Carl Heinrich Maria Orff ( alemán: [ɔʁf] ; 10 de julio de 1895 - 29 de marzo de 1982 [1] ) fue un compositor y educador musical alemán , [2] que compuso la cantata Carmina Burana (1937). [3] Los conceptos de su Schulwerk influyeron en la educación musical de los niños .
Carl Heinrich Maria Orff nació en Múnich el 10 de julio de 1895, hijo de Paula Orff (de soltera Köstler, 1872-1960) y Heinrich Orff (1869-1949). Su familia era bávara y estuvo activa en el ejército imperial alemán ; su padre era un oficial del ejército con fuertes intereses musicales y su madre era una pianista de formación. Sus abuelos, Carl von Orff (1828-1905) y Karl Köstler (1837-1924), fueron generales de división y también eruditos. [4] [5] [6] Su abuela paterna, Fanny Orff (de soltera Kraft, 1833-1919), era católica de ascendencia judía . [7] [8] Su abuela materna fue Maria Köstler (de soltera Aschenbrenner, 1845-1906). [1] Orff tenía un hermano, una hermana menor llamada María ("Mia", 1898-1975), [9] que se casó con el arquitecto Alwin Seifert (1890-1972) en 1924. [10]
A pesar de los antecedentes militares de su familia, Orff recordaba en 1970: "En la casa de mi padre ciertamente se hacía más música que se practicaba". [11] A los cinco años, comenzó a tocar el piano y luego estudió violonchelo y órgano. [4] Compuso algunas canciones y música para obras de títeres. [2] Hizo publicar dos viñetas en julio de 1905 en Das gute Kind , el suplemento infantil de Die katholische Familie . [12] Comenzó a asistir a conciertos en 1903 y escuchó su primera ópera ( El holandés errante de Richard Wagner ) en 1909. Los conciertos formativos a los que asistió incluyeron el estreno mundial de Das Lied von der Erde de Gustav Mahler en 1911 y Richard Strauss. dirigiendo su ópera Elektra el 4 de junio de 1914. [13]
En 1910-12, Orff escribió varias docenas de Lieder sobre textos de poetas alemanes, incluido el conjunto de canciones Frühlingslieder (Opus 1, texto de Ludwig Uhland ) y el ciclo de canciones Eliland: Ein Sang von Chiemsee (Opus 12, texto de Karl Stieler ). El poeta cuya obra utilizó con mayor frecuencia fue Heinrich Heine ; también eligió textos de Walther von der Vogelweide , la princesa Mathilde de Baviera (1877-1906) , Friedrich Hölderlin , Ludwig August Frankl , Hermann Lingg , Rudolf Baumbach , Richard Beer-Hofmann y Börries von Münchhausen , entre otros. Las canciones de Orff encajaban en el estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero con indicios de lo que se convertiría en el lenguaje musical distintivo de Orff. Algunas de sus canciones se publicaron en 1912. Entre ellas se encuentra Eliland , con una dedicatoria a Karl Köstler, quien financió la publicación. [14] [a] En 1911-12, Orff escribió Zaratustra (Opus 14), una gran obra para voz de barítono , tres coros de tenor y bajo, vientos, percusión, arpas, pianos y órgano, basada en un pasaje de Friedrich Nietzsche. La novela filosófica de Zaratustra también habla . [15] [16]
Orff estudió en la Academia de Música de Munich desde 1912 hasta 1914. [15] [17] Orff escribió más tarde que su decisión de realizar estudios musicales en lugar de completar el Gymnasium fue la fuente de conflictos familiares, como el patriarca Orff (el hermano mayor de su padre, también llamado Karl Orff, 1863-1942 [18] ) estaba en contra de la idea. Orff contó con el apoyo de su madre, que convenció a su padre, y de su abuelo Köstler. [19] El maestro de Orff en la Akademie fue el compositor Anton Beer-Walbrunn , de quien más tarde escribió con respeto, pero dijo que encontraba la academia en general "conservadora y anticuada" ( konservativ und altväterlich ). [20] En esta época, estudió las obras de Arnold Schoenberg , y una de sus influencias más importantes en esta época fue el compositor francés Claude Debussy . [21] Estas influencias se pueden escuchar en su primera obra teatral, el drama musical Gisei: Das Opfer ( Gisei: The Sacrifice , Opus 20), escrito en 1913 pero no representado hasta 2010. El material fuente de Orff es una traducción al alemán de parte de Sugawara Denju Tenarai Kagami , específicamente "Terakoya" ("La escuela del pueblo") en el Acto IV. En 1914, Orff escribió Tanzende Faune: Ein Orchesterspiel (Opus 21). La obra iba a ser interpretada en la Akademie, su primera interpretación con una orquesta, pero el director Eberhard Schwickerath la eliminó del programa luego de un ensayo fallido; [22] se interpretó por primera vez en 1995. En 1915, comenzó a estudiar piano con Hermann Zilcher . Escribiendo a su padre, calificó los estudios con Zilcher como su relación docente más productiva hasta la fecha. [23] Por esta época también conoció al director de teatro Otto Falckenberg y vio obras de August Strindberg y Frank Wedekind . [24]
Orff se vio obligado a incorporarse al ejército alemán en agosto de 1917, lo que supuso una gran crisis para él. [25] En una carta a su padre fechada el 3 de agosto de 1917, escribió:
