El arte académico , academicismo o academicismo , es un estilo de pintura y escultura producido bajo la influencia de las academias de arte europeas . Este método extendió su influencia por todo el mundo occidental a lo largo de varios siglos, desde sus orígenes en Italia a mediados del siglo XVI, hasta su disipación a principios del siglo XX. Alcanzó su apogeo en el siglo XIX, tras el fin de las Guerras Napoleónicas en 1815. En este período, los estándares de la Academia de Bellas Artes francesa fueron muy influyentes, combinando elementos del neoclasicismo y el romanticismo , con Jean-Auguste-Dominique. Ingres figura clave en la formación del estilo en la pintura. El éxito del modelo francés llevó a la fundación de innumerables academias de arte en varios países. Entre los pintores posteriores que intentaron continuar la síntesis se encuentran William-Adolphe Bouguereau , Thomas Couture y Hans Makart , entre muchos otros. En la escultura, el arte académico se caracteriza por una tendencia hacia la monumentalidad, como en las obras de Auguste Bartholdi y Daniel Chester French .
Las academias se crearon para reemplazar a los gremios de artistas medievales y tenían como objetivo sistematizar la enseñanza del arte. Hicieron hincapié en la emulación de los maestros establecidos y la tradición clásica, restando importancia a la creatividad individual y valorando en cambio conceptos colectivos, estéticos y éticos . Al ayudar a elevar el estatus profesional de los artistas, las academias los distanciaron de los artesanos y los acercaron a los intelectuales. También desempeñaron un papel crucial en la organización del mundo del arte , controlando la ideología cultural , el gusto, la crítica, el mercado del arte , así como la exhibición y difusión del arte. Ejercieron una influencia significativa debido a su asociación con el poder estatal, actuando a menudo como conductos para la difusión de ideales artísticos, políticos y sociales, al decidir lo que se consideraba "arte oficial". Como resultado, enfrentaron críticas y controversias por parte de artistas y otras personas al margen de estos círculos académicos, y sus regulaciones restrictivas y universalistas a veces se consideran un reflejo del absolutismo .
En general, el academicismo ha tenido un impacto significativo en el desarrollo de la educación artística y los estilos artísticos. Sus artistas rara vez mostraron interés en representar lo cotidiano o lo profano. Por lo tanto, el arte académico es predominantemente idealista más que realista , y apunta a crear obras muy pulidas a través del dominio del color y la forma. Aunque también se produjeron obras más pequeñas como retratos , paisajes y naturalezas muertas , el movimiento y el público y los críticos contemporáneos valoraron más las pinturas históricas de gran tamaño que mostraban momentos de narrativas que muy a menudo fueron tomadas de áreas antiguas o exóticas de la historia y la mitología , aunque menos. a menudo las narrativas religiosas tradicionales . El arte orientalista fue una rama importante, con muchos pintores especialistas , al igual que escenas de la antigüedad clásica y la Edad Media . El arte académico también está estrechamente relacionado con la arquitectura Beaux-Arts , así como con la música y la danza clásicas , que se desarrollaron simultáneamente y mantienen un ideal clasicista similar.
Aunque la producción de arte académico continuó en el siglo XX, el estilo se había vuelto vacío y fue fuertemente rechazado por los artistas de un conjunto de nuevos movimientos artísticos , de los cuales el realismo y el impresionismo fueron algunos de los primeros. En este contexto, el estilo a menudo se denomina " eclecticismo ", " art pompier " (peyorativamente) y, a veces, se lo asocia con " historicismo " y " sincretismo ". Para la Primera Guerra Mundial , había perdido casi por completo el favor de críticos y compradores, antes de recuperar cierta apreciación desde finales del siglo XX.
La primera academia de arte fue fundada en Florencia por Cosme I de' Medici , el 13 de enero de 1563, bajo la influencia del arquitecto Giorgio Vasari , quien la llamó Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Academia y Compañía de las Artes del Dibujo). ) al estar dividida en dos ramas operativas diferentes. Si bien la compañía era una especie de corporación a la que todos los artistas en activo en Toscana podían unirse, la academia estaba compuesta solo por los artistas más eminentes de la corte de Cosme y tenía la tarea de supervisar todas las actividades artísticas florentinas, incluida la enseñanza, y salvaguardar las tradiciones culturales locales. Entre los miembros fundadores se encontraban Miguel Ángel , Bartolomeo Ammannati , Agnolo Bronzino y Francesco da Sangallo . En esta institución, los estudiantes aprendían el "arti del disegno" (término acuñado por Vasari) y escuchaban conferencias sobre anatomía y geometría . [1] [2] [3] La fama de la Academia se extendió rápidamente, hasta el punto de que, apenas cinco meses después de su fundación, importantes artistas venecianos como Tiziano , Salviati , Tintoretto y Palladio solicitaron la admisión, y en 1567, el rey Felipe II de España lo consultó sobre planes para El Escorial . [4]
Otra academia, la Accademia de i Pittori e Scultori di Roma (Academia de Pintores y Escultores de Roma), más conocida como la Accademia di San Luca (llamada así por el santo patrón de los pintores, San Lucas ), fue fundada aproximadamente una década después. en Roma . Cumplía una función educativa y se preocupaba más por la teoría del arte que la florentina, concediendo gran importancia a la asistencia a conferencias teóricas, debates y clases de dibujo. [5] Inmediatamente se designó a doce académicos como profesores, estableciendo una serie de medidas disciplinarias para los estudios e instituyendo un sistema de premios para los estudiantes más capaces. [6]
En 1582, el pintor e instructor de arte Annibale Carracci abrió su muy influyente Accademia dei Desiderosi (Academia de los Deseosos) en Bolonia sin apoyo oficial; en cierto modo, esto se parecía más al estudio de un artista tradicional, pero el hecho de que sintiera la necesidad de etiquetarlo como una "academia" demuestra el atractivo de la idea en ese momento. [7]
El surgimiento de las academias de arte en el siglo XVI se debió a la necesidad de dar respuesta a las nuevas demandas sociales. Varios estados, que avanzaban hacia el absolutismo , se dieron cuenta de que era necesario crear un arte que los identificara específicamente y sirviera como símbolo de unidad cívica, y que además fuera capaz de consolidar simbólicamente el estatus de sus gobernantes. En este proceso, la Iglesia católica , entonces la mayor fuerza política y unificadora social de Europa, comenzó a perder parte de su influencia como consecuencia de la mayor secularización de las sociedades. El arte sacro , con diferencia el mayor campo de expresión artística a lo largo de la Edad Media , llegó a coexistir con un arte profano en expansión, derivado de fuentes clásicas , que había experimentado un lento resurgimiento desde el siglo XII, y que, en la época del Renacimiento , se había consolidado como el referente cultural más prestigioso y modelo de calidad. [8] [9]
