Jaime Royal " Robbie " Robertson [1] OC (5 de julio de 1943 - 9 de agosto de 2023) fue un músico canadiense. [2] Fue guitarrista principal de Bob Dylan a mediados de los años 1960 y principios de los años 1970, guitarrista y compositor de la banda desde sus inicios hasta 1978, y solista.
El trabajo de Robertson con la Banda fue fundamental en la creación del género musical estadounidense . Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Salón de la Fama de la Música Canadiense como miembro de la Banda, y en el Paseo de la Fama de Canadá , con la Banda y solo. Ocupa el puesto 59 en la lista de los 100 mejores guitarristas de la revista Rolling Stone . [3] Escribió " The Weight ", " The Night They Drove Old Dixie Down " y " Up on Cripple Creek " con la banda y tuvo éxitos en solitario con " Broken Arrow " y " Somewhere Down the Crazy River ", y muchos otros. Fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores Canadienses y recibió un Premio a la Trayectoria de la Academia Nacional de Compositores . [4]
Robertson colaboró en bandas sonoras de cine y televisión, generalmente con el director Martin Scorsese , comenzando en el documental de rock The Last Waltz (1978) y continuando con películas dramáticas como Raging Bull (1980), The King of Comedy (1983), Casino (1995), Pandillas de Nueva York (2002), El lobo de Wall Street (2013), Silencio (2016), El irlandés (2019) y Asesinos de la luna de flores (2023).
Jaime Royal Robertson [5] nació hijo único el 5 de julio de 1943. Su madre nació Rosemarie Dolly Chrysler el 6 de febrero de 1922. [6] Ella era Cayuga y Mohawk , [7] criada en las Seis Naciones del Gran Reserva fluvial al suroeste de Toronto , cerca de Hamilton . Vivía con una tía en el barrio de Cabbagetown y trabajaba en la fábrica de chapado de joyería Coro. Allí conoció a James Patrick Robertson y se casaron en 1942. [8]
La pareja continuó trabajando en la fábrica y los tres vivieron en varios barrios de Toronto mientras Robbie era un niño. [9] : 55 [10] : 65 A menudo viajaba con su madre a la reserva para visitar a su familia. Aquí le enseñaron a tocar la guitarra, especialmente su primo mayor, Herb Myke. Se convirtió en fanático del rock and roll y del Rhythm and Blues a través de la radio, escuchando al disc jockey George "Hound Dog" Lorenz tocar rock en WKBW desde Buffalo, Nueva York , y quedándose despierto para escuchar toda la noche a John R. espectáculo de blues en WLAC , una estación de canal claro en Nashville, Tennessee . [11] : 56 [12] : 65–66
En su adolescencia, los padres de Robertson se separaron. Su madre le dijo que su padre biológico no era James, sino Alexander David Klegerman, un judío estadounidense que conoció en el trabajo. [13] Se convirtió en un jugador profesional y murió en un accidente de atropello y fuga en Queen Elizabeth Way . Ella había estado con él mientras James estaba destinado en Terranova con el ejército canadiense antes de casarse. Hizo arreglos para que su hijo conociera a sus tíos paternos Morris (Morrie) y Nathan (Natie) Klegerman. [14] [15] [16]
Cuando Robertson tenía 14 años, trabajó en dos breves trabajos de verano en el circuito de carnaval ambulante , primero durante unos días en un suburbio de Toronto y luego como asistente en un espectáculo de fenómenos durante tres semanas durante la Exposición Nacional de Canadá . Más tarde se basó en esto para su canción " Life is a Carnival " (con la banda) y la película Carny (1980), que produjo y protagonizó. [17]
La primera banda a la que se unió Robertson fue Little Caesar and the Consuls , formada en 1956 por el pianista y vocalista Bruce Morshead y el guitarrista Gene MacLellan . Permaneció con el grupo durante casi un año, tocando canciones populares del momento en bailes locales para adolescentes. En 1957 formó Robbie and the Rhythm Chords con su amigo Pete "Thumper" Traynor (quien más tarde fundó Traynor Amplifiers ). Cambiaron el nombre a Robbie and the Robots después de ver la película Forbidden Planet y le gustó el personaje de la película, Robby the Robot . Traynor personalizó la guitarra de Robertson para los Robots, equipándola con antenas y cables para darle un aspecto de la era espacial . Traynor y Robertson se unieron al pianista Scott Cushnie y se convirtieron en The Suedes. En un show de Suedes el 5 de octubre de 1959, cuando tocaron en el Hif Fi Club de CHUM Radio en Merton Street de Toronto, Ronnie Hawkins se dio cuenta de ellos por primera vez y quedó lo suficientemente impresionado como para unirse a ellos durante algunos números. [10] : 66 [11] : 56–57 [18] [19]
Robertson comenzó a seguir a Hawkins. Después de que los Suedes abrieron para el grupo de rockabilly con sede en Arkansas Ronnie Hawkins y los Hawks en Dixie Arena, Hawkins contrató a Robertson para el equipo de gira de los Hawks. [20] Hawkins grabó dos canciones coacreditadas con Robertson, "Hey Baba Lou" y "Someone Like You", para su álbum Mr. Dynamo (1959), y llevó a Robertson al Brill Building en la ciudad de Nueva York para ayudarlo a elegir. canciones para el resto del álbum. [1] : 14–15 [10] : 66–67 [18] : 45–46
Hawkins contrató al pianista Scott Cushnie fuera de los Suedes y lo llevó de gira a Arkansas con los Hawks. Cuando el bajista de los Hawks dejó el grupo, Cushnie recomendó que Hawkins contratara a Robertson para reemplazarlo en el bajo. [18] : 49, 51–52 [21]
Hawkins invitó a Robertson a Arkansas y luego voló al Reino Unido para actuar en televisión allí. Al quedarse en Arkansas, Robertson gastó su sueldo de subsistencia en discos y practicó intensamente todos los días. Al regresar, Hawkins lo contrató para tocar el bajo. Cushnie dejó la banda unos meses después. [21] Robertson pronto pasó del bajo a tocar la guitarra solista para los Hawks. [1] : 20–22 [10] : 68–70, 75 Robertson se convirtió en un virtuoso de la guitarra. [22]
Roy Buchanan , unos años mayor que Robertson, fue brevemente miembro de los Hawks y se convirtió en una influencia importante en el estilo de guitarra de Robertson: "De pie junto a Buchanan en el escenario durante varios meses, Robertson pudo absorber las hábiles manipulaciones de Buchanan con su velocidad de volumen. dial, su tendencia a doblar múltiples cuerdas para lograr un efecto similar al de una guitarra de acero , su rápido barrido y su pasión por doblar más allá de la raíz y la quinta notas durante los vuelos en solitario". [23]
El baterista y cantante Levon Helm ya era miembro de los Hawks y pronto se hizo amigo cercano de Robertson. [10] : 76 Los Hawks continuaron de gira por Estados Unidos y Canadá, agregando a Rick Danko , Richard Manuel y Garth Hudson a la alineación de los Hawks en 1961. [24]
