El arte soviético es el estilo de arte visual producido después de la Revolución rusa de 1917 y durante la existencia de la Unión Soviética , hasta su colapso en 1991. La Revolución rusa condujo a un cambio artístico y cultural dentro de Rusia y la Unión Soviética en su conjunto, incluido un nuevo enfoque en el realismo socialista en el arte aprobado oficialmente .
Durante la década de 1920, hubo una intensa competencia ideológica entre diferentes grupos artísticos que luchaban por determinar las formas y direcciones en que se desarrollaría el arte soviético, buscando ocupar puestos claves en las instituciones culturales y ganar el favor y el apoyo de las autoridades.
A finales de la década de 1920, el gobierno se centró más en evaluar la sexualidad en el arte a través de la lente de la moral socialista. [1] : 186 Esto resultó en un aumento de las críticas a artistas como Kasyan Goleizovsky y Alexander Grinberg . [1] : 186
Esta lucha se hizo aún más amarga por la creciente crisis del arte de izquierda radical . A principios de la década de 1930, muchas tendencias de vanguardia se habían agotado y sus antiguos defensores comenzaron a representar objetos de la vida real en un intento de volver al sistema tradicional de imágenes pintadas, incluidos los principales artistas de la jota de diamantes . A principios de la década de 1930, Kazimir Malevich (1879-1935) regresó al arte figurativo . [2]
Entre los partidarios destacados de las ideas izquierdistas se encontraban David Shterenberg , Alexander Drevin , Vladimir Tatlin , Vasili Kandinski , Kazimir Malevich , Osip Brik , Sofya Dymshits-Tolstaya, Olga Rozanova , Mijail Matyushin y Nathan Altman . Ocuparon cargos en el gobierno soviético y en los Soviets locales de Moscú y Petrogrado, determinando la política del departamento de Bellas Artes. [ cita requerida ]
La postura del Departamento de Bellas Artes fue expresada con mayor detalle por Nikolai Punin en 1919. Escribió: " Si la representación del mundo ayuda al conocimiento, entonces sólo en las primeras etapas del desarrollo humano, después de las cuales ya se convierte en un obstáculo directo para el crecimiento del arte o en una interpretación basada en clases del mismo" , y " El elemento de la representación es ya un elemento característico de una comprensión burguesa del arte" . [3]
Los representantes del arte ruso que habían comenzado sus carreras antes de la revolución señalaron el peligro de una ruptura con las tradiciones del arte progresista prerrevolucionario y la escuela de arte. Entre ellos se encontraban Dmitry Kardovsky , Isaak Brodsky , Alexander Savinov , Abram Arkhipov , Boris Kustodiev , Kuzma Petrov-Vodkin , Arkady Rylov , Anna Ostroumova-Lebedeva , Mikhail Avilov , Alexander Samokhvalov , Boris Ioganson , Rudolf Frentz y otros. En la década de 1920, el desarrollo del arte soviético y su escuela de arte se vio influenciado por las incesantes polémicas y contiendas entre varias tendencias artísticas. [4]
El Proletkult se formó pocos días antes de la Revolución de Octubre y su objetivo era poner todas las artes al servicio de la dictadura del proletariado . Inicialmente apoyado por el Narkompros , con el tiempo decayó considerablemente y se disolvió en 1932. [ cita requerida ] .
El movimiento de vanguardia atrajo los intereses de la organización Proletkult, [5] que era muy ecléctica en sus formas de arte e incluía direcciones modernas como el impresionismo y el cubismo .
Entre los primeros experimentos de Proletkult se encontraba la estética pragmática del arte industrial , cuyo teórico destacado fue Boris Arvatov (1896-1940).
Otro grupo fue UNOVIS , una colección de jóvenes artistas de muy corta duración pero influyente dirigida por Kazimir Malevich en la década de 1920.
