Katharine Houghton Hepburn (12 de mayo de 1907 - 29 de junio de 2003) fue una actriz estadounidense cuya carrera como protagonista de Hollywood duró seis décadas. Era conocida por su independencia testaruda, personalidad enérgica y franqueza, cultivando una personalidad en pantalla que coincidía con esta imagen pública y con regularidad interpretando a mujeres sofisticadas y de voluntad fuerte. Trabajó en una amplia gama de géneros, desde la comedia disparatada hasta el drama literario, lo que le valió varios galardones , incluidos cuatro premios Oscar a la mejor actriz , un récord para cualquier intérprete .
Criada en Connecticut por padres ricos y progresistas , Hepburn comenzó a actuar mientras estaba en el Bryn Mawr College . Las críticas favorables de su trabajo en Broadway la llevaron a la atención de Hollywood. Sus primeros años en el cine le trajeron fama internacional, incluido un Premio de la Academia a la Mejor Actriz por su tercera película, Morning Glory (1933), pero esto fue seguido por una serie de fracasos comerciales que culminaron con el fracaso de taquilla aclamado por la crítica Bringing Up Baby (1938). Hepburn ideó su regreso, comprando su contrato con RKO Radio Pictures y adquiriendo los derechos cinematográficos de The Philadelphia Story , que vendió con la condición de que ella fuera la estrella. Esa película de comedia fue un éxito de taquilla y le valió una tercera nominación al Premio de la Academia. En la década de 1940, fue contratada por Metro-Goldwyn-Mayer , donde su carrera se centró en una alianza con Spencer Tracy . La asociación cinematográfica duró 26 años y produjo nueve películas.
En la segunda mitad de su vida, Hepburn se planteó nuevos retos, ya que se dedicó a interpretar producciones teatrales de Shakespeare y a interpretar diversos papeles literarios. Encontró su nicho interpretando papeles de mujeres maduras, independientes y a veces solteras, como en La reina de África (1951), un personaje que el público aceptó. Hepburn recibió tres premios Oscar más por sus actuaciones en Adivina quién viene a cenar (1967), El león en invierno (1968) y En el estanque dorado (1981). En la década de 1970, comenzó a aparecer en películas para televisión, que más tarde se convertirían en su foco de atención. Hizo su última aparición en la pantalla a los 87 años. Tras un período de inactividad y mala salud, Hepburn murió en 2003 a los 96 años.
Hepburn, famosa por su rechazo a la maquinaria publicitaria de Hollywood y por su negativa a adaptarse a las expectativas sociales sobre las mujeres, era franca, asertiva, atlética y usaba pantalones antes de que se pusiera de moda. Se casó una vez, siendo joven, pero después vivió de forma independiente. Su romance de 26 años con su coprotagonista Spencer Tracy se mantuvo oculto al público. Con su estilo de vida poco convencional y los personajes independientes que llevó a la pantalla, Hepburn llegó a personificar a la "mujer moderna" en los Estados Unidos del siglo XX e influyó en el cambio de las percepciones populares sobre las mujeres. En 1999, el American Film Institute la nombró la mayor estrella femenina del cine clásico de Hollywood .
Katharine Houghton Hepburn nació el 12 de mayo de 1907 en Hartford, Connecticut, la segunda de seis hijos. Sus padres fueron Thomas Norval Hepburn (1879-1962), urólogo del Hospital Hartford , y Katharine Martha Houghton Hepburn (1878-1951), activista feminista. Ambos padres lucharon por el cambio social en los Estados Unidos: Thomas Hepburn ayudó a establecer la Asociación de Higiene Social de Nueva Inglaterra , que educó al público sobre las enfermedades venéreas , [1] mientras que la mayor de las Katharine encabezó la Asociación por el Sufragio Femenino de Connecticut y más tarde hizo campaña por el control de la natalidad con Margaret Sanger . [2] Cuando era niña, Hepburn acompañó a su madre en varias manifestaciones de "Votos para las mujeres". [3] Los hijos de Hepburn fueron criados para ejercer la libertad de expresión y se les animó a pensar y debatir sobre cualquier tema que desearan. [4] Sus padres fueron criticados por la comunidad por sus opiniones progresistas, lo que estimuló a Hepburn a luchar contra las barreras que encontró. [5] [6] Hepburn dijo que se dio cuenta desde una edad temprana de que era el producto de "dos padres muy extraordinarios", [7] y atribuyó su crianza "enormemente afortunada" por proporcionar la base para su éxito. [8] [9] Se mantuvo cerca de su familia durante toda su vida. [10]
La joven Hepburn era una marimacha a la que le gustaba llamarse Jimmy y cortarse el pelo corto. [11] Thomas Hepburn estaba ansioso por que sus hijos usaran sus mentes y cuerpos al límite y les enseñó a nadar, correr, bucear, montar a caballo, luchar y jugar al golf y al tenis. [12] El golf se convirtió en una pasión de Hepburn; tomó lecciones diarias y se volvió muy hábil, llegando a la semifinal del Campeonato de Golf Femenino Joven de Connecticut. [13] Le encantaba nadar en Long Island Sound y tomaba baños helados todas las mañanas con la creencia de que "cuanto más amarga sea la medicina, mejor será para ti". [14] Hepburn era fanática de las películas desde una edad temprana e iba a ver una todos los sábados por la noche. [15] Organizaba obras de teatro y actuaba para sus vecinos con amigos y hermanos por 50 centavos la entrada para recaudar dinero para el pueblo navajo . [16]
En marzo de 1921, Hepburn, de 13 años, y su hermano de 15 años, Tom, estaban de visita en Nueva York y se alojaban con una amiga de su madre en Greenwich Village durante las vacaciones de Semana Santa. El 30 de marzo, Hepburn descubrió el cuerpo de su adorado hermano mayor muerto por un aparente suicidio. [17] Había atado una cortina alrededor de una viga y se había ahorcado. [18] La familia Hepburn negó que se tratara de un suicidio y sostuvo que la muerte de Tom debió haber sido un experimento que había salido mal. [19] El incidente hizo que la adolescente Hepburn se pusiera nerviosa, malhumorada y desconfiada de la gente. [20] Se alejó de otros niños, abandonó la Escuela de Oxford (ahora Kingswood-Oxford School ) y recibió tutoría privada. [21] Durante muchos años utilizó el cumpleaños de Tom (8 de noviembre) como el suyo. No fue hasta su autobiografía de 1991, Me: Stories of My Life , que Hepburn reveló su verdadera fecha de nacimiento. [22]
En 1924, Hepburn fue admitida en el Bryn Mawr College . Inicialmente aceptó asistir a la institución para satisfacer a su madre, que había estudiado allí, pero finalmente encontró que la experiencia no era satisfactoria. [23] Era la primera vez que asistía a la escuela en varios años, y se sentía cohibida e incómoda con sus compañeros de clase. [24] Luchó con las exigencias académicas de la universidad, y una vez fue suspendida por fumar en su habitación. [25] Hepburn se sintió atraída por la actuación, pero los papeles en las obras universitarias estaban condicionados a buenas calificaciones. Una vez que sus notas mejoraron, comenzó a actuar regularmente. [25] Interpretó el papel principal en una producción de La mujer en la luna en su último año, y la respuesta positiva que recibió consolidó los planes de Hepburn de seguir una carrera teatral. [13] Se graduó con una licenciatura en historia y filosofía en junio de 1928. [26]
Hepburn dejó la universidad decidida a convertirse en actriz. [27] Al día siguiente de graduarse, viajó a Baltimore para conocer a Edwin H. Knopf , que dirigía una exitosa compañía de teatro de archivo . [28] Impresionado por su entusiasmo, Knopf eligió a Hepburn para su producción actual, The Czarina . [29] Recibió buenas críticas por su pequeño papel, y la revista Printed Word describió su actuación como "deslumbrante". [30] Se le dio un papel en el espectáculo de la semana siguiente, pero su segunda actuación fue menos bien recibida. Fue criticada por su voz estridente, por lo que dejó Baltimore para estudiar con Frances Robinson-Duff , una reconocida profesora de canto en la ciudad de Nueva York. [31]
Knopf decidió producir The Big Pond en Nueva York y nombró a Hepburn como suplente de la protagonista. Una semana antes del estreno, la protagonista fue despedida y reemplazada por Hepburn, lo que le dio un papel protagónico solo cuatro semanas después de su carrera teatral. [32] La noche del estreno, llegó tarde, mezcló sus líneas, tropezó con sus pies y habló demasiado rápido para que la entendieran. [31] Fue despedida de inmediato y la protagonista original fue recontratada. Sin inmutarse, Hepburn unió fuerzas con el productor Arthur Hopkins y aceptó el papel de una colegiala en These Days . Su debut en Broadway se produjo el 12 de noviembre de 1928 en el Cort Theatre , pero las críticas del espectáculo fueron malas y cerró después de ocho noches. [31] Hopkins contrató rápidamente a Hepburn como suplente principal en la obra Holiday de Philip Barry . A principios de diciembre, después de solo dos semanas, renunció para casarse con Ludlow Ogden Smith, un conocido de la universidad. Planeaba dejar el teatro atrás, pero comenzó a extrañar el trabajo y rápidamente retomó el papel de suplente en Holiday , que ocupó durante seis meses. [33]