Esta formación, que más tarde se convirtió en la Banda , estuvo de gira con Hawkins a lo largo de 1962 y hasta 1963. [10] : 95, 100 También contrataron al saxofonista Jerry Penfound y más tarde a Bruce Bruno, quienes estuvieron con el grupo en su período intermedio como Levon. y los halcones. [25] [26]
Ronnie Hawkins and the Hawks grabaron sesiones para Roulette Records durante 1961-1963, en todas las cuales apareció Robertson. Las sesiones incluyeron tres sencillos: "Come Love" b/n "I Feel Good" (Roulette 4400 1961); "A quién amas" en blanco y negro "Bo Diddley" (Ruleta 4483 1963); y "Hay un tornillo suelto" en blanco y negro "Presión arterial alta" (Ruleta 4502 1963). [18] : 420 [27]
Los Hawks dejaron a Ronnie Hawkins a principios de 1964 para irse por su cuenta. [28] Los miembros de los Hawks estaban perdiendo interés en tocar al estilo rockabilly y favorecían el blues y la música soul. A principios de 1964, el grupo se acercó al agente Harold Kudlets para representarlos, a lo que él accedió, reservándoles espectáculos para un año en los mismos circuitos en los que habían estado antes con Ronnie Hawkins. Originalmente llamado The Levon Helm Sextet , el grupo incluía a todos los futuros miembros de la banda, además de Jerry Penfound al saxofón y Bob Bruno a la voz. [10] : 105-106
Después de que Bruno se fue en mayo de 1964, el grupo cambió su nombre a Levon and the Hawks. Penfound permaneció con el grupo hasta 1965. [25] Kudlets mantuvo al grupo ocupado actuando durante 1964 y hasta 1965, y finalmente los contrató para dos largos compromisos de verano en el popular club nocturno Tony Mart's en Somers Point, Nueva Jersey , en The Shore. [11] : 64–66, 68 Tocaron seis noches a la semana junto a Conway Twitty y otros actos. [29]
Los miembros de Levon and the Hawks se hicieron amigos del artista de blues John P. Hammond mientras actuaba en Toronto en 1964. [18] : 84–85 Más tarde ese año, el grupo acordó trabajar en el álbum de Hammond So Many Roads (lanzado en 1965). ) al mismo tiempo que tocaban en el Peppermint Lounge de la ciudad de Nueva York. [11] : 65 Robertson tocó la guitarra durante todo el álbum y fue anunciado como "Jaime R. Robertson" en los créditos del álbum. [10] : 110
Levon and the Hawks grabaron un sencillo "Uh Uh Uh" en blanco y negro "Leave Me Alone" bajo el nombre de Canadian Squires en marzo de 1965. Ambas canciones fueron escritas por Robertson. El sencillo fue grabado en Nueva York [11] : 66 y lanzado en Apex Records en los Estados Unidos y en Ware Records en Canadá. [30] : 95 Como Levon and the Hawks, el grupo grabó una sesión vespertina para Atco Records a finales de 1965, [18] : 81 que produjo dos sencillos, "The Stones I Throw" en blanco y negro "He Don't Love You". " (Atco 6383) y "Ve, ve, Liza Jane" en blanco y negro "Él no te ama" (Atco 6625). [18] : 420 Robertson también escribió las tres pistas de los sencillos Atco de Levon and the Hawks. [30] : 95
Hacia el final del segundo compromiso de Levon y los Hawks en Tony Mart's en Nueva Jersey, en agosto de 1965, Robertson recibió una llamada de Albert Grossman Management solicitando una reunión con el cantante Bob Dylan . [30] : 21 [31] El grupo había sido recomendado tanto a Grossman como a Dylan por Mary Martin, una de las empleadas de Grossman; ella era originaria de Toronto y era amiga de la banda. [11] : 68–69 [32] Dylan también conocía el grupo a través de su amigo John Hammond, [11] : 69 en cuyo álbum habían actuado los miembros de los Hawks, So Many Roads .
Robertson acordó reunirse con Dylan. Inicialmente, Dylan tenía la intención simplemente de contratar a Robertson como guitarrista de su grupo de acompañamiento. Robertson rechazó la oferta, pero aceptó tocar en dos shows con Dylan, uno en el Forest Hills Tennis Stadium en Forest Hills, Nueva York, el 28 de agosto, y otro en el Hollywood Bowl en Los Ángeles el 3 de septiembre. Robertson sugirió que usaran Levon. Timón de batería para los espectáculos. [33] : 5
Robertson y Helm actuaron en la banda de acompañamiento de Dylan, junto con Harvey Brooks y Al Kooper en ambos espectáculos. El primero en Forest Hills recibió una respuesta predominantemente hostil, pero el segundo en Los Ángeles fue recibido un poco más favorablemente. [11] : 70 Dylan voló a Toronto y ensayó con Levon and the Hawks del 15 al 17 de septiembre, cuando Levon and the Hawks terminaron un compromiso allí y contrataron a la banda completa para su próxima gira. [18] : 96–99
Bob Dylan and the Hawks realizaron una gira por los Estados Unidos durante octubre-diciembre de 1965, [34] : 8-9 y cada espectáculo constaba de dos sets: un espectáculo acústico en el que solo participaba Dylan a la guitarra y la armónica, y un set eléctrico en el que actuaba Dylan acompañado por el Halcones. Las giras fueron recibidas en gran medida con una reacción hostil por parte de los fanáticos que conocían a Dylan como una figura prominente en el resurgimiento de la música folk estadounidense y pensaban que su paso a la música rock era una traición. Helm dejó el grupo después de su actuación del 28 de noviembre en Washington, DC. El baterista de Session , Bobby Gregg , reemplazó a Helm para las fechas de diciembre, y Sandy Konikoff fue contratado para reemplazar a Gregg en enero de 1966. [18] : 105, 109
Dylan and the Hawks tocaron más fechas en los Estados Unidos continentales de febrero a marzo de 1966 de la gira mundial 1966 de Bob Dylan . Del 9 de abril al 27 de mayo tocaron en Hawaii, Australia, Europa, el Reino Unido e Irlanda. El baterista Sandy Konikoff se fue después de las fechas del Pacífico Noroeste en marzo, [11] : 74 y Mickey Jones lo reemplazó, permaneciendo con el grupo por el resto de la gira. Las etapas australiana y europea de la gira recibieron una respuesta particularmente dura por parte de los fanáticos del folk descontentos. El espectáculo del Manchester Free Trade Hall del 17 de mayo es mejor conocido por un miembro enojado de la audiencia que grita audiblemente "¡Judas!" en Dylan; se convirtió en un show en vivo de la gira frecuentemente pirateado, [35] : 73–76 , pero finalmente fue lanzado oficialmente como The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, Concierto "Royal Albert Hall" . [36] : 4
La etapa europea de la gira fue filmada por el documentalista DA Pennebaker , pero la finalización de una película planificada se retrasó. Después de recuperarse de un accidente, Dylan decidió editarlo él mismo. [36] La televisión ABC lo rechazó, [37] y nunca fue lanzado comercialmente. Se proyectó como Eat the Document en 1972 en el Museo Whitney de Nueva York. [38] [39]
El 30 de noviembre de 1965, Dylan grabó una sesión de estudio con miembros de los Hawks, [40] que produjo el sencillo no LP "Can You Please Crawl Out Your Window?" Dylan completó el álbum Blonde on Blonde en Nashville a mediados de febrero de 1966, empleando a Robertson para una de estas sesiones, que tuvo lugar el 14 de febrero .