Mi futuro está ahora más que nunca completamente en la oscuridad. Es absolutamente seguro que iré al campo de batalla. Aquí la decisión debe caer y caerá (ustedes saben que estoy libre de sentimentalismos): o encuentro el final de todo lo que me ha empujado y casi aplastado, o me convierto en una persona completamente nueva y comienzo, en cierto sentido, completamente nuevo. . Lo que debe venir, debería ser completamente mejor que el momento en que fue. [26]
Al otoño siguiente, resultó gravemente herido y casi muere cuando una trinchera se derrumbó, sufriendo amnesia , afasia y parálisis del lado izquierdo. [27] Durante su difícil recuperación, le escribió a su padre:
Ciertamente nunca pienso en algo que se parezca al futuro. ... Desde que estoy en el campo de batalla, todos los hilos y conexiones de antes están hechos trizas. ... Para el que ha estado aquí una vez, es mejor (sobre todo en mi profesión) que se quede aquí. Cuando escucho música tengo palpitaciones y fiebre y me enferma; No puedo pensar en absoluto en cuándo podré volver a escuchar un concierto, y mucho menos en hacer música yo mismo. [28]
Después de la muerte de Orff, su hija escribió que creía que esta experiencia "lo hizo pensar y rebelarse de manera aún más revolucionaria". [29]
Después de recuperarse de sus heridas de batalla, Orff ocupó varios puestos en los teatros de ópera de Mannheim y Darmstadt , y luego regresó a Munich para continuar sus estudios musicales. Alrededor de 1920, Orff se sintió atraído por la poesía de Franz Werfel , que se convirtió en la base de numerosos Lieder y composiciones corales. A mediados de la década de 1920, comenzó a formular un concepto que llamó elementare Musik , o música elemental, que se basaba en la unidad de las artes simbolizadas por las antiguas musas griegas , e involucraba tono, danza, poesía, imagen, diseño y gesto teatral. Como muchos otros compositores de la época, estuvo influenciado por el emigrado ruso-francés Igor Stravinsky . Pero mientras otros siguieron las tranquilas y equilibradas obras neoclásicas de Stravinsky, fueron obras como Les noces ( La boda ), una representación terrenal y casi folclórica de los ritos nupciales campesinos rusos, las que atrajeron a Orff. [30] [31] [32]
Orff conoció la obra de Bertolt Brecht en 1924, que tuvo una profunda influencia en él. [33] [34] [35] [36] El mismo año, él y Dorothee Günther fundaron la Günther-Schule de gimnasia, música y danza en Munich. Desarrolló sus teorías de educación musical, teniendo contacto constante con niños y trabajando con principiantes musicales. En 1930, Orff publicó un manual titulado Schulwerk , en el que comparte su método de dirección. Estuvo involucrado con Schulwerk y sus instituciones asociadas durante toda su vida, aunque se retiró de la Günther-Schule en 1938. [37]
Orff también comenzó a adaptar obras musicales de épocas anteriores para presentaciones teatrales contemporáneas, incluida la ópera L'Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi y Alessandro Striggio . La versión alemana abreviada de Orff (con la traducción de Günther), Orfeo , se representó bajo su dirección en 1925 en Mannheim, utilizando algunos de los instrumentos que se habían utilizado en la representación original de 1607, aunque varios de ellos no estaban disponibles y tuvieron que ser reemplazados. [38] Orff revisó la partitura unos años más tarde; esta versión se estrenó por primera vez en Munich en 1929. Las adaptaciones de música antigua de Orff le reportaron muy poco dinero. La ópera apasionadamente declamada de la época de Monteverdi era casi desconocida en la década de 1920, y la producción de Orff provocó reacciones que iban desde la incomprensión hasta el ridículo. Le dijo a su mentor Curt Sachs , que lo había llevado a estudiar a Monteverdi y apoyado a su Orfeo , [39] [40] [41] que la prensa de Munich estaba en su contra: "Se me presenta no sólo como un violador de cadáveres ( ver Monteverdi), pero también un seductor de jóvenes, que corrompe sistemáticamente a nuestra buena juventud con perversidades exóticas". [42]
La relación de Orff con el nacionalsocialismo alemán y el Partido Nazi ha sido un tema de considerable debate y análisis, [43] [44] a veces teñido por desinformación. [45] [46] [47] [48] El historiador Michael H. Kater , cuyo trabajo es crítico con Orff, escribió sin embargo que "el nombre de Carl Orff para muchos se ha convertido en sinónimo de arte y cultura fascistas, frecuentemente a través de un discurso bastante arrogante". prejuicio." [49]
Orff nunca se unió al Partido ni ocupó ningún puesto de liderazgo en el Tercer Reich. [50] Era miembro del Reichsmusikkammer , que se requería para los músicos activos en el Tercer Reich. [51]