En 1929, Hepburn rechazó un papel con el Theatre Guild para interpretar el papel principal en La muerte se toma unas vacaciones . Sintió que el papel era perfecto, pero nuevamente, fue despedida. [34] Regresó al Gremio y aceptó un papel de suplente por un salario mínimo en Un mes en el campo . En la primavera de 1930, Hepburn se unió a la compañía de teatro Berkshire Playhouse en Stockbridge, Massachusetts . Se fue a mitad de la temporada de verano y continuó estudiando con un tutor de teatro. [35] A principios de 1931, fue elegida para la producción de Broadway de Art and Mrs. Bottle . Fue liberada del papel después de que el dramaturgo le tomara aversión, diciendo "Se ve espantosa, sus modales son objetables y no tiene talento", pero Hepburn fue recontratada cuando no se pudo encontrar otra actriz. [36] Continuó siendo un pequeño éxito. [37]
Hepburn apareció en varias obras de teatro con una compañía de teatro de verano en Ivoryton, Connecticut , y resultó ser un éxito. [36] Durante el verano de 1931, Philip Barry le pidió que apareciera en su nueva obra, The Animal Kingdom , junto a Leslie Howard . Comenzaron los ensayos en noviembre, Hepburn estaba segura de que el papel la convertiría en una estrella, pero a Howard no le gustó la actriz y nuevamente fue despedida. [38] Cuando le preguntó a Barry por qué la habían despedido, él respondió: "Bueno, para ser brutalmente franco, no eras muy buena". [38] Esto inquietó a la segura de sí misma Hepburn, pero continuó buscando trabajo. [39] Aceptó un pequeño papel en una próxima obra, pero cuando comenzaron los ensayos, se le pidió que leyera para el papel principal en la fábula griega El marido del guerrero . [40]
El marido del guerrero resultó ser la interpretación que más le dio a Hepburn el éxito. El biógrafo Charles Higham afirma que el papel era ideal para la actriz, ya que requería una energía agresiva y capacidad atlética, y ella se involucró con entusiasmo en su producción. [41] La obra se estrenó el 11 de marzo de 1932 en el Teatro Morosco de Broadway. La primera entrada de Hepburn requería que saltara por una escalera estrecha con un ciervo sobre su hombro, vistiendo una túnica corta plateada. La obra duró tres meses y Hepburn recibió críticas positivas. [42] Richard Garland del New York World-Telegram escribió: "Han pasado muchas noches desde que una actuación tan brillante iluminó la escena de Broadway". [43]
Un cazatalentos del agente de Hollywood Leland Hayward descubrió la aparición de Hepburn en The Warrior's Husband y le pidió que hiciera una prueba para el papel de Sydney Fairfield en la próxima película de RKO A Bill of Divorcement . [44] El director George Cukor quedó impresionado por lo que vio: "Había una criatura extraña", recordó, "no se parecía a nadie que hubiera escuchado antes". Le gustó particularmente la forma en que cogió un vaso: "Pensé que tenía mucho talento en esa acción". [45] Cuando le ofrecieron el papel, Hepburn exigió 1.500 dólares a la semana, una gran cantidad para una actriz desconocida. [46] Cukor animó al estudio a aceptar sus demandas y firmaron con Hepburn un contrato temporal con una garantía de tres semanas. [27] [47] El director de RKO, David O. Selznick, contó que se arriesgó mucho al elegir a la inusual actriz. [48]
Hepburn llegó a California en julio de 1932, a los 25 años. Protagonizó A Bill of Divorcement junto a John Barrymore , pero no mostró signos de intimidación. [49] Aunque luchó por adaptarse a la naturaleza de la actuación cinematográfica, Hepburn quedó fascinada por la industria desde el principio. [50] La película fue un éxito y Hepburn recibió críticas positivas. [51] Mordaunt Hall de The New York Times calificó su actuación como "excepcionalmente buena... La caracterización de la señorita Hepburn es una de las mejores vistas en la pantalla". [52] La reseña de Variety declaró: "Aquí se destaca la gran impresión que causó Katharine Hepburn en su primer trabajo cinematográfico. Tiene algo vital que la distingue de la galaxia cinematográfica". [53] Con la fuerza de A Bill of Divorcement , RKO le firmó un contrato a largo plazo. [54] George Cukor se convirtió en un amigo y colega de por vida: él y Hepburn hicieron diez películas juntos. [55]
La segunda película de Hepburn fue Christopher Strong (1933), la historia de una aviadora y su romance con un hombre casado. La película no tuvo éxito comercial, pero las críticas de Hepburn fueron buenas. [56] Regina Crewe escribió en el Journal-American que, aunque sus gestos eran irritantes, "captan la atención y fascinan a la audiencia. Es una personalidad distinta, definida y positiva". [57] La tercera película de Hepburn la confirmó como una actriz importante en Hollywood. [58] Por interpretar a la aspirante a actriz Eva Lovelace (un papel destinado a Constance Bennett ) en Morning Glory , ganó un premio de la Academia a la mejor actriz . Había visto el guion en el escritorio del productor Pandro S. Berman y, convencida de que había nacido para interpretar el papel, insistió en que el papel fuera suyo. [59] Hepburn decidió no asistir a la ceremonia de premios (como no lo haría durante toda su carrera), pero estaba emocionada con la victoria. [60] Su éxito continuó con el papel de Jo en la película Mujercitas (1933). La película fue un éxito, uno de los mayores éxitos de la industria cinematográfica hasta la fecha, [48] y Hepburn ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia . Mujercitas era una de las favoritas personales de Hepburn y estaba orgullosa de su actuación, diciendo más tarde: "Desafío a cualquiera a ser tan buena [como Jo] como yo lo fui". [58]
A finales de 1933, Hepburn era una actriz de cine respetada, pero anhelaba demostrar su valía en Broadway. [61] Jed Harris , uno de los productores de teatro más exitosos de la década de 1920, estaba pasando por una crisis profesional. [62] Le pidió a Hepburn que apareciera en la obra The Lake , a lo que ella accedió por un salario bajo. [63] Antes de que le dieran permiso, RKO le pidió que filmara Spitfire (1934). El papel de Hepburn en la película era Trigger Hicks, una chica de montaña sin educación. Aunque le fue bien en taquilla, Spitfire es considerada ampliamente como una de las peores películas de Hepburn, y recibió malas críticas por el esfuerzo. [64] Hepburn mantuvo una foto de sí misma como Hicks en su dormitorio durante toda su vida para "[mantenerme] humilde". [65]
El preestreno de The Lake se realizó en Washington, DC, donde hubo una gran venta anticipada. [63] La mala dirección de Harris había erosionado la confianza de Hepburn, y ella tuvo dificultades para realizar la actuación. [66] A pesar de esto, Harris trasladó la obra a Nueva York sin más ensayos. Se estrenó en el Teatro Martin Beck el 26 de diciembre de 1933, y Hepburn fue duramente criticada por los críticos. [67] Dorothy Parker bromeó: "Ella recorre toda la gama de emociones desde A hasta B". [68] Ya atada a un contrato de diez semanas, tuvo que soportar la vergüenza de una rápida caída de las ventas de taquilla. [69] Harris decidió llevar el espectáculo a Chicago y le dijo a Hepburn: "Querida, el único interés que tengo en ti es el dinero que puedo ganar contigo". Hepburn no quería continuar en un espectáculo que estaba fracasando, por lo que le pagó a Harris $ 14,000, la mayor parte de sus ahorros de toda la vida, para cerrar la producción. [70] Más tarde se refirió a Harris como "sin duda la persona más diabólica que he conocido", [62] y afirmó que esta experiencia fue importante para enseñarle a asumir la responsabilidad de su carrera. [71]
Tras el fracaso de Spitfire y The Lake , RKO eligió a Hepburn para The Little Minister (1934), basada en una novela victoriana de James Barrie , en un intento de repetir el éxito de Mujercitas . [72] No hubo tal recurrencia, y la película fue un fracaso comercial. [73] El drama romántico Break of Hearts (1935) con Charles Boyer recibió malas críticas y también perdió dinero. [74] Después de tres películas olvidables, el éxito regresó a Hepburn con Alice Adams (1935), la historia de la desesperación de una niña por ascender en la escala social. A Hepburn le encantó el libro y estaba encantada de que le ofrecieran el papel. [75] La película fue un éxito, una de las favoritas personales de Hepburn, y le dio a la actriz su segunda nominación al Oscar. Recibió la segunda mayor cantidad de votos, después de la ganadora Bette Davis . [76]