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El 29 de julio de 1966, Dylan sufrió una lesión en el cuello debido a un accidente de motocicleta y se retiró a una tranquila vida doméstica con su nueva esposa y su hijo en el norte del estado de Nueva York. [42] : 216–219 Algunos de los miembros de los Hawks vivían en el Hotel Chelsea en la ciudad de Nueva York en ese momento, [42] : 220 y la gerencia de Dylan los mantenía con un anticipo semanal. [32]
En febrero de 1967, Dylan invitó a los miembros de los Hawks a ir a Woodstock, Nueva York, para trabajar en música. [32] Robertson había conocido a una mujer franco-canadiense en la parada en París de la gira mundial de Dylan en 1966, [43] y los dos se mudaron a una casa en el área de Woodstock. [18] : 135 Los tres miembros restantes de los Hawks alquilaron una casa cerca de West Saugerties, Nueva York ; Más tarde fue apodado " Big Pink " debido a su exterior rosado. [42] : 220–221
Dylan y los miembros de los Hawks trabajaron juntos en la casa de Big Pink todos los días para ensayar y generar ideas para nuevas canciones, muchas de las cuales grabaron en el improvisado estudio del sótano de Big Pink. [18] : 137 Las grabaciones se realizaron entre finales de la primavera y el otoño de 1967. [44] El miembro anterior de los Hawks, Levon Helm, regresó al grupo en agosto de 1967. [30] : 27 Para entonces, el estilo de guitarra de Robertson había evolucionado hasta convertirse en más solidario con las canciones y menos dedicado a mostrar velocidad y virtuosismo. [23]
Con el tiempo, comenzaron a circular noticias sobre estas sesiones, y en 1968, el cofundador de la revista Rolling Stone , Jann Wenner, llamó la atención sobre estas pistas en un artículo titulado "Dylan's Basement Tape debería ser lanzada". [44] [45]
En 1969, un álbum pirata con una cubierta completamente blanca compilado por dos expertos de la industria musical de incógnito incluía una colección de siete pistas de estas sesiones. El álbum, que pasó a ser conocido como The Great White Wonder , comenzó a aparecer en tiendas de discos independientes y a recibir difusión por radio. Este álbum se convirtió en un gran éxito [35] : 42–46 y ayudó a lanzar la industria discográfica pirata . [46]
En 1975, Robertson produjo una recopilación oficial, The Basement Tapes , que incluía una selección de temas de las sesiones. En 2014 se lanzó una colección exhaustiva de las 138 grabaciones existentes como The Bootleg Series Vol. 11: Las cintas del sótano completas . [44]
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A finales de 1967, Dylan se fue para grabar su siguiente álbum, John Wesley Harding (1967). Después de grabar las pistas básicas, Dylan preguntó a Robertson y Garth Hudson sobre tocar en el álbum para completar el sonido. A Robertson le gustó la crudeza del sonido y recomendó a Dylan que dejara las pistas como están. [18] : 147–48 Dylan volvió a trabajar con los Hawks cuando fueron su banda de respaldo para dos conciertos en memoria de Woody Guthrie en el Carnegie Hall de Nueva York en enero de 1968. [30] : 29 Tres de estas actuaciones fueron publicadas más tarde por Columbia. Registros del LP Un tributo a Woody Guthrie, vol. 1 (1972). [47]
En el transcurso del período de "Basement Tapes", el grupo había desarrollado un sonido propio, y Grossman fue a Los Ángeles para vender el grupo a un sello importante, consiguiendo un contrato con Capitol Records . [30] : 22, 28 El grupo fue a Nueva York para comenzar a grabar canciones con el productor musical John Simon . Capitol llevó al grupo a Los Ángeles para terminar el álbum. [48] El álbum resultante, Music From Big Pink , [49] fue lanzado en agosto de 1968. [50]
Robertson escribió cuatro de las canciones de Music From Big Pink , incluidas "The Weight", "Chest Fever", "Caledonia Mission" y "To Kingdom Come". Aparece en los créditos de composición como "JR Robertson". Cantó la voz principal en el tema "To Kingdom Come"; No cantó en otra canción de la banda lanzada al público hasta "Knockin' Lost John" en Islands de 1977 . [18] : 158 [48] Dos de las composiciones de Robertson para el álbum, " The Weight " y " Chest Fever ", se convirtieron en piedras de toque importantes en la carrera del grupo. "El Peso" estuvo influenciada por las películas del director Luis Buñuel , en particular Nazarín (1959) y Viridiana (1961), y refleja el tema recurrente en las películas de Buñuel sobre la imposibilidad de la santidad. La canción retrata a un individuo que intenta realizar una peregrinación santa y se ve envuelto en solicitudes de otras personas para que le hagan favores en el camino. La mención de "Nazareth" al comienzo de la canción se refiere a Nazareth, Pensilvania , donde se encuentra el fabricante de guitarras CF Martin & Company ; se inspiró en que Robertson vio la palabra "Nazaret" en el agujero de su guitarra Martin. [1] : 20 Aunque "The Weight" alcanzó el puesto 21 en las listas de radio británicas, [51] no le fue tan bien en las listas estadounidenses, estancándose inicialmente en el puesto 63.
La canción ganó fuerza luego de versiones más exitosas de Jackie DeShannon (EE. UU. # 55, 1968), Aretha Franklin (EE. UU. # 19, 1969) y Supremes with the Temptations (EE. UU. # 46, 1969), y la inclusión de la canción en la película. Easy Rider (1969), que se convirtió en un gran éxito. Desde entonces, "The Weight" se ha convertido en la canción más conocida de la banda. Ha sido versionada por muchos artistas, apareció en decenas de películas y documentales y se ha convertido en un elemento básico de la música rock estadounidense. [18] : 168–173 [30] : 32 [52] [53]
Cuando se lanzó Music from Big Pink en 1968, la banda inicialmente evitó la atención de los medios y disuadió a Capitol Records de realizar esfuerzos de promoción. Tampoco realizaron inmediatamente una gira para promocionar el álbum y se negaron a ser entrevistados durante un año. [30] : 38 El misterio resultante que rodea al grupo provocó especulaciones en la prensa clandestina. [48] La música de Big Pink recibió excelentes críticas y el álbum influyó en muchos músicos conocidos de la época. [ cita necesaria ]
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A principios de 1969, la banda alquiló una casa a Sammy Davis Jr. en Hollywood Hills y convirtió la casa de la piscina detrás de ella en un estudio para recrear la atmósfera de "casa club" que habían disfrutado anteriormente en Big Pink. La banda comenzó a grabar todos los días en el estudio de la casa de la piscina, trabajando con una agenda apretada para completar el álbum. [18] : 176–178 Se grabaron tres pistas adicionales en The Hit Factory en Nueva York en abril de 1969. [49] Robertson hizo la mayor parte de la ingeniería de audio del álbum. [30] : 41
La Banda comenzó a actuar regularmente en la primavera de 1969, y sus primeras fechas en vivo como Banda tuvieron lugar en el Winterland Ballroom de San Francisco. [54] Sus actuaciones más notables ese año fueron en el Festival de Woodstock de 1969 y en el Festival de la Isla de Wight del Reino Unido con Bob Dylan en agosto. [18] : 201–245
El álbum de The Band, The Band , fue lanzado en septiembre de 1969 y se convirtió en un éxito comercial y de crítica. El álbum recibió elogios de la crítica casi universal, alcanzó el puesto número 9 en las listas pop de Estados Unidos y permaneció en el Top 40 durante 24 semanas. [55] : 25 The Band funciona como un álbum conceptual libre de temas americanos , [56] y fue fundamental en la creación del género musical americano. [49] Se incluyó en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso en 2009. [57] La canción de este álbum que tuvo la mayor influencia cultural fue " The Night They Drove Old Dixie Down ". La canción explora la vida de un hombre confederado después de la derrota del Sur tras la Guerra Civil estadounidense . Incorpora eventos históricos para crear un mito estadounidense más amplio. Aunque la versión original de la banda sólo se lanzó como la cara B del sencillo " Up on Cripple Creek ", una versión de Joan Baez llegó al puesto número 3 en las listas en 1971 y ayudó a popularizar la canción. [18] : 192-193 [58]
