La historia del arte es, en pocas palabras, la historia del arte, o el estudio de un tipo específico de objetos creados en el pasado. [1]
Tradicionalmente, la disciplina de la historia del arte enfatizaba la pintura, el dibujo, la escultura, la arquitectura, la cerámica y las artes decorativas; sin embargo, hoy en día, la historia del arte examina aspectos más amplios de la cultura visual , incluidos los diversos resultados visuales y conceptuales relacionados con una definición de arte en constante evolución. [2] [3] La historia del arte abarca el estudio de objetos creados por diferentes culturas alrededor del mundo y a lo largo de la historia que transmiten significado, importancia o sirven principalmente a través de representaciones visuales.
Como disciplina, la historia del arte se distingue de la crítica de arte , que se ocupa de establecer un valor artístico relativo para obras individuales con respecto a otras de estilo comparable o de sancionar un estilo o movimiento completo; y la teoría del arte o " filosofía del arte ", que se ocupa de la naturaleza fundamental del arte. Una rama de esta área de estudio es la estética , que incluye la investigación del enigma de lo sublime y la determinación de la esencia de la belleza. Técnicamente, la historia del arte no es estas cosas, porque el historiador del arte utiliza el método histórico para responder a las preguntas: ¿Cómo llegó el artista a crear la obra?, ¿Quiénes fueron los mecenas?, ¿Quiénes fueron sus maestros?, ¿Quién fue el público?, ¿Quiénes fueron sus discípulos?, ¿Qué fuerzas históricas dieron forma a la obra del artista y cómo él o ella y la creación, a su vez, afectaron el curso de los eventos artísticos, políticos y sociales? Sin embargo, es cuestionable si muchas preguntas de este tipo pueden responderse satisfactoriamente sin considerar también preguntas básicas sobre la naturaleza del arte. La brecha disciplinaria actual entre la historia del arte y la filosofía del arte (estética) a menudo obstaculiza esta investigación. [4]
La historia del arte es una práctica interdisciplinaria que analiza los diversos factores (culturales, políticos, religiosos, económicos o artísticos) que contribuyen a la apariencia visual de una obra de arte.
Los historiadores del arte emplean diversos métodos en sus investigaciones sobre la ontología y la historia de los objetos.
Los historiadores del arte suelen examinar las obras en el contexto de su época. En el mejor de los casos, esto se hace respetando las motivaciones e imperativos de su creador; teniendo en cuenta los deseos y prejuicios de sus mecenas y patrocinadores; con un análisis comparativo de los temas y planteamientos de los colegas y maestros del creador; y teniendo en cuenta la iconografía y el simbolismo . En resumen, este enfoque examina la obra de arte en el contexto del mundo en el que fue creada.
Los historiadores del arte también suelen examinar las obras a través de un análisis de la forma, es decir, el uso que hace el creador de la línea, la forma , el color , la textura y la composición. Este enfoque examina cómo el artista utiliza un plano pictórico bidimensional o las tres dimensiones del espacio escultórico o arquitectónico para crear su arte. La forma en que se emplean estos elementos individuales da como resultado arte representativo o no representativo . ¿El artista está imitando un objeto o se puede encontrar la imagen en la naturaleza? Si es así, es representativo. Cuanto más se acerca el arte a la imitación perfecta, más realista es . ¿El artista no está imitando, sino que se basa en el simbolismo o se esfuerza de manera importante por capturar la esencia de la naturaleza, en lugar de copiarla directamente? Si es así, el arte es no representativo, también llamado abstracto . El realismo y la abstracción existen en un continuo. El impresionismo es un ejemplo de un estilo representativo que no era directamente imitativo, sino que se esforzaba por crear una "impresión" de la naturaleza. Si la obra no es representativa y es una expresión de los sentimientos, anhelos y aspiraciones del artista o es una búsqueda de ideales de belleza y forma, la obra es no representativa o una obra de expresionismo .