Cuando tuvo que elegir su siguiente película, Hepburn decidió protagonizar el nuevo proyecto de George Cukor, Sylvia Scarlett (1935), que la emparejó por primera vez con Cary Grant . [76] Se cortó el pelo para el papel, ya que su personaje se hace pasar por un niño durante gran parte de la película. A los críticos no les gustó Sylvia Scarlett y fue impopular entre el público. [77] Luego interpretó a María Estuardo en María de Escocia (1936) de John Ford , que tuvo una recepción igualmente pobre. [78] Le siguió A Woman Rebels (1936), un drama de la era victoriana en el que el personaje de Hepburn desafiaba las convenciones al tener un hijo fuera del matrimonio. [79] Quality Street (1937) también tenía una ambientación de época, esta vez una comedia. Ninguna de las películas fue popular entre el público, lo que significó que había hecho cuatro películas fallidas seguidas. [80]
Junto con una serie de películas impopulares, surgieron problemas por la actitud de Hepburn. [81] Tuvo una relación difícil con la prensa, con la que podía ser grosera y provocadora. [82] Cuando se le preguntó si tenía hijos, respondió bruscamente: "Sí, tengo cinco: dos blancos y tres de color". [83] No daba entrevistas y rechazaba las solicitudes de autógrafos, [84] lo que le valió el apodo de "Katharine de la arrogancia". [85] El público también estaba desconcertado por su comportamiento infantil y sus elecciones de moda, y se convirtió en una figura en gran medida impopular. [82] [86] Hepburn sintió que necesitaba dejar Hollywood, [87] por lo que regresó al este para protagonizar una adaptación teatral de Jane Eyre . Tuvo una gira exitosa, [88] pero, insegura sobre el guion y poco dispuesta a arriesgarse al fracaso después del desastre de El lago , Hepburn decidió no llevar el espectáculo a Broadway. [87] Hacia finales de 1936, Hepburn compitió por el papel de Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó . [89] El productor David O. Selznick se negó a ofrecerle el papel porque sentía que no tenía atractivo sexual. Se dice que le dijo a Hepburn: "No puedo imaginar a Rhett Butler persiguiéndote durante doce años". [90]
El siguiente largometraje de Hepburn, Stage Door (1937), la emparejó con Ginger Rogers en un papel que reflejaba su propia vida: la de una chica de sociedad adinerada que intenta triunfar como actriz. [92] Hepburn fue elogiada por su trabajo en los primeros preestrenos, que le dieron el primer lugar en la facturación sobre Rogers. [93] La película fue nominada a Mejor Película en los Premios de la Academia, pero no fue el éxito de taquilla que RKO esperaba. [92] Los expertos de la industria culparon a Hepburn por la pequeña ganancia, pero el estudio continuó con su compromiso de resucitar su popularidad. [94] Fue elegida para la comedia alocada de Howard Hawks Bringing Up Baby (1938), donde interpretó a una heredera voluble que pierde un leopardo mientras intenta cortejar a un paleontólogo (Cary Grant). Se acercó a la comedia física de la película con confianza, [94] y recibió consejos sobre el ritmo cómico de su coprotagonista Walter Catlett . [95] Bringing Up Baby fue aclamada por los críticos, pero no tuvo éxito en taquilla. [96] Como el género y Grant eran muy populares en ese momento, el biógrafo A. Scott Berg cree que la culpa fue del rechazo de los espectadores a Hepburn. [97]
Después del estreno de Bringing Up Baby , la Asociación de Propietarios de Teatros Independientes de Estados Unidos incluyó a Hepburn en una lista de actores considerados "veneno de taquilla". [97] Con su reputación en baja, la siguiente película que RKO le ofreció fue Mother Carey's Chickens , una película de clase B con pocas perspectivas. [97] Hepburn la rechazó y, en su lugar, optó por rescindir su contrato por 75.000 dólares. [98] Muchos actores tenían miedo de abandonar la estabilidad del sistema de estudios en ese momento, pero la riqueza personal de Hepburn significaba que podía permitirse el lujo de ser independiente. [99] Firmó para la versión cinematográfica de Holiday (1938) con Columbia Pictures , emparejándola por tercera vez con Grant, para interpretar a una chica de sociedad sofocada que encuentra alegría con el prometido de su hermana. La comedia recibió críticas positivas, pero no logró atraer a mucha audiencia, [100] y el siguiente guión que le ofrecieron a Hepburn venía con un salario de 10.000 dólares, menos de lo que había recibido al comienzo de su carrera cinematográfica. [101] Reflexionando sobre este cambio de fortuna, Andrew Britton escribe sobre Hepburn: "Ninguna otra estrella ha emergido con mayor rapidez o con una aclamación más extática. Ninguna otra estrella, tampoco, se ha vuelto tan impopular tan rápidamente durante tanto tiempo". [102]
Tras este declive en su carrera, Hepburn tomó medidas para crear su propio vehículo de regreso. Dejó Hollywood para buscar un proyecto teatral y firmó para protagonizar la nueva obra de Philip Barry, The Philadelphia Story . Fue diseñada para mostrar a la actriz, con el personaje de la socialité Tracy Lord incorporando una mezcla de humor, agresión, nerviosismo y vulnerabilidad. [103] Howard Hughes , el socio de Hepburn en ese momento, sintió que la obra podría ser su boleto de regreso al estrellato de Hollywood y le compró los derechos cinematográficos antes incluso de que debutara en el escenario. [104] The Philadelphia Story primero realizó una gira por los Estados Unidos, con críticas positivas, y luego se estrenó en Nueva York en el Teatro Shubert el 28 de marzo de 1939. [105] [106] Fue un gran éxito, tanto de crítica como financieramente, con 417 funciones y luego realizó una segunda gira exitosa. [27]
Varios de los principales estudios cinematográficos se acercaron a Hepburn para producir la versión cinematográfica de la obra de Barry. [107] Ella eligió vender los derechos a Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), el estudio número uno de Hollywood, [108] con la condición de que ella fuera la estrella. Como parte del trato, también recibió al director de su elección, George Cukor , y eligió a James Stewart y Cary Grant (a quien cedió el papel principal) como coprotagonistas. [109] Antes de que comenzara el rodaje, Hepburn señaló astutamente: "No quiero hacer una entrada grandiosa en esta película. Los espectadores ... piensan que soy demasiado la-di-da o algo así. Mucha gente quiere verme caer de bruces". Así, la película comenzó con Grant golpeando a la actriz de espaldas. [110] Berg describe cómo el personaje fue creado para que el público "se riera de ella lo suficiente como para que finalmente simpatizaran con ella", lo que Hepburn sintió que era crucial para "recrear" su imagen pública. [111] The Philadelphia Story fue uno de los mayores éxitos de 1940, rompiendo récords en el Radio City Music Hall . [27] La reseña en Time declaró: "Vuelve, Katie, todo está perdonado". [112] Herb Golden de Variety declaró: "Es la película de Katharine Hepburn ... La concepción perfecta de todas las chicas de la alta sociedad de Main Line, frívolas pero con carácter, reunidas en una sola, la historia sin ella es casi inconcebible". [113] Hepburn fue nominada a su tercer Premio de la Academia a la Mejor Actriz y ganó el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la Mejor Actriz, mientras que Stewart ganó su único Premio de la Academia a Mejor Actor por su actuación. [114] [115]
Hepburn también fue responsable del desarrollo de su siguiente proyecto, la comedia romántica Woman of the Year sobre una columnista política y un reportero deportivo cuya relación se ve amenazada por su independencia egocéntrica. La idea de la película le fue propuesta en 1941 por Garson Kanin , quien recordó cómo Hepburn contribuyó al guion. [116] Presentó el producto terminado a MGM y exigió 250.000 dólares: la mitad para ella, la otra mitad para los autores. [117] Sus términos aceptados, Hepburn también obtuvo el director y coprotagonista de su elección, George Stevens y Spencer Tracy . En el primer día de Hepburn y Tracy juntos en el set, supuestamente le dijo a Tracy "Me temo que soy demasiado alta para usted", a lo que Tracy respondió: "No se preocupe, señorita Hepburn, pronto la reduciré a mi tamaño". Comenzó una relación dentro y fuera de la pantalla que duró hasta la muerte de Tracy en 1967, con ellos apareciendo en otras ocho películas juntos. [118] Estrenada en 1942, La mujer del año fue otro éxito. Los críticos elogiaron la química entre las estrellas y, según Higham, destacaron la "creciente madurez y refinamiento" de Hepburn. [119] El World-Telegram elogió dos "interpretaciones brillantes", [120] y Hepburn recibió una cuarta nominación al Oscar. Durante el transcurso de la película, Hepburn firmó un contrato como estrella con MGM. [109]
En 1942, Hepburn regresó a Broadway para aparecer en otra obra de Philip Barry, Without Love , que también fue escrita con la actriz en mente. [120] Los críticos no estaban entusiasmados con la producción, pero con la popularidad de Hepburn en su apogeo, se presentó durante 16 semanas con entradas agotadas. [121] MGM estaba ansiosa por reunir a Tracy y Hepburn para una nueva película y se decidió por Keeper of the Flame (1942). Un misterio oscuro con un mensaje de propaganda sobre los peligros del fascismo, la película fue vista por Hepburn como una oportunidad para hacer una declaración política digna. [122] Recibió malas críticas, pero fue un éxito financiero, lo que confirmó la popularidad de la pareja Tracy-Hepburn. [123]