Varias otras pistas de The Band recibieron una importante difusión por radio y se convirtieron en elementos básicos en las apariciones en conciertos del grupo. " Up on Cripple Creek " alcanzó el puesto 25 a finales de 1969 en los Estados Unidos, y fue su único Top 30 allí. [59] " Rag Mama Rag " alcanzó el puesto 16 en el Reino Unido en abril de 1970, la posición más alta en las listas de cualquier sencillo del grupo en ese país. [51] "Whispering Pines" , coescrito por Richard Manuel, fue lanzado como sencillo en Francia en 1970, [60] y más tarde fue el título de un libro de 2009 sobre las contribuciones canadienses al género musical estadounidense escrito por Jason Schneider. [11] El 2 de noviembre de 1969, la banda apareció en el Ed Sullivan Show , una de las dos únicas apariciones en televisión que hicieron. [30] : 45
El 12 de enero de 1970, la Banda apareció en la portada de la revista Time . [61] Esta fue la primera vez que una banda de rock norteamericana apareció en la portada de la revista. [62] La banda alquiló The Woodstock Playhouse en Woodstock, Nueva York, con la intención de grabar un nuevo álbum en vivo allí, pero el ayuntamiento votó en contra, por lo que grabaron en el lugar, pero sin audiencia. Robertson se encargó de la mayoría de las tareas de composición como antes. [18] : 235–236 Robertson contrató a Todd Rundgren para diseñar el álbum que se grabó en dos semanas. [63] Estas sesiones se convirtieron en su tercer álbum, Stage Fright , que se convirtió en el álbum con las listas más altas de la banda, alcanzando el puesto número 5 el 5 de septiembre y permaneciendo en el Billboard Top 40 durante 14 semanas. [55] : 25
El siguiente álbum de The Band, Cahoots , se grabó en los recién construidos Bearsville Studios de Albert Grossman y se lanzó en octubre de 1971. El álbum recibió críticas mixtas y alcanzó el puesto 24 en las listas de Billboard, [30] : 54-58 solo permaneció en el Billboard Top 40 durante cinco semanas. [55] : 25 Cahoots se destaca por su versión de " When I Paint My Masterpiece " de Bob Dylan, así como por presentar el tema favorito del concierto " Life Is a Carnival ". La inclusión de "When I Paint My Masterpiece" se produjo cuando Dylan pasó por la casa de Robertson durante la grabación de Cahoots y Robertson le preguntó si tenía alguna canción para contribuir. Eso llevó a Dylan a tocarle una versión inacabada de "When I Paint My Masterpiece". Dylan pronto completó la canción y la banda la grabó para el álbum. "Life Is a Carnival" presenta partes de trompeta escritas por el productor y arreglista Allen Toussaint . Fue la única pista de Cahoots the Band que se mantuvo en su lista de canciones hasta el concierto y la película de The Last Waltz . [30] : 54–55
La banda continuó de gira durante 1970-1971. [54] Un álbum en vivo grabado en una serie de espectáculos en la Academia de Música de la ciudad de Nueva York entre el 28 y el 31 de diciembre de 1971, [54] fue lanzado en 1972 como el álbum doble Rock Of Ages . [64] Rock of Ages alcanzó el puesto número 6 y permaneció en el Top 40 durante 14 semanas. [55] : 25
Después de los shows de la Academia de Música, la banda nuevamente se retiró de tocar en vivo. Regresaron al escenario el 28 de julio de 1973, [54] para tocar en Summer Jam en Watkins Glen junto a Allman Brothers Band y Grateful Dead . Capitol Records lanzó una grabación de la actuación de la banda como álbum Live at Watkins Glen en 1995. [65] Con más de 600.000 asistentes, [66] el festival estableció un récord de "asistencia al festival pop" en el Libro Guinness de Récords mundiales . El registro se publicó por primera vez en la edición de 1976 del libro. [67] En octubre de 1973, la banda lanzó un álbum de versiones titulado Moondog Matinee , [30] : 69 [64] que alcanzó el puesto 28 en las listas de Billboard. [55] : 25 Alrededor de la época de la grabación de Moondog Matinee , Robertson comenzó a trabajar en un ambicioso proyecto titulado Works que nunca se terminó ni se publicó. Una letra del proyecto Works , "Lay a flower in the snow", se utilizó en la canción de Robertson " Fallen Angel ", que apareció en su álbum solista homónimo de 1987 . [64]
En febrero de 1973, [68] : 2 Bob Dylan se mudó de Woodstock, Nueva York, a Malibú, California . [69] [70] Casualmente, Robertson se mudó a Malibú en el verano de 1973, y en octubre de ese año el resto de los miembros de la Banda habían hecho lo mismo, mudándose a propiedades cerca de Zuma Beach . [ cita necesaria ]
David Geffen había contratado a Dylan para Asylum Records y trabajó con el promotor Bill Graham en el concepto que se convirtió en Bob Dylan and the Band 1974 Tour . Fue su primera gira en más de siete años. [ cita necesaria ]
Mientras tanto, Bill Graham sacó un anuncio de página completa para la gira de Bob Dylan and the Band en The New York Times . La respuesta fue una de las mayores en la historia del entretenimiento hasta ese momento, con entre 5 y 6 millones de solicitudes de entradas enviadas por correo para 650.000 asientos. La oficina de Graham terminó vendiendo boletos mediante lotería, y Dylan and the Band ganaron 2 millones de dólares con el trato. [11] : 298 [18] : 284–286 [30] : 70
Entre los ensayos y preparativos, la banda entró al estudio con Bob Dylan para grabar un nuevo álbum para Asylum Records, Planet Waves (1974). Las sesiones tuvieron lugar en Village Recorder en el oeste de Los Ángeles, California , del 2 al 14 de noviembre de 1973. [71] Planet Waves fue lanzado el 9 de febrero de 1974. El álbum ocupó el puesto número uno en las listas de álbumes de Billboard durante cuatro semanas y pasó 12 semanas en total en el Billboard Top 40. [55] : 25 Planet Waves fue el primer álbum número uno de Bob Dylan, [72] y la primera y única vez que Bob Dylan y The Band grabaron un álbum de estudio juntos. [18] : 287
La gira de 1974 comenzó en el Estadio de Chicago el 3 de enero de 1974 y finalizó en The Forum en Inglewood, California , el 14 de febrero. [73] Los espectáculos comenzaron con más canciones del nuevo álbum de Planet Waves y con covers que Dylan and the Band Le gustaba, pero a medida que avanzaba la gira, avanzaron hacia tocar material más antiguo y familiar, manteniendo solo " Forever Young " del álbum Planet Waves en la lista de canciones. [74] Dylan and the Band tocaron varios temas de la controvertida gira mundial de 1965-1966, esta vez con una respuesta tremendamente entusiasta del público, donde había habido reacciones mixtas y abucheos nueve años antes. [18] : 291
Los últimos tres shows de la gira en The Forum en Inglewood, California, fueron grabados y ensamblados en el álbum doble Before the Flood . [73] Acreditado a "Bob Dylan/The Band", Before the Flood fue lanzado por Asylum Records el 20 de julio de 1974. El álbum debutó en el puesto número 3 en las listas de Billboard y pasó diez semanas en el Top Forty. [55] : 26
Después de la gira de reunión de 1974 con Bob Dylan, el manager de rock Elliot Roberts contrató a la banda con Crosby, Stills, Nash y Young, recientemente reunidos . [54] El 4 de septiembre, ambos artistas tocaron en el estadio de Wembley en Londres , apareciendo con Jesse Colin Young y Joni Mitchell . [18] : 308–310 [75]
Después de mudarse a Malibú en 1973, Robertson y la banda descubrieron un rancho en Malibú cerca de Zuma Beach llamado "Shangri-La" y decidieron arrendar la propiedad. La casa principal de la propiedad había sido construida originalmente por la actriz Margo Albert de Lost Horizon (1937) , [76] y el rancho había sido el lugar de rodaje y establo para el programa de televisión Mister Ed en la década de 1960. Mientras tanto, la casa había servido como un burdel de clase alta. [77]
