofreciendo sus servicios de forma independiente a cualquiera de los grandes estudios. [61]
La misión de Wood al terminar su carrera en MGM fue hacerse cargo del rodaje de Lo que el viento se llevó cuando el director Victor Fleming se desmayó durante el rodaje y no volvió al estudio durante un mes. La epopeya cinematográfica estaba basada en la popular novela de Margaret Mitchell ambientada en la Guerra Civil estadounidense . Fleming recibió crédito en pantalla por dirigir la película, aunque la contribución precisa de Wood, así como la de varios otros colaboradores, incluidos George Cukor , Leslie Howard , David O. Selznick y William Wellman , no ha sido completamente documentada. Varios directores de fotografía no acreditados también participaron en la realización de la película, entre ellos Joseph Ruttenberg , Wilfred Cline y Lee Garmes , quienes a menudo trabajaron "en unidades iniciales ubicadas en lugares muy distantes". [62] [63]
Además de supervisar las vastas operaciones en los múltiples lugares donde se filmó la película, Wood filmó con seguridad toda la secuencia en la que Scarlett O'Hara ( Vivien Leigh ) le dispara a un matón yanqui (Paul Hurst) que irrumpió en la casa de la plantación. Wood también manejó personalmente algunas de las escenas que muestran a tropas confederadas heridas en la estación de trenes de Atlanta . Independientemente de cómo se asignen las atribuciones, los esfuerzos colectivos del elenco y el equipo produjeron "una película notable". [64] [65]
Wood, que ahora trabajaba como agente independiente, recibió inmediatamente de su ex socio y productor Irving "Sol" Lesser la oferta de adaptar la obra de Thornton Wilder Our Town . La obra de Wilder, ganadora del premio Pulitzer, se había presentado por primera vez en Broadway en 1938 y "no era el tipo de vehículo que se hubiera esperado que produjera el Hollywood de 1940", pero Lesser estaba decidido a llevar las cualidades "inusuales" de la obra fielmente a la pantalla. [66]
Wilder trabajó en estrecha colaboración con Wood y Lesser para ayudar a preservar las cualidades de la producción teatral al retener al narrador Frank Craven , quien en la pantalla observa las vidas de dos familias rurales en New Hampshire cerca del cambio de siglo XX. Lesser y Wood convencieron a Wilder para que permitiera una alteración importante en su obra alegórica: Emily Webb, interpretada por Martha Scott , no muere en el parto, sino solo en una secuencia de sueños, una reescritura que Wilder admitió que era preferible en un tratamiento cinematográfico de su trabajo. La atmósfera de la película se vio realzada por la simplicidad de la escenografía concebida por el escenógrafo William Cameron Menzies y por la inquietante banda sonora del compositor estadounidense Aaron Copland . El excelente elenco de reparto, que incluye a Fay Bainter , Beulah Bondi , Thomas Mitchell y Guy Kibbee, contribuyó a la nominación de Our Town al Oscar a la Mejor Película. [67] [66]
Basada en una historia de Christopher Morley titulada "Kitty Foyle: La historia natural de una mujer", Ginger Rogers interpreta a la protagonista de clase trabajadora que lucha por elegir entre dos hombres en un triángulo amoroso. [68]
Wood abordó el rodaje de Kitty Foyle con inmenso cuidado, delineando la orientación de la cámara, un guión preciso y "notas sobre la interpretación" para lograr la "máxima claridad". Por inverosímil que fuera la narrativa de la historia de amor, Wood mantuvo su control característico que equilibra la "ternura e inteligencia" de la película con una firmeza de dirección que evita el sentimentalismo. El director fue enfático en su desdén por la sobreactuación: "Considero [la sobreactuación] imperdonable porque destruye el realismo. No permito que se mastique el escenario mientras se expresan emociones". [69] Wood recibió la segunda de sus tres nominaciones al Oscar a Mejor Director por Kitty Foyle y una nominación a Mejor Película. Ginger Rogers ganó como Mejor Actriz. [70] [71]