Desde La mujer del año , Hepburn se había comprometido en una relación romántica con Tracy y se dedicó a ayudar a la estrella, que sufría de alcoholismo e insomnio. [125] Como resultado, su carrera se desaceleró y trabajó menos durante el resto de la década de lo que lo había hecho en la década de 1930, en particular al no aparecer nuevamente en el escenario hasta 1950. [126] Su única aparición en 1943 fue un cameo en la película de guerra Stage Door Canteen , que fortalecía la moral , interpretándose a sí misma. Aceptó un papel atípico en 1944, interpretando a una campesina china en el drama de alto presupuesto Dragon Seed . Hepburn estaba entusiasmada con la película, pero tuvo una respuesta tibia y fue descrita como un papel inadecuado. [127] Luego se reunió con Tracy para la versión cinematográfica de Without Love (1945), después de lo cual rechazó un papel en The Razor's Edge para apoyar a Tracy en su regreso a Broadway. [128] Without Love recibió malas críticas, pero una nueva película de Tracy-Hepburn fue un gran acontecimiento y fue popular en su estreno, vendiendo un número récord de entradas durante el fin de semana de Pascua de 1945. [129]
La siguiente película de Hepburn fue Undercurrent (1946), una película de cine negro con Robert Taylor y Robert Mitchum que fue mal recibida. [130] Una cuarta película con Tracy llegó en 1947: un drama ambientado en el Viejo Oeste estadounidense titulado The Sea of Grass . Al igual que Keeper of the Flame y Without Love , una respuesta tibia de los críticos no impidió que fuera un éxito financiero tanto en casa como en el extranjero. [131] El mismo año, Hepburn interpretó a Clara Wieck Schumann en Song of Love . Se entrenó intensivamente con un pianista para el papel. [132] En el momento de su estreno en octubre, la carrera de Hepburn se había visto afectada significativamente por su oposición pública al creciente movimiento anticomunista en Hollywood. Considerada por algunos como peligrosamente progresista, no le ofrecieron trabajo durante nueve meses y, según se informa, la gente arrojó cosas en las proyecciones de Song of Love . [133] Su siguiente papel cinematográfico llegó inesperadamente, ya que aceptó reemplazar a Claudette Colbert solo unos días antes de que comenzara el rodaje del drama político de Frank Capra State of the Union (1948). [134] Tracy había sido contratada desde hacía tiempo para interpretar al protagonista masculino, por lo que Hepburn ya estaba familiarizada con el guion y dio un paso adelante para la quinta película de Tracy y Hepburn. [133] Los críticos respondieron positivamente a la película y tuvo un buen desempeño en taquilla. [135]
Tracy y Hepburn aparecieron juntas en pantalla por tercer año consecutivo en la película de 1949 La costilla de Adán . Al igual que La mujer del año , se trataba de una comedia de "batalla de sexos" y fue escrita específicamente para el dúo por sus amigos Garson Kanin y Ruth Gordon . Una historia de abogados casados que se oponen entre sí en la corte, Hepburn la describió como "perfecta para [Tracy] y para mí". [136] Aunque sus opiniones políticas todavía provocaron piquetes dispersos en los cines de todo el país, La costilla de Adán fue un éxito, recibió críticas favorables y fue la película más rentable de Tracy y Hepburn hasta la fecha. [137] El crítico del New York Times Bosley Crowther elogió la película y aclamó la "perfecta compatibilidad" del dúo. [138]
En la década de 1950, Hepburn se enfrentó a una serie de desafíos profesionales y se esforzó más que en ningún otro momento de su vida, a una edad en la que la mayoría de las demás actrices comenzaron a retirarse. [139] Berg describe la década como "el corazón de su vasto legado" y "el período en el que realmente alcanzó su máximo potencial". [140] En enero de 1950, Hepburn se aventuró en Shakespeare, interpretando a Rosalind en el escenario en Como gustéis . Esperaba demostrar que podía interpretar material ya establecido, [28] y dijo: "Es mejor intentar algo difícil y fracasar que jugar a lo seguro todo el tiempo". [141] Se estrenó en el Teatro Cort de Nueva York con un público repleto y prácticamente se agotaron las entradas para 148 funciones. [142] Luego, la producción se fue de gira. Las críticas sobre Hepburn variaron, pero se la destacó como la única actriz principal en Hollywood que estaba interpretando material de alto calibre en el escenario. [143]
En 1951, Hepburn filmó La reina de África , su primera película en Technicolor . Interpretó a Rose Sayer, una misionera remilgada que vivía en África Oriental Alemana al estallar la Primera Guerra Mundial . Coprotagonizada por Humphrey Bogart , La reina de África se filmó principalmente en locaciones del Congo Belga , una oportunidad que Hepburn aprovechó. [144] Sin embargo, resultó una experiencia difícil y Hepburn enfermó de disentería durante el rodaje. [145] Más tarde en su vida, publicó una memoria sobre la experiencia. [146] La película se estrenó a fines de 1951 con apoyo popular y aclamación de la crítica, [147] y le dio a Hepburn su quinta nominación a Mejor Actriz en los Premios de la Academia, mientras que Bogart obtuvo su único Premio de la Academia al Mejor Actor . La primera película exitosa que había hecho sin Tracy desde Historias de Filadelfia una década antes, demostró que podía ser un éxito sin él y restableció por completo su popularidad. [148]
Hepburn luego hizo la comedia deportiva Pat and Mike (1952), la segunda película escrita específicamente como vehículo Tracy-Hepburn por Kanin y Gordon. Ella era una atleta entusiasta, y Kanin más tarde describió esto como su inspiración para la película: "Mientras miraba a Kate jugar al tenis un día... se me ocurrió que su audiencia se estaba perdiendo un regalo". [149] Hepburn estaba bajo presión para realizar varios deportes a un alto nivel, muchos de los cuales no terminaron en la película. [150] Pat and Mike fue una de las películas más populares y aclamadas por la crítica del equipo, y también fue la favorita personal de Hepburn de las nueve películas que hizo con Tracy. [151] La actuación le valió una nominación al Globo de Oro a la Mejor Actriz - Película Musical o Comedia . [152]
En el verano de 1952, Hepburn apareció en el West End de Londres para una presentación de diez semanas de La millonaria de George Bernard Shaw . Sus padres le habían leído Shaw cuando era niña, lo que hizo de la obra una experiencia especial para la actriz. [153] Sin embargo, dos años de intenso trabajo la habían dejado exhausta, y su amiga Constance Collier escribió que Hepburn estaba "al borde de un colapso nervioso". [154] Ampliamente aclamada, La millonaria fue llevada a Broadway. [155] En octubre de 1952 se estrenó en el Teatro Shubert , donde a pesar de una tibia respuesta crítica, agotó las entradas para su presentación de diez semanas. [154] Posteriormente, Hepburn intentó que la obra fuera adaptada al cine: Preston Sturges escribió un guion y ella se ofreció a trabajar gratis y pagarle al director ella misma, pero ningún estudio eligió el proyecto. [156] Más tarde se refirió a esto como la mayor decepción de su carrera. [153]
Pat and Mike fue la última película que Hepburn completó con su contrato con MGM, lo que le dio libertad para seleccionar sus propios proyectos. [155] Pasó dos años descansando y viajando, antes de comprometerse conel drama romántico de David Lean Summertime (1955). La película se filmó en Venecia, con Hepburn interpretando a una mujer soltera que tiene una apasionada historia de amor. Lo describió como "un papel muy emotivo" y le pareció fascinante trabajar con Lean. [157] Por su propia insistencia, Hepburn actuó como si se cayera a un canal y desarrolló una infección ocular crónica como resultado. [158] El papel le valió otra nominación al Oscar y ha sido citado como uno de sus mejores trabajos. [159] [160] Lean dijo más tarde que era su favorita personal de las películas que hizo, y Hepburn su actriz favorita. [161] Al año siguiente, Hepburn pasó seis meses de gira por Australia con la compañía de teatro Old Vic , interpretando a Portia en El mercader de Venecia , a Kate en La fierecilla domada y a Isabella en Medida por medida . La gira fue un éxito y Hepburn recibió importantes elogios por su esfuerzo. [162]
Hepburn recibió una nominación al Oscar por segundo año consecutivo por su trabajo junto a Burt Lancaster en The Rainmaker (1956). Nuevamente interpretó a una mujer solitaria empoderada por una historia de amor, y se hizo evidente que Hepburn había encontrado un nicho al interpretar a mujeres maduras y solteras. [163] Hepburn dijo sobre interpretar tales papeles: "Con Lizzie Curry [ The Rainmaker ] y Jane Hudson [ Summertime ] y Rosie Sayer [ The African Queen ], estaba interpretándome a mí misma. No fue difícil para mí interpretar a esas mujeres, porque soy la tía soltera". [163] Menos éxito ese año vino de The Iron Petticoat (1956), una reinterpretación de la clásica comedia de Greta Garbo Ninotchka . Protagonizada por Bob Hope , Hepburn interpretó a una piloto soviética de corazón frío, en una actuación que Bosley Crowther calificó de "horrible". [164] La película fue un fracaso crítico y comercial, y Hepburn la consideró la peor película de su carrera. [165]
