El arte chino es un arte visual que se originó o se practica en China, la Gran China o por artistas chinos. El arte creado por chinos que residen fuera de China también puede considerarse parte del arte chino cuando se basa o se basa en la cultura , el patrimonio y la historia chinos. El "arte de la Edad de Piedra " temprano se remonta al año 10.000 a. C. y consiste principalmente en cerámica y esculturas sencillas. Después de ese período, el arte chino, al igual que la historia china, se clasificó típicamente según la sucesión de dinastías gobernantes de emperadores chinos , la mayoría de las cuales duró varios cientos de años. El Museo del Palacio de Beijing y el Museo del Palacio Nacional de Taipei contienen extensas colecciones de arte chino. [1] [2]
El arte chino está marcado por un grado inusual de continuidad dentro de la tradición y de conciencia de ella, sin equivalente al colapso occidental y la recuperación gradual de los estilos de arte clásicos occidentales . Las artes decorativas son extremadamente importantes en el arte chino, y muchas de las mejores obras fueron producidas en grandes talleres o fábricas por artistas esencialmente desconocidos, especialmente en cerámica china .
Gran parte de los mejores trabajos en cerámica, textiles y lacas talladas fueron producidos durante un largo período por las diversas fábricas o talleres imperiales, que además de ser utilizados por la corte se distribuyeron internamente y en el extranjero a gran escala para demostrar la riqueza y el poder. de los Emperadores. Por el contrario, la tradición de la pintura con aguada , practicada principalmente por eruditos-funcionarios y pintores de la corte, especialmente de paisajes , flores y pájaros, desarrolló valores estéticos dependiendo de la imaginación individual y la observación objetiva del artista que son similares a los del artista. Occidente, pero son mucho anteriores a su desarrollo allí. Después de que los contactos con el arte occidental se hicieran cada vez más importantes a partir del siglo XIX, en las últimas décadas China ha participado con creciente éxito en el arte contemporáneo mundial .
Las primeras formas de arte en China se encuentran en la cultura neolítica Yangshao , que se remonta al VI milenio antes de Cristo. Hallazgos arqueológicos como los de Banpo han revelado que los Yangshao hacían cerámica; Las primeras cerámicas no estaban pintadas y, en la mayoría de los casos, estaban marcadas con cordones. Las primeras decoraciones fueron peces y rostros humanos, pero con el tiempo evolucionaron hacia diseños abstractos geométricos simétricos, algunos pintados.
La característica más distintiva de la cultura Yangshao fue el uso extensivo de cerámica pintada, especialmente diseños geométricos, animales y faciales humanos. A diferencia de la cultura Longshan posterior , la cultura Yangshao no utilizó tornos de alfarería en la fabricación de alfarería. Las excavaciones han descubierto que los niños fueron enterrados en vasijas de cerámica pintadas.
La cultura Liangzhu fue la última cultura neolítica de jade en el delta del río Yangtze y estuvo espaciada a lo largo de un período de aproximadamente 1.300 años. El jade de esta cultura se caracteriza por grandes jades rituales finamente trabajados, como cilindros Cong , discos Bi , hachas Yue, así como colgantes y decoraciones en forma de placas cinceladas caladas, platos y representaciones de pequeños pájaros, tortugas y peces. El jade Liangzhu tiene un aspecto blanco lechoso parecido a un hueso debido a su origen en roca tremolita y a la influencia de los fluidos a base de agua en los lugares de enterramiento.
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La Edad del Bronce en China comenzó con la dinastía Xia . Se han recuperado ejemplos de este período de las ruinas de la cultura Erlitou , en Shanxi, e incluyen objetos utilitarios complejos pero sin adornos. En la siguiente dinastía Shang, se elaboraron objetos más elaborados, incluidos muchos vasos rituales. Los Shang son recordados por su fundición de bronce, destacada por su claridad de detalle. Los bronceadores Shang generalmente trabajaban en fundiciones fuera de las ciudades para fabricar vasijas rituales y, a veces, también armas y accesorios para carros. Las vasijas de bronce eran receptáculos para almacenar o servir diversos sólidos y líquidos utilizados en la realización de ceremonias sagradas. Algunas formas como el ku y el jue pueden ser muy elegantes, pero las piezas más poderosas son el ding , a veces descrito como un "aire de majestad feroz".