Wood regresó a Paramount Pictures para hacer un western lleno de acción que raya en una parodia del género, Rangers of Fortune (1940). Protagonizada por Fred MacMurray y Gilbert Roland con un reparto secundario compuesto por Albert Dekker y Betty Brewer . Las disparatadas aventuras de estos desesperados no llegan a ser una "bufonería" cuando Wood aplica sus habilidades narrativas para afirmar su "sentido del equilibrio... uno de los activos más valiosos" que poseía como cineasta. [72]
Wood optó por RKO Pictures para filmar el guion original de Norman Krasner, The Devil and Miss Jones , una comedia protagonizada por Jean Arthur y Charles Coburn . Frank Ross, Jr. , el marido de Arthur, produjo la película. Las estrellas ofrecieron actuaciones soberbias en una "sátira social" que enfrenta a una vendedora de grandes almacenes convertida en organizadora de huelgas (Arthur) contra el propietario tipo Scrooge (Coburn). Como en la mayor parte del trabajo de Wood, la coherencia, el ritmo y el equilibrio caracterizaron su manejo experto de la historia y el guion. [73]
Después de una prolongada lucha para formular un guión satisfactorio para los censores de la Oficina Hays , Wood y Warner Brothers comenzaron a filmar la novela sombría y antinostálgica de Henry Bellamann sobre la vida en una pequeña ciudad estadounidense, Kings Row . [74] [75]
La "disciplina como narrador" de Wood fue esencial para transmitir a la pantalla el "mensaje inquietante de Kings Row sin sacrificar su integridad". [76] [77]
La alta calidad de la actuación de Wood como director fue aumentada por tres de los mejores profesionales de Hollywood en sus campos: el escenógrafo William Cameron Menzies , el director de fotografía James Wong Howe y el compositor Erich Wolfgang Korngold , creando colectivamente una película de "proporciones clásicas". [78]
El biógrafo Tony Thomas ofrece esta valoración:
Fue Sam Wood quien guió todos estos elementos y los moldeó para crear un fascinante retrato del amor, el odio, la locura, la tragedia y la felicidad en la vida de un pueblo norteamericano a finales del siglo XIX. Kings Row seguirá siendo, sin duda, una de las principales opciones de los cinéfilos. [79]
Cuando el amado jugador de béisbol Lou Gehrig de los Yankees de Nueva York murió a los treinta y siete años en 1941 de ELA , un trastorno neuromuscular fatal, Wood decidió que era hora de hacer una biografía cinematográfica. La carrera del "modesto y agradable" Gehrig duró diecisiete años (1923-1939), durante los cuales jugó más de dos mil partidos consecutivos. [80] Aunque Gehrig era idolatrado por sus fans, Wood se encontró con la resistencia de los ejecutivos de los estudios a un proyecto que probablemente atraería solo a la mitad de la demografía estadounidense: los fanáticos masculinos de los deportes. Wood, un entusiasta de los deportes, pudo convencer al productor Sam Goldwyn para que patrocinara la película, y ambos estuvieron de acuerdo en que la película sería un "vehículo ideal" para Gary Cooper, "una especie de idealización del hombre estadounidense", y significativamente, bajo contrato con Goldwyn. [81] [82]
Cooper, un entusiasta de las actividades al aire libre, prácticamente desconocía el béisbol como deporte profesional, pero cumplió con su contrato. El aliento y el apoyo de Wood a Cooper sirvieron para crear una representación satisfactoria de Gehrig, combinando "al actor perfecto con el director perfecto" y asegurando el éxito de la película. [83] [84]
Mientras filmaban en el set, Wood se sintió inicialmente consternado por lo que en un principio parecía ser la actuación inepta de Cooper. Al revisar el metraje real, Wood se sintió aliviado y complacido al descubrir que la "interpretación discreta" de Cooper se tradujo efectivamente en la pantalla. [85]
Cooper fue nominado al Oscar como Mejor Actor y la película obtuvo nueve nominaciones más, incluida la de Mejor Película. The Pride of the Yankees sigue siendo "una de las mejores y más populares biografías cinematográficas, así como la película de béisbol por excelencia". [86] [87]