Tracy y Hepburn volvieron a reunirse en la pantalla por primera vez en cinco años para la comedia de oficina Desk Set (1957). Berg señala que funcionó como un híbrido de sus éxitos anteriores de comedia romántica, [166] pero tuvo un mal desempeño en taquilla. [167] Ese verano, Hepburn regresó a Shakespeare. Apareciendo en Stratford, Connecticut , en el American Shakespeare Theatre , repitió su papel de Portia en El mercader de Venecia e interpretó a Beatriz en Much Ado About Nothing . Los espectáculos fueron recibidos positivamente. [166]
Después de dos años alejada de la pantalla, Hepburn protagonizó una adaptación cinematográfica de la controvertida obra de Tennessee Williams De repente, el último verano (1959) con Elizabeth Taylor y Montgomery Clift . La película se rodó en Londres y fue "una experiencia completamente miserable" para Hepburn. [168] Se enfrentó al director Joseph L. Mankiewicz durante el rodaje, que culminó con ella escupiéndole con disgusto. [169] La película fue un éxito financiero, y su trabajo como la espeluznante tía Violet Venable le dio a Hepburn su octava nominación al Oscar. [170] Williams estaba satisfecho con la actuación, escribiendo: "Kate es la actriz soñada de un dramaturgo. Hace que el diálogo suene mejor de lo que es gracias a una belleza incomparable y claridad de dicción". [171] Escribió La noche de la iguana (1961) con Hepburn en mente, pero la actriz, aunque halagada, sintió que la obra no era para ella y rechazó el papel, que fue para Deborah Kerr . [172]
Hepburn regresó a Stratford en el verano de 1960 para interpretar a Viola en La duodécima noche y a Cleopatra en Antonio y Cleopatra . El New York Post escribió sobre su Cleopatra: "Hepburn ofrece una interpretación muy versátil... una o dos veces recurriendo a sus famosos gestos y siempre resulta fascinante de ver". [173] La propia Hepburn estaba orgullosa del papel. [174] Su repertorio mejoró aún más cuando apareció en la versión cinematográfica de Sidney Lumet de Largo viaje hacia la noche (1962) de Eugene O'Neill . Fue una producción de bajo presupuesto y apareció en la película por una décima parte de su salario establecido. [175] La llamó "la mejor [obra] que este país haya producido jamás" y el papel de la adicta a la morfina Mary Tyrone "el papel femenino más desafiante en el drama estadounidense", y sintió que su actuación fue el mejor trabajo cinematográfico de su carrera. [176] Largo viaje hacia la noche le valió a Hepburn una nominación al Oscar y el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes . Sigue siendo una de sus actuaciones más elogiadas. [177]
Tras la finalización de Largo viaje hacia la noche , Hepburn se tomó un descanso en su carrera para cuidar al enfermo Spencer Tracy. [178] No volvió a trabajar hasta 1967 en Adivina quién viene a cenar , su novena y última película con Tracy. La película trataba el tema del matrimonio interracial, con la sobrina de Hepburn, Katharine Houghton , interpretando a su hija. Tracy se estaba muriendo en ese momento, sufriendo los efectos de la diabetes y una enfermedad cardíaca, [179] y Houghton comentó más tarde que su tía estaba "extremadamente tensa" durante la producción. [180] Tracy murió 17 días después de filmar su última escena. Adivina quién viene a cenar fue un regreso triunfal para Hepburn y su película de mayor éxito comercial hasta ese momento. [181] Ganó su segundo premio a la Mejor Actriz en los Oscar, 34 años después de ganar el primero. Hepburn sintió que el premio no era solo para ella, sino que también se le dio para honrar a Tracy. [181]
Hepburn volvió rápidamente a actuar después de la muerte de Tracy, eligiendo ocuparse de sí misma como remedio contra el dolor. [182] Recibió numerosos guiones [183] y eligió interpretar a Leonor de Aquitania en El león en invierno (1968), un papel que calificó de "fascinante". [184] Leyó extensamente en preparación para el papel, en el que protagonizó junto a Peter O'Toole . [185] El rodaje se llevó a cabo en la abadía de Montmajour en el sur de Francia , una experiencia que le encantó a pesar de ser, según el director Anthony Harvey , "enormemente vulnerable" en todo momento. [186] John Russell Taylor de The Times sugirió que Eleanor fue "la actuación de su ... carrera", y demostró que era "una actriz en crecimiento, en desarrollo y aún sorprendente". [187] La película fue nominada en todas las categorías principales en la 41.ª edición de los Premios Óscar , y por segundo año consecutivo Hepburn ganó el Óscar a la mejor actriz (compartido con Barbra Streisand por Funny Girl ). [188] El papel, combinado con su actuación en Adivina quién viene a cenar , también recibió un Premio de Cine de la Academia Británica ( BAFTA ) a la Mejor Actriz . La siguiente aparición de Hepburn fue en La loca de Chaillot (1969), que filmó en Niza inmediatamente después de completar El león en invierno . [189] La película fue un fracaso crítico y financiero, y las críticas apuntaron a Hepburn por dar una actuación equivocada. [190] A fines de 1969, fue votada como la estrella femenina más popular en Estados Unidos por la encuesta de Quigley Top Ten Money Making Stars , lo que hizo que fuera poco común que una actriz mayor de 50 años lograra tal posición.
Desde diciembre de 1969 hasta agosto de 1970, Hepburn protagonizó el musical de Broadway Coco , sobre la vida de Coco Chanel . Admitió que antes del espectáculo, nunca había asistido a un musical teatral. [191] No era una cantante fuerte, pero encontró la oferta irresistible y, como dice Berg, "lo que le faltaba en eufonía lo compensaba con agallas". [192] La actriz tomó lecciones de canto seis veces por semana como preparación para el espectáculo. [192] Estaba nerviosa por cada actuación y recordó "preguntarse qué diablos estaba haciendo allí". [193] Las críticas de la producción fueron mediocres, pero la propia Hepburn fue elogiada y Coco fue popular entre el público, con su presentación extendida dos veces. [194] Más tarde dijo que Coco marcó la primera vez que aceptó que el público no estaba en su contra, sino que en realidad parecía amarla. [28] Su trabajo le valió una nominación al premio Tony a la mejor actriz en un musical. [195]
Hepburn se mantuvo activa durante toda la década de 1970, centrándose en papeles descritos por Andrew Britton como "una madre devoradora o una anciana loca que vive [sola]". [1] Primero viajó a España para filmar una versión de Las troyanas (1971) de Eurípides junto a Vanessa Redgrave . Cuando se le preguntó por qué había aceptado el papel, respondió que quería ampliar su rango y probar todo mientras aún tuviera tiempo. [196] La película fue mal recibida, [196] pero el Círculo de Críticos de Cine de Kansas City nombró la actuación de Hepburn como la mejor de una actriz ese año. En 1971, firmó para protagonizar una adaptación de Viajes con mi tía de Graham Greene , pero no estaba contenta con las primeras versiones del guion y decidió reescribirlo ella misma. Al estudio no le gustaron sus cambios, por lo que Hepburn abandonó el proyecto y fue reemplazada por Maggie Smith . [197] Su siguiente película, una adaptación de A Delicate Balance (1973) de Edward Albee dirigida por Tony Richardson , tuvo un estreno pequeño y recibió críticas generalmente desfavorables. [198]
En 1973, Hepburn se aventuró en la televisión por primera vez, protagonizando una producción de El zoo de cristal de Tennessee Williams . Había sido cautelosa con el medio, pero resultó ser uno de los principales eventos televisivos del año, con una alta puntuación en los índices de audiencia de Nielsen . [199] Hepburn recibió una nominación al premio Emmy por interpretar a la melancólica madre sureña Amanda Wingfield, lo que le abrió la mente a futuros trabajos en la pantalla chica. [200] Su siguiente proyecto fue la película para televisión Love Among the Ruins (1975), un drama eduardiano ambientado en Londres con su amigo Laurence Olivier . Recibió críticas positivas y altas calificaciones y le valió a Hepburn su único premio Emmy. [201]
Hepburn hizo su única aparición en los Premios de la Academia en 1974, para presentar el Premio Irving G. Thalberg Memorial a Lawrence Weingarten . Recibió una ovación de pie y bromeó con el público: "Estoy muy feliz de no haber escuchado a nadie gritar: 'Ya era hora'". [202] Al año siguiente, fue emparejada con John Wayne en el western Rooster Cogburn , una secuela de su película ganadora del Óscar True Grit . Haciendo eco de su personaje de African Queen , Hepburn interpretó a una mujer soltera profundamente religiosa que se une a un solitario masculino para vengar la muerte de un miembro de la familia. [198] La película recibió críticas mediocres. Su casting fue suficiente para atraer a algunas personas a la taquilla, pero no cumplió con las expectativas del estudio y solo tuvo un éxito moderado. [203]