Varios de los amigos y asociados de Orff se exiliaron entre 1933 y 1939, incluidos Sachs y Leo Kestenberg , el último de los cuales fue un defensor de su Schulwerk. [52] [53] Orff se volvió a conectar con varios de estos colegas exiliados después de la guerra y en algunos casos mantuvo amistades para toda la vida, como con el cantante y compositor Karel Salmon , quien emigró durante los primeros meses de la toma de poder nazi. [54] [55] Otra figura similar es el historiador de arte Albin von Prybram-Gladona (1890-1974), [56] [57] cuyos padres se habían convertido del judaísmo antes de su nacimiento y que sobrevivió a múltiples encarcelamientos en campos de concentración después de que él huyó. a Francia. [58] Prybram-Gladona testificó sobre el carácter de Orff durante el proceso de desnazificación. [59] Otro amigo importante de Orff fue el musicólogo y compositor judío alemán Erich Katz (1900-1973), quien huyó en 1939 después de un encarcelamiento temporal en Dachau . Orff restableció el contacto con Katz en 1952, y Katz consideró a Orff un amigo valioso. [60] [61] Orff escribió un homenaje a la muerte de Katz en forma de una carta dirigida al fallecido. [62]
Carmina Burana de Orff se estrenó en Frankfurt el 8 de junio de 1937. Se hizo muy popular en la Alemania nazi durante los años siguientes. El historiador Michael H. Kater escribió que "en 1945" "[se destacó] como la única obra universalmente importante producida durante todo el período del Tercer Reich". [63] Oliver Rathkolb , sin embargo, ha señalado que la percepción popular posterior ha exagerado el grado de su importancia para la cultura del Tercer Reich, ya que muchas otras obras recibieron más puestas en escena. [64] [65] Dada la anterior falta de éxito comercial de Orff, las ganancias monetarias derivadas de la aclamación de Carmina Burana , incluido un premio de 500 RM de la ciudad de Frankfurt , [66] [67] fueron significativas para él, pero la composición, con sus ritmos desconocidos, también fue denunciado con burlas racistas. [68]
Orff fue uno de los numerosos compositores alemanes [69] bajo el régimen nazi que escribieron nueva música incidental para El sueño de una noche de verano de William Shakespeare —en alemán Ein Sommernachtstraum— después de que la música de Felix Mendelssohn para esa obra hubiera sido prohibida. La versión de Orff se estrenó por primera vez el 14 de octubre de 1939 en Frankfurt como resultado de un encargo a través de esa ciudad. [70] [71] Según su informe, ya había compuesto música para la obra ya en 1917 y 1927, mucho antes del encargo de Frankfurt; no existe ningún material de estas versiones anteriores (presumiblemente incompletas). [72] [73] El editor de Orff tenía serias reservas sobre el proyecto, y la comisión de Orff no pudo cumplir con el plazo original de la comisión, lo que resultó en la reducción de su pago de 5.000 RM a 3.000 RM. [74] Más tarde llamó a la iteración de 1939 "una versión comprometida (desafortunadamente impresa). En lugar del pequeño conjunto en el escenario había nuevamente una pequeña orquesta de ópera normal, no más percusión mágica, todas concesiones imperdonables". [75] El descontento del compositor, junto con sus dificultades iniciales en la composición, a veces se ha interpretado, al menos en parte, como debido a dolores de conciencia. [76] [77] [78] Thomas Rösch ha escrito sobre este proyecto: "La autonomía del arte, que Orff siempre tuvo en alta estima, no era más que una ilusión dentro de la dictadura, y la insistencia del compositor en un punto de vista puramente artístico y estético. inevitablemente, bajo esta condición, se convirtió en un error trascendental". [79]
Orff continuó reelaborando su partitura de Ein Sommernachtstraum tres veces. La siguiente versión debía estrenarse el 10 de septiembre de 1944, pero el cierre de todos los teatros en las terribles condiciones de la guerra impidió que se produjera. [80] En diciembre de 1945, Orff expresó su esperanza de una representación en Stuttgart, pero cuando Gottfried von Einem le preguntó en 1946 sobre el estreno de esta versión en el Festival de Salzburgo , puso reparos y respondió a la defensiva cuando Einem le preguntó si la obra había sido una encargo del Tercer Reich. [81] [82] Orff hizo aún más revisiones, y esta versión se realizó por primera vez el 30 de octubre de 1952 en Darmstadt. También tuvo una actuación estadounidense de Leopold Stokowski en el Empire State Music Festival el 19 de julio de 1956. Orff revisó la partitura una vez más en 1962; esta versión final tuvo su primera representación en Stuttgart el 12 de marzo de 1964. [83]
Orff era amigo de Kurt Huber (1893-1943), profesor de la Universidad Ludwig Maximilian , con quien trabajó desde 1934 en música folclórica bávara. [84] Junto con Hans Bergese (1910-2000), asociado de Orff en Schulwerk ; [85] publicaron dos volúmenes de música folclórica como Musik der Landschaft: Volksmusik in neuen Sätzen en 1942. [86]