Este resurgimiento del clasicismo requirió que los artistas se volvieran más cultos para poder transponer de manera competente esta referencia a las artes visuales . Al mismo tiempo, el antiguo sistema de producción artística, organizado por gremios —asociaciones de clases de carácter artesanal, ligadas más a la artesanía mecánica que a la erudición intelectual— comenzó a verse como obsoleto y socialmente indigno, a medida que los artistas comenzaron a desear la igualdad con los demás. el intelectual versado en las artes liberales , ya que el arte mismo comenzó a ser visto no sólo como una tarea técnica, como lo había sido durante siglos, sino principalmente como una forma de adquirir y transmitir conocimientos. En este nuevo contexto, la pintura y la escultura comenzaron a ser vistas como teorizables, tal como ya lo eran otras artes como la literatura y especialmente la poesía. Sin embargo, si por un lado los artistas sí ascendieron socialmente, por el otro perdieron la seguridad de inserción en el mercado que proporcionaba el sistema gremial, teniendo que vivir en la incierta expectativa de protección individual por parte de algún mecenas . [10]
Si a Italia se le debe atribuir el mérito de haber fundado este nuevo tipo de institución, Francia fue responsable de llevar el modelo a una primera etapa de gran orden y estabilidad. Los primeros intentos del país de establecer academias como las italianas también tuvieron lugar en el siglo XVI, durante el reinado del rey Enrique III , especialmente a través de la obra del poeta Jean-Antoine de Baïf , quien fundó una academia vinculada a la Corona francesa . Como sus homólogos italianos, fue principalmente de naturaleza filológica , filosófica , pero también trabajó en conceptos relacionados con las artes y las ciencias. Si bien desarrolló una intensa actividad con debates regulares y producción teórica, defendiendo principios clásicos, careció de estructura docente y tuvo una breve existencia. [11]
La Accademia di San Luca sirvió más tarde como modelo para la Académie royale de peinture et desculpture (Real Academia de Pintura y Escultura) francesa, fundada en 1648 por un grupo de artistas liderados por Charles Le Brun , y que más tarde se convirtió en la Académie des Beaux-Arts (Academia de Bellas Artes). Su objetivo era similar al italiano, honrar a los artistas "que eran caballeros que practicaban un arte liberal" de los artesanos, que se dedicaban a trabajos manuales. Este énfasis en el componente intelectual de la creación artística tuvo un impacto considerable en los temas y estilos del arte académico. [12] [13] [14]
Después de un comienzo ineficaz, la Academia Real fue reorganizada en 1661 por el rey Luis XIV , cuyo objetivo era controlar toda la actividad artística del país, [15] y en 1671 quedó bajo el control del Primer Ministro de Estado Jean-Baptiste Colbert . quien confirmó a Le Brun como director. Juntos, la convirtieron en el principal brazo ejecutivo de un programa para glorificar la monarquía absolutista del rey , estableciendo definitivamente la asociación de la escuela con el Estado y dotándola así de un enorme poder directivo sobre todo el sistema artístico nacional, lo que contribuyó a hacer de Francia la nueva Europa. centro cultural, desplazando la hasta entonces supremacía italiana. Pero mientras que para el Renacimiento italiano el arte era también un estudio del mundo natural, para Le Brun era sobre todo el producto de una cultura adquirida, de formas heredadas y de una tradición establecida. [16] [17]
Durante este período, la doctrina académica alcanzó la cima de su rigor, amplitud, uniformidad, formalismo y explicitud, y según el historiador del arte Moshe Barasch, en ningún otro momento en la historia de la teoría del arte se ha cultivado más intensamente la idea de perfección como la El objetivo más alto del artista, con la producción del Alto Renacimiento italiano como modelo definitivo. Así, Italia siguió siendo una referencia inestimable, hasta el punto de que se estableció una filial en Roma en 1666, la Academia Francesa , con Charles Errard como primer director. [dieciséis]
Al mismo tiempo, se produjo una controversia entre los miembros de la Academia, que llegaría a dominar las actitudes artísticas durante el resto del siglo. Esta "batalla de estilos" fue un conflicto sobre si Peter Paul Rubens o Nicolas Poussin eran un modelo adecuado a seguir. Los seguidores de Poussin, llamados "poussinistes", argumentaron que la línea (disegno) debería dominar el arte, debido a su atractivo para el intelecto, mientras que los seguidores de Rubens, llamados "rubenistes", argumentaron que el color (colore) debería ser el rasgo dominante, porque de su apelación a la emoción. [18] El debate revivió a principios del siglo XIX, bajo los movimientos del neoclasicismo tipificado por el arte de Jean Auguste Dominique Ingres , y el romanticismo tipificado por la obra de arte de Eugène Delacroix . También surgieron debates sobre si era mejor aprender arte mirando la naturaleza o los maestros artísticos del pasado. [19]
Al final del reinado de Luis XIV, el estilo académico y las enseñanzas fuertemente asociadas con su monarquía comenzaron a extenderse por toda Europa, acompañando el crecimiento de la nobleza urbana. Se formaron una serie de otras academias importantes en todo el continente, inspiradas por el éxito de la Académie francesa: la Akademie der Bildenden Künste en Nuremberg (1662), la Akademie der Künste en Berlín (1696), la Akademie der bildenden Künste en Viena ( 1698), la Real Academia de Dibujo de Estocolmo (1735), la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid (1752), la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo (1757) y la Accademia di Belle Arti di Brera de Milán. (1776), por nombrar algunos. En Inglaterra, esta fue la Real Academia de las Artes , que fue fundada en 1768 con la misión de "establecer una escuela o academia de diseño para uso de los estudiantes en las artes". [20] [21]
La Real Academia Danesa de Bellas Artes de Copenhague , fundada en 1754, puede tomarse como un ejemplo exitoso en un país más pequeño, que logró su objetivo de producir una escuela nacional y reducir la dependencia de artistas importados. Casi todos los pintores de la Edad de Oro danesa de aproximadamente 1800-1850 se formaron allí y, basándose en pinturas italianas y holandesas de la Edad de Oro como ejemplos, muchos regresaron para enseñar localmente. [22] La historia del arte danés está mucho menos marcada por la tensión entre el arte académico y otros estilos que en otros países. [ cita necesaria ]
En los siglos XVIII y XIX, el modelo se expandió a América, fundando la Academia de San Carlos en México en 1783, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Estados Unidos en 1805, [23] y la Academia Imperial de Bellas Artes en Brasil en 1826. [24] Mientras tanto, de vuelta en Italia, apareció otro importante centro de irradiación, Venecia, lanzando la tradición de las vistas urbanas y los " capriccios ", escenas de paisajes fantásticos poblados de ruinas antiguas, que se convirtieron en las favoritas de los viajeros nobles del Gran Recorrido . [23]