Después del descubrimiento de porcelana en 1917 [ aclaración necesaria ] en la Manufactura Estatal de Porcelana , esta se utilizó también con fines propagandísticos. Esta porcelana estaba destinada menos al uso cotidiano y más a la decoración. Ya en la década de 1920 se empezaron a realizar exposiciones de porcelana fuera de la Unión Soviética. [6]
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El arte aprobado oficialmente debía seguir la doctrina del realismo socialista. En la primavera de 1932, el Comité Central del Partido Comunista decretó que todos los grupos y organizaciones literarias y artísticas existentes debían disolverse y reemplazarse por asociaciones unificadas de profesiones creativas. En consecuencia, en agosto de 1932 se creó la Unión de Artistas de Moscú y Leningrado, que puso fin a la historia del arte posrevolucionario y dio comienzo a la época del arte soviético. [7]
En octubre de 1932, el Comité Ejecutivo Central Panruso y el Consejo de Comisarios del Pueblo adoptaron una resolución sobre la creación de una academia de artes . El Instituto de Bellas Artes Proletarias de Leningrado se transformó en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura . Esto marcó el final de un período de 15 años de cambio constante en la institución de educación artística más grande del país. En total, durante el período 1917-1991, el Instituto graduó a más de 10.000 artistas e historiadores del arte. [8] Entre ellos se encontraban importantes artistas y escultores de la URSS como Alexander Samokhvalov , Yevsey Moiseyenko , Andrei Mylnikov , Yuri Neprintsev , Aleksandr Laktionov , Mikhail Anikushin , Piotr Belousov , Boris Ugarov , Ilya Glazunov , Nikolai Timkov y otros.
Los artistas soviéticos más conocidos fueron Isaak Brodsky , Alexander Samokhvalov , Boris Ioganson , Aleksandr Deyneka , Aleksandr Laktionov , Yuri Neprintsev y otros pintores de las escuelas de Moscú y Leningrado. [9] El artista moscovita Aleksandr Gerasimov produjo una gran cantidad de pinturas heroicas de Joseph Stalin y otros miembros del Politburó durante su carrera. Nikita Khrushchev afirmó más tarde que Kliment Voroshilov pasaba más tiempo posando en el estudio de Gerasimov que atendiendo sus deberes en el Comisariado del Pueblo de Defensa. La pintura de Gerasimov muestra un dominio de las técnicas de representación clásicas.
Sin embargo, las exposiciones de arte de 1935-1960 desmienten la afirmación de que la vida artística de la época estaba suprimida por la ideología y los artistas se sometían por completo a lo que entonces se llamaba el «orden social». Un gran número de paisajes, retratos, pinturas de género y estudios expuestos en esa época perseguían fines puramente técnicos y estaban, por lo tanto, libres de toda ideología. Este enfoque se siguió adoptando cada vez con mayor coherencia también en las pinturas de género, aunque los artistas jóvenes de la época aún carecían de la experiencia y la maestría profesional necesarias para producir obras de alto nivel artístico dedicadas a la actualidad soviética. [10]
Vitali Manin, un conocido historiador del arte ruso, considera que «lo que hoy se considera un mito en las obras de los artistas de los años treinta era una realidad, que además era percibida como tal por la gente real. Por supuesto, existía otra faceta de la vida, pero eso no anula lo que los artistas retrataron... Da la impresión de que las disputas sobre el arte se desarrollaban antes y después de 1937 en interés de la burocracia del partido y de los artistas con una obsesión proletaria, pero no de los verdaderos artistas, que encontraban temas en el mundo contemporáneo y no se enredaban en cuestiones de la forma de su expresión». [11]
Entre mediados de los años 50 y 60, el arte del realismo socialista se acercaba a su apogeo. Los artistas que se habían graduado en la academia ( Instituto de Arte Repin ) en los años 30 y 50 estaban en su mejor momento. Presentaban su arte rápidamente, se esforzaban por experimentar y estaban ansiosos por apropiarse de mucho y aprender aún más. Su arte capturó las imágenes, ideas y disposiciones de su época y sus contemporáneos a través de retratos, paisajes y pinturas de género de artistas como Lev Russov , Victor Oreshnikov , Boris Korneev , Semion Rotnitsky , Vladimir Gorb , Engels Kozlov , Nikolai Timkov , Alexander Grigoriev , Aleksei Gritsai , Vladimir Ovchinnikov , Vecheslav Zagonek , Sergei Osipov , Alexander Semionov . rseny Semionov , Nikolai Galakhov , Geliy Korzhev , Arkady Plastov , Nikolai Pozdneev , Yuri Neprintsev , Fyodor Reshetnikov , Yevsey Moiseyenko y Andrei Mylnikov . El arte de este período mostró un extraordinario gusto por la vida y el trabajo creativo.