En diciembre de 1942, Huber se unió al movimiento de resistencia estudiantil Weiße Rose (la Rosa Blanca ). [87] [88] [89] Fue arrestado el 27 de febrero de 1943, condenado a muerte por el Volksgerichtshof y ejecutado por los nazis el 13 de julio de 1943. Por casualidad, Orff visitó la casa de Huber el día después de su arresto. La angustiada esposa de Huber, Clara (de soltera Schlickenrieder, 1908-1998 [90] ), esperaba que Orff usara su influencia para ayudar a su marido, pero Orff entró en pánico al enterarse del arresto de Kurt Huber, temiendo que estuviera "arruinado" ( ruiniert ). [91] [92] Clara Huber dijo más tarde que nunca volvió a ver a Orff, [93] pero hay pruebas documentales de que tuvieron más contacto. [94] [95] Al menos en una ocasión, recordó que Orff había intentado ayudar a su marido a través de Baldur von Schirach [96] (el funcionario nazi de más alto rango con quien entró en contacto, y a quien conoció al menos dos veces [ 97] [98] ); no hay ninguna corroboración para esto. En junio de 1949, Orff transfirió sus derechos sobre Musik der Landschaft a la familia de Huber. [99] [100] Poco después de la guerra, Clara Huber le pidió a Orff que contribuyera a un volumen conmemorativo de su marido; contribuyó con una emotiva carta escrita directamente a Kurt Huber, [101] [102] similar a lo que hizo para Katz años después. A la memoria de Huber está dedicado Die Bernauerin de Orff , un proyecto que completó en 1946 y que había discutido con Huber antes de la ejecución de este último. La escena final de esta obra, que trata sobre la ejecución injusta de Agnes Bernauer , muestra un coro lleno de culpa que ruega no verse implicado en la muerte del personaje principal. [103]
A finales de marzo de 1946, Orff se sometió a un proceso de desnazificación en Bad Homburg en un centro de evaluación psicológica de la División de Control de Información (ICD), un departamento de la Oficina de Gobierno Militar de Estados Unidos (OMGUS). Orff fue calificado como "Gris C, aceptable", que su evaluador Bertram Schaffner (1912-2010) definió como aquellos "comprometidos por sus acciones durante el período nazi pero no suscriptores de la doctrina nazi". [104] [b]
Algunas fuentes informan que Orff había sido incluido en la lista negra antes de la evaluación, [105] [106] lo que le habría impedido cobrar regalías por sus composiciones. [107] Según una investigación más reciente realizada por Oliver Rathkolb, no hay evidencia que respalde esto. [108] En enero de 1946, el oficial estadounidense Newell Jenkins (1915-1996), antiguo alumno de Orff (con quien usaba el informal du ), que luego hizo carrera como director de orquesta [109] , le informó que no Necesitaría una licencia como compositor si no buscaba dirigir, enseñar o aparecer en público de otra manera. [110] [111] Jenkins, sin embargo, esperaba que Orff tomara un puesto de intendente en Stuttgart, lo que Orff estaba considerando después de decir inicialmente que no. Esto requeriría una evaluación y, por lo tanto, Jenkins animó a Orff a pensar en cómo podría demostrar que había resistido activamente al nazismo, ya que esas personas eran las más valoradas. [112] [113] Orff rechazó el puesto de Stuttgart a principios de marzo de 1946, pero Jenkins aún insistió en que Orff se sometiera a una evaluación a finales de ese mes. [114] El informe de Schaffner señala: "Orff no desea una licencia como 'Intendente' de una ópera, y afirma que ya ha rechazado tal oferta, porque el trabajo sería principalmente administrativo y no musical. Desea tener permiso para aparecer como director invitado." [115] A Orff se le concedió una licencia sin restricciones a pesar de su calificación de "'Gris C', aceptable", pero no hay evidencia de que haya dirigido en público después de la guerra. [116]
Schaffner creía que las causas fundamentales del nazismo incluían una rigidez social subyacente y un autoritarismo en Alemania, especialmente en lo que se refería a los padres en la vida familiar y en instituciones como la escuela y el ejército. Sus teorías informaron sus evaluaciones de desnazificación y las de sus colegas. [117] [118] [119] En su informe sobre Orff, Schaffner escribió:
Las actitudes de O[rff] no son nazis. Uno de sus mejores amigos, el profesor Carl [sic] Huber, con quien publicó "Musik der Landschaft", una colección de canciones populares, fue asesinado por los nazis en Munich en 1943. Sin embargo, era un "Nutzniesser" [es decir, beneficiario] de los nazis y actualmente sólo puede clasificarse como "Gris C", aceptable. En vista de su punto de vista antinazi, su deliberada evitación de puestos y honores que podría haber obtenido cooperando con los nazis, es posible que en el futuro sea reclasificado a un nivel superior. [120]
No hay evidencia de que Orff haya sido reclasificado alguna vez, pero como su licencia no tenía restricciones, esto no fue necesario. [121] Para la evaluación psicológica de Orff, Schaffner escribió:
1. Un individuo creativo y muy talentoso que obtuvo altas puntuaciones en pruebas de inteligencia... Orff es diplomático, congraciador e ingenioso. Retraído y discreto, acostumbrado a la independencia y a la soledad desde niño, ha continuado con firmeza su carrera como compositor independiente. Tiene poca necesidad personal de "pertenencia" a un grupo, honor o reconocimiento público, y prefiere trabajar solo que en organizaciones. Es emocionalmente bien adaptado, decidido y egocéntrico.