El lanzamiento del álbum The Basement Tapes , acreditado a Bob Dylan and the Band, fue la primera producción del álbum que tuvo lugar en el nuevo estudio. El álbum, producido por Robertson, incluía una selección de cintas de las sesiones originales de Basement Tapes de 1967 con Dylan, así como demos de pistas finalmente grabadas para el álbum Music From Big Pink . Robertson limpió las pistas y el álbum se lanzó en julio de 1975. [11] : 298 [18] : 311–13
Shangri-La Studios demostró ser un regreso a la atmósfera de casa club que la banda había disfrutado anteriormente en Big Pink, y en la primavera de 1975, el grupo comenzó a trabajar en Northern Lights – Southern Cross , su primer lanzamiento de material original en cuatro años. . [ cita necesaria ] Una de las pistas más conocidas del álbum es " Acadian Driftwood ", la primera canción con material específicamente canadiense. Robertson se inspiró para escribir "Acadian Driftwood" después de ver el documental L'Acadie, l'Acadie (1971) en la televisión canadiense mientras estaba en Montreal. [11] : 298–299 [30] : 77–79 Otras dos pistas notables de ese álbum son "It Makes No Difference" y "Ophelia". [ cita necesaria ]
Northern Lights - Southern Cross fue lanzado el 1 de noviembre de 1975. El álbum recibió críticas generalmente positivas, [11] : 300 y alcanzó el puesto 26 en las listas de Billboard, permaneciendo en el Top 40 durante cinco semanas. [55] : 26 [78]
La Banda comenzó de nuevo de gira en junio de 1976, actuando durante todo el verano. [54] Los miembros de la banda se estaban separando para trabajar en otros proyectos, con Levon Helm construyendo un estudio en Woodstock y Rick Danko habiendo sido contratado por Arista Records como solista. [79] Mientras estaba en la gira de verano, el miembro Richard Manuel se lesionó gravemente el cuello en un accidente de navegación, por lo que se cancelaron diez fechas. [11] : 300–01 [18] : 324–5 Durante este tiempo, Robertson sugirió que la banda dejara de hacer giras. Dijo que acordaron un espectáculo de "gran final", se separaron para trabajar en sus diversos proyectos y luego se reagruparon. [30] : 82 [80] [81] Más tarde, Helm argumentó en su autobiografía, This Wheel's on Fire , que Robertson había forzado la ruptura de la banda con el resto del grupo. [82]
El promotor del concierto Bill Graham contrató a la banda en el Winterland Ballroom el Día de Acción de Gracias estadounidense , el 25 de noviembre de 1976. The Last Waltz fue un evento de gala, con precios de entradas de 25 dólares por persona. Incluyó una cena de Acción de Gracias servida a la audiencia y contó con la actuación de la banda con varios invitados musicales. [79] La lista de invitados en el escenario incluía a Ronnie Hawkins , Muddy Waters , Paul Butterfield , Dr. John , Bob Dylan , Eric Clapton , Van Morrison , Neil Diamond , Joni Mitchell , Neil Young , Emmylou Harris y otros. [83]
Robertson quería documentar el evento en una película y se acercó al director Martin Scorsese para ver si estaba interesado en filmar el concierto. [84] [85] [86] : 73–74 Desarrollaron un guión de 200 páginas para el programa, enumerando en columnas las letras de las canciones, quién cantaba qué parte y qué instrumentos se presentaban. Incluía columnas para los trabajos de cámara e iluminación. [85]
Scorsese contrató a camarógrafos estelares como Michael Chapman , László Kovács y Vilmos Zsigmond para filmar el programa en 35 mm. [84] [85] John Simon , productor de los dos primeros álbumes de la banda, fue contratado para coordinar los ensayos y trabajar como director musical. [87] Boris Leven fue contratado como director de arte. Jonathan Taplin asumió el papel de productor ejecutivo y Robertson trabajó como productor de la película. [18] : 336 Los ensayos para el concierto The Last Waltz comenzaron a principios de noviembre. El presidente de Warner Bros. Records, Mo Ostin , ofreció financiar su rodaje a cambio del derecho a publicar su música en un álbum. La banda estaba obligada por contrato a suministrar a Capitol Records un álbum más antes de poder lanzarlos para trabajar con Warner Bros. Entonces, entre ensayos, trabajaron en el álbum de estudio Islands for Capitol. Robertson escribió o coescribió ocho de las diez pistas. Una de las canciones, "Knockin' Lost John", presenta a Robertson en la voz y fue la primera canción de la banda que Robertson cantó desde "To Kingdom Come" de Music From Big Pink . "Christmas Must Be Tonight" se inspiró en el nacimiento del hijo de Robertson, Sebastian , en julio de 1974. [18] : 336–8 [30] : 82
Aproximadamente 5.000 personas asistieron al concierto. [88] El evento comenzó a las 5 pm, y a los miembros de la audiencia se les sirvió una comida tradicional completa de Acción de Gracias en mesas iluminadas con velas, con una mesa vegetariana que servía un menú alternativo como opción. La Berkeley Promenade Orchestra tocó música de vals para bailar después. Las mesas fueron retiradas y trasladadas a las 8 pm. A las 9 pm, la banda tocó canciones durante una hora, comenzando con "Up On Cripple Creek". Poco después de las 10 de la noche, Robertson presentó a Ronnie Hawkins , el primer invitado en el escenario, con una sucesión de estrellas invitadas que aparecieron con el grupo hasta poco después de la medianoche.
El grupo se tomó un descanso de 30 minutos, durante el cual varios poetas del Área de la Bahía , incluidos Lawrence Ferlinghetti , [89] Diane di Prima , [90] y Michael McClure [91] realizaron lecturas de sus poemas. Tras el descanso, la Banda volvió al escenario interpretando, entre otras canciones, una nueva composición titulada "The Last Waltz Theme" que Robertson acababa de terminar menos de 48 horas antes. Bob Dylan llegó al final de este segundo set, interpretó varias canciones y finalmente se unió a las otras estrellas invitadas para una interpretación final de " I Shall Be Released ". A esto le siguieron dos sesiones improvisadas con estrellas, tras las cuales la banda volvió al escenario para cerrar el espectáculo con una canción más, su interpretación de " Baby Don't You Do It ". [18] : 351 [80]
Una vez finalizado el concierto The Last Waltz , el director Martin Scorsese tenía 400 carretes de metraje sin editar para trabajar [88] y comenzó a editar el metraje. Luego, la película se vendió a United Artists . Mientras tanto, Robertson y Scorsese continuaron intercambiando ideas para la película. En abril de 1977, la cantante de country Emmylou Harris y el grupo vocal de gospel Staple Singers fueron filmados en un escenario de sonido del MGM actuando con la banda. Emmylou Harris actuó en "Evangeline", una nueva canción escrita por Robertson, y los Staples Singers actuaron en una nueva grabación de "The Weight", que ya grabaron en 1968. [18] : 352–53 [30] : 85– 87 [86] : 73–74 La siguiente idea de Scorsese fue intercalar el metraje del concierto con entrevistas de la Banda que contaban su historia. Scorsese realizó las entrevistas. [ cita necesaria ] El álbum The Last Waltz fue lanzado por Warner Brothers Records el 7 de abril de 1978, como un conjunto de 3 LP. [92] Los primeros cinco lados presentan presentaciones en vivo del concierto, y el último lado contiene grabaciones de estudio de las sesiones de sonido de MGM, incluido Out Of The Blue , que se lanzaría como single y que es la tercera y última canción de la banda. en el que Robbie canta principal. [93] El álbum alcanzó el puesto 16 en las listas de Billboard y permaneció en el Top 40 durante 8 semanas. [55] : 26
La película The Last Waltz se estrenó en los cines el 26 de abril de 1978. [94] A la película le fue bien con los críticos de cine y de rock. Robertson y Scorsese hicieron apariciones en América y Europa para promocionar la película. [18] : 361 Con el tiempo, The Last Waltz ha sido elogiado por muchos como un documental de rock importante y pionero . Su influencia se ha sentido en películas de música rock posteriores, como Stop Making Sense (1984) de Talking Heads y Rattle and Hum (1988) de U2 . [95]