Mientras Wood filmaba Kings Row para Warner Brothers en 1941, comenzó a trabajar en su principal proyecto para Paramount: una adaptación de Por quién doblan las campanas del novelista Ernest Hemingway . Wood procedió a filmar numerosas escenas de paisajes en la cordillera de Sierra Nevada antes de que se seleccionara el elenco de la película. La producción de la película se dejó de lado mientras Wood hacía El orgullo de los yanquis ; solo cuando ese proyecto estuvo terminado regresó a Por quién doblan las campanas . [88]
La novela Por quién doblan las campanas de Wood de 1943 fue "el proyecto más importante de [su] carrera". Adaptar la epopeya de la Guerra Civil española de Ernest Hemingway tuvo un significado personal y político para Wood, ya que se identificó con el protagonista idealista de Hemingway, Robert Jordan, y con la causa republicana por la que luchó. [89]
La elección del héroe condenado por parte de Paramount Pictures era una conclusión inevitable, ya que el autor del libro, Hemingway, tenía en mente a su amigo y actor Gary Cooper como Robert Jordan cuando concibió la historia. Cooper ya tenía contrato con el estudio. Wood se vio obligado a completar El orgullo de los yanquis (1942) antes de poder dedicarse por completo a Por quién doblan las campanas , que ya estaba en producción desde finales de 1941. [90] [91]
Wood favoreció a la bailarina de ballet y actriz Vera Zorina para el papel de la joven guerrillera, María, una opinión que estaba en desacuerdo con Hemingway, así como con los miembros de la "propia familia de Wood". Durante el rodaje en el lugar, Wood se dio cuenta de su error cuando Zorina no aceptó el papel, e Ingrid Bergman , que había codiciado el papel, fue audicionada después de completar su papel como Ilsa Lund en Casablanca (1942) del director Michael Curtiz , y ganar "el codiciado papel". [92] [93]
El público y los críticos consideraron que "el interés amoroso fue exagerado" en Por quién doblan las campanas a expensas de aclarar las cuestiones políticas que definieron la Guerra Civil Española : una lucha brutal y violenta entre fuerzas fascistas y antifascistas . [94] [95]
Sin duda, Wood quedó decepcionado cuando "el mayor proyecto de su carrera" no le valió una nominación al Oscar, un honor que le fue otorgado a su director de fotografía Ray Rennahan , su diseñador de escenarios William Cameron Menzies , el director musical Victor Young y sus cuatro miembros principales del elenco, con Katina Paxinou ganando el premio a Mejor Actriz de Reparto en su papel de la matrona revolucionaria Pilar. [96] [97]
Filmada poco después de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial, el gobierno impuso límites de tiempo de guerra al acceso de Hollywood a nuevos materiales de construcción. Para obviar estas restricciones, Wood decidió hacer la mayor parte del rodaje al aire libre en el pintoresco Paso de Sonora en Sierra Nevada. Wood recordó la dura experiencia de filmar Por quién doblan las campanas :
Nunca experimenté nada tan difícil como filmar en las condiciones en las que nos encontramos, a una altura de diez mil pies, trepando por las rocas. Incluso arrancamos flores silvestres y vegetación para evitar que el duro paisaje se volviera "bonito" para la cámara Technicolor y sustituimos los troncos de árboles antiguos y retorcidos en su lugar. Debido al contenido de cuarzo y metal de las rocas, los pintores tuvieron que pintar con aerosol los fondos de casi todos los exteriores. No solo fuimos a las montañas, sino que también las pintamos. [98]
Aunque Por quién doblan las campanas no alcanzó el éxito crítico que Paramount había anticipado, Bergman y Cooper, quienes reconocieron el potencial de su dupla cinematográfica, siguieron a Wood a Warner Brothers para protagonizar un romance western, Saratoga Trunk (1945). [99] [100]