Es típico del estilo Shang desarrollado que todo el espacio disponible esté decorado, la mayoría de las veces con formas estilizadas de animales reales e imaginarios. El motivo más común es el taotie , que muestra un ser mitológico presentado frontalmente como aplastado en un plano horizontal para formar un diseño simétrico. El significado inicial de taotie no está claro, pero existían mitos al respecto alrededor de finales de la dinastía Zhou . Se le consideraba de diversas maneras un hombre codicioso desterrado para proteger un rincón del cielo contra los monstruos malvados; o un monstruo equipado sólo con una cabeza que intenta devorar a los hombres pero sólo se daña a sí mismo.
La función y apariencia de los bronces cambiaron gradualmente de los Shang a los Zhou. Pasaron de usarse en ritos religiosos a propósitos más prácticos. En el período de los Reinos Combatientes , las vasijas de bronce se habían convertido en objetos de disfrute estético. Algunas estaban decoradas con escenas sociales, como las de un banquete o una cacería; mientras que otros mostraban patrones abstractos con incrustaciones de oro, plata o piedras preciosas y semipreciosas.
Los artefactos de bronce también tienen un significado y un papel importantes en la dinastía Han. La gente los usaba con fines funerarios que reflejan las cualidades estéticas y artísticas de la dinastía Han. [5] Muchas vasijas de bronce excavadas en tumbas en la provincia de Jiangsu, China, tienen varias formas, como Ding, Hu y Xun, que representan al esteta tradicional chino. [5] Estas vasijas son representaciones clásicas de formas de arte celestial chino que desempeñan un papel importante en la comunicación de los antiguos chinos con los espíritus de sus antepasados. [5] Además de las vasijas, en la tumba de las familias reales Han en Jiangsu también se encuentran armas de bronce, artículos de uso diario e instrumentos musicales. Ser capaz de poner un juego completo de Bianzhong en la tumba de uno significa su estatus y clase en la dinastía Han, ya que este tipo particular de instrumento solo lo adquieren y poseen familias reales y adineradas. [5] Aparentemente, Bianzhong y la música también se utilizan como un camino para que los gobernantes Han se comuniquen con sus dioses. [5] La excavación de Bianzhong, un instrumento típico y real encontrado en la antigua China, enfatiza el desarrollo de sistemas musicales complejos en la dinastía Han. [5] El conjunto de Bianzhong puede variar en muchos casos; Por ejemplo, una excavación específica de Bianzhong de la provincia de Jiangsu incluye diferentes conjuntos de campanas, como las de Niuzhong y Yongzhong, y muchas de ellas aparecen en formas animales como el dragón, un animal espiritual tradicional chino. [5]
Los bronces Shang llegaron a ser apreciados como obras de arte desde la dinastía Song , cuando fueron coleccionados y apreciados no sólo por su forma y diseño sino también por las diversas pátinas verdes, azules, verdes e incluso rojizas creadas por la acción química mientras yacían enterrados en el suelo. suelo. El estudio de la fundición de bronce china temprana es un campo especializado de la historia del arte.
Durante el período Zhou se registran algunos intentos de escultura de la forma humana, pero ninguno fue naturalista. [8] Entre las pocas representaciones de este tipo conocidas en China antes de esa fecha: cuatro estatuillas de madera [9] de Liangdaicun (梁帶村) en Hancheng (韓城), Shaanxi , que posiblemente datan del siglo IX a. C.; dos figuras humanas de madera de extranjeros que posiblemente representen a portadores de sillas de manos de una tumba del estado de Qin en Longxian (隴縣), Shaanxi, de aproximadamente 700 a. C.; y más numerosas estatuillas de músicos de bronce del siglo V en una casa en miniatura de Shaoxing (紹興) en Zhejiang ; Un candelabro con forma humana del siglo IV procedente de la tumba real del condado de Pingshan (平山), Hebei . [10] El jinete de Taerpo es una figura de terracota Qin del Estado Guerrero de la era Zhou de una tumba en el cementerio de Taerpo (塔兒坡墓) cerca de Xianyang en Shaanxi , que data del siglo IV al III a.C. Se conoce otra estatuilla casi idéntica, procedente de la misma tumba. Los pequeños agujeros en sus manos sugieren que originalmente sostenía riendas en una mano y un arma en la otra. [11] Esta es la representación más antigua conocida de un soldado de caballería en China. [11]
Una rica fuente de arte en la China temprana fue el estado de Chu , que se desarrolló en el valle del río Yangtze. Las excavaciones de las tumbas de Chu han encontrado esculturas de madera pintadas, discos de jade, cuentas de vidrio, instrumentos musicales y una variedad de artículos lacados . Muchos de los objetos lacados están finamente pintados, de rojo sobre negro o de negro sobre rojo. Un yacimiento en Changsha , provincia de Hunan, ha revelado algunas de las pinturas sobre seda más antiguas descubiertas hasta la fecha.