Aún con su amplia difusión, el sistema académico comenzó a ser seriamente cuestionado a través de las acciones de intelectuales vinculados a la Ilustración . Para ellos, el academicismo se había convertido en un modelo caduco, excesivamente rígido y dogmático; criticaron la metodología, que creían que producía un arte meramente servil a los ejemplos antiguos, y condenaron la administración institucional, que consideraban corrupta y despótica . [25] Sin embargo, una figura importante de la Ilustración como Diderot suscribió gran parte del ideal académico, apoyó la jerarquía de géneros ( ver más abajo ) y dijo que "la imaginación no crea nada". [26] A finales del siglo XVIII, tras los disturbios de la Revolución Francesa , se organizó una verdadera campaña contra las enseñanzas de la Academia, identificada como símbolo del Antiguo Régimen . En 1793, el pintor Jacques-Louis David , muy vinculado a los revolucionarios, asumió la dirección de los asuntos artísticos de la nueva república y, tras atender la petición de numerosos artistas descontentos con la burocracia y el sistema de privilegios de la institución, disolvió la Academias parisinas y todas las demás academias reales del campo. Sin embargo, la extinción de las antiguas escuelas fue temporal, ya que posteriormente se organizó un Comité de las Artes, lo que dio lugar a la fundación en 1795 de una nueva institución, el Instituto de Francia , que incluía una sección artística y se encargaba de reorganizar el sistema nacional. sistema de artes. [25]
Sin embargo, los desafíos al academicismo en Francia fueron más nominales que reales. Los cursos de arte volvieron a funcionar prácticamente igual que antes, resucitó la jerarquía de géneros, se mantuvieron los premios y salones, la sucursal de Roma permaneció activa y el Estado siguió siendo el mayor patrocinador del arte. Quatremère de Quincy , el secretario del nuevo Institut, que había nacido como un aparato de renovación revolucionaria, creía paradójicamente que las escuelas de arte servían para preservar tradiciones, no para fundar otras nuevas. [25] Las mayores innovaciones que introdujo fueron la idea de reunificar las artes bajo una atmósfera de igualitarismo, eliminando títulos honoríficos para los miembros y algunos otros privilegios, y su intento de hacer la administración más transparente, eminentemente pública y funcional. Al reinterpretar la teoría platónica de que las artes son cuestionables porque son imitaciones imperfectas de una realidad ideal abstracta , consideró esta idea sólo en una esfera moral, la politizó y republicanizó, relacionando la verdad de las artes con la de las instituciones sociales. También afirmó que la realidad política de la república era un reflejo de la república de las artes que buscaba establecer. Pero más allá de las ideas, en la práctica, en la administración republicana se siguió practicando el autoritarismo , que fue uno de los motivos aducidos para la extinción de las reales academias. [27]
Otro ataque al modelo académico provino de los primeros románticos , entre los siglos XVIII y XIX, quienes predicaban una práctica centrada en la originalidad y la independencia individuales. Hacia 1816, el pintor Théodore Géricault , uno de los exponentes del romanticismo francés, afirmó:
Estas escuelas mantienen a sus alumnos en un estado de emulación constante... Observo con tristeza que, desde la creación de estas escuelas, ha habido un gran efecto: han dado servicio a miles de talentos mediocres... Allí también entran los pintores. joven y, por tanto, las huellas de individualidad que sobreviven en la Academia son imperceptibles. Se pueden ver, con verdadero disgusto, cada año unas diez o doce composiciones prácticamente idénticas en su ejecución, porque en su búsqueda de la perfección pierden su originalidad. Una forma de dibujar, un tipo de color, una disposición para todos los sistemas... [28]
Desde el inicio del debate poussinista-rubenista, muchos artistas trabajaron entre los dos estilos. En el siglo XIX, en la forma revivida del debate, la atención y los objetivos del mundo del arte pasaron a sintetizar la línea del neoclasicismo con el color del romanticismo. Los críticos afirmaron que un artista tras otro había logrado la síntesis, entre ellos Théodore Chassériau , Ary Scheffer , Francesco Hayez , Alexandre-Gabriel Decamps y Thomas Couture . William-Adolphe Bouguereau , un artista académico posterior, comentó que el truco para ser un buen pintor es ver "el color y la línea como la misma cosa". Thomas Couture promovió la misma idea en un libro que escribió sobre método artístico, argumentando que cuando se decía que una pintura tenía mejor color o mejor línea era una tontería, porque siempre que el color parecía brillante dependía de la línea para transmitirlo, y viceversa; y ese color era en realidad una forma de hablar sobre el "valor" de la forma.
Otro desarrollo durante este período, llamado historicismo , incluyó la adopción de estilos históricos o la imitación del trabajo de artistas y artesanos históricos para mostrar la época de la historia que representaba la pintura. En la historia del arte , después del Neoclasicismo que en la época romántica podría considerarse un movimiento historicista, el siglo XIX incluyó una nueva fase historicista caracterizada por una interpretación no sólo del clasicismo griego y romano , sino también de épocas estilísticas sucesivas, que fueron cada vez más respetado. Esto se ve mejor en la obra del barón Jan August Hendrik Leys , una influencia posterior de James Tissot . También se ve en el desarrollo del estilo neogreco . El historicismo también pretende referirse a la creencia y práctica asociadas con el arte académico de que uno debe incorporar y conciliar las innovaciones de diferentes tradiciones de arte del pasado.
El mundo del arte también creció para prestar cada vez más atención a la alegoría en el arte. Las teorías sobre la importancia tanto de la línea como del color afirmaban que a través de estos elementos un artista ejerce control sobre el medio para crear efectos psicológicos, en los que se pueden representar temas, emociones e ideas. Cuando los artistas intentaron sintetizar estas teorías en la práctica, se enfatizó la atención a la obra de arte como vehículo alegórico o figurativo. Se sostenía que las representaciones en pintura y escultura debían evocar formas o ideales platónicos , donde detrás de las representaciones ordinarias se vislumbrara algo abstracto, alguna verdad eterna. De ahí la famosa reflexión de Keats : "La belleza es verdad, la verdad es belleza". Se deseaba que las pinturas fueran una "idée", una idea plena y completa. Se sabe que Bouguereau dijo que no pintaría "una guerra", sino que pintaría "La guerra". Muchas pinturas de artistas académicos son simples alegorías de la naturaleza con títulos como Amanecer , Anochecer , Ver y Saborear , donde estas ideas son personificadas por una única figura desnuda, compuesta de tal manera que resalta la esencia de la idea.
Estilísticamente, el arte académico cultivó el ideal de perfección y al mismo tiempo la imitación selectiva de la realidad ( mímesis ), que existía desde Aristóteles . Con un perfecto dominio del color, la luz y las sombras, se crearon formas de forma casi fotorrealista. Algunas pinturas tienen un "acabado pulido" donde no se puede reconocer ninguna pincelada en la obra terminada. Después del boceto al óleo, el artista produciría la pintura final con el "fini" académico, cambiando la pintura para cumplir con los estándares estilísticos e intentando idealizar las imágenes y agregar detalles perfectos. De manera similar, la perspectiva se construía geométricamente sobre una superficie plana y en realidad no era producto de la vista.