En su crítica mixta , Roger Ebert escribió: "En The Last Waltz , tenemos músicos que parecen tener malos recuerdos. Que están aguantando. La dirección de Scorsese se limita principalmente a primeros planos y planos medios de las actuaciones; ignora al público. La película fue realizado al final de una etapa difícil de su propia vida, y en un momento especialmente duro (el rodaje coincidió con su trabajo en New York, New York ), no es un disco de hombres serenos, llenos de nostalgia, felices de ser entre amigos." [96]
Robertson produjo el álbum debut homónimo de Jesse Winchester , que fue lanzado en 1970 en Ampex Records. [97] El álbum presenta a Robertson tocando la guitarra durante todo el álbum y también le atribuye la canción "Snow" a Robertson. [98]
Robertson tocó la guitarra en el tercer álbum en solitario del ex Beatle Ringo Starr , Ringo (1973), actuando con cuatro quintas partes de la banda en la canción "Sunshine Life For Me (Sail Away Raymond)". [99] [100] Robertson contribuyó con un solo de guitarra en la canción "Snookeroo" del cuarto álbum de Starr, Goodnight Vienna (1974). [101]
Robertson tocó la guitarra para Joni Mitchell en la canción " Raised on Robbery ", que fue lanzada en su álbum Court and Spark . En 1974, Robertson también tocó la guitarra en la versión de Carly Simon de " Mockingbird ", en la que Simon cantaba con su entonces marido James Taylor . [102]
En 1975, Robertson produjo y tocó la guitarra en el álbum debut del cantante y guitarrista Hirth Martinez, Hirth From Earth . Bob Dylan había oído a Martínez y se lo recomendó a Robertson. Robertson se identificó fuertemente con la música de Martínez, lo ayudó a conseguir un contrato de grabación con Warner Bros. Records y acordó producir el álbum debut de Martínez. También tocó la guitarra en el siguiente álbum de Martínez, Big Bright Street (1977). [18] : 321–322 [103] [104] [105]
En 1975, Eric Clapton grabó el álbum No Reason to Cry en los estudios Shangri-La de la banda con la ayuda de miembros de la banda. [18] : 326 Robertson tocó la guitarra solista en la canción "Sign Language". [106]
A mediados de la década de 1970, Robertson se conectó con el cantante Neil Diamond y los dos comenzaron a colaborar en un álbum conceptual sobre la vida y las luchas de un compositor de Tin Pan Alley . El álbum resultante, titulado Beautiful Noise , fue grabado en los estudios Shangri-La a principios de 1976. Alcanzó el puesto número 6 en las listas de Billboard y permaneció en el Top 40 durante dieciséis semanas. Robertson produjo el álbum, coescribió la canción "Dry Your Eyes" con Diamond y tocó la guitarra en "Dry Your Eyes", "Lady-Oh" y "Jungletime". Produjo el álbum doble en vivo de Diamond, Love at the Greek (1977), que fue grabado en 1976 en el Greek Theatre de Los Ángeles. Love at the Greek alcanzó el puesto 8 en las listas de Billboard y permaneció en el Top 40 durante nueve semanas. [18] : 321–322 [55] : 89 [107]
En 1977, Robertson contribuyó a dos proyectos de álbumes de los ex alumnos de Band. Robertson tocó la guitarra en "Java Blues" del álbum debut homónimo de Rick Danko , y también tocó la guitarra en "Sing, Sing, Sing" escrita por Earl King en el álbum Levon Helm & the RCO All-Stars . [10] : 273 [108]
También en 1977, Robertson contribuyó al segundo álbum homónimo de la cantautora Libby Titus , ex novia de Levon Helm. [10] : 213, 279–280 Robertson produjo la canción "The Night You Took Me To Barbados In My Dreams" (coescrita por Titus y Hirth Martinez), y produjo y tocó la guitarra en el estándar de Cole Porter " Miss Otis Regrets". ". [109]
Después del estreno de The Last Waltz , MGM/UA, que estrenó la película, vio a Robertson como un potencial actor de cine y le proporcionó a Robertson una oficina en el lote de MGM. [43] [110] Durante este tiempo, el agente de Martin Scorsese, Harry Ulfand, se puso en contacto con Robertson sobre la idea de producir una película dramática sobre carnavales ambulantes , que a Robertson le atrajo debido a sus experiencias infantiles trabajando en carnavales. El guión de la película Carny fue dirigido por el realizador de documentales Robert Kaylor . [111]
Aunque inicialmente Robertson solo estaba destinado a ser el productor de Carny , acabó convirtiéndose en el tercer actor principal de la película, interpretando el papel de Patch, el hombre parche. Gary Busey interpretó a "Frankie", el tonto del carnaval y el mejor amigo de Patch. Jodie Foster fue seleccionada para interpretar el papel de Donna, una chica de un pequeño pueblo que huye para unirse al carnaval y amenaza con interponerse entre los dos amigos. La película contó con feriantes de la vida real junto a actores de cine profesionales, lo que creó una atmósfera difícil en el set. [17] [112] Carny se estrenó en los cines el 13 de junio de 1980. [113] También en 1980, Warner Bros lanzó un álbum de banda sonora para Carny , que está co-acreditado a Robertson y al compositor Alex North , quien escribió la partitura orquestal para la película. La banda sonora fue relanzada en disco compacto por Real Gone Music en 2015. [17]
Él es un músico frustrado y supongo que yo era un cineasta frustrado. Entonces fue una conexión perfecta.
Robertson sobre su relación laboral con Martin Scorsese [114]
Una vez completada la producción de Carny , Robertson voló a Nueva York para ayudar a Martin Scorsese en la música de la película Raging Bull (1980). [17] Robertson y Scorsese continuarían teniendo una larga relación de trabajo. El primero encontró o creó música para subrayar las películas del segundo. Raging Bull fue el primero, y Robertson le dio crédito a su trabajo por despertar su interés en obtener y subrayar la música cinematográfica. [114] [115] Robertson suministró tres pistas de jazz instrumental recién grabadas para música original, que también produjo. Estas tres pistas presentan a Robertson tocando la guitarra, junto con actuaciones de los ex alumnos de la banda Garth Hudson y Richard Manuel. Una de las pistas, "Webster Hall", está coescrita por Robertson y Garth Hudson. [116] Robertson también trabajó con Scorsese en la selección del tema musical de apertura de la película, eligiendo el intermezzo de Cavalleria Rusticana del compositor de ópera italiano Pietro Mascagni . [114] La banda sonora fue finalmente lanzada por Capitol Records en 2005 como un conjunto de 2 CD de 37 pistas. [116]
Robertson volvió a trabajar con Scorsese en su siguiente película, The King of Comedy (1983), y se le atribuyen los créditos iniciales de la película por "Music Production". [117] Robertson contribuyó con una canción original, "Between Trains", a la banda sonora de la película. La canción fue escrita en homenaje a "Cowboy" Dan Johnson, un asistente de Scorsese que había fallecido recientemente. [18] : 379 Robertson produjo la pista, cantó la voz principal y tocó la guitarra y los teclados; Los ex alumnos de la banda Garth Hudson y Richard Manuel también aparecieron en la pista. Warner Bros. lanzó un álbum de la banda sonora de la película en 1983. [ cita necesaria ]
En junio de 1986, Robertson comenzó a trabajar con Scorsese en su siguiente película El color del dinero . [118] Además de conseguir música para la película, Robertson también compuso la banda sonora de la película; [119] era la primera vez que Robertson escribía un guión dramático para una película. [120] Robertson contrató al compositor de jazz canadiense Gil Evans para orquestar los arreglos. [121] La canción más conocida de la banda sonora de The Color of Money es " It's in the Way That You Use It " de Eric Clapton , que fue coescrita por Robertson. "It's in the Way That You Use It" alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Mainstream Rock Songs en enero de 1987. [122] Robertson produjo una canción para la película con el músico de blues Willie Dixon [123] titulada "Don't Tell Me Nothin '"; La pista de Dixon fue coescrita con Robertson. El álbum de la banda sonora de The Color of Money fue lanzado por MCA Records .