El Ejército de Terracota , dentro del Mausoleo del Primer Emperador Qin, consta de más de 7.000 figuras de terracota de tamaño natural de guerreros y caballos enterrados con el autoproclamado primer Emperador de China Qin Shi Huang en 210-209 a.C. Las figuras fueron pintadas antes de ser colocadas en la bóveda. Los colores originales eran visibles cuando las piezas fueron desenterradas por primera vez. Sin embargo, la exposición al aire hizo que los pigmentos se desvanecieran, por lo que hoy las figuras desenterradas parecen de color terracota. Las figuras están en varias poses, incluyendo infantería de pie y arqueros arrodillados, así como aurigas con caballos. La cabeza de cada figura parece ser única y muestra una variedad de rasgos y expresiones faciales, así como estilos de cabello. El espectacular realismo que muestran las esculturas es una evidencia del avance del arte durante la dinastía Qin. [12]
Durante la dinastía Qin se desarrolló un instrumento musical llamado cítara Qin. Los componentes estéticos siempre han sido tan importantes como las partes funcionales de un instrumento musical en la historia de China. La cítara Qin tiene siete cuerdas. Aunque la cítara Qin a veces puede recordar a la gente tiempos corruptos de la historia, a menudo se la considera como una entrega de paz y armonía. [13]
Durante la dinastía Qin, la fuente china, los sistemas de medición y la moneda se estandarizaron para lograr una mayor unificación. [15] La Gran Muralla China se amplió como una construcción defensiva contra los intrusos del norte. [15]
La dinastía Han era conocida por los trajes funerarios de jade . Una de las representaciones más antiguas conocidas de un paisaje en el arte chino proviene de un par de paneles de puerta de tejas huecas de una tumba de la dinastía Han occidental cerca de Zhengzhou , que data del año 60 a. C. [16] Una escena de recesión de profundidad continua se transmite mediante el zigzag de líneas que representan caminos y muros de jardines, dando la impresión de que uno está mirando hacia abajo desde la cima de una colina. [16] Esta escena de paisaje artístico se creó mediante la impresión repetida de sellos estándar sobre la arcilla mientras aún estaba blanda y aún no cocida. [16] Sin embargo, la tradición más antigua conocida de la escena del arte paisajístico en el sentido clásico de pintura es una obra de Zhan Ziqian de la dinastía Sui (581–618).