La tendencia en el arte también fue hacia un mayor idealismo , lo que es contrario al realismo , en el sentido de que las figuras representadas se hicieron más simples y abstractas (idealizadas) para poder representar los ideales que representaban. Esto implicaría tanto generalizar las formas vistas en la naturaleza como subordinarlas a la unidad y al tema de la obra de arte.
La representación de las distintas emociones fue codificada detalladamente por el academicismo [29] y los propios géneros artísticos fueron sometidos a una escala de prestigio. Debido a que la historia y la mitología se consideraban obras de teatro o dialéctica de ideas, un terreno fértil para alegorías importantes, el uso de temas de estos temas se consideraba la forma más seria de pintura. Esta jerarquía de géneros, creada originalmente en el siglo XVII, era muy valorada, donde la pintura de historia (también conocida como "gran género") -temas clásicos, religiosos, mitológicos, literarios y alegóricos- se ubicaba en la cima, seguida por "géneros menores": retratos , pinturas de género , paisajes y naturalezas muertas . [30] [31]
El género histórico, el más apreciado, incluía obras que transmitían temas de carácter inspirador y ennoblecedor, esencialmente con un trasfondo ético, coherente con la tradición fundada por maestros como Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci . Paul Delaroche es un ejemplo típico de la pintura histórica francesa y Benjamin West de la moda británico-estadounidense de pintar escenas de la historia reciente. Las pinturas de Hans Makart suelen ser dramas históricos más grandes que la vida real, y combinó esto con un historicismo en la decoración para dominar el estilo de la cultura vienesa del siglo XIX . Los retratos incluían representaciones de personas de gran formato, adecuadas para su glorificación pública, pero también piezas más pequeñas para uso privado. Las escenas cotidianas, también conocidas como escenas de género, retrataban la vida común de manera simbólica, los paisajes ofrecían perspectivas de naturaleza virgen idealizada o panoramas urbanos, y las naturalezas muertas consistían en agrupaciones de diversos objetos en composiciones formales. [30] [31]
La justificación de esta jerarquización residía en la idea de que cada género tenía una fuerza moral inherente y específica. Así, un artista podría transmitir un principio moral con mucha más fuerza y facilidad a través de una escena histórica que, por ejemplo, a través de una naturaleza muerta. Además, siguiendo los conceptos griegos, se creía que la forma más elevada de arte era la representación ideal del cuerpo humano, de ahí que los paisajes y las naturalezas muertas, en las que no apareciera el hombre, tuvieran poco prestigio. Finalmente, con una función principalmente social y didáctica, el arte académico privilegió las obras de gran tamaño y los retratos de gran formato, más aptos para ser vistos por grandes grupos de espectadores y más adecuados para decorar espacios públicos. [30] [31]
Todas estas tendencias fueron influenciadas por las teorías del filósofo alemán Hegel , quien sostenía que la historia era una dialéctica de ideas en competencia, que eventualmente se resolvían en síntesis.
Napoleón fue el " canto del cisne " del concepto de arte como vehículo de valores morales y espejo de la virtud . Patrocinó y empleó activamente artistas para retratar su gloria personal, la de su Imperio y sus conquistas políticas y militares. Después de él, la fragmentación y el debilitamiento de los ideales comenzaron a hacerse visibles e irreversibles. [32] Con el enfriamiento del ardor libertario de los primeros románticos, con el fracaso final del proyecto imperialista de Napoleón, y con la popularización de un estilo ecléctico que fusionó el romanticismo y el neoclasicismo, adaptándolos a los propósitos de la burguesía , que se convirtieron en uno solo. de los mayores patrocinadores de las artes, apareció el surgimiento de un sentimiento general de resignación, así como un predominio creciente del gusto burgués individual frente a los sistemas colectivos idealistas. Pronto las preferencias de esta clase social, ahora tan influyente, penetraron en la educación superior y se convirtieron en dignos objetos de representación, cambiando la jerarquía de los géneros y proliferando el retrato y todos los géneros llamados menores, como las escenas cotidianas y las naturalezas muertas, que pasaron a ser más pronunciada a medida que avanzaba el siglo. [33]
El apoyo de la burguesía a las academias fue una forma de demostrar educación y adquirir prestigio social, acercándolas a las élites culturales y políticas. Finalmente, el revivalismo neogótico , el desarrollo del gusto por lo pintoresco como criterio estético autónomo, el resurgimiento del eclecticismo helenístico , el progreso de los estudios medievalistas , orientalistas y folclóricos , la creciente participación de las mujeres en la producción artística, la valorización de la artesanía. y las artes aplicadas , abrió otros frentes de apreciación de las artes visuales, encontrando otras verdades dignas de apreciación que antes habían sido descuidadas y relegadas a los márgenes de la cultura oficial. [34] [35] [36] Como resultado de esta gran transformación cultural, el modelo educativo académico, para sobrevivir, tuvo que incorporar algunas de estas innovaciones, pero mantuvo en términos generales la tradición establecida, y logró volverse aún más influyente, que continuó inspirando no sólo a Europa, sino también a América y otros países colonizados por europeos, a lo largo del siglo XIX. [37]
Otro factor de este resurgimiento académico, incluso frente a un escenario profundamente cambiante, fue la reiteración de la idea del arte como instrumento de afirmación política por parte de los movimientos nacionalistas en varios países. [37]
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El siglo XIX fue el apogeo de las academias, en el sentido de que su producción fue muy bien aceptada entre un público mucho más amplio, pero a menudo menos culto y menos exigente, dando al arte académico una popularidad tan grande como la que disfruta hoy el cine , y con una temática igualmente popular, que abarca desde temas históricos tradicionales hasta viñetas cómicas, desde retratos dulces y sentimentales hasta escenas medievalistas o pintorescas de exóticos países orientales, algo impensable durante el Antiguo Régimen. [38]
En la segunda mitad del siglo XIX, el arte académico había saturado la sociedad europea. Se realizaron exposiciones con frecuencia, siendo la exposición más popular el Salón de París y, a partir de 1903, el Salón de Otoño . Estos salones eran eventos a gran escala que atraían a multitudes de visitantes, tanto nacionales como extranjeros. Se trata de un asunto tanto social como artístico: 50.000 personas podrían visitarla en un solo domingo, y hasta 500.000 podrían ver la exposición durante sus dos meses de duración. Se exhibieron miles de pinturas, colgadas desde justo debajo del nivel de los ojos hasta el techo en una forma que ahora se conoce como "estilo salón". Una exposición exitosa en el salón era un sello de aprobación para un artista, haciendo que su obra fuera vendible a las crecientes filas de coleccionistas privados. Bouguereau , Alexandre Cabanel y Jean-Léon Gérôme fueron figuras destacadas de este mundo del arte. [39] [40]
Durante el reinado del arte académico, las pinturas de la era rococó , que anteriormente tenían poco favor, recuperaron su popularidad, y los temas utilizados a menudo en el arte rococó, como Eros y Psique , volvieron a ser populares. El mundo del arte académico también admiraba a Rafael por el idealismo de su obra, prefiriéndolo de hecho a Miguel Ángel.