2. Orff obtuvo la puntuación más alta de su grupo en la prueba de actitudes políticas. Los estudios psiquiátricos de su entorno y desarrollo son consistentes con una actitud antinazi. Desde el punto de vista psicológico, el nazismo le desagradaba; Asimismo, por motivos psicológicos, siguió siendo un antinazi pasivo y trató de evitar el contacto oficial y personal tanto con el movimiento nazi como con la guerra. [115]
Algunos estudiosos han sostenido que Orff engañó a sus evaluadores hasta cierto punto. [122] [123] El contrapunto es que Orff se tergiversó en algunos casos, pero los estadounidenses tenían suficiente información para evaluarlo fundamentalmente correctamente y calificarlo en consecuencia. [124] [125] El informe señala parte del apoyo financiero de Orff de las ciudades de Frankfurt y Viena, su participación en los Juegos Olímpicos de verano de 1936 , [126] y la música de El sueño de una noche de verano (aunque el número de sus actuaciones se subestimó [127] ), que Orff dijo que escribió "desde su propio punto de vista musical privado" pero "admitió que eligió un momento desafortunado de la historia para escribirlo". [120]
Orff dijo "que nunca obtuvo una crítica favorable por parte de un crítico musical nazi"; [120] sin embargo, su trabajo había sido recibido con entusiasmo por el público y muchos críticos. [128] [129] [130] También dijo que "[h]i gran éxito" fue en 1942 con una actuación de Carmina Burana en La Scala de Milán , "no bajo los auspicios del Ministerio de Propaganda". [120] [131] De hecho, Orff caracterizó públicamente más tarde la segunda puesta en escena de Carmina Burana , que tuvo lugar en Dresde el 4 de octubre de 1940, como el comienzo de su gran éxito. [132] Los evaluadores estadounidenses no creyeron el relato de Orff sobre su recepción en el Tercer Reich: "El hecho de que fuera postergado... durante la guerra es contradictorio con su afirmación de que no era bien considerado en el Ministerio de Propaganda... No da una muy buena explicación." [120] El informe también señala el fuerte aumento de los ingresos de Orff en la última parte del Tercer Reich. [133] [134]
Sorprendentemente, en el informe están ausentes varios factores que Orff podría haber utilizado a su favor, en particular sus asociaciones con colegas judíos [135] así como su propia ascendencia parcialmente judía, [136] [65] la última de las cuales nunca fue conocida públicamente mientras el estaba vivo. [137] Tampoco hay ninguna mención de los textos potencialmente subversivos y antiautoritarios en sus obras, [138] [139] en particular los pasajes de Die Kluge (estreno en 1943) que han sido identificados como tales, a veces incluso durante la vida de Orff ( incluido Carl Dahlhaus ). [140] [141] [ 142 ] [143] [144] [44]
Según Michael Kater , Orff limpió su nombre durante el período de desnazificación afirmando que había ayudado a establecer el movimiento de resistencia de la Rosa Blanca en Alemania. [145] [146] Kater también presentó un caso particularmente sólido de que Orff colaboró con las autoridades alemanas nazis . La fuente de la afirmación de White Rose fue una entrevista de 1993 con Jenkins. [147] Kater describió su hallazgo como "nada menos que sensacional" ( nichts weniger als sensacional ). [148] El episodio fue fuente de considerables conflictos. [149] [150] La controversia provocó objeciones de dos personas que habían conocido a Orff en su juventud durante el Tercer Reich, una de las cuales recordó que Jenkins había estado tratando de retratar a Orff como un "luchador de la resistencia" ( Widerstandskämpfer ) y por lo tanto creía que Jenkins había sido la fuente de la supuesta leyenda. [151]
Unos años más tarde, el historiador vienés Oliver Rathkolb descubrió el expediente de desnazificación de Orff, que fue distribuido a los periodistas en una conferencia de prensa en el Orff-Zentrum München el 10 de febrero de 1999. En este documento no hay ninguna afirmación sobre su pertenencia a la Rosa Blanca. [152] [136] Hay, sin embargo, una referencia a la relación de Orff con Huber (ver el pasaje citado bajo "Desnazificación"). Orff le dijo a Fred K. Prieberg en 1963 que tenía miedo de ser arrestado como asociado de Huber, pero no afirmó que él mismo hubiera estado involucrado en la Rosa Blanca. [153] En 1960, Orff había descrito temores similares a un entrevistador, pero dijo explícitamente que él mismo no era parte de la resistencia. [154]
La acusación de Kater, como él la llamó, [155] respecto de la Rosa Blanca influyó en gran parte del discurso sobre Carl Orff en los años siguientes. [156] [157] [158] En algunos casos, el debate se centró más en la acritud entre los involucrados. [159] [160] [161] En Composers of the Nazi Era: Eight Portraits (2000), Kater matizó sus acusaciones anteriores hasta cierto punto después de revisar los documentos que Rathkolb descubrió. [162] Posteriormente, sin embargo, Kater reiteró su reclamo inicial con respecto a Orff y la Rosa Blanca sin ninguna referencia al expediente de desnazificación. [163]