Además de los artefactos de jade, el bronce es otro medio favorito de los artistas, ya que es duro y duradero. Los espejos de bronce se produjeron en masa durante la dinastía Han (206 a. C. - 220 d. C.), y casi todas las tumbas excavadas que han sido fechadas como dinastía Han tienen un espejo en el entierro. [17] La cara reflectante suele estar hecha de una composición de bronce, cobre, estaño y plomo. [17] La palabra "espejo" significa "reflejar" o "mirar" en chino, por lo que los espejos de bronce se han utilizado como un tropo para reflejar la realidad. [17] Los antiguos chinos creen que el espejo puede actuar como una representación de la realidad, lo que podría hacerlos más conscientes de la situación actual; Además, los espejos se utilizan como medio para transmitir o presentar un reflejo de acontecimientos pasados. [17] Los espejos de bronce fabricados en la dinastía Han siempre tienen decoraciones complejas en su lado no reflectante; algunos de ellos consisten en narrativas que cuentan historias. [17] Las narrativas mismas siempre reflejan las teorías comunes pero esenciales para la vida del pueblo Han. [18]
Las estatuillas de terracota se conocen desde hace mucho tiempo en China, pero no se conocen ejemplos de estatuas monumentales de piedra anteriores a las esculturas de piedra en el mausoleo de Huo Qubing (140-117 a. C.), un general del emperador Han Wudi que viajó al oeste. regiones para luchar contra los Xiongnu . [19] En fuentes literarias, solo hay un único registro de los siglos III y IV d.C. de un posible ejemplo anterior: dos supuestas estatuas de piedra monumentales de qilin (unicornios chinos) que se dice que fueron colocadas sobre la tumba del primer emperador Qin . Shihuang . [20] La más famosa de las estatuas de Huo Qubing es la de un caballo pisoteando a un guerrero Xiongnu . [19]
El Mausoleo de Huo Qubing (ubicado en Maoling , el Mausoleo de Han Wudi) cuenta con 15 esculturas de piedra más. Estos son menos naturalistas que el "Caballo pisoteando a un Xiongnu" y tienden a seguir la forma natural de la piedra, con detalles de las figuras que solo emergen en alto relieve. [21] Después de estos primeros intentos, el uso de estatuas de piedra monumentales solo se desarrollaría desde el final del Han occidental hasta el Han oriental. [22]
Las estatuas de piedra monumentales se convertirían en una forma de arte importante entre los siglos IV y VI d.C. con la aparición de la escultura budista monumental en China. [23]
El budismo llegó a China alrededor del siglo I d.C. (aunque existen algunas tradiciones sobre la visita de un monje a China durante el reinado de Asoka ), y hasta el siglo VIII se volvió muy activo y creativo en el desarrollo del arte budista, particularmente en la zona. de estatuaria. Al recibir esta religión lejana, China pronto incorporó fuertes rasgos chinos en su expresión artística.
Entre los siglos V y VI, las dinastías del Norte , bastante alejadas de las fuentes originales de inspiración, tendieron a desarrollar modos de representación más bien simbólicos y abstractos, con líneas esquemáticas. También se dice que su estilo es solemne y majestuoso. La falta de corporalidad de este arte, y su distancia del objetivo budista original de expresar el ideal puro de la iluminación de una manera accesible y realista, llevó progresivamente a una investigación hacia un mayor naturalismo y realismo, dando lugar a la expresión del arte budista Tang.
En la antigua China, la pintura y la caligrafía eran las artes más apreciadas en los círculos de la corte y eran producidas casi exclusivamente por aficionados, aristócratas y funcionarios eruditos, quienes eran los únicos que tenían tiempo libre para perfeccionar la técnica y la sensibilidad necesarias para una gran pincelada. Se pensaba que la caligrafía era la forma más elevada y pura de pintura. Los utensilios eran el pincel, elaborado con pelo de animal, y tinta negra elaborada con hollín de pino y cola animal. Tanto la escritura como la pintura se hacían sobre seda. Pero después de la invención del papel en el siglo I, la seda fue reemplazada gradualmente por un material nuevo y más barato. Los escritos originales de calígrafos famosos han sido muy valorados a lo largo de la historia de China y están montados en pergaminos y colgados en las paredes de la misma manera que las pinturas.
Wang Xizhi fue un famoso calígrafo chino que vivió en el siglo IV d.C. Su obra más famosa es el Lanting Xu , prefacio de una colección de poemas. La escritura se celebró a menudo como el punto culminante del "estilo de carrera" semicursivo en la historia de la caligrafía china.
Wei Shuo fue un conocido calígrafo de la dinastía Jin del Este que estableció reglas importantes sobre la escritura regular . Sus obras más conocidas incluyen la inscripción de la famosa concubina (名姬帖 Ming Ji Tie) y la inscripción de Wei-shi He'nan (衛氏和南帖 Wei-shi He'nan Tie).