En Inglaterra, la influencia de la Royal Academy creció a medida que se consolidaba su asociación con el Estado. En la primera mitad del siglo XIX, la Real Academia ya ejercía control directo o indirecto sobre una vasta red de galerías, museos, exposiciones y otras sociedades artísticas, y sobre un complejo de agencias administrativas que incluían la Corona , el parlamento y otros departamentos estatales. , que encontraron su expresión cultural a través de sus relaciones con la institución académica. [41] [42] La Exposición de Verano de la Royal Academy cobró impulso en ese momento y se ha realizado anualmente sin interrupción hasta el día de hoy.
A medida que avanzaba el siglo, comenzaron a surgir desafíos a esta primacía, exigiendo que se aclararan sus relaciones con el gobierno, y la institución comenzó a prestar más atención a los aspectos de mercado en una sociedad cada vez más heterogénea y que cultivaba múltiples tendencias estéticas. También se abrieron escuelas subsidiarias en varias ciudades para satisfacer las demandas regionales. A mediados del siglo XIX, la Royal Academy ya había perdido el control sobre la producción artística británica, ante la multiplicación de creadores y asociaciones independientes, pero continuó, ante tensiones internas, intentando preservarla. Hacia 1860, volvió a estabilizarse mediante nuevas estrategias de monopolización del poder, incorporando a su órbita nuevas tendencias, como la promoción de la técnica hasta entonces ignorada de la acuarela , que se había vuelto muy popular, la aceptación de la admisión de mujeres, la necesidad de nuevos miembros en una membresía ampliada. renunciar a su afiliación a otras sociedades y reformar su estructura administrativa para que aparezca como una institución privada, pero imbuida de una finalidad cívica y de carácter público. De esta manera, logró administrar una parte significativa del universo artístico británico a lo largo del siglo XIX, y pese a la oposición de sociedades y grupos de artistas como los prerrafaelitas , logró seguir siendo una agencia disciplinaria, educativa y consagradora de la mayor importancia, capaz de acompañar en gran medida el progreso del modernismo , contradiciendo la opinión común de que las academias son invariablemente reaccionarias. [41] [42]
En Alemania, el espíritu académico encontró inicialmente cierta resistencia a su plena implementación. Ya a finales del siglo XVIII, teóricos como Baumgarten , Schiller y Kant habían promovido la autonomía de la Estética a través del concepto de " arte por el arte ", y habían subrayado la importancia de la autoeducación del artista, frente a la masificación impuesta. por la civilización y sus instituciones, viendo la estructura colectivizadora y la naturaleza impersonal de la academia como una amenaza a sus deseos de libertad creativa, inspiración individualista y originalidad absoluta. En este sentido, la crítica de arte comenzó a adquirir matices claramente sociológicos . [43]
Parte de esta reacción se debió a la actividad de los nazarenos , un grupo de pintores que buscaban un retorno a un estilo renacentista y a prácticas medievales en un espíritu de austeridad y fraternidad. Bajo su influencia, se introdujeron –paradójicamente dentro de las propias academias– clases magistrales que buscaban agrupar a los estudiantes prometedores en torno a un maestro, que era responsable de su instrucción, pero con una atención y un cuidado mucho más concentrados que en el sistema francés, más generalista, basado en la suposición de que un tratamiento más individualizado podría proporcionar una educación más sólida y profunda. Este método se instituyó por primera vez en la Academia de Dusseldorf y progresó lentamente, pero a lo largo del siglo XIX se hizo común a todas las academias alemanas y también fue imitado en otros países del norte de Europa. Los interesantes resultados de las clases magistrales fueron el comienzo de una tradición de pintura mural a gran escala y la dirección de la vanguardia local siguiendo líneas menos iconoclastas que las parisinas. [44]
La influencia de la Real Academia se extendió a través del océano y determinó fuertemente la fundación y dirección del arte americano desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX, cuando el país comenzó a establecer su independencia cultural. Algunos de los principales artistas locales estudiaron en Londres bajo la dirección de la Royal Academy y otros, que se establecieron en Inglaterra, continuaron ejerciendo influencia en su país de origen mediante la presentación regular de obras de arte. Este fue el caso de John Singleton Copley , influencia dominante en su país hasta principios del siglo XIX, y también de Benjamin West , que se convirtió en uno de los líderes del movimiento neoclásico-romántico inglés y uno de los principales nombres europeos del su generación en el campo de la pintura histórica. Hizo numerosos compañeros discípulos, como Charles Willson Peale , Gilbert Stuart y John Trumbull , y su influencia fue similar a la de Copley en la pintura estadounidense. [45]
La primera academia que se creó en Estados Unidos fue la Academia de Bellas Artes de Pensilvania , fundada en 1805 y todavía activa en la actualidad. La iniciativa surgió del pintor Charles Peale y del escultor William Rush , junto con otros artistas y comerciantes. Su avance fue lento, y su apogeo sólo se alcanzó a finales del siglo XIX, cuando empezó a recibir un importante apoyo económico, abrió una galería y formó su propia colección, convirtiéndose en un bastión antimodernista. [46] El paso más decisivo hacia la formación de una cultura académica estadounidense se dio cuando la Academia Nacional de Diseño fue fundada en 1826 por Samuel FB Morse , Asher B. Durand , Thomas Cole y otros artistas insatisfechos con la orientación de la Academia de Pensilvania. Academia. Pronto se convirtió en la institución artística más respetada del país. [47] [48] Su método siguió el modelo académico tradicional, centrándose en el dibujo a partir de modelos clásicos y vivos, además de ofrecer conferencias sobre anatomía, perspectiva, historia y mitología, entre otros temas. Cole y Durand fueron también los fundadores de la Escuela del Río Hudson , un movimiento estético que inició una gran tradición pictórica, que duró tres generaciones, con una notable unidad de principios, y que presentó el paisaje nacional bajo una luz épica, idealista y a veces fantasiosa. . Entre sus miembros se encontraban Albert Bierstadt y Frederic Edwin Church , los paisajistas más célebres de su generación. [49] [50]
En el campo de la escultura, sin embargo, la mayor influencia provino de las academias italianas, especialmente a través del ejemplo de Antonio Canova , que fue la principal figura del neoclasicismo europeo, educado en parte en la Academia de Venecia y en Roma. [51] [52] Italia ofrecía un telón de fondo histórico y cultural de irresistible interés para los escultores, con monumentos, ruinas y colecciones de valor incalculable, y las condiciones de trabajo eran infinitamente superiores a las del Nuevo Mundo , donde había escasez tanto de mármol como de mármol capaz. asistentes para ayudar al artista en el complejo y laborioso arte del tallado en piedra y la fundición del bronce. Horatio Greenough fue sólo el primero de una gran ola de estadounidenses que se estableció entre Roma y Florencia. El más notable de ellos fue William Wetmore Story , quien a partir de 1857 asumió el liderazgo de la colonia americana que se había creado en Roma, convirtiéndose en un referente para todos los recién llegados. A pesar de su estancia en Italia, el grupo siguió siendo celebrado en su país y sus logros artísticos recibieron una continua cobertura de prensa hasta que la moda neoclásica se disipó en América del Norte a partir de la década de 1870. Para entonces, Estados Unidos ya había establecido su cultura y creado las condiciones generales para promover una producción escultórica local consistente y de alto nivel, adoptando una síntesis ecléctica de estilos. [53] [54] [55] Estos escultores también absorbieron fuertemente la influencia de la Academia francesa, varios de ellos se educaron allí, y su producción pobló la mayoría de los espacios públicos y las fachadas de los principales edificios estadounidenses, con obras de fuerte civismo y gran formalismo que se convirtió en iconos de la cultura local, como la estatua de Abraham Lincoln de Daniel Chester French y el monumento a Robert Gould Shaw de Augustus Saint-Gaudens . [56]