Si bien el relato de Kater ha sido aceptado por algunos estudiosos que han investigado el asunto más a fondo, [164] Rathkolb y otros han examinado la teoría de que Orff mintió acerca de ser miembro de la resistencia y no encontraron pruebas suficientes para creerlo, señalando que no hay una corroboración sólida. fuera de la entrevista de Kater con Jenkins. [165] [166] Al escribir en 2021, Siegfried Göllner no estaba convencido de que la acusación sobre la mentira de la Rosa Blanca hubiera sido refutada de manera tan inequívoca como creía que habían afirmado Rathkolb y Thomas Rösch, pero "dado que el episodio sobre la Rosa Blanca nunca estuvo en "En el expediente o emitido abiertamente por Orff, es en última instancia irrelevante si el episodio reportado por Jenkins a Kater realmente tuvo lugar o fue una cuestión de malentendido... Kater en cualquier caso le dio demasiada importancia a la declaración de Jenkins." [167] En 1999, en el apogeo de la controversia, el musicólogo Reinhard Schulz describió el asunto como una "pelea de gallos académica" ( wissenschaftlichen Hahnenkampfes ), y agregó: "Mucho más importante que un solo hecho sería comprender [la] conexión". a la vida y la creatividad de Orff. [168]
Carl Orff era muy cauteloso en cuanto a su vida personal. Cuando el estudioso del teatro Carl Niessen le pidió que proporcionara una entrada manuscrita para una colección de autobiografías de compositores alemanes de la época, para la cual algunos de sus colegas escribieron hasta tres páginas, solo envió: "Carl Orff[, ] nacido en 1895 en Munich[,] viviendo allí" (Carl Orff[,] geboren 1895 en München[,] lebt daselbst). [169]
Orff estuvo casado cuatro veces y se divorció tres veces. Su primer matrimonio fue en 1920 con la cantante Alice Solscher (1891-1970). La única hija de Orff, Godela Orff (más tarde Orff-Büchtemann, 1921-2013) nació el 21 de febrero de 1921. La pareja se separó unos seis meses después del nacimiento de Godela y se divorciaron oficialmente en 1927. [170] Godela permaneció con su padre cuando su madre se mudó a Melbourne para seguir su carrera alrededor de 1930. [171] [172] En 1939, Orff se casó con Gertrud Willert (1914-2000), quien había sido su alumna [173] y quien fundó un método de musicoterapia utilizando el Orff-Schulwerk; se divorciaron en 1953. [174] En 1952, comenzó una relación con la autora Luise Rinser (1911-2002), con quien se casó en 1954. En 1955, se mudaron de Munich a Dießen am Ammersee . [175] Su matrimonio tuvo problemas y terminó en divorcio en 1959, cuando Orff vivía con la persona que se convertiría en su próxima esposa. [176] El último matrimonio de Orff, que duró hasta el final de su vida, fue con Liselotte Schmitz (1930-2012), quien había sido su secretaria y quien, después de su muerte, continuó su legado en su capacidad con la Carl-Orff Stiftung. . [177] Se casaron en Andechs el 10 de mayo de 1960. [178]
Nacido de padres católicos devotos , Orff rompió con el dogma religioso a una edad temprana. Su hija vinculó su ruptura de la iglesia con el suicidio de un compañero de clase y denunció que él no la había bautizado. [179] [180] [181] Gertrud Orff dijo que "nunca fue a la iglesia; al contrario. Probablemente fue el momento de la rebelión interior contra cosas así. ... Era una persona religiosa, sí. Pero no una persona de la iglesia." Sin embargo, quería ser enterrado en la iglesia barroca del priorato benedictino cervecero de Andechs , al suroeste de Munich; Podía ver este monasterio desde su casa en Dießen. [182]
Orff no tenía ningún deseo de seguir la tradición militar de su familia, ni siquiera cuando era niño. Más tarde escribió: "Mi padre [Heinrich Orff] sabía que todo lo militar estaba lejos de mí y que no podía aceptarlo". [183] Según Godela Orff, los padres del compositor "sin embargo, siempre se mostraron amorosamente inclinados hacia él, incluso cuando su forma de vida no cumplía con sus expectativas", y Orff y su hermana "fueron vigilados y apoyados con amorosa tolerancia". [184] También escribió que la madre de su padre, Paula Orff, siempre fomentó la creatividad de su hijo y le dio "el don de la inspiración". [185] El propio Orff escribió sobre su madre: "Desde tiempos inmemoriales fui un verdadero hijo de madre. En las situaciones más serias y difíciles de la vida, ella me comprendió profundamente con su corazón, incluso si sus ideas, fuertemente arraigadas en la tradición, se interponían en el camino. de ello." [186] Paula Orff murió el 22 de julio de 1960, [178] después de lo cual Karl Amadeus Hartmann, colega de Orff , le escribió: "Sé lo íntimamente unida que estabas con tu madre, al igual que yo con la mía, y por eso puedo simpatizar especialmente con la toda la gravedad de la pérdida." [187]
Godela Orff describió la relación con su padre como difícil en ocasiones. [188] "Él tenía su vida y eso fue todo", le dice a Tony Palmer en el documental O Fortuna . [189] [190] Su relación se volvió especialmente tensa a finales de la década de 1940; se reconciliaron a principios de la década de 1970. [191] [192]
Orff murió de cáncer en Munich el 29 de marzo de 1982, a la edad de 86 años. [3] Está enterrado en el monasterio de Andechs. Su lápida lleva la inscripción en latín Summus Finis (el fin último), extraída del final de su última obra, De temporum fine comoedia .