Un análisis iconográfico es aquel que se centra en elementos de diseño particulares de un objeto. A través de una lectura atenta de dichos elementos, es posible rastrear su linaje, y con ello extraer conclusiones sobre los orígenes y la trayectoria de estos motivos . A su vez, es posible realizar cualquier cantidad de observaciones sobre los valores sociales, culturales, económicos y estéticos de los responsables de producir el objeto.
Muchos historiadores del arte utilizan la teoría crítica para enmarcar sus investigaciones sobre los objetos. La teoría se utiliza con más frecuencia cuando se trata de objetos más recientes, los de finales del siglo XIX en adelante. La teoría crítica en la historia del arte a menudo se toma prestada de los académicos literarios e implica la aplicación de un marco analítico no artístico al estudio de los objetos de arte. Las teorías feministas , marxistas , de la raza crítica , queer y poscoloniales están bien establecidas en la disciplina. Al igual que en los estudios literarios, existe un interés entre los académicos en la naturaleza y el medio ambiente, pero la dirección que esto tomará en la disciplina aún está por determinar.
Los primeros escritos supervivientes sobre arte que pueden clasificarse como historia del arte son los pasajes de la Historia natural de Plinio el Viejo ( c. 77-79 d. C. ), relativos al desarrollo de la escultura y la pintura griegas . [5] A partir de ellos es posible rastrear las ideas de Jenócrates de Sición ( c. 280 a. C. ), un escultor griego que fue quizás el primer historiador del arte. [6] La obra de Plinio, aunque principalmente una enciclopedia de las ciencias, ha sido influyente desde el Renacimiento en adelante. (Los pasajes sobre las técnicas utilizadas por el pintor Apeles c. (332-329 a. C.), han sido especialmente conocidos.) Desarrollos similares, aunque independientes, ocurrieron en la China del siglo VI, donde los escritores de la clase erudita-oficial establecieron un canon de artistas dignos. Estos escritores, siendo necesariamente competentes en caligrafía, eran ellos mismos artistas. Los artistas están descritos en los Seis principios de la pintura formulados por Xie He . [7]
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Aunque hace tiempo que se escriben y leen recuerdos personales del arte y de los artistas (véase Lorenzo Ghiberti Commentarii , el mejor ejemplo temprano), [8] fue Giorgio Vasari, el pintor, escultor y autor de las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos toscanos , quien escribió la primera historia verdadera del arte. [9] Hizo hincapié en la progresión y el desarrollo del arte, lo que fue un hito en este campo. El suyo fue un relato personal e histórico, que incluía biografías de artistas italianos individuales, muchos de los cuales eran sus contemporáneos y conocidos personales. El más famoso de ellos fue Miguel Ángel .
Las ideas de Vasari sobre el arte tuvieron una enorme influencia y sirvieron de modelo para muchos, incluyendo en el norte de Europa el Schilder-boeck de Karel van Mander y la Teutsche Akademie de Joachim von Sandrart . [ cita requerida ] El enfoque de Vasari dominó hasta el siglo XVIII, cuando su relato biográfico de la historia fue criticado. [ cita requerida ]
Eruditos como Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) criticaron el "culto" de Vasari a la personalidad artística y argumentaron que el verdadero énfasis en el estudio del arte debería estar en las opiniones del observador erudito y no en el punto de vista del artista. Los escritos de Winckelmann fueron, por tanto, los inicios de la crítica de arte. Sus dos obras más notables que introdujeron el concepto de crítica de arte fueron Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst , publicada en 1755, poco antes de partir hacia Roma ( Fuseli publicó una traducción al inglés en 1765 bajo el título Reflexiones sobre la pintura y la escultura de los griegos ), y Geschichte der Kunst des Altertums ( Historia del arte en la Antigüedad ), publicada en 1764 (esta es la primera aparición de la frase "historia del arte" en el título de un libro). [10] Winckelmann criticó los excesos artísticos de las formas barrocas y rococó , y fue fundamental en la reforma del gusto en favor del neoclasicismo más sobrio . Jacob Burckhardt (1818-1897), uno de los fundadores de la historia del arte, señaló que Winckelmann fue "el primero en distinguir entre los períodos del arte antiguo y en vincular la historia del estilo con la historia mundial". Desde Winckelmann hasta mediados del siglo XX, el campo de la historia del arte estuvo dominado por académicos de habla alemana. La obra de Winckelmann marcó así la entrada de la historia del arte en el discurso filosófico elevado de la cultura alemana.