Warner Brothers intentó explotar el "potencial emocionante" de una pareja Bergman - Cooper en Saratoga Trunk (1945), una producción "cara y lujosa" que no estuvo a la altura de las expectativas. (El " Trunk " se refiere a la línea Saratoga Trunk, propiedad de un magnate ferroviario interpretado por John Warburton ). Aunque se filmó a principios de 1943, la película no se estrenó en general hasta principios de 1945, inicialmente presentada solo a los militares estadounidenses estacionados en el extranjero durante la guerra . [101] [102]
La dirección de Wood de Saratoga Trunk carecía de su celeridad característica y su ritmo "lánguido" le valió a la película sólo una calificación de "admirable pero aburrida" por parte de los críticos, a pesar de sus "ricos valores de producción". [103] El director de la Production Code Administration de Hollywood , Joseph Breen , registró cierto desagrado por la caracterización de Clio Dulaine (Ingrid Bergman) como una cortesana mestiza (mitad criolla ) que busca matrimonio con ricos jugadores blancos y capitalistas. La única nominación al Oscar como actriz fue para la actriz británica Flora Robson , que usó maquillaje de cara negra para interpretar a la sirvienta mulata Angelique Buiton. [104]
Saratoga Trunk fue un fracaso comercial, pero no disminuyó la estima mutua que Cooper y Wood sentían el uno por el otro. Su siguiente película no tuvo las proporciones épico-heroicas de sus tres colaboraciones anteriores, sino una comedia ligera: Casanova Brown . [105]
Wood continuó su colaboración con Cooper en una vena cómica después del lanzamiento retrasado de Saratoga Trunk con Casanova Brown (1944) de International Pictures , un vehículo destinado a atraer a las mujeres que admiraban el cine. Cooper se escapa con su propia hija pequeña de una sala de maternidad para evitar que su ex esposa ofrezca a la niña en adopción. La comedia de situación de Wood no fue más que un éxito moderado. Wood siguió con Guest Wife (1946), protagonizada por Claudette Colbert y Heartbeat (1946) de RKO, protagonizada por Ginger Rogers . [106]
La esposa invitada, una "pequeñez" cinematográfica que se sustenta en gran medida en las virtudes de la estrella Colbert, también se beneficia del manejo experto que Wood hace de su elenco, "un talento en sí mismo". El biógrafo Tony Thomas resume el enfoque de Wood para controlar a sus actores:
Como director, Wood era especialmente bueno con los actores... nunca [los consideró] marionetas... cada filmación de Wood comenzaba con una discusión informal con sus actores sobre cómo veían sus papeles. Con frecuencia, con actores que diferían de su propio concepto, filmaba una escena en ambos sentidos y, más tarde, en la sala de proyección, explicaba por qué su propio manejo era necesario para la construcción de la película. Wood era el más diplomático de los dictadores. [107]
Wood se reunió con Ginger Rogers después del éxito de ambos en el romance Kitty Foyle (1940) para filmar una nueva versión de Battement de coeur (1939) del director francés Henri Decoin , en Heartbeat . El tema dickensiano presenta a Rogers como un personaje parecido a Oliver Twist que se alista para servir a la figura parecida a Fagin ( Basil Rathbone ) como carterista. La película habría sido mejor si Wood hubiera tenido "el toque astuto de un Guitry o un Lubitsch " en lugar del humor obvio de Wood. [108]
Basado en un cuento de Marie Belloc Lowndes ambientado en la era eduardiana de Gran Bretaña , este melodrama de 1947 es considerado por algunos críticos, pero no universalmente, como "una pequeña obra maestra cinematográfica". La película de género negro de Wood está protagonizada por Joan Fontaine como la "despiada" e intrigante trepadora social cuyo acto homicida la lleva a su sórdida muerte. [109] [110]