Orff es mejor conocido por Carmina Burana (1936), una " cantata escénica ". Es la primera parte de una trilogía que también incluye a Catulli Carmina y Trionfo di Afrodite . Carmina Burana refleja su interés por la poesía medieval alemana . La trilogía en su conjunto se llama Trionfi , o "Triunfos". La obra se basa en poesía del siglo XIII encontrada en un manuscrito denominado Codex latinus monacensis encontrado en el monasterio benedictino de Benediktbeuern en 1803 y escrito por los Goliardos ; esta colección también es conocida como Carmina Burana . Si bien es "moderno" en algunas de sus técnicas de composición, Orff pudo capturar el espíritu del período medieval en esta trilogía. Los poemas medievales, escritos en latín y una forma temprana de alemán, son un lamento sobre la cruel indiferencia del destino (las breves secciones inicial y final de la obra de Orff se titulan "Fortuna Imperatrix Mundi", es decir, "Fortuna, gobernante del mundo"). "). El coro que abre y concluye Carmina Burana , " O Fortuna ", se utiliza a menudo para denotar fuerzas primarias, por ejemplo en la película de Oliver Stone The Doors . [193] La asociación de la obra con el fascismo también llevó a Pier Paolo Pasolini a utilizar el movimiento "Veris leta facies" para acompañar las escenas finales de tortura y asesinato en su última película Salò, o los 120 días de Sodoma . [194] Pasolini estaba preocupado por la cuestión de la apropiación del arte por parte del poder cuando hizo la película, lo que tiene relevancia para la situación de Orff. [195]
Orff solía decir que, tras un ensayo general de Carmina Burana , le dijo a su editor lo siguiente: "Todo lo que he escrito hasta ahora y que usted, lamentablemente, ha impreso, ahora lo puede hacer pulpa. Con Carmina Burana comienza mi obra completa. " [196] [c] Michael H. Kater ha puesto en duda esta afirmación, citando la falta de pruebas documentales y la continuación de las representaciones de las obras anteriores de Orff después del estreno de Carmina Burana , [197] aunque en realidad la mayoría de estas representaciones utilizaron versiones revisadas. [198] [199] Orff finalmente matizó su afirmación tan repetida: "Así que había dicho esto sin pensar, con leggerezza [es decir, "a la ligera"]: una observación que, como bien sabía, era cierta y tampoco cierta. Sólo Quería acentuar con ello el significado que el Carmina Burana tenía en mis creaciones hasta ese momento, como yo mismo tenía claro." [200] Cuando se le preguntó acerca de la cita en 1975, Orff respondió: "Por primera vez había hecho exactamente lo que quería, y también sabía que lo había tratado bien. Realmente no hay nada más que decir". [201] Orff revisó muchas de sus obras anteriores y, más adelante en su carrera, reeditó algunas de sus composiciones anteriores a Carmina Burana con revisiones mínimas. Una de sus últimas publicaciones fue un volumen de canciones que había compuesto entre 1911 y 1920. [202]
La mayoría de las obras posteriores de Orff – Antigonae (1949), Oedipus der Tyrann ( Edipo el tirano , 1959), Prometheus desmotes ( Prometheus Bound , 1968) y De temporum fine comoedia ( Play on the End of Times , 1973) – se basaban en textos o temas de la antigüedad. Amplían el lenguaje de Carmina Burana de maneras interesantes, pero su puesta en escena es costosa y (según la propia caracterización de Orff) no son óperas en el sentido convencional. [203] Las presentaciones en vivo de ellos han sido pocas, incluso en Alemania. [204]
En una carta fechada el 8 de enero de 1947 a su alumno Heinrich Sutermeister , Orff llamó a Die Bernauerin "la última pieza de la serie de mis trabajos anteriores; Antigonae inicia una nueva fase". [205] Antigonae es el escenario de la traducción de Friedrich Hölderlin de la obra de Sófocles . Orff se interesó por primera vez en este material poco después de su trauma en la Primera Guerra Mundial y comenzó a planificar su trabajo a finales de 1940. [206] El estreno tuvo lugar el 9 de agosto de 1949 en el Festival de Salzburgo . Orff siguió a Antígona con Edipo der Tyrann , utilizando también la traducción de Hölderlin de la obra de Sófocles , y Prometeo, utilizando el idioma original de la obra griega atribuida a Esquilo . Sus estrenos tuvieron lugar en Stuttgart, respectivamente, en 1959 y 1968, bajo la dirección de Ferdinand Leitner . Las tres tragedias griegas no hacen cortes ni alteraciones en los textos. [207]
Las tragedias griegas están compuestas para conjuntos muy inusuales centrados en grandes conjuntos de percusión, que incluyen instrumentos no occidentales y numerosos instrumentos de mazo (incluido el litófono ) y varios pianos (cuatro en Prometeo y seis en los otros dos); Se prescinde de la tradicional sección de cuerdas, a excepción de nueve contrabajos. También tienen seis flautas y seis oboes (con varias duplicaciones auxiliares de piccolo, flauta alto y corno inglés), así como trompetas (seis en Antigonae y Prometheus ; ocho en Edipo der Tyrann , detrás de escena). Oedipus der Tyrann y Prometheus también tienen seis trombones y órgano. Las tres obras también cuentan con cuatro arpas; Además, hay mandolina en Oedipus der Tyrann y cuatro banjos tenor en Prometheus .