Robertson trabajó en las películas de Scorsese Casino y Gangs of New York , y supervisó musicalmente Shutter Island , The Wolf of Wall Street y Silence . [ cita necesaria ] Compuso The Irishman de 2019 y consultó con el supervisor musical Randall Poster sobre toda la banda sonora. [124] Compuso la música de Killers of the Flower Moon de Scorsese poco antes de su muerte. [125] [126] La película está dedicada a Robertson. [127] Recibió una nominación póstuma al Premio de la Academia por su trabajo en la película. [128]
Robbie Robertson (1987)
Robertson comenzó a trabajar en su primer álbum en solitario, Robbie Robertson , en julio de 1986 después de firmar con Geffen Records . Robertson eligió a su compatriota canadiense Daniel Lanois para producir el álbum. Gran parte del álbum fue grabado en The Village Recorder en el oeste de Los Ángeles, California. Grabó en Bearsville Studios cerca de Woodstock, Nueva York, y también en Dublín, Irlanda , con U2, y en Bath, Inglaterra , con Peter Gabriel . Empleó a varios artistas invitados en el álbum, incluidos U2, Gabriel, los Bodeans y Maria McKee . [118] [120] Garth Hudson y Rick Danko también hicieron apariciones en el álbum. Robertson escribió una canción, "Fallen Angel", en honor a Richard Manuel, [120] después de su muerte en marzo de 1986. [18] : 384 Publicado el 26 de octubre de 1987, [129] Robbie Robertson alcanzó el puesto 35 en el Billboard. 200, permaneciendo entre los 40 primeros durante tres semanas. [55] : 260 El álbum llegó aún más alto en el Reino Unido, alcanzando el puesto 23 en la lista de álbumes del Reino Unido y permaneciendo en la lista durante 14 semanas. [130] Robbie Robertson recibió una abrumadora aclamación de la crítica en el momento de su lanzamiento, [131] siendo incluido entre los diez mejores álbumes del año por varios críticos en el artículo de fin de año de 1987 de la revista Billboard "The Critics' Choice". [132] El álbum ocupó el puesto 77 en la lista de Rolling Stone de 1989, "100 mejores álbumes de los años ochenta". [133]
Robertson tuvo su mayor éxito en el Reino Unido con " Somewhere Down the Crazy River ", que presenta sus versos hablados en contraste con el canto en los estribillos. [120] La canción alcanzó el puesto 15 en la lista de éxitos del Reino Unido y permaneció en la lista durante 11 semanas. [130] El vídeo de "Somewhere Down The Crazy River" fue dirigido por Martin Scorsese y presenta a Maria McKee en un papel actoral. [134] En los EE. UU., Robbie Robertson produjo varios éxitos en las listas de Billboard Mainstream Rock, con "Showdown At Big Sky" en el puesto más alto (n.° 2) y "Sweet Fire Of Love" en el segundo lugar (n.° 7). [135] El álbum fue nominado a un premio Grammy por "Mejor Álbum de Rock/Vocal", [136] y fue certificado oro en los Estados Unidos en 1991. [131] En Canadá, Robertson ganó Álbum del Año, Mejor Vocalista Masculino. Del Año y Productor del Año en la ceremonia de premios Juno en 1989. [137] En 1991, Rod Stewart grabó una versión de "Broken Arrow" para su álbum Vagabond Heart . [138] La versión de Stewart de la canción alcanzó el puesto 20 en la lista Billboard 100 en los Estados Unidos [139] y el puesto 2 en la lista Billboard Top Canadian Hit Singles en Canadá. [140] "Broken Arrow" también fue interpretada en vivo por Grateful Dead con Phil Lesh en la voz. [141]
Villa Cuentos (1991)
Storyville fue lanzado el 30 de septiembre de 1991. [142] Robertson se dirigió a Nueva Orleans para colaborar con algunos de los nativos de la ciudad como Aaron e Ivan Neville y la Rebirth Brass Band . Una vez más, Robertson contrató a los ex alumnos de Band, Garth Hudson y Rick Danko, como colaboradores. [143] El álbum alcanzó el puesto 69 en la lista Billboard 200. [144] Storyville recibió numerosas críticas positivas, con Rolling Stone dándole 4 1/2 estrellas de 5, [145] y Los Angeles Times otorgándole 3 estrellas de 4. [146] Dos pistas del álbum, "What About Now" y "Go Back To Your Woods", figuraron en las listas de Billboard Mainstream Rock en el puesto 15 y 32 respectivamente. [135] El álbum fue nominado a los premios Grammy en las categorías "Mejor interpretación vocal de rock (solista)" y "Mejor ingeniero". [136]
En 1984, Robertson coprodujo la canción "The Best of Everything" con Tom Petty para el álbum Southern Accents de Tom Petty and the Heartbreakers . [147] Robertson también trabajó en los arreglos de trompeta para la canción y trajo como invitados a los ex alumnos de la banda Richard Manuel y Garth Hudson. [148] [149]
En 1986, Robertson apareció como invitado en el álbum Reconciled by the Call , tocando la guitarra en el tema "The Morning". [150]
También en 1986, Robertson fue contratado como consultor creativo para Hail! ¡Granizo! Rock 'n' Roll (1987), largometraje que rinde homenaje a Chuck Berry . [151] Robertson aparece ante la cámara, entrevista a Chuck Berry y luego toca la guitarra mientras Berry recita poesía. [152]
En 1988, Robertson colaboró como compositor con la cantante principal de Lone Justice, Maria McKee . Una de las canciones que coescribieron, "Nobody's Child", fue lanzada en el álbum debut homónimo de McKee en 1989. [153] [154]
En 1989, Robertson grabó y produjo una nueva versión de "Christmas Must Be Tonight" de la banda para la banda sonora de Scrooged . En 1990, Robertson apareció como invitado en el álbum Beauty de Ryuichi Sakamoto , tocando la guitarra en la canción "Romance". También contribuyó al vídeo musical mundial y a la producción del álbum One World One Voice . [ cita necesaria ]
En 1992, Robertson produjo la canción "Love in Time" para el álbum póstumo de Roy Orbison, King of Hearts . "Love In Time" era una demostración básica que Orbison había grabado y que se creía perdida, pero que acababa de ser redescubierta. Robertson se propuso aumentar la pista vocal básica de Orbison con nuevos arreglos e instrumentación, con la intención de que sonara como si los arreglos estuvieran ahí desde el principio en lugar de adiciones posteriores. [155]
Música para los nativos americanos (1994)
En 1994, Robertson regresó a sus raíces, formando un grupo de las Primeras Naciones llamado Red Road Ensemble for Music for the Native Americans , una colección de canciones que acompañaba una serie documental de televisión producida por TBS . Al igual que sus canciones, "The Night They Drove Old Dixie Down" y "Acadian Driftwood", tocó la historia que conecta con su vida y su familia. La batalla de Wounded Knee y la casi extinción del bisonte se describen en la canción "Ghost Dance". [156] Ganó un premio Juno al Productor del Año. [137] El éxito internacional de "Mahk Jchi (Heartbeat Drum Song)" inspiró un concierto en Agrigento , Italia. Encabezó el festival de músicos indígenas y apareció parte de un documental de PBS . [ cita necesaria ]
Contacto desde el inframundo de Redboy (1998)
En Contact from the Underworld of Redboy , Robertson se alejó de su típico estilo de producción y profundizó en una mezcla de rock, música nativa y electrónica. Contrató los servicios de Howie B , DJ Premier y el productor Marius de Vries (Björk, Massive Attack). A través de las canciones del álbum, analizó de cerca las tradiciones nativas como la curación con peyote . La canción de apertura del álbum, "The Sound Is Fading", muestra una grabación de un joven cantante nativo americano de la década de 1940 que Robertson obtuvo de la Biblioteca del Congreso , y la canción "Sacrifice" incluye partes de una entrevista desde la prisión con Leonard Peltier . a un paisaje sonoro producido por Robertson y de Vries. El epíteto racial en el título del álbum proviene de una experiencia que tuvo Robertson en la que algunos matones se referían a él como "Red Boy" mientras jugaba con sus primos. [ cita necesaria ] Rolling Stone le dio al álbum 4 de 5 estrellas, [157] y Robertson recibió un premio Juno a la mejor música de grabación aborigen de Canadá. [137]