Ivy fue esencialmente un esfuerzo colaborativo entre el director Wood y el productor y renombrado escenógrafo William Cameron Menzies , quien también se desempeñó como productor de la película. Wood y Menzies habían trabajado espléndidamente en varios proyectos, incluidos Lo que el viento se llevó (1939), Nuestra ciudad (1940) y Por quién doblan las campanas (1943). La excelente representación del entorno de la clase alta británica se atribuye en gran parte a Menzies, quien no figura en los créditos, aunque el crédito en pantalla fue para Richard H. Riedel . [111] [112]
Fotografiada "con cariño" por el camarógrafo Russell Metty , el vestuario Orry-Kelly de Fontaine redujo a la actriz a un "magnífico artefacto" y ella se quejó más tarde de que el director Wood no desarrolló las potenciales complejidades dramáticas de su personaje. [113]
El biógrafo Tony Thomas resume el esfuerzo de Wood como director en Ivy :
La película era fuerte en estados de ánimo, misterios y movimiento, pero hubo quienes sintieron que Wood era demasiado obvio en su narrativa y que si hubiera sido más sutil habría producido una película aún mejor. [111] [114]
Una adaptación del drama de la Segunda Guerra Mundial de William Wister Haines publicado en 1947, la representación de Wood de la "angustia del comando de aviación en tiempos de guerra" no está "embellecida" por ninguna filmación de combate y muestra fidelidad a la novela del mismo nombre . [111]
Las descripciones que la película hace del estamento militar durante la guerra equilibran "la conveniencia tortuosa y el oportunismo" inherentes al alto mando con "el heroísmo y la preocupación sincera entre varios militaristas y políticos". El escenario de la película ofreció a Wood la plataforma ideal en la que demostrar su "estilo de hacer cine completamente masculino y sensato" presentado por un elenco exclusivamente masculino que representaba a oficiales y soldados del Octavo Cuerpo Aéreo del Ejército de los EE. UU. , interpretados por Clark Gable , Van Johnson , Walter Pidgeon , Brian Donlevy y Charles Bickford . El biógrafo Tony Thomas describe la película como "bastante honesta al revelar la función casi deshumanizadora de operar una máquina de guerra moderna". [115] [116]
Una secuencia clave de la película, desarrollada específicamente para Clark Gable (quien sirvió como oficial de combate de la fuerza aérea durante la guerra) y bien ejecutada por Wood, retrata a su personaje, el general de brigada KC Dennis, en su dramática " conversación con un Flying Fortress averiado que intenta aterrizar. [117] [118]
Wood volvió a su vocación deportiva cuando se le encargó dirigir la historia del lanzador de las Grandes Ligas de los Chicago White Sox , Monty Stratton . Stratton, uno de los lanzadores más jóvenes y destacados del béisbol, perdió una pierna por amputación después de un accidente de caza a los 26 años. El director Wood relató con maestría la lucha del atleta por adaptarse al uso de una prótesis y regresar al béisbol profesional en las ligas menores. Un relato inherentemente "sensible", Wood presentó los hechos sin sucumbir al sentimentalismo: "contó una historia real y se mantuvo fiel a los hechos..." [119] [120]
Los actores Van Johnson y Gregory Peck fueron considerados para el papel de Monty Stratton, pero MGM se decidió por James Stewart , el actor que Stratton consideró que retrataría su vida de manera más efectiva. [121]
Contrariamente a la creencia popular entre los ejecutivos de los estudios de Hollywood de que los largometrajes deportivos eran "veneno de taquilla", The Stratton Story fue "la sexta mayor atracción cinematográfica de 1949 y el primer éxito genuino de Stewart desde su regreso de la Segunda Guerra Mundial". [122]
El último canto del cisne como director de Sam Wood fue el western de aventuras Ambush , filmado en 1949 y estrenado en 1950 tras la inesperada muerte de Wood a causa de un ataque cardíaco. Una producción de MGM de primera categoría, protagonizada por Robert Taylor como un veterano combatiente indio del ejército de EE. UU. y compañero John Hodiak y su adversario Chief Thundercloud :