En 1976, Hepburn regresó a Broadway para una presentación de tres meses de la obra de Enid Bagnold A Matter of Gravity . El papel de la excéntrica Sra. Basil fue considerado un escaparate perfecto para la actriz, [204] y la obra fue popular a pesar de las malas críticas. [205] Más tarde realizó una exitosa gira nacional. [206] Durante su presentación en Los Ángeles, Hepburn se fracturó la cadera, pero decidió continuar la gira actuando en silla de ruedas. [207] Ese año, fue votada como "Actriz favorita de cine" por los People's Choice Awards . [208]
Durante el verano de 1976, Hepburn protagonizó la película familiar de bajo presupuesto Olly Olly Oxen Free . La película no logró encontrar un distribuidor de un gran estudio y finalmente se estrenó de forma independiente en 1978. Debido a su mala distribución, se proyectó en relativamente pocos cines, lo que resultó en uno de los mayores fracasos de la carrera de Hepburn. El guionista James Prideaux , que trabajó con Hepburn, escribió más tarde que "murió en el momento del estreno" y se refirió a ella como su "película perdida". [209] Hepburn afirmó que la principal razón por la que lo había hecho fue la oportunidad de viajar en un globo aerostático. [210] La película para televisión The Corn Is Green (1979), que se filmó en Gales, le siguió. Fue la última de las diez películas que Hepburn hizo con George Cukor , y le valió una tercera nominación al Emmy. [211]
En la década de 1980, Hepburn había desarrollado un temblor notable , lo que le hacía temblar la cabeza permanentemente. [202] [212] No trabajó durante dos años y dijo en una entrevista televisiva: "He tenido mi día, deje que los niños se revuelvan y suden". [213] Durante este período, vio la producción de Broadway On Golden Pond y quedó impresionada por su representación de una pareja de ancianos casados que lidia con las dificultades de la vejez. [214] Jane Fonda había comprado los derechos de pantalla para su padre, el actor Henry Fonda , y Hepburn buscó actuar junto a él en el papel de la peculiar Ethel Thayer. [215] On Golden Pond fue un éxito, la segunda película más taquillera de 1981. [216] Demostró cuán enérgica era Hepburn, de 74 años, cuando se zambulló completamente vestida en Squam Lake y dio una animada actuación de canto. [214] La película le valió un segundo premio BAFTA y un cuarto Oscar, un récord. Homer Dickens, en su libro sobre Hepburn, señala que se consideró ampliamente un triunfo sentimental, "un tributo a su duradera carrera". [217]
Hepburn también volvió a los escenarios en 1981. Recibió una segunda nominación al Tony por su interpretación en The West Side Waltz de una viuda septuagenaria con entusiasmo por la vida. Variety observó que el papel era "una versión obvia y completamente aceptable de la propia imagen pública [de Hepburn]". [218] Walter Kerr de The New York Times escribió sobre Hepburn y su actuación: "Una cosa misteriosa que ha aprendido a hacer es insuflar vida indiscutible a líneas sin vida". [219] Esperaba hacer una película de la producción, pero nadie compró los derechos. [220] La reputación de Hepburn como una de las actrices más queridas de Estados Unidos estaba firmemente establecida en este punto, ya que fue nombrada actriz de cine favorita en una encuesta de la revista People y nuevamente ganó el premio de popularidad de People's Choice. [221] [222]
En 1984, Hepburn protagonizó la comedia negra Grace Quigley , la historia de una mujer mayor que recluta a un sicario ( Nick Nolte ) para matarla. Hepburn encontró humor en el tema morboso, pero las críticas fueron negativas y la taquilla fue pobre. [223] En 1985, presentó un documental de televisión sobre la vida y la carrera de Spencer Tracy. [224] La mayoría de los papeles de Hepburn a partir de este punto fueron en películas para televisión, que no recibieron los elogios de la crítica de su trabajo anterior en el medio, pero siguieron siendo populares entre el público. [225] Con cada estreno, Hepburn declararía que era su última aparición en la pantalla, pero continuó asumiendo nuevos papeles. [226] Recibió una nominación al Emmy por Mrs. Delafield Wants to Marry de 1986 , luego dos años más tarde regresó para la comedia Laura Lansing Slept Here , que le permitió actuar con su sobrina nieta, Schuyler Grant . [227]
En 1991, Hepburn publicó su autobiografía, Me: Stories of My Life , que encabezó las listas de los más vendidos durante más de un año. [228] Regresó a las pantallas de televisión en 1992 para The Man Upstairs , coprotagonizada por Ryan O'Neal , por la que recibió una nominación al Globo de Oro. En 1994, trabajó junto a Anthony Quinn en This Can't Be Love , que se basó en gran medida en la propia vida de Hepburn, con numerosas referencias a su personalidad y carrera. Estos papeles posteriores han sido descritos como "una versión ficticia del personaje típicamente luchador de Kate Hepburn" y los críticos han comentado que Hepburn esencialmente se estaba interpretando a sí misma. [219] [226]
La última aparición de Hepburn en una película estrenada en cines, y su primera desde Grace Quigley nueve años antes, fue Love Affair (1994). A los 87 años, interpretó un papel secundario, junto a Annette Bening y Warren Beatty . Fue la única película de la carrera de Hepburn, aparte del cameo en Stage Door Canteen , en la que no interpretó un papel principal. [229] Roger Ebert señaló que era la primera vez que se veía frágil, pero que el "espíritu magnífico" todavía estaba allí, y dijo que sus escenas "se roban el espectáculo". [230] Un escritor de The New York Times reflexionó sobre la última aparición de la actriz en la pantalla grande: "Si bien se movía más lentamente que antes, en comportamiento, era tan atrevida y moderna como siempre". [219] Hepburn interpretó su último papel en la película para televisión One Christmas (1994), por la que recibió una nominación al premio del Sindicato de Actores de Cine a los 87 años. [231]
Hepburn era conocida por ser ferozmente reservada, [219] y no daba entrevistas ni hablaba con los fans durante gran parte de su carrera. [84] Se distanció de la vida de celebridad y no estaba interesada en una escena social que veía como tediosa y superficial. [232] Vestía ropa informal que iba fuertemente en contra de la convención en una era de glamour. [233] Rara vez aparecía en público, por lo general evitaba los restaurantes y una vez le arrebató una cámara de la mano a un fotógrafo cuando le tomó una foto sin preguntar. [234] [235] A pesar de su celo por la privacidad, disfrutaba de su fama y más tarde confesó que no le hubiera gustado que la prensa la ignorara. [236] La actitud protectora hacia su vida privada disminuyó a medida que envejecía; comenzando con una entrevista de dos horas en The Dick Cavett Show en 1973, Hepburn se volvió mucho más abierta con el público. [237]
"A la gente le parezco extraño de alguna manera, aunque no entiendo muy bien por qué. Por supuesto, tengo una cara angulosa, un cuerpo anguloso y, supongo, una personalidad angulosa, que llama la atención de la gente". [219]
"Soy una personalidad y también una actriz. Muéstrenme una actriz que no sea una personalidad y me mostrarán una mujer que no sea una estrella". [238]
—Hepburn comentando sobre su personalidad.
La incansable energía y entusiasmo de Hepburn por la vida se citan a menudo en biografías y su obstinada independencia se convirtió en la clave de su estatus de celebridad. [239] [82] [219] [240] Esta seguridad en sí misma venía acompañada de una tendencia a ser controladora y difícil; su amiga Garson Kanin la comparó con una maestra de escuela y era famosa por su brusquedad y franqueza. [241] [233] Katharine Houghton comentó que su tía podía ser "desesperantemente moralista y mandona". [242] Hepburn confesó ser, especialmente al principio de su vida, "una persona yo, yo, yo ". [243] Se veía a sí misma como una persona feliz, y razonaba: "Me gusta la vida y he tenido tanta suerte, ¿por qué no debería ser feliz?" . [178] A. Scott Berg conoció bien a Hepburn en sus últimos años y dijo que, si bien era exigente, conservaba un sentido de humildad y humanidad. [244]