Cómo volverse clarividente (2011)
Lanzado el 5 de abril de 2011, How to Become Clairvoyant fue el quinto lanzamiento en solitario de Robertson. Surgió de sesiones de demostración improvisadas en Los Ángeles con Eric Clapton [158] y lo presenta a él, Steve Winwood , Trent Reznor , Tom Morello , Robert Randolph , Rocco Deluca , Angela McCluskey y Taylor Goldsmith de Dawes . Robertson interpretó "He Don't Live Here No More" en Late Show con David Letterman y Later... con Jools Holland , luego "Straight Down The Line" con Robert Randolph and the Roots en The Tonight Show protagonizado por Jimmy Fallon . [159] How to Become Clairvoyant también se lanzó como una edición de lujo que contiene cinco pistas extra (cuatro demos y la pista exclusiva "Houdini", que lleva el nombre del mago Harry Houdini ). Debutó en el puesto 13 del Billboard 200, marcando el debut más alto y la posición más alta en las listas para su trabajo en solitario. Se asoció con el pintor y fotógrafo Richard Prince para producir una edición limitada de coleccionista. Las 2.500 cajas tamaño LP venían con un libro de arte, un juego numerado de cinco litografías (incluidas piezas de Prince y el fotógrafo Anton Corbijn ), un juego de cartas del tarot originales, las pistas originales y diez bonos. [160]
Sinemática (2019)
Lanzado el 20 de septiembre de 2019, Sinematic fue el sexto álbum en solitario de Robertson. Presenta a Van Morrison uniéndose a Robertson como sicarios en duelo en la canción "I Hear You Paint Houses", así como otras alusiones al mundo de las películas de Scorsese. Citizen Cope , Derek Trucks y Frédéric Yonnet hacen apariciones especiales en el álbum. [161]
En Roma, encabezó el festival anual de conciertos del Día del Trabajo de 1995 con los teloneros de Andrea Bocelli , Elvis Costello y Radiohead . [ cita necesaria ]
En 1996, como productor ejecutivo de la banda sonora, Robertson escuchó una demostración de " Change the World " y se la envió a Clapton como sugerencia para la banda sonora de Phenomenon , protagonizada por John Travolta . Babyface produjo la pista. Change the World ganó los premios Grammy de 1997 por Canción del año y Grabación del año . En 1999, Robertson contribuyó con canciones a la película de Oliver Stone , Cualquier domingo . [162]
En 2000, David Geffen y Mo Ostin convencieron a Robertson para que se uniera a DreamWorks Records como ejecutivo creativo. Robertson, quien convenció a Nelly Furtado para que firmara con la compañía, participó activamente en proyectos cinematográficos y en el desarrollo de nuevos talentos artísticos, incluidos los fichajes de Ai , Boomkat , Eastmountainsouth y Dana Glover . El 9 de febrero de 2002, Robertson interpretó "Stomp Dance (Unity)" como parte de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2002 en Salt Lake City, Utah . En 2004, contribuyó con la canción "Shine Your Light" a la banda sonora de Ladder 49 . [ cita necesaria ]
En 2005, Robertson fue productor ejecutivo de la caja definitiva de la banda, titulada A Musical History . En 2006, grabó con Jerry Lee Lewis la canción "Twilight", una composición de Robertson, para el álbum de Lewis Last Man Standing . [ cita necesaria ] El 28 de julio de 2007, en el Crossroads Guitar Festival de Eric Clapton en Bridgeview, Illinois , Robertson hizo una rara aparición en vivo. También en 2007, Robertson aceptó una invitación para participar en Goin' Home: A Tribute to Fats Domino ( Vanguard ). Con el grupo Galactic , Robertson contribuyó con una versión de "Goin' to the River" de Domino. [ cita necesaria ]
El 24 de marzo de 1968, Robertson se casó con Dominique Bourgeois, una periodista canadiense. [163] Se divorciaron en noviembre de 1977. [164] Tuvieron tres hijos: las hijas Alexandra y Delphine y el hijo Sebastian . [165]
En marzo de 2022, Robertson se comprometió con su novia de cuatro años, la empresaria, restauradora y jueza de Top Chef Canada Janet Zuccarini. El 12 de marzo de 2023 se casaron, lo cual fue compartido en su cuenta de Instagram . [166]
Robertson era miembro de la organización benéfica canadiense Artistas contra el Racismo. [167]
Robbie Robertson murió en Los Ángeles el 9 de agosto de 2023, a la edad de 80 años, después de una batalla de un año contra el cáncer de próstata . El manager de Robertson, Jared Levine, informó que Robertson "estaba rodeado por su familia en el momento de su muerte", incluidos Zuccarini y Bourgeois, y pidió donaciones a las Seis Naciones del Grand River en lugar de flores. [168] [169]
En noviembre de 2023, el director Martin Scorsese celebró un concierto homenaje a Robertson en Los Ángeles. Los invitados notables que asistieron fueron Joni Mitchell , Leonardo DiCaprio y Lily Gladstone . [170] [171]
En 1989, la banda fue incluida en el Salón de la Fama canadiense de Juno. En 1994, The Band fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll. [183] En 1997, Robertson recibió un premio Lifetime Achievement Award de la Academia Nacional de Compositores . En las ceremonias de graduación de 2003 en la Queen's University en Kingston, Ontario , Robertson pronunció un discurso ante la promoción y recibió un título honorífico de la universidad. En 2003, Robertson recibió el premio Indspire Aboriginal Lifetime Achievement Award. [184] En 2003, Robertson fue incluido en el Paseo de la Fama de Canadá . [185]
En 2005, Robertson recibió un doctorado honorario de la Universidad de York . [186] En 2006, recibió el Premio de Artes Escénicas del Gobernador General por su trayectoria artística, el más alto honor de Canadá en las artes escénicas. [187] En 2008, Robertson and the Band recibieron el premio Grammy Lifetime Achievement Award. [183] En 2011, Robertson fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores Canadienses . [188] El 27 de mayo de 2011, Robertson fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá por el Gobernador General David Johnston . [189] [190] En 2014, la banda fue incluida en el Paseo de la Fama de Canadá . [183]
El 14 de octubre de 2017, Robertson recibió el primer Lifetime Achievement Award de la comunidad de Six Nations. [191] En 2019, el alcalde John Tory le dio a Robertson una llave de la ciudad de Toronto durante una conferencia de prensa TIFF para Once Were Brothers: Robbie Robertson and The Band , un documental sobre Robertson. [192] [193] En 2019, Robertson recibió el premio Lifetime Achievement Award en el Salón de la Fama de la Industria Musical Canadiense de la Canadian Music Week (CMW). [194]
Robertson fue coautor de Legends, Icons and Rebels: Music That Changed the World con su hijo, Sebastian Robertson , y sus colegas Jim Guerinot y Jared Levine. [libro 1] También escribió Hiawatha and the Peacemaker , ilustrado por David Shannon . [libro 2] Su autobiografía, Testimonio , escrita a lo largo de cinco años, fue publicada por Crown Archetype en noviembre de 2016. [libro 3]
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