... los caballos saltaban y galopaban, los soldados de caballería y los indios mordían el polvo en rápida sucesión, y decenas de personajes eran fusilados, descabellados o perseguidos. Los soldados exterminaban a los indios y viceversa, y los clientes quedaban satisfechos. Wood consideró que era sólo su última misión. Desafortunadamente, sería la última. [123]
Cuando Wood estaba organizando una producción de No Sad Songs for Me , una película de Margaret Sullavan para Columbia Pictures , sufrió repentinamente un ataque cardíaco el 22 de septiembre de 1949 y murió unas horas después en el hospital. [124]
Wood se convirtió en un anticomunista comprometido y ardiente en los años que vieron el auge del macartismo a fines de la década de 1940. Wood exhibió por primera vez esta perspectiva política en 1943, cuando redujo gran parte del contenido antifascista de Por quién doblan las campanas , diciendo "Sería la misma historia de amor si estuvieran del otro lado". En 1944, fundó y se desempeñó como el primer presidente de la Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals , una organización que se "dedicaba a buscar y expulsar a aquellas personas que consideraba traidoras a los intereses estadounidenses". [49] [125] [126]
La organización, "formada por directivos y trabajadores de la industria cinematográfica", presionó discretamente al Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes para que examinara a los supuestos elementos comunistas en la industria cinematográfica, lo que hicieron en 1947. Wood llevaba un cuaderno negro en el que escribía los nombres de aquellos a los que consideraba subversivos. Su hija Jeane Wood dijo que su cruzada "transformó a papá en un bruto gruñón e irracional". No hubo nada en la conducta personal y profesional de Wood durante el curso de su larga carrera que anticipara la intensidad de su rabia anticomunista que "decepcionó a algunos de sus amigos y preocupó enormemente a su familia". [49] [125]
Wood fue miembro fundador del Comité Republicano de Hollywood. [127]
Poco después de una reunión de su Motion Picture Alliance en 1949 en la que había protestado contra un guionista liberal que había demandado al grupo por difamarlo, Wood sufrió un ataque cardíaco fatal. Había añadido una condición a su testamento: nadie, incluidos sus hijos, podría cobrar su herencia hasta que presentaran declaraciones juradas afirmando que nunca habían sido comunistas. La hija de Wood, la actriz KT Stevens , hizo estas observaciones sobre el fallecimiento de su padre:
Creo que dos cosas contribuyeron a la muerte de mi padre a los sesenta y cinco años. Una fue la energía que desperdició en el rodaje de Emboscada ; estuvieron a una altura de 9.000 pies durante varias semanas y papá nunca había parado... era el primero en levantarse por la mañana y los actores más jóvenes se quedaban asombrados de la forma en que corría todo el día. La segunda cosa fue la política. Su ira [anticomunista] era tan profunda que hervía de ira y creo que afectó a su salud. [124]
Wood murió de un ataque cardíaco en Hollywood a la edad de 66 años. Su tumba se encuentra en el cementerio Forest Lawn Memorial Park de Glendale .
Por su contribución a la industria cinematográfica, Wood recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6714 Hollywood Boulevard el 8 de febrero de 1960. [128] [129]
El biógrafo Tony Thomas ofrece este elogio:
La muerte de Wood significó poco para el público, pero marcó el final de una larga y respetable carrera cinematográfica. Wood había estado en el negocio durante cuarenta años y lo había visto crecer desde su infancia hasta convertirse en una industria importante. Rara vez mostró signos de brillantez, pero nunca dejó de ser un profesional absoluto. El trabajo es el hombre: Sam Wood era sencillo, seguro de sí mismo, de mente clara y disfrutaba trabajando. En la medida en que lo entendía, era un maestro en su oficio. [130]
Wood es interpretado por John Getz en Trumbo de Jay Roach .