En 1875, la Art Students League asumió como la principal academia de arte estadounidense, fundada por estudiantes inspiradas en el modelo de la Académie francesa, estableciendo las pautas para la educación artística nacional hasta la Segunda Guerra Mundial , al tiempo que abrió sus clases a las mujeres. Ofreciendo mejores condiciones de trabajo que su modelo parisino, la Liga fue creada por artistas que vieron en el entorno académico francés un atractivo para la cultura y la civilización y creyeron que este modelo disciplinaría el impulso democrático nacional , trascendiendo los regionalismos y las diferencias sociales, refinando el gusto de capitalistas y contribuir a elevar la sociedad y mejorar su cultura. [56]
El arte académico no sólo tuvo influencia en Europa occidental y Estados Unidos, sino que también extendió su influencia a otros países. El ambiente artístico de Grecia, por ejemplo, estuvo dominado por técnicas de las academias occidentales a partir del siglo XVII: esto fue evidente por primera vez en las actividades de la Escuela Jónica y más tarde se hizo especialmente pronunciado con el surgimiento de la Escuela de Munich . Esto también fue cierto para las naciones latinoamericanas que, debido a que sus revoluciones se basaron en la Revolución Francesa , buscaron emular la cultura francesa. Un ejemplo de artista académico latinoamericano es Ángel Zárraga de México . El arte académico en Polonia floreció bajo la dirección de Jan Matejko , quien fundó la Academia de Bellas Artes de Cracovia . Muchas de estas obras se pueden ver en la Galería de Arte Polaco del Siglo XIX en Sukiennice en Cracovia .
Las academias tenían como supuesto básico la idea de que el arte podía enseñarse mediante su sistematización en un cuerpo de teoría y práctica plenamente comunicable, minimizando la importancia de la creatividad como contribución totalmente original e individual. En cambio, valoraron la emulación de maestros establecidos, veneraron la tradición clásica y adoptaron conceptos formulados colectivamente que no sólo tenían un carácter estético, sino también un origen y propósito éticos.
Los jóvenes artistas pasaron cuatro años en una rigurosa formación. En Francia, sólo los estudiantes que aprobaron un examen y portaron una carta de referencia de un destacado profesor de arte fueron aceptados en la escuela de la academia, la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes). Los dibujos y pinturas de desnudos, llamados "academies", eran los pilares básicos del arte académico y el procedimiento para aprender a realizarlos estaba claramente definido. Primero, los estudiantes copiaron grabados de esculturas clásicas, familiarizándose con los principios de contorno, luz y sombra. Se creía que la copia era crucial para la educación académica; Al copiar obras de artistas del pasado se asimilarían sus métodos de creación artística. Para avanzar al siguiente paso, y cada uno sucesivo, los estudiantes presentaron dibujos para su evaluación.
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Si se aprueba, se basarán en moldes de yeso de famosas esculturas clásicas. Sólo después de adquirir estas habilidades se les permitió a los artistas ingresar a clases en las que posaba un modelo vivo. La pintura no se enseñó en la École des Beaux-Arts hasta después de 1863. Para aprender a pintar con pincel, el estudiante primero tenía que demostrar dominio del dibujo, que se consideraba la base de la pintura académica. Sólo entonces el alumno podía entrar en el estudio de un académico y aprender a pintar. A lo largo de todo el proceso, se realizaron competencias con una materia predeterminada y un período de tiempo específico asignado para medir el progreso de cada estudiante.
El concurso de arte más famoso para estudiantes fue el Prix de Rome , cuyo ganador recibió una beca para estudiar en la escuela de la Académie française en la Villa Medici de Roma durante un máximo de cinco años. [57] Para competir, un artista tenía que ser de nacionalidad francesa, hombre, menor de 30 años y soltero. Debía haber cumplido con los requisitos de ingreso de la École des Beaux-Arts y contar con el apoyo de un reconocido profesor de arte. La competición fue agotadora e incluyó varias etapas antes de la final, en la que 10 competidores fueron recluidos en estudios durante 72 días para pintar sus últimos cuadros históricos. Básicamente, el ganador tenía asegurada una carrera profesional exitosa.
Como se ha señalado, una muestra exitosa en el Salón, la exposición de obras fundada por la École des Beaux-Arts, era un sello de aprobación para un artista. Los artistas solicitaron al comité de ejecución una ubicación óptima "en la línea" o al nivel de los ojos. Después de la inauguración de la exposición, los artistas se quejaron de que sus obras estaban "descubiertas" o colgaban demasiado alto. El logro final para el artista profesional fue la elección como miembro de la Académie française y el derecho a ser conocido como académico. De ello dependió su constancia en las exposiciones en los salones y la permanencia de su producción en un nivel de excelencia. [58]
Un efecto del paso a las academias fue dificultar la formación de las mujeres artistas , que fueron excluidas de la mayoría de las academias hasta la segunda mitad del siglo XIX. [a] [60] [61] Esto se debió en parte a las preocupaciones sobre la percepción de incorrección que presenta la desnudez durante el entrenamiento. [60] En Francia, por ejemplo, la poderosa École des Beaux-Arts tenía 450 miembros entre el siglo XVII y la Revolución Francesa, de los cuales sólo 15 eran mujeres. De ellas, la mayoría eran hijas o esposas de miembros. A finales del siglo XVIII, la Academia Francesa decidió no admitir a ninguna mujer. [b] Como resultado, no existen pinturas históricas a gran escala realizadas por mujeres de este período, aunque algunas mujeres como Marie-Denise Villers y Constance Mayer se hicieron famosas en otros géneros como el retrato. [63] [64] [65] [66]
A pesar de esto, hubo importantes avances para las artistas femeninas. En París, el Salón se abrió a pintores no académicos en 1791, lo que permitió a las mujeres mostrar su trabajo en la prestigiosa exposición anual. Además, las mujeres eran aceptadas con mayor frecuencia como estudiantes de artistas famosos como Jacques-Louis David y Jean-Baptiste Greuze . [67]
El énfasis del arte académico en los estudios del desnudo siguió siendo una barrera considerable para las mujeres que estudiaban arte hasta el siglo XX, tanto en términos de acceso real a las clases como en términos de actitudes familiares y sociales hacia las mujeres de clase media que se convertían en artistas. [68]
El arte académico fue criticado por primera vez por su uso del idealismo , por parte de artistas realistas como Gustave Courbet , por basarse en clichés idealistas y representar motivos míticos y legendarios mientras se ignoraban las preocupaciones sociales contemporáneas. Otra crítica de los realistas fue la " superficie falsa " de las pinturas (los objetos representados parecían lisos, resbaladizos e idealizados) y no mostraban ninguna textura real. El realista Théodule Ribot contrarrestó esta situación experimentando con texturas rugosas e inacabadas en su pintura.