La actriz llevó una vida activa, según se informa nadaba y jugaba tenis todas las mañanas. [149] A los ochenta años todavía jugaba tenis regularmente, como se indica en su documental de 1993 All About Me . [28] También disfrutaba de la pintura, que se convirtió en una pasión más adelante en la vida. [245] Cuando se le preguntó sobre política, Hepburn le dijo a un entrevistador: "Siempre digo que esté del lado afirmativo y liberal. No sea una persona que diga 'no'". [5] La actitud anticomunista en el Hollywood de la década de 1940 la impulsó a la actividad política, ya que se unió al Comité para la Primera Enmienda . Su nombre fue mencionado en las audiencias del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara, pero Hepburn negó ser simpatizante comunista. [246] Más tarde en la vida, promovió abiertamente el control de la natalidad y apoyó el derecho legal al aborto . [28] [82] Se describió a sí misma como una " demócrata dedicada ". [247] Practicaba la teoría de Albert Schweitzer de " Reverencia por la vida ", pero no creía en la religión ni en el más allá. [248] [5] En 1991, Hepburn le dijo a un periodista: "Soy atea, y eso es todo. Creo que no hay nada que podamos saber, excepto que debemos ser amables unos con otros y hacer lo que podamos por otras personas". [249] Sus declaraciones públicas de estas creencias llevaron a la Asociación Humanista Americana a otorgarle el Premio de Artes Humanistas en 1985. [250]
A Hepburn le gustaba andar descalza y para su primer papel como actriz, en la obra "La mujer en la luna", insistió en que su personaje Pandora no debía usar zapatos. [251] [252] Fuera de la pantalla, generalmente vestía pantalones y sandalias , incluso para ocasiones formales, como entrevistas de televisión. [253] Ella dijo: "lo que me hizo dejar de usar faldas fue la situación de las medias... Por eso siempre he usado pantalones... de esa manera siempre puedes andar descalza". [254]
El único matrimonio de Hepburn fue con Ludlow Ogden Smith, un hombre de negocios de la alta sociedad de Filadelfia a quien conoció mientras estudiaba en Bryn Mawr. La pareja se casó el 12 de diciembre de 1928, cuando ella tenía 21 años y él 29. [255] Smith cambió su nombre a S. Ogden Ludlow a instancias de ella para que no fuera "Kate Smith", que ella consideraba demasiado simple. [33] Ella nunca se comprometió del todo con el matrimonio y priorizó su carrera. [255] La mudanza a Hollywood en 1932 consolidó el distanciamiento de la pareja. [256] Hepburn solicitó el divorcio en Yucatán el 30 de abril de 1934 y se concretó el 8 de mayo. [257] Hepburn a menudo expresó su gratitud hacia Smith por su apoyo financiero y moral en los primeros días de su carrera, y en su autobiografía se llamó a sí misma "una cerda terrible" por explotar su amor. [258] La pareja siguió siendo amiga hasta su muerte en 1979. [259]
Poco después de mudarse a California, Hepburn comenzó una relación con su agente, Leland Hayward , aunque ambos estaban casados. [65] Hayward le propuso matrimonio a la actriz después de que ambos se divorciaran, pero ella se negó, explicando más tarde: "Me gustaba la idea de ser yo misma y soltera". [260] El romance duró cuatro años. [261] En 1936, mientras estaba de gira con Jane Eyre, Hepburn comenzó una relación con el empresario Howard Hughes . Se lo había presentado un año antes a través de su amigo en común Cary Grant. [262] Hughes deseaba casarse con ella, y los tabloides informaron sobre sus inminentes nupcias, pero Hepburn se centró en resucitar su carrera en decadencia. [263] Se separaron en 1938, cuando Hepburn dejó Hollywood después de ser etiquetada como "veneno de taquilla". [264]
Hepburn se mantuvo firme en su decisión de no volver a casarse y tomó la decisión consciente de no tener hijos. Creía que la maternidad requería un compromiso de tiempo completo y dijo que no estaba dispuesta a hacerlo. [5] "Habría sido una madre terrible", le dijo a Berg, "porque básicamente soy un ser humano muy egoísta". [265] Sentía que había experimentado parcialmente la paternidad a través de sus hermanos mucho más jóvenes, lo que satisfizo cualquier necesidad de tener hijos propios. [266]
Desde la década de 1930 existen rumores de que Hepburn era lesbiana o bisexual , algo sobre lo que a menudo bromeaba. [267] En 2007, William J. Mann publicó una biografía de la actriz en la que argumentó que este era el caso. [268] En respuesta a esta especulación, su sobrina, Katharine Houghton, dijo: "Nunca he descubierto ninguna evidencia de que ella fuera lesbiana". [269] Sin embargo, en un documental de 2017, la columnista Liz Smith , que era una amiga cercana, [270] atestiguó que lo era. [271] [272]
La relación más importante de la vida de Hepburn fue con Spencer Tracy , su coprotagonista en nueve películas. En su autobiografía, escribió: "Fue un sentimiento único el que tuve por [Tracy]. Habría hecho cualquier cosa por él". [273] Lauren Bacall , una amiga cercana, escribió más tarde sobre cuán "cegativamente" enamorada estaba Hepburn del actor. [274] La relación ha sido posteriormente publicitada como uno de los amoríos legendarios de Hollywood. [219] [237] [275]
Hepburn y Tracy se conocieron en la MGM en 1941, cuando iban a empezar a rodar La mujer del año , cuando ella tenía 34 años y él 41. Al principio, Tracy desconfiaba de Hepburn, no le impresionaban sus uñas sucias y sospechaba que era lesbiana, pero Hepburn dijo que "supo de inmediato que [ella] lo encontraba irresistible". [276] Tracy permaneció casado durante toda su relación. Aunque él y su esposa, Louise , habían estado viviendo vidas separadas desde la década de 1930, nunca hubo una separación oficial y ninguna de las partes buscó el divorcio. [277] Hepburn no interfirió. [278]
Tracy estaba decidido a ocultarle a su esposa la relación con Hepburn, por lo que esta debía permanecer en privado. [279] Tenían cuidado de no ser vistos juntos en público y vivían en residencias separadas. [275] [280] Tracy sufría una grave adicción al alcohol y estaba extremadamente malhumorado y frecuentemente deprimido; Hepburn lo describió como "torturado", [281] y ella se dedicó a hacerle la vida más fácil. [282] Los informes de personas que los vieron juntos describen cómo cambiaba todo el comportamiento de Hepburn cuando estaba cerca de Tracy. [283] Se dice que ella lo trataba como una madre y lo obedecía, y él pronto se volvió dependiente de ella. [284] A menudo pasaban períodos significativos de tiempo separados debido a su trabajo, especialmente en la década de 1950, cuando Hepburn viajaba con frecuencia al extranjero por compromisos cinematográficos. [285]
El alcoholismo de Tracy afectó enormemente su salud y a principios de los años 1960, Hepburn se tomó un descanso de cinco años en su carrera para cuidarlo. [178] Se mudó a la casa de Tracy durante este período y estuvo con él cuando murió el 10 de junio de 1967. [286] Por consideración a la familia de Tracy, no asistió a su funeral. [287] Fue solo después de la muerte de Louise Tracy en 1983, que Hepburn comenzó a hablar públicamente sobre sus sentimientos por Tracy, aunque su relación había sido un secreto a voces durante muchos años. [288] En respuesta a la pregunta de por qué se quedó con Tracy durante tanto tiempo, a pesar de la naturaleza de su relación, dijo: "Sinceramente, no lo sé. Solo puedo decir que nunca podría haberlo dejado". [178] Afirmó no saber qué sentía él por ella y que "simplemente pasaron veintisiete años juntos en lo que para mí fue una felicidad absoluta". [289]
Hepburn declaró a sus ochenta años: "No tengo miedo a la muerte. Debe ser maravilloso, como un largo sueño". [28] Su salud comenzó a deteriorarse poco después de su última aparición en la pantalla, y fue hospitalizada en marzo de 1993 por agotamiento. [290] En el invierno de 1996, fue hospitalizada por neumonía . [291] Para 1997, se había vuelto muy débil y hablaba y comía muy poco, y se temía que muriera. [292] Mostró signos de demencia en sus últimos años. [293] Para el año 2000, su sobrina la consideraba una "persona privada". [294] En julio de 2001, fue ingresada en un hospital por neumonía y una infección del tracto urinario . [295] En mayo de 2003, se encontró un tumor agresivo en el cuello de Hepburn. Se tomó la decisión de no intervenir médicamente, [296] y ella murió de un paro cardíaco el 29 de junio de 2003, en la casa de la familia Hepburn en Fenwick, Connecticut . [297] Fue enterrada en el cementerio Cedar Hill en Hartford . Hepburn solicitó que no se celebrara ningún servicio conmemorativo. [298]
La muerte de Hepburn recibió una considerable atención pública. Se realizaron numerosos homenajes en televisión y periódicos y revistas dedicaron números a la actriz. [299] El presidente estadounidense George W. Bush dijo que Hepburn "será recordada como uno de los tesoros artísticos de la nación". [297] En honor a su extensa obra teatral, las luces de Broadway se atenuaron durante la noche del 1 de julio de 2003. [297]
En 2004, de acuerdo con los deseos de Hepburn, sus pertenencias fueron puestas a subasta en Sotheby's en la ciudad de Nueva York. El evento recaudó 5,8 millones de dólares, que Hepburn legó a su familia. [300]
"Sus mejores películas fueron aquellas en las que se la presentaba como una mujer altanera con ideas ligeramente pretenciosas, a menudo expresadas de manera cómica, sobre el mundo. Los hombres tenían que rebajarla y hacer que se revelara como una buena chica, deportista y democrática. Nos gustaba la idea de que la gente aristocrática se humanizara mediante valores democráticos; en su caso, mediante hombres un poco rudos y bondadosos". [177]
—El historiador y crítico de cine Richard Schickel explica el papel típico de Hepburn y su atractivo.