Winckelmann fue leído ávidamente por Johann Wolfgang von Goethe y Friedrich Schiller , quienes comenzaron a escribir sobre la historia del arte, y su relato del grupo del Laocoonte provocó una respuesta de Lessing . El surgimiento del arte como un tema importante de especulación filosófica se solidificó con la aparición de la Crítica del juicio de Immanuel Kant en 1790, y fue promovido por las Lecciones de estética de Hegel . La filosofía de Hegel sirvió como inspiración directa para la obra de Karl Schnaase . La Niederländische Briefe de Schnaase estableció las bases teóricas para la historia del arte como una disciplina autónoma, y su Geschichte der bildenden Künste , uno de los primeros estudios históricos de la historia del arte desde la Antigüedad hasta el Renacimiento, facilitó la enseñanza de la historia del arte en las universidades de habla alemana. La encuesta de Schnaase se publicó simultáneamente con un trabajo similar de Franz Theodor Kugler .
Heinrich Wölfflin (1864-1945), que estudió con Burckhardt en Basilea, es el "padre" de la historia del arte moderno. Wölfflin enseñó en las universidades de Berlín, Basilea, Múnich y Zúrich. Varios de sus estudiantes siguieron carreras distinguidas en historia del arte, entre ellos Jakob Rosenberg y Frida Schottmüller . Introdujo un enfoque científico de la historia del arte, centrándose en tres conceptos. En primer lugar, intentó estudiar el arte utilizando la psicología, en particular aplicando el trabajo de Wilhelm Wundt . Argumentó, entre otras cosas, que el arte y la arquitectura son buenos si se parecen al cuerpo humano. Por ejemplo, las casas eran buenas si sus fachadas se parecían a caras. En segundo lugar, introdujo la idea de estudiar el arte a través de la comparación. Al comparar pinturas individuales entre sí, pudo hacer distinciones de estilo. Su libro Renacimiento y Barroco desarrolló esta idea y fue el primero en mostrar cómo estos períodos estilísticos diferían entre sí. A diferencia de Giorgio Vasari , Wölfflin no se interesaba por las biografías de los artistas. De hecho, proponía la creación de una "historia del arte sin nombres". Por último, estudiaba el arte basándose en ideas de nacionalidad . Le interesaba especialmente si existía un estilo inherentemente "italiano" y otro inherentemente " alemán ". Este último interés se articuló de forma más completa en su monografía sobre el artista alemán Alberto Durero .
Al mismo tiempo que Wölfflin se formó en la Universidad de Viena una importante escuela de pensamiento histórico-artístico . La primera generación de la Escuela de Viena estuvo dominada por Alois Riegl y Franz Wickhoff , ambos estudiantes de Moritz Thausing , y se caracterizó por una tendencia a reevaluar los períodos desatendidos o menospreciados de la historia del arte. Riegl y Wickhoff escribieron extensamente sobre el arte de la Antigüedad tardía , que antes de ellos había sido considerado como un período de decadencia del ideal clásico. Riegl también contribuyó a la revalorización del Barroco.