En 1957 se celebra en Moscú el primer Congreso de Artistas Soviéticos de toda la Unión, en el que se crea la Unión de Artistas de la URSS, que reúne a más de 13.000 artistas profesionales de todas las repúblicas y de todas las especialidades. En 1960 se organiza la Unión de Artistas de la Federación Rusa. [12] En consecuencia, estos acontecimientos influyeron en la vida artística de Moscú, Leningrado y la provincia. Se amplió el ámbito de la experimentación, en particular en lo que respecta a la forma y al lenguaje pictórico y plástico. Las imágenes de jóvenes y estudiantes, pueblos y ciudades en rápida transformación, tierras vírgenes puestas a trabajar, grandiosos planes de construcción que se estaban realizando en Siberia y la región del Volga y grandes logros de la ciencia y la tecnología soviéticas se convirtieron en los temas principales de la nueva pintura. Los héroes de la época (jóvenes científicos, trabajadores, ingenieros civiles y médicos) se convirtieron en los héroes más populares de las pinturas.
En este período, la vida proporcionó a los artistas una gran cantidad de temas apasionantes, figuras e imágenes positivas. Los legados de muchos grandes artistas y movimientos artísticos volvieron a estar disponibles para el estudio y el debate público. Esto amplió enormemente la comprensión de los artistas sobre el método realista y amplió sus posibilidades. Fue la renovación repetida de la propia concepción del realismo lo que hizo que este estilo dominara en el arte ruso a lo largo de su historia. La tradición realista dio lugar a muchas tendencias en la pintura contemporánea , incluida la pintura del natural, la pintura de «estilo severo» y el arte decorativo. Sin embargo, durante este período, el impresionismo , el postimpresionismo , el cubismo y el expresionismo también tuvieron sus fervientes seguidores e intérpretes. [ cita requerida ]
La muerte de Joseph Stalin en 1953 y el deshielo de Nikita Khrushchev allanaron el camino para una ola de liberalización de las artes en toda la Unión Soviética . Aunque no se produjo ningún cambio oficial en la política, los artistas comenzaron a sentirse libres de experimentar en su trabajo con mucho menos miedo a las repercusiones que durante el período estalinista.
En la década de 1950, el artista moscovita Ely Bielutin animó a sus estudiantes a experimentar con el abstraccionismo , una práctica totalmente desaconsejada por la Unión de Artistas , que aplicaba estrictamente la política oficial del realismo socialista . Los artistas que optaban por pintar en estilos alternativos tenían que hacerlo completamente en privado y nunca podían exponer o vender sus obras. Como resultado, el arte no conformista se desarrolló siguiendo un camino separado del arte oficial que quedó registrado en los libros de historia.
La revista Life publicó dos retratos de dos pintores que, en su opinión, eran los más representativos del arte ruso de la época: Serov, un icono soviético oficial, y Anatoli Zverev , un expresionista vanguardista ruso clandestino . El retrato de Vladimir Lenin realizado por Serov y el autorretrato de Zverev fueron asociados por muchos con una eterna lucha bíblica entre Satanás y el Salvador. Cuando Jruschov se enteró de la publicación, se indignó y prohibió todos los contactos con visitantes occidentales y cerró todas las exposiciones semilegales. Zverev fue el principal objetivo de su indignación.
El Grupo Lianozovo se formó en torno al artista Oscar Rabin en la década de 1960 e incluía a artistas como Valentina Kropivnitskaya, Vladimir Nemukhin y Lydia Masterkova. Si bien no se adhirieron a ningún estilo común, estos artistas buscaron expresarse fielmente en el modo que consideraron apropiado, en lugar de adherirse al estilo propagandístico del realismo socialista .