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Estilísticamente, los impresionistas , que abogaban por pintar rápidamente al aire libre exactamente lo que el ojo ve y la mano plasma, criticaron el estilo de pintura acabado e idealizado. Aunque los pintores académicos comenzaban una pintura primero haciendo dibujos y luego pintando bocetos al óleo de su tema, el alto brillo que daban a sus dibujos parecía una mentira para los impresionistas, quienes repudiaban la devoción por las técnicas mecánicas.
Los realistas y los impresionistas también desafiaron la colocación de la naturaleza muerta y el paisaje al final de la jerarquía de géneros. La mayoría de los realistas e impresionistas y otros miembros de las primeras vanguardias que se rebelaron contra el academicismo eran originalmente estudiantes en talleres académicos. Claude Monet , Gustave Courbet , Édouard Manet e incluso Henri Matisse fueron estudiantes de artistas académicos. Otros artistas, como los pintores simbolistas y algunos surrealistas , fueron más amables con la tradición. [ cita necesaria ] Como pintores que buscaban dar vida a vistas imaginarias, estos artistas estaban más dispuestos a aprender de una tradición fuertemente representacional. Una vez que la tradición pasó a considerarse anticuada, los desnudos alegóricos y las figuras en poses teatrales parecieron a algunos espectadores extraños y oníricos.
A medida que el arte moderno y su vanguardia ganaron más poder, el arte académico fue denigrado aún más y visto como sentimental, cliché, conservador, poco innovador, burgués y "sin estilo". Los franceses se refirieron burlonamente al estilo de arte académico como L'art pompier ( pompier significa "bombero") en alusión a las pinturas de Jacques-Louis David (que era muy estimado por la academia), que a menudo representaban a soldados vestidos de bombero. cascos. [69] También sugiere medios juegos de palabras en francés con pompéien ("de Pompeya ") y pompeux ("pomposo"). [70] [71] Las pinturas fueron llamadas "grandes máquinas", de las que se decía que fabricaban emociones falsas mediante inventos y trucos.
Ante el descontento de un número cada vez mayor de artistas excluidos de los salones oficiales de la Academia Francesa, el emperador Napoleón III creó en 1863 el Salón de los Rechazados, considerado uno de los hitos iniciales del modernismo. [72] Incluso con esta concesión, la reacción del público fue negativa, [73] y una reseña anónima publicada en ese momento resume la actitud general:
Esta exposición es triste y grotesca... salvo una o dos excepciones cuestionables, no hay una sola obra que merezca el honor de ser expuesta en las galerías oficiales. Incluso hay algo cruel en esta exposición, la gente se ríe como si todo no fuera más que una farsa. [74]
Siguiendo el ejemplo de Courbet, que en 1855 había inaugurado una exposición individual que llamó Pavillon du Réalisme (Pabellón del Realismo), en 1867 Manet, rechazado del Salón oficial, expuso de forma independiente, y seis años más tarde un grupo de impresionistas fundó el Salón. des Indépendants (Salón de los Independientes). Como resultado de estas iniciativas, el mercado del arte comenzó a abrirse a escuelas alternativas, mientras que los marchantes de nuevos creadores y las sociedades privadas iniciaron agresivas campañas para dar a conocer a sus propios artistas, abriendo diversos espacios expositivos para captar el interés del público consumidor burgués. Los críticos y literatos independientes también desempeñaron un papel importante en el cambio del centro de gravedad económico y social del sistema del arte, protegiendo y promoviendo a varios artistas no académicos y brindando una especie de educación pública informal a través de la publicación de artículos en la prensa, que se convirtieron en un foro importante para el debate artístico y de amplio alcance. En este proceso, la institución oficial de la Academia, para entonces rebautizada como École des Beaux-Arts y habiendo roto su vínculo con el gobierno, comenzó a perder terreno rápidamente, iniciando su declive como institución consagrante y educativa. [75] [76] [77]
El crítico de arte británico Clive Bell , vinculado al Grupo Bloomsbury del modernismo inglés, afirmó en 1914 que, a mediados del siglo XIX, el arte había "muerto", perdiendo todo su interés estético, e incluso la tradición había dejado de existir. [78] Esta denigración del arte académico alcanzó su punto máximo a través de los escritos del crítico de arte estadounidense Clement Greenberg quien afirmó en 1939 que todo el arte académico es " kitsch ", en el sentido de banal, comercialista, y trató de asociar el academicismo con los problemas de capitalismo industrial, además de vincular un nuevo concepto de "buen gusto" con la ética del radicalismo político de izquierda y antiburgués . Para él, la vanguardia era positiva porque era expresión afectiva de una conciencia social libertaria, y por tanto más verdadera y más libre, lo que se repitió hasta el infinito después, siguiendo la lógica: académico = reaccionario = malo, versus vanguardia = radical = bueno. [79] [80]
Varios otros críticos influyentes, como Herbert Read y Ernst Gombrich , dedicaron grandes esfuerzos a romper con los estándares académicos tradicionales. En todos los ámbitos de la enseñanza, no sólo en la enseñanza del arte, se dio gran importancia a la creatividad como punto de partida del proceso de aprendizaje, predicando el abandono de reglas y formalismos, y alineándose con las propuestas de educadores y filósofos de la educación como María Montessori. y Jean-Ovide Decroly . Incluso varios de los artistas modernos más importantes, como Kandinsky , Klee , Malevich y Moholy-Nagy , se dedicaron a crear escuelas y a formular nuevas teorías para la educación artística basadas en estas ideas, más notablemente la Bauhaus , fundada en Weimar , Alemania, en 1919 de Walter Gropius . Para los modernistas, la creatividad era una facultad innata de percepción e imaginación, poseída por todas las personas, y cuanto menos influenciada por teorías y normas, más rica y fértil sería. En este contexto, la educación artística simplemente pretendía proporcionar los medios para que esta creatividad libre, guiada por sentimientos y emociones, se expresara materialmente como una obra de arte, una forma única y original que tenía una sintaxis propia y no dependía de referencias previas. . [81]