Tras el estreno de Prometheus , Everett Helm escribió:
Orff no pone las cosas fáciles ni a los cantantes ni al público. Pero la conservación del texto original sin duda evocó un estado de ánimo que no podría haber sido creado por un lenguaje moderno.
"Prometeo" no es una ópera en el sentido habitual. Como otras obras de Orff, es teatro musical en el que la música forma parte y está subordinada al todo dramático. Las voces declaman casi constantemente, ya sea en ritmo hablado o en una especie de recitativo salmódico. Sólo ocasionalmente (y de manera más efectiva) la cruda salmodia da paso a melismas que recuerdan los pasajes más floridos del canto gregoriano. No hay nada parecido a arias o números concertados.
... Los breves interludios en la orquesta tienen el carácter de interjecciones. No hay desarrollo, ni musical ni psicológico. Los enormes bloques de sonido producen una forma y una atmósfera estáticas e inmóviles... La composición de la orquesta... produce sonidos duros y metálicos, impulsados sin piedad por ritmos primitivos de ostinato. Todo el efecto es elemental hasta cierto punto, pero de ningún modo ingenuo. El primitivismo estilizado de Orff enmascara un alto grado de sofisticación. [208]
La última obra escénica de Orff, De temporum fine comoedia ( Reproducir el fin de los tiempos ), se estrenó en el Festival de Salzburgo el 20 de agosto de 1973, interpretada por Herbert von Karajan y la Orquesta Sinfónica de Colonia y el Coro de la WDR. Tiene un elenco numeroso y una partitura similar a la de las tragedias griegas, con algunas excepciones, en particular clarinetistas (todos con clarinetes en mi bemol) en lugar de oboístas y la adición de contrafagot, trompas y tuba. Thomas Rösch ha llamado a este trabajo "en muchos aspectos el resumen de todo el trabajo [de Orff]". [209] No hay evidencia de que Orff considerara escribir otra obra escénica después de De temporum fine comoedia , y en 1979 le dijo a un entrevistador que estaba seguro de que era el final ( Schluß ) de su composición. [210] En esta obra muy personal, Orff presentó una obra de misterio , cantada en griego, alemán y latín, en la que resumió su visión del fin de los tiempos. Su filosofía se basa en muchas tradiciones religiosas, principalmente en la idea de apocatástasis de Orígenes . De temporum fine comoedia también hace numerosas referencias a composiciones anteriores de Orff, en particular Die Bernauerin . [211] [212] [213] En la época del estreno, dijo que sus obras son "como una cebolla: una capa sigue a las demás". En la misma ocasión, dijo de De temporum fine comoedia : "Todo es un sueño, sólo una fantasía. Pesimista, optimista, como cualquiera quiere". [214]
En los círculos pedagógicos probablemente se le recuerda mejor por su Schulwerk ("Trabajo escolar"). Originalmente un conjunto de piezas compuestas y publicadas para la Güntherschule (que tenía estudiantes de entre 12 y 22 años), [215] este título también se utilizó para sus libros basados en transmisiones de radio en Baviera en 1949. Estas piezas se denominan colectivamente Musik für Kinder ( Música para niños ), y también utilizan el término Schulwerk , y fueron escritos en colaboración con su antiguo alumno, el compositor y educador Gunild Keetman (1904-1990), quien en realidad escribió la mayoría de las configuraciones y arreglos de "Musik für Kinder" ("Música para niños") volúmenes.
Las ideas de Orff se desarrollaron, junto con Gunild Keetman, en un enfoque muy innovador de la educación musical para niños, conocido como Orff Schulwerk. La música es elemental y combina movimiento, canto, interpretación e improvisación.
Gassenhauer , Hexeneinmaleins y Passion , que Orff compuso con Keetman, se utilizaron como tema musical para la película Badlands (1973) de Terrence Malick .
El editor de Carl Orff es Schott Music .
I. Obras de concierto y escénicas [d]
Obras escénicas
Obras vocales
Instrumental
II. Obras Pedagógicas
{{cite journal}}: CS1 maint: multiple names: editors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: editors list (link)Da die Episodio über die 'Weiße Rose' nie aktenkundig und von Orff nicht öffentlich aufgestellt wurde, ist letztlich irrelevante, ob sich die von Jenkins gegenüber Kater berichtete Episodio so zugetragen hat oder ob es sich um ein Missverständnis handelte.
... Kater hat jedenfalls der Aussage von Jenkins eine zu hohe Relevanz beigemessen.En: "Die Stadt Salzburg im Nationalsozialismus. Biografische Recherchen zu NS-belasteten Straßennamen der Stadt Salzburg" (en alemán) . Consultado el 18 de noviembre de 2022 .
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