La siguiente generación de profesores en Viena incluyó a Max Dvořák , Julius von Schlosser , Hans Tietze, Karl Maria Swoboda y Josef Strzygowski . Varios de los historiadores de arte más importantes del siglo XX, incluido Ernst Gombrich , recibieron sus títulos en Viena en esta época. El término "Segunda Escuela de Viena" (o "Nueva Escuela de Viena") generalmente se refiere a la siguiente generación de académicos vieneses, incluidos Hans Sedlmayr , Otto Pächt y Guido Kaschnitz von Weinberg. Estos académicos comenzaron en la década de 1930 a regresar al trabajo de la primera generación, particularmente a Riegl y su concepto de Kunstwollen , e intentaron desarrollarlo en una metodología de historia del arte en toda regla. Sedlmayr, en particular, rechazó el estudio minucioso de la iconografía, el mecenazgo y otros enfoques basados en el contexto histórico, prefiriendo en cambio concentrarse en las cualidades estéticas de una obra de arte. Como resultado, la Segunda Escuela de Viena se ganó una reputación de formalismo desenfrenado e irresponsable , y además estuvo teñida por el racismo manifiesto de Sedlmayr y su afiliación al partido nazi. Sin embargo, esta última tendencia no era compartida por todos los miembros de la escuela; Pächt, por ejemplo, era judío y se vio obligado a abandonar Viena en la década de 1930.
Nuestra comprensión del contenido simbólico del arte en el siglo XXI proviene de un grupo de académicos que se reunieron en Hamburgo en la década de 1920. Los más destacados entre ellos fueron Erwin Panofsky , Aby Warburg , Fritz Saxl y Gertrud Bing . Juntos desarrollaron gran parte del vocabulario que los historiadores del arte siguen utilizando en el siglo XXI. "Iconografía", cuyas raíces significan "símbolos de la escritura", se refiere a la temática del arte derivada de fuentes escritas, especialmente las escrituras y la mitología. "Iconología" es un término más amplio que se refiere a todo simbolismo, ya sea derivado de un texto específico o no. Hoy en día, los historiadores del arte a veces usan estos términos indistintamente.
En sus primeros trabajos, Panofsky también desarrolló las teorías de Riegl, pero con el tiempo se interesó más por la iconografía y, en particular, por la transmisión de temas relacionados con la antigüedad clásica en la Edad Media y el Renacimiento. En este sentido, sus intereses coincidieron con los de Warburg, hijo de una familia adinerada que había reunido una biblioteca en Hamburgo, dedicada al estudio de la tradición clásica en el arte y la cultura posteriores. Bajo los auspicios de Saxl, esta biblioteca se convirtió en un instituto de investigación, afiliado a la Universidad de Hamburgo , donde Panofsky impartía clases.
Warburg murió en 1929 y en la década de 1930 Saxl y Panofsky, ambos judíos, se vieron obligados a abandonar Hamburgo. Saxl se instaló en Londres, se llevó consigo la biblioteca de Warburg y fundó el Instituto Warburg . Panofsky se instaló en Princeton en el Instituto de Estudios Avanzados . En este sentido, formaron parte de una afluencia extraordinaria de historiadores del arte alemanes en la academia de habla inglesa en la década de 1930. Estos académicos fueron en gran medida responsables de establecer la historia del arte como un campo de estudio legítimo en el mundo de habla inglesa, y la influencia de la metodología de Panofsky, en particular, determinó el curso de la historia del arte estadounidense durante una generación.
Heinrich Wölfflin no fue el único erudito que invocó teorías psicológicas en el estudio del arte. Un giro inesperado en la historia de la crítica de arte se produjo en 1910 cuando el psicoanalista Sigmund Freud publicó un libro sobre el artista Leonardo da Vinci , en el que utilizó las pinturas de Leonardo para interrogar la psique y la orientación sexual del artista. Freud dedujo de su análisis que Leonardo probablemente era homosexual . En 1914 Freud publicó una interpretación psicoanalítica del Moisés de Miguel Ángel ( Der Moses des Michelangelo ). [11] Publicó esta obra poco después de leer las Vidas de Vasari . Por razones desconocidas, originalmente publicó el artículo de forma anónima.
Aunque el uso de material póstumo para realizar psicoanálisis es controvertido entre los historiadores del arte, especialmente porque las costumbres sexuales de la época de Miguel Ángel, Leonardo y Freud son diferentes, a menudo se intenta.