La producción académica manierista , barroca, rococó y neoclásica logró salir relativamente ilesa de la crítica modernista y asegurarse su lugar en la historia, pero las tendencias académicas eclécticas de la segunda mitad del siglo XIX fueron ridiculizadas y devaluadas hasta el punto de que, a lo largo del siglo XX, la mayoría de estas obras fueron descartadas de colecciones privadas, vieron caer sus precios de mercado y fueron retiradas de la exhibición en los museos, relegadas al olvido en sus almacenes. [82] [83] [84] En la década de 1950, todos los últimos practicantes del antiguo academicismo habían quedado en la oscuridad. Más que eso, la pura oposición al academicismo se había convertido en una de las principales fuerzas cohesivas del movimiento moderno, y lo único que interesaba a los críticos vinculados a la vanguardia era la vanguardia misma. [85]
A pesar del descrédito generalizado en el que cayó el academicismo, varios investigadores a lo largo del siglo XX emprendieron el estudio del fenómeno académico. El historiador de arte Paul Barlow afirmó que a pesar de la amplia difusión del modernismo a principios del siglo XX, las bases teóricas de su rechazo del academicismo fueron sorprendentemente poco exploradas por sus defensores, formando sobre todo una especie de "mito antiacadémico", más que una crítica coherente. [86] De todos los involucrados en este estudio, Nikolaus Pevsner fue quizás el más importante, al describir en la década de 1940 la historia de las academias a una escala épica, pero centrándose en los aspectos institucionales y organizativos, desconectándolos de los estéticos y geográficos. [87]
Muchos autores coinciden en que el nacimiento del modernismo puede describirse como el fin de los valores colectivos y la negación del arte como esencialmente vehículo de principios morales . Es cierto que a lo largo del siglo XX se siguieron produciendo obras moralizantes e históricas, pero con un impacto completamente diferente, cuando en la época victoriana la moral había pasado a significar sobre todo castidad . [88] [89] El modernismo también ha sido descrito como responsable de un proceso de pulverización de jerarquías y del inicio del reinado del individualismo y la subjetividad en el arte, de una manera mucho más profunda de lo que ya habían sugerido los románticos o incluso los Los manieristas mucho antes, crearon una multiplicidad de estéticas personales que no se consolidaron en un lenguaje común y uniforme, con poca o ninguna preocupación por insertar la producción en un sistema organizado o crear arte socialmente comprometido. Se les acusa incluso de haber practicado su propia versión de la dictadura elitista que condenaron desde el academicismo. [88] [83]
Con los objetivos del posmodernismo de dar una explicación más completa, más sociológica y pluralista de la historia, el arte académico ha regresado a los libros y debates de historia. Desde principios de la década de 1990, la creación de arte académico ha experimentado incluso un resurgimiento limitado a través del movimiento de taller realista clásico . [90] En museos y galerías de arte, L'art pompier (un término que sus partidarios evitan en su mayoría) también ha disfrutado de una especie de resurgimiento crítico, en parte causado por el Museo de Orsay en París, donde se exhibe en términos más iguales que el Pintores impresionistas y realistas de la época. La apertura de este museo en 1986 no estuvo exenta de acalorados debates en Francia, ya que algunos críticos lo consideraron una rehabilitación del academicismo, o incluso del " revisionismo ". [91] El historiador del arte André Chastel , sin embargo, consideraba ya en 1973 que "no había más que ventajas en sustituir un juicio global de desaprobación, legado de viejas batallas, por una curiosidad tranquila y objetiva". Algunos otros agentes institucionales de este rescate son el Dahesh Museum of Art en Estados Unidos, especializado en arte académico de los siglos XIX y XX, [82] así como el Art Renewal Center , también con sede en Estados Unidos y dedicado a promover el academicismo como base para la formación cualificada de los futuros maestros. [92] Además, el arte está ganando una apreciación más amplia por parte del público en general, y mientras que las pinturas académicas alguna vez solo alcanzarían unos pocos cientos de dólares en subastas, algunas ahora alcanzan millones. [93]
![La excomunión de Roberto el Piadoso, de Jean-Paul Laurens, 1875, óleo sobre lienzo, Museo de Orsay[101]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a1/Excommunication_de_Robert_le_Pieux-Jean-Paul_Laurens-IMG_8140.JPG/1280px-Excommunication_de_Robert_le_Pieux-Jean-Paul_Laurens-IMG_8140.JPG)
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![Los romanos en su decadencia, de Thomas Couture, 1844-1847, óleo sobre lienzo, Museo de Orsay, París[96]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/THOMAS_COUTURE_-_Los_Romanos_de_la_Decadencia_(Museo_de_Orsay,_1847._%C3%93leo_sobre_lienzo,_472_x_772_cm).jpg/1280px-THOMAS_COUTURE_-_Los_Romanos_de_la_Decadencia_(Museo_de_Orsay,_1847._%C3%93leo_sobre_lienzo,_472_x_772_cm).jpg)
![El alquimista, de William Fettes Douglas, 1853, óleo sobre lienzo, Victoria and Albert Museum, Londres[97]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/William_Fettes_Douglas_-_The_Alchemist.jpg/1280px-William_Fettes_Douglas_-_The_Alchemist.jpg)
![La emperatriz Eugenia rodeada de sus damas de honor, de Franz Xaver Winterhalter, 1855, óleo sobre lienzo, Castillo de Compiègne, Compiègne, Francia[98]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fe/Winterhalter_Franz_Xavier_The_Empress_Eugenie_Surrounded_by_her_Ladies_in_Waiting.jpg/1280px-Winterhalter_Franz_Xavier_The_Empress_Eugenie_Surrounded_by_her_Ladies_in_Waiting.jpg)
![La muerte de Orfeo, de Émile Lévy, 1866, óleo sobre lienzo, Museo de Orsay[99]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Death_of_Orpheus_by_%C3%89mile_L%C3%A9vy_(1866).jpg/1280px-Death_of_Orpheus_by_%C3%89mile_L%C3%A9vy_(1866).jpg)
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![Ulises y las sirenas, de John William Waterhouse, 1891, óleo sobre lienzo, Galería Nacional de Victoria, Melbourne, Australia[104]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/WATERHOUSE_-_Ulises_y_las_Sirenas_(National_Gallery_of_Victoria,_Melbourne,_1891._%C3%93leo_sobre_lienzo,_100.6_x_202_cm).jpg/1280px-WATERHOUSE_-_Ulises_y_las_Sirenas_(National_Gallery_of_Victoria,_Melbourne,_1891._%C3%93leo_sobre_lienzo,_100.6_x_202_cm).jpg)
![El jardín de las Hespérides, de Frederic Leighton, c. 1892, óleo sobre lienzo, Lady Lever Art Gallery, Wirral, Reino Unido[105]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a3/Frederic_Leighton_-_The_Garden_of_the_Hesperides.jpg/1280px-Frederic_Leighton_-_The_Garden_of_the_Hesperides.jpg)
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