La tolerancia de las autoridades hacia el arte no conformista sufrió altibajos hasta el colapso definitivo de la Unión Soviética en 1991. Los artistas aprovecharon los primeros años tras la muerte de Stalin para experimentar con su obra sin temor a la persecución. En 1962, los artistas experimentaron un ligero revés cuando Nikita Khrushchev apareció en la exposición que celebraba el 30 aniversario de la Unión de Artistas de Moscú en la sala de exposiciones Manege de Moscú , un episodio conocido como el Caso Manege . Entre las obras habituales del realismo socialista se encontraban algunas obras abstractas de artistas como Ernst Neizvestny y Eli Beliutin , a las que Khrushchev criticó por ser "una mierda" y a los artistas por ser "homosexuales". El mensaje era claro: la política artística no era tan liberal como todos habían esperado. [ cita requerida ]
La política desempeñó un papel importante en el desarrollo del arte soviético tardío. Tanto en el mundo del arte como entre el público en general, se ha prestado muy poca atención al carácter estético de las obras producidas en la URSS en los años 1970 y 1980. En cambio, el arte oficial y no oficial de la época solía representar acontecimientos políticos "malos" o "buenos". Una imagen más matizada destacaría que hubo numerosos grupos que compitieron en la creación de arte en Moscú y Leningrado durante este período. Las figuras más importantes de la escena artística internacional han sido los artistas moscovitas Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Andrei Monastyrsky, Vitaly Komar y Aleksandr Melamid.
El incidente más infame relacionado con los artistas no conformistas en la antigua Unión Soviética fue la Exposición Bulldozer de 1974 , que tuvo lugar en un parque a las afueras de Moscú e incluyó obras de artistas como Oscar Rabin , Komar y Melamid , Alexandr Zhdanov , Nikolai Smoliakov y Leonid Sokov . Los artistas involucrados habían escrito a las autoridades pidiendo permiso para realizar la exposición, pero no recibieron respuesta a su solicitud. Decidieron seguir adelante con la exposición de todos modos, que consistía únicamente en obras de arte no oficiales que no encajaban en la rúbrica del realismo socialista . La KGB puso fin a la exposición pocas horas después de su inauguración trayendo excavadoras para destruir por completo todas las obras de arte presentes. Sin embargo, la prensa extranjera había estado allí para presenciar el evento, y la cobertura mundial del mismo obligó a las autoridades a permitir una exposición de arte no conformista dos semanas después en el parque Izmailovsky de Moscú.
Algunos coleccionistas de Europa occidental apoyaron a muchos de los artistas de la Unión Soviética durante los años 1960 y 1970. Uno de los principales coleccionistas y filántropos fue el matrimonio formado por Kenda y Jacob Bar-Gera. La Colección Bar-Gera consta de unas 200 obras de 59 artistas rusos de la era soviética que no querían adoptar la directiva oficial sobre arte de la Unión Soviética post-estalinista. Kenda y Jacob Bar-Gera, ambos supervivientes del Holocausto, apoyaron a estos artistas parcialmente perseguidos enviándoles dinero o materiales de pintura desde Alemania a la Unión Soviética. Aunque Kenda y Jacob no conocieron a los artistas en persona, compraron muchas de sus pinturas y otros objetos de arte. Las obras se introdujeron de contrabando en Alemania escondiéndolas en las maletas de diplomáticos, hombres de negocios en viaje y estudiantes, lo que convirtió a la Colección Bar-Gera de inconformistas rusos en una de las más grandes de su tipo en el mundo. La colección contiene, entre otros, obras de Bachtschanjan Vagritsch, Jankilevskij Wladimir, Rabin Oskar, Batschurin Ewganij, Kabakov Ilja, Schablavin Sergei, Belenok Piotr, Krasnopevcev Dimitrij, Schdanov Alexander, Igor Novikov , Bitt Galina, Kropivnitzkaja Walentina, Schemjakin Michail, Bobrowskaja Kropivnitzkij, Lew, Schwarzman Michail, Borisov Leonid, Kropiwnizkij Jewgenij, Sidur Vadim, Bruskin Grischa, Kulakov Michail, Sitnikov Wasili y muchos otros.
A finales de los años 1980, las políticas de perestroika y glásnost de Mijail Gorbachov hicieron que fuera prácticamente imposible para las autoridades imponer restricciones a los artistas o a su libertad de expresión. Con el colapso de la Unión Soviética , la nueva economía de mercado permitió el desarrollo de un sistema de galerías, lo que significó que los artistas ya no tenían que ser empleados por el Estado y podían crear obras de acuerdo con sus propios gustos, así como los gustos de sus mecenas privados. En consecuencia, después de aproximadamente 1986, el fenómeno del arte no conformista en la Unión Soviética dejó de existir.
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