Carl Jung también aplicó la teoría psicoanalítica al arte. Jung fue un psiquiatra suizo , un pensador influyente y fundador de la psicología analítica . El enfoque de Jung hacia la psicología enfatizó la comprensión de la psique a través de la exploración de los mundos de los sueños , el arte, la mitología , la religión mundial y la filosofía . Gran parte del trabajo de su vida se dedicó a explorar la filosofía oriental y occidental, la alquimia , la astrología , la sociología , así como la literatura y las artes. Sus contribuciones más notables incluyen su concepto de arquetipo psicológico , el inconsciente colectivo y su teoría de la sincronicidad . Jung creía que muchas experiencias percibidas como coincidencia no se debían simplemente al azar, sino que sugerían la manifestación de eventos o circunstancias paralelas que reflejaban esta dinámica gobernante. [12] Argumentó que un inconsciente colectivo y una imaginería arquetípica eran detectables en el arte. Sus ideas fueron particularmente populares entre los expresionistas abstractos estadounidenses en las décadas de 1940 y 1950. [13] Su trabajo inspiró el concepto surrealista de extraer imágenes de los sueños y el inconsciente.
Jung hizo hincapié en la importancia del equilibrio y la armonía. Advirtió que los humanos modernos dependen demasiado de la ciencia y la lógica y que se beneficiarían de la integración de la espiritualidad y la apreciación del reino inconsciente. Su obra no sólo desencadenó el trabajo analítico de los historiadores del arte, sino que se convirtió en una parte integral de la creación artística. Jackson Pollock , por ejemplo, creó una serie de dibujos para acompañar sus sesiones con su analista junguiano, Joseph Henderson. Henderson, que más tarde publicó los dibujos en un texto dedicado a las sesiones de Pollock, se dio cuenta de lo poderosos que eran los dibujos como herramienta terapéutica. [14]
El legado del psicoanálisis y la psicología analítica en la historia del arte ha sido profundo y se extiende más allá de Freud y Jung. La destacada historiadora del arte feminista Griselda Pollock, por ejemplo, recurre al psicoanálisis tanto en su lectura del arte contemporáneo como en su relectura del arte modernista. Con la lectura de Griselda Pollock del psicoanálisis feminista francés y, en particular, de los escritos de Julia Kristeva y Bracha L. Ettinger , así como con las lecturas de Rosalind Krauss de Jacques Lacan y Jean-François Lyotard y la relectura curatorial del arte de Catherine de Zegher, la teoría feminista escrita en los campos del feminismo francés y el psicoanálisis ha informado fuertemente el reencuadre de los artistas tanto hombres como mujeres en la historia del arte.
A mediados del siglo XX, los historiadores del arte adoptaron la historia social mediante enfoques críticos. El objetivo era mostrar cómo el arte interactúa con las estructuras de poder en la sociedad. Uno de esos enfoques críticos fue el marxismo. La historia del arte marxista intentó mostrar cómo el arte estaba vinculado a clases específicas, cómo las imágenes contienen información sobre la economía y cómo las imágenes pueden hacer que el status quo parezca natural ( ideología ). [1]
Marcel Duchamp y el movimiento dadaísta dieron impulso al estilo antiarte. Los artistas alemanes, trastornados por la Segunda Guerra Mundial de 1914, querían crear obras de arte que no se ajustaran a las normas y que pretendieran destruir los estilos artísticos tradicionales.[2] Estos dos movimientos ayudaron a otros artistas a crear piezas que no se consideraban arte tradicional. Algunos ejemplos de estilos que se derivaron del movimiento antiarte serían el neodadaísmo, el surrealismo y el constructivismo. Estos estilos y artistas no querían rendirse a las formas tradicionales del arte. Esta forma de pensar provocó movimientos políticos como la Revolución rusa y los ideales comunistas. [15]