“Me gustaba el rostro de Katherine Hepburn en la pantalla, sin importar lo que se dijera sobre su pretenciosidad...”—El novelista F. Scott Fitzgerald en su libro The Crack-Up , abril de 1936 , Esquire [301]
Según los informes, Hepburn no era una actriz instintiva. [302] Le gustaba estudiar el texto y el personaje cuidadosamente de antemano, asegurándose de que los conocía a fondo, y luego ensayar tanto como fuera posible y filmar múltiples tomas de una escena. [185] Con una pasión genuina por la actuación, se comprometió mucho con cada papel [303] e insistió en aprender todas las habilidades necesarias y realizar las acrobacias ella misma. [304] Era conocida por aprender no solo sus propias líneas, sino también las de sus coprotagonistas. [305] Al comentar sobre su motivación, Stanley Kramer dijo: "Trabaja, trabaja, trabaja. Puede trabajar hasta que todos se caigan". [306] Hepburn se involucró en la producción de cada una de sus películas, haciendo sugerencias para el guion y expresando su opinión sobre todo, desde el vestuario hasta la iluminación y el trabajo de cámara. [307]
Los personajes que Hepburn interpretó fueron, con muy pocas excepciones, ricos e inteligentes, y a menudo fuertes e independientes. [308] Estos personajes duros tendían a ser humillados de alguna forma y revelaban tener una vulnerabilidad oculta. [309] Garson Kanin describió lo que llamó "la fórmula para el éxito de Hepburn: una chica de clase alta o engreída ... es traída a la tierra por un tipo terrenal, o un vulgar ... o una situación cataclísmica. Parece haber funcionado una y otra vez". [310] Debido a este arco de personaje repetido , Hepburn encarnó las "contradicciones" de la "naturaleza y el estatus de las mujeres", [311] y las mujeres fuertes que retrata son eventualmente "restauradas a una posición segura dentro del status quo". [312] La crítica de cine Molly Haskell ha comentado sobre la importancia de esto para la carrera de Hepburn: Con una presencia intimidante, era necesario que sus personajes "hicieran algún tipo de auto-humillación, para permanecer en el lado bueno de la audiencia". [82]
Hepburn es una de las actrices estadounidenses más celebradas, [313] pero también ha sido criticada por su falta de versatilidad. Su personaje en pantalla coincidía mucho con su propia personalidad real, algo que la propia Hepburn admitió. En 1991 le dijo a un periodista: "Creo que siempre soy la misma. Tenía una personalidad muy definida y me gustaba el material que mostraba esa personalidad". [275] El dramaturgo y autor David Macaray ha dicho: "Imagínense a Katharine Hepburn en cada película en la que haya actuado y pregúntense si no está interpretando, esencialmente, el mismo papel una y otra vez... Icono o no, no confundamos a una mujer verdaderamente fascinante y única con una actriz superior". [314] Otra crítica repetida es que su comportamiento era demasiado frío. [275]
Hepburn es considerada una figura cultural importante e influyente. Ros Horton y Sally Simmons la incluyeron en su libro Mujeres que cambiaron el mundo , que honra a 50 mujeres que ayudaron a dar forma a la historia y la cultura mundial. También aparece en la lista de la Enciclopedia Británica de las "300 mujeres que cambiaron el mundo", [233] en el libro de Ladies Home Journal Las 100 mujeres más importantes del siglo XX , [315] en la lista de la revista Variety de los "100 íconos del siglo", [316] y ocupa el puesto número 84 en la lista de VH1 de los "200 mayores íconos de la cultura pop de todos los tiempos". [317] En 1999, el American Film Institute nombró a Hepburn la " mayor leyenda de la pantalla estadounidense " entre las mujeres. [318]
En cuanto al legado cinematográfico de Hepburn, uno de sus biógrafos, Sheridan Morley , dijo que "rompió el molde" para las mujeres en Hollywood, [319] donde trajo una nueva generación de mujeres de voluntad fuerte a la pantalla. [233] El académico de cine Andrew Britton escribió una monografía que estudia la "presencia clave de Hepburn dentro del Hollywood clásico, una perturbación consistente y potencialmente radical", [312] y señala su influencia "central" al llevar temas feministas a la pantalla. [311]
Fuera de la pantalla, el estilo de vida de Hepburn se adelantó a su tiempo, [240] llegando a simbolizar a la "mujer moderna" y desempeñando un papel en el cambio de actitudes de género. [82] [320] Horton y Simmons escriben: "Confiada, inteligente e ingeniosa, la cuatro veces ganadora del Oscar Katharine Hepburn desafió las convenciones a lo largo de su vida profesional y personal ... Hepburn proporcionó una imagen de una mujer asertiva a la que [las mujeres] podían observar y de la que aprender". [321] Después de la muerte de Hepburn, la historiadora de cine Jeanine Basinger afirmó: "Lo que nos trajo fue un nuevo tipo de heroína: moderna e independiente. Era hermosa, pero no dependía de eso". [177] Mary McNamara, periodista de entretenimiento y crítica de Los Angeles Times escribió: "Más que una estrella de cine, Katharine Hepburn fue la santa patrona de la mujer estadounidense independiente". [82] Sin embargo, no fue venerada universalmente por las feministas, que se enojaron por sus declaraciones públicas de que las mujeres "no pueden tenerlo todo", es decir, una familia y una carrera. [82]
El legado de Hepburn se extiende a la moda, donde fue pionera en el uso de pantalones en una época en la que era un movimiento radical para una mujer. [322] Ayudó a que los pantalones fueran aceptables para las mujeres, y los fanáticos comenzaron a imitar su ropa. [219] [323] En 1986 recibió un premio a la trayectoria del Consejo de Diseñadores de Moda de Estados Unidos en reconocimiento a su influencia en la moda femenina. [219]
Varias de las películas de Hepburn se han convertido en clásicos del cine estadounidense, y cuatro de sus películas ( La reina de África , Historias de Filadelfia , Bringing Up Baby y Adivina quién viene esta noche ) figuran en la lista de las 100 mejores películas estadounidenses de todos los tiempos del American Film Institute . [324] La costilla de Adán y La mujer del año fueron incluidas en la lista de las mejores comedias estadounidenses del AFI . [325] Su voz entrecortada y patricia se considera una de las más distintivas de la historia del cine. [177]
Hepburn ha sido honrada con varios monumentos. La comunidad de Turtle Bay en la ciudad de Nueva York, donde mantuvo una residencia durante más de 60 años, dedicó un jardín en su nombre ubicado en la Plaza Dag Hammarskjöld en 1997. [326] Después de la muerte de Hepburn en 2003, la intersección de East 49th Street y 2nd Avenue pasó a llamarse "Katharine Hepburn Place". [327] Tres años después, Bryn Mawr College, el alma mater de Hepburn, inauguró el Centro Katharine Houghton Hepburn. Está dedicado tanto a la actriz como a su madre y alienta a las mujeres a abordar cuestiones importantes que afectan a su género. El centro otorga anualmente la Medalla Katharine Hepburn, que "reconoce a las mujeres cuyas vidas, trabajos y contribuciones encarnan la inteligencia, el impulso y la independencia de la actriz cuatro veces ganadora del Óscar" y cuyos ganadores del premio "son elegidos en base a su compromiso y contribuciones a las mayores pasiones de las mujeres Hepburn: el compromiso cívico y las artes". [328] El Centro de Artes Culturales Katharine Hepburn fue inaugurado en 2009 en Old Saybrook, Connecticut , la ubicación de la casa de playa de la familia Hepburn, que ella amaba y luego poseía. [329] El edificio incluye un espacio de actuación y un Museo Katharine Hepburn que presenta cartas personales, recuerdos de películas, vestuario y muchos efectos personales. [330]
La biblioteca de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas [331] y la Biblioteca Pública de Nueva York tienen colecciones de documentos personales de Hepburn. Selecciones de la colección de Nueva York, que documenta la carrera teatral de Hepburn, se presentaron en una exposición de cinco meses, Katharine Hepburn: In Her Own Files , en 2009. [332] Se han realizado otras exposiciones para mostrar la carrera de Hepburn. One Life: Kate, A Centennial Celebration se realizó en la National Portrait Gallery en Washington desde noviembre de 2007 hasta septiembre de 2008. [333] La Universidad Estatal de Kent exhibió una selección de su vestuario de cine y teatro desde octubre de 2010 hasta septiembre de 2011 en Katharine Hepburn: Dressed for Stage and Screen . [334] Hepburn también ha sido honrada con su propio sello postal como parte de la serie de sellos "Legends of Hollywood". [335] En 2015, el Instituto de Cine Británico realizó una retrospectiva de dos meses de la obra de Hepburn. [336]
Hepburn es el tema de una obra unipersonal, Tea at Five , escrita por Matthew Lombardo . El primer acto presenta a Hepburn en 1938, después de ser etiquetada como "veneno de taquilla", y el segundo acto en 1983, donde reflexiona sobre su vida y carrera. [337] Se estrenó en 2002 en el Hartford Stage. [338] Hepburn ha sido interpretada en Tea at Five por Kate Mulgrew , [337] Tovah Feldshuh , [339] Stephanie Zimbalist , [340] y Charles Busch . [341] Una versión revisada de la obra, eliminando el primer acto y ampliando el segundo, se estrenó el 28 de junio de 2019 en el Huntington Theatre de Boston con Faye Dunaway interpretando a Hepburn. Feldshuh también apareció como Hepburn en The Amazing Howard Hughes , una película para televisión de 1977, mientras que Mearle Ann Taylor la interpretó más tarde en The Scarlett O'Hara War (1980). En la película biográfica de Martin Scorsese sobre Howard Hughes , El aviador , Hepburn fue interpretada por Cate Blanchett , lo que le valió el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto . Esto marcó la primera instancia en la que la interpretación de una actriz ganadora del Premio de la Academia ganó un Premio de la Academia. [342]
Durante sus 66 años de carrera, Hepburn apareció en 44 largometrajes, 8 películas para televisión y 33 obras de teatro. Su carrera cinematográfica abarcó una variedad de géneros, incluidas comedias disparatadas , dramas de época y adaptaciones de obras de los mejores dramaturgos estadounidenses. Apareció en el escenario en cada década desde la década de 1920 hasta la de 1980, interpretando obras de Shakespeare y Shaw , y un musical de Broadway . [343] [344] [345]
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Hepburn ganó cuatro premios Óscar , el número récord para una intérprete, y recibió un total de 12 nominaciones al Óscar a Mejor Actriz , una cifra superada solo por Meryl Streep . [346] Hepburn también tiene el récord del mayor lapso de tiempo entre la primera y la última nominación al Óscar, con 48 años. [346] Recibió dos premios y cinco nominaciones de los Premios de Cine de la Academia Británica , un premio y seis nominaciones de los Premios Emmy , ocho nominaciones al Globo de Oro , dos nominaciones al Premio Tony y premios del Festival de Cine de Cannes , el Festival de Cine de Venecia , los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York , los Premios People's Choice y otros. Hepburn fue incluida en el Salón de la Fama del Teatro Americano en 1979. También ganó un premio a la trayectoria de los Screen Actors Guild Awards en 1979 y recibió el Kennedy Center Honors , que reconoce una vida de logros en las artes, en 1990. [347] [348]
Hepburn fue reconocida por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas por las siguientes actuaciones:
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