La obra de arte Trabajadores del choque de Dnieprostroi en 1932 del artista Isaak Brodsky muestra su participación política dentro del arte. Esta pieza de arte puede analizarse para mostrar los problemas internos que la Rusia soviética estaba experimentando en ese momento. Quizás el marxista más conocido fue Clement Greenberg , quien saltó a la fama a fines de la década de 1930 con su ensayo " Vanguardia y kitsch ". [16] En el ensayo, Greenberg afirmó que la vanguardia surgió para defender los estándares estéticos del declive del gusto involucrado en la sociedad de consumo , y ver el kitsch y el arte como opuestos. Greenberg afirmó además que la vanguardia y el arte modernista eran un medio para resistir la nivelación de la cultura producida por la propaganda capitalista . Greenberg se apropió de la palabra alemana " kitsch " para describir este consumismo, aunque sus connotaciones han cambiado desde entonces a una noción más afirmativa de materiales sobrantes de la cultura capitalista. Greenberg ahora es bien conocido por examinar y criticar las propiedades formales del arte moderno. [3]
Meyer Schapiro es uno de los historiadores de arte marxistas más recordados de mediados del siglo XX. Después de graduarse en la Universidad de Columbia en 1924, regresó a su alma mater para enseñar arte bizantino, paleocristiano y medieval, además de teoría de la historia del arte. [4] Aunque escribió sobre numerosos períodos y temas del arte, se lo recuerda más por sus comentarios sobre la escultura de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento.
Arnold Hauser escribió el primer estudio marxista del arte occidental, titulado Historia social del arte . Intentó mostrar cómo la conciencia de clase se reflejaba en los principales períodos artísticos. El libro fue polémico cuando se publicó en 1951 debido a sus generalizaciones sobre eras enteras, una estrategia que ahora se denomina " marxismo vulgar ".[5]
La historia del arte marxista fue refinada por académicos como T. J. Clark , Otto Karl Werckmeister , David Kunzle, Theodor W. Adorno y Max Horkheimer . T. J. Clark fue el primer historiador del arte que escribió desde una perspectiva marxista en abandonar el marxismo vulgar . Escribió historias del arte marxistas de varios artistas impresionistas y realistas , incluidos Gustave Courbet y Édouard Manet . Estos libros se centraron de cerca en los climas políticos y económicos en los que se creó el arte. [17]
El ensayo de Linda Nochlin " ¿Por qué no ha habido grandes artistas mujeres? " contribuyó a encender la historia del arte feminista durante la década de 1970 y sigue siendo uno de los ensayos más leídos sobre artistas femeninas. A esto le siguió un panel de la Asociación de Arte Universitario de 1972 , presidido por Nochlin, titulado "El erotismo y la imagen de la mujer en el arte del siglo XIX". En una década, decenas de trabajos, artículos y ensayos mantuvieron un impulso creciente, alimentado por el movimiento feminista de segunda ola , de discurso crítico en torno a las interacciones de las mujeres con las artes como artistas y sujetos. En su ensayo pionero, Nochlin aplica un marco crítico feminista para mostrar la exclusión sistemática de las mujeres de la formación artística, argumentando que la exclusión de la práctica del arte, así como de la historia canónica del arte, fue consecuencia de las condiciones culturales que restringieron y restringieron a las mujeres en los campos de producción artística. [18] Las pocas que tuvieron éxito fueron tratadas como anomalías y no proporcionaron un modelo para el éxito posterior. Griselda Pollock es otra destacada historiadora del arte feminista, cuyo uso de la teoría psicoanalítica se describe más arriba.
Aunque la historia del arte feminista puede centrarse en cualquier período de tiempo y lugar, se ha prestado mucha atención a la era moderna. Parte de esta investigación se centra en el movimiento de arte feminista , que se refería específicamente a la experiencia de las mujeres. A menudo, la historia del arte feminista ofrece una "relectura" crítica del canon del arte occidental, como la reinterpretación de Carol Duncan de Les Demoiselles d'Avignon . Dos pioneras en este campo son Mary Garrard y Norma Broude . Sus antologías Feminism and Art History: Questioning the Litany , The Expanding Discourse: Feminism and Art History y Reclaiming Feminist Agency: Feminist Art History After Postmodernism son esfuerzos sustanciales por incorporar perspectivas feministas al discurso de la historia del arte. La pareja también cofundó la Conferencia de Historia del Arte Feminista. [19]
A diferencia de la iconografía, que busca identificar el significado, la semiótica se ocupa de cómo se crea el significado. Los significados connotados y denotados de Roland Barthes son fundamentales para este examen. En cualquier obra de arte en particular, una interpretación depende de la identificación del significado denotado [20] —el reconocimiento de un signo visual— y del significado connotado [21] —las asociaciones culturales instantáneas que surgen con el reconocimiento—. La principal preocupación del historiador del arte semiótico es encontrar formas de navegar e interpretar el significado connotado. [22]
La historia del arte semiótica busca descubrir el significado o los significados codificados en un objeto estético examinando su conexión con una conciencia colectiva . [23] Los historiadores del arte no suelen comprometerse con ninguna marca particular de semiótica, sino que construyen una versión amalgamada que incorporan a su colección de herramientas analíticas. Por ejemplo, Meyer Schapiro tomó prestado el significado diferencial de Saussure en un esfuerzo por leer los signos tal como existen dentro de un sistema. [24] Según Schapiro, para comprender el significado de la frontalidad en un contexto pictórico específico, debe diferenciarse de, o verse en relación con, posibilidades alternativas como un perfil o una vista de tres cuartos . Schapiro combinó este método con el trabajo de Charles Sanders Peirce cuyo objeto, signo e interpretante proporcionaron una estructura para su enfoque. Alex Potts demuestra la aplicación de los conceptos de Peirce a la representación visual al examinarlos en relación con la Mona Lisa . Ver la Mona Lisa , por ejemplo, como algo más allá de su materialidad es identificarla como un signo. Se reconoce entonces que se refiere a un objeto externo a sí mismo, una mujer o la Mona Lisa . La imagen no parece denotar un significado religioso y, por lo tanto, se puede suponer que se trata de un retrato. Esta interpretación conduce a una cadena de posibles interpretaciones: ¿quién era la modelo en relación con Leonardo da Vinci ? ¿Qué significado tenía para él? O tal vez sea un icono para toda la humanidad. Esta cadena de interpretación, o "semiosis ilimitada", es interminable; el trabajo del historiador del arte es poner límites a las posibles interpretaciones tanto como revelar nuevas posibilidades. [25]
La semiótica se basa en la teoría de que una imagen sólo puede ser comprendida desde la perspectiva del observador. El artista es suplantado por el observador como el proveedor de significado, hasta el punto de que una interpretación sigue siendo válida independientemente de si el creador la había querido o no. [25] Rosalind Krauss defendió este concepto en su ensayo "En el nombre de Picasso". Denunció el monopolio del artista sobre el significado e insistió en que el significado sólo puede derivarse después de que la obra haya sido extraída de su contexto histórico y social. Mieke Bal sostuvo de manera similar que el significado ni siquiera existe hasta que el observador observa la imagen. Sólo después de reconocer esto el significado puede abrirse a otras posibilidades como el feminismo o el psicoanálisis. [26]
Entre los aspectos del tema que han cobrado protagonismo en las últimas décadas se encuentran el interés por el mecenazgo y el consumo de arte, incluida la economía del mercado del arte, el papel de los coleccionistas, las intenciones y aspiraciones de quienes encargan obras y las reacciones de los espectadores y propietarios contemporáneos y posteriores. Los estudios de museos , incluida la historia del coleccionismo y la exhibición en los museos, son ahora un campo de estudio especializado, al igual que la historia del coleccionismo.
Los avances científicos han hecho posible una investigación mucho más precisa de los materiales y técnicas utilizados para crear obras, especialmente las técnicas fotográficas de rayos X e infrarrojos que han permitido volver a ver muchos dibujos subyacentes de pinturas, incluidas figuras que habían sido eliminadas de la pieza. Ahora es posible el análisis adecuado de los pigmentos utilizados en la pintura, lo que ha alterado muchas atribuciones. La dendrocronología para pinturas sobre tabla y la datación por radiocarbono para objetos antiguos en materiales orgánicos han permitido que los métodos científicos de datación de objetos confirmen o alteren las fechas derivadas del análisis estilístico o la evidencia documental. El desarrollo de una buena fotografía en color, ahora almacenada digitalmente y disponible en Internet o por otros medios, ha transformado el estudio de muchos tipos de arte, especialmente aquellos que cubren objetos existentes en grandes cantidades que están ampliamente dispersos entre colecciones, como manuscritos iluminados y miniaturas persas , y muchos tipos de obras de arte arqueológicas.
Paralelamente a esos avances tecnológicos, los historiadores del arte han mostrado un creciente interés en nuevos enfoques teóricos sobre la naturaleza de las obras de arte como objetos. La teoría de las cosas , la teoría de actores-redes y la ontología orientada a objetos han desempeñado un papel cada vez más importante en la literatura histórica del arte.
La creación de arte, la historia académica del arte y la historia de los museos de arte están estrechamente entrelazadas con el auge del nacionalismo. De hecho, el arte creado en la era moderna ha sido a menudo un intento de generar sentimientos de superioridad nacional o amor por el propio país . El arte ruso es un ejemplo especialmente bueno de esto, ya que la vanguardia rusa y, posteriormente, el arte soviético fueron intentos de definir la identidad de ese país.
Napoleón Bonaparte también fue conocido por encargar obras que enfatizaban la fuerza de Francia con él como gobernante.
El Romanticismo occidental proporcionó una nueva apreciación del país de origen, o del nuevo país de origen. El Monje junto al mar (1808 o 1810) de Caspar David Friedrich presenta una escena sublime que representa la abrumadora belleza y fuerza de la costa alemana en el mar Báltico. En la infancia de las colonias americanas, la gente creía que era su destino explorar la naturaleza salvaje y "indómita" del oeste. Los artistas que se habían formado en la Escuela del Río Hudson en Nueva York se dieron a la tarea de presentar la tierra desconocida como algo pintoresco y sublime.
La mayoría de los historiadores del arte que trabajan hoy en día identifican su especialidad como el arte de una cultura, período de tiempo o movimiento en particular, como el arte alemán del siglo XIX o el arte chino contemporáneo. El enfoque en la nacionalidad tiene raíces profundas en la disciplina. De hecho, las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos de Vasari son un intento de mostrar la superioridad de la cultura artística florentina, y los escritos de Heinrich Wölfflin (especialmente su monografía sobre Alberto Durero ) intentan distinguir los estilos artísticos italianos de los alemanes.
Muchos de los museos de arte más grandes y mejor financiados del mundo, como el Louvre , el Victoria and Albert Museum y la National Gallery of Art de Washington, son de propiedad estatal. De hecho, la mayoría de los países tienen una galería nacional , con la misión explícita de preservar el patrimonio cultural propiedad del gobierno (independientemente de qué culturas hayan creado el arte) y una misión a menudo implícita de reforzar el patrimonio cultural propio de ese país . La National Gallery of Art exhibe así arte hecho en los Estados Unidos , pero también posee objetos de todo el mundo.
La disciplina de la historia del arte se divide tradicionalmente en especializaciones o concentraciones basadas en épocas y regiones, con otras subdivisiones basadas en los medios.
El arte occidental, por ejemplo, se puede dividir en los siguientes períodos : Clásico Antiguo, Medieval, Renacimiento, Barroco, Neoclásico, Romanticismo, Moderno y Contemporáneo.
En Estados Unidos, la organización de historia del arte más importante es la College Art Association . [27] Organiza una conferencia anual y publica el Art Bulletin y el Art Journal . Existen organizaciones similares en otras partes del mundo, así como para especializaciones, como la historia de la arquitectura y la historia del arte renacentista. En el Reino Unido, por ejemplo, la Association of Art Historians es la organización principal y publica una revista titulada Art History .
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