Gu Kaizhi es un célebre pintor de la antigua China nacido en Wuxi . Escribió tres libros sobre teoría de la pintura: Sobre la pintura (畫論), Introducción de pinturas famosas de las dinastías Wei y Jin (魏晉名畫記) y Pintura de la montaña Yuntai (畫雲臺山記). Escribió: "En las pinturas de figuras, la ropa y las apariencias no eran muy importantes. Los ojos eran el espíritu y el factor decisivo". Tres de las pinturas de Gu aún sobreviven hoy en día: Admoniciones de la instructora a las damas de la corte , Ninfa del río Luo (洛神賦) y Mujeres sabias y benevolentes .
Hay otros ejemplos de pinturas de tumbas de la dinastía Jin. Esto incluye a los Siete Sabios del Bosque de Bambú, pintados en una pared de ladrillos de una tumba ubicada cerca de la moderna Nanjing y que ahora se encuentran en el Museo Provincial de Shaanxi. Cada una de las figuras está etiquetada y se muestra bebiendo, escribiendo o tocando un instrumento musical. Otras pinturas de las tumbas también representan escenas de la vida cotidiana, como hombres arando los campos con yuntas de bueyes.
Tras una transición bajo la dinastía Sui , la escultura budista de los Tang evolucionó hacia una expresión marcadamente realista. Como consecuencia de la apertura de la dinastía al comercio exterior y las influencias a través de la Ruta de la Seda , la escultura budista de la dinastía Tang asumió una forma bastante clásica, inspirada en el arte greco-budista de Asia Central.
Sin embargo, las influencias extranjeras empezaron a percibirse negativamente hacia el final de la dinastía Tang. En el año 845, el emperador Tang Wuzong prohibió todas las religiones "extranjeras" (incluido el cristianismo nestoriano , el zoroastrismo y el budismo) para apoyar el taoísmo indígena . Confiscó las posesiones budistas y obligó a la fe a pasar a la clandestinidad, afectando así el desarrollo ulterior de la religión y sus artes en China.
Las figuras de las tumbas de la dinastía Tang, de barro vidriado o pintado , son famosas y están bien representadas en museos de todo el mundo. La mayoría de las esculturas de madera Tang no han sobrevivido, aunque todavía se pueden ver representaciones del estilo internacional Tang en Nara , Japón. La longevidad de la escultura en piedra ha resultado mucho mayor. Algunos de los mejores ejemplos se pueden ver en Longmen , cerca de Luoyang , Yungang cerca de Datong y el templo Bingling en Gansu . Una de las pagodas budistas chinas más famosas es la Pagoda Gigante del Ganso Salvaje , construida en el año 652 d.C.
A partir de la dinastía Tang (618-907), el tema principal de la pintura era el paisaje, conocido como pintura shanshui (agua de montaña). En estos paisajes, normalmente monocromáticos y dispersos, el objetivo no era reproducir exactamente la apariencia de la naturaleza sino captar una emoción o una atmósfera para captar el "ritmo" de la naturaleza.
La pintura al estilo tradicional implicaba esencialmente las mismas técnicas que la caligrafía y se hacía con un pincel humedecido en tinta negra o de color; No se utilizaron aceites. Al igual que ocurre con la caligrafía, los materiales más populares sobre los que se realizaban pinturas eran el papel y la seda. Luego, las obras terminadas se montaban en rollos, que podían colgarse o enrollarse. La pintura tradicional también se realizó en álbumes, en paredes, lacados y otros medios.
Dong Yuan fue un pintor activo en el Reino Tang del Sur. Era conocido por sus pinturas de figuras y paisajes, y ejemplificó el estilo elegante que se convertiría en el estándar de la pintura con pincel en China durante los siguientes 900 años. Como ocurre con muchos artistas en China, su profesión era la de funcionario donde estudiaba los estilos existentes de Li Sixun y Wang Wei. Sin embargo, amplió la cantidad de técnicas, incluida una perspectiva más sofisticada, el uso del puntillismo y el rayado cruzado para crear un efecto vívido.
Zhan Ziqian fue pintor durante la dinastía Sui. Su único cuadro que existe es Paseando en primavera, montañas dispuestas en perspectiva. Dado que las pinturas de paisajes puros apenas se ven en Europa hasta el siglo XVII, Paseos en primavera bien puede ser la primera pintura de paisajes del mundo.
Durante la dinastía Song (960-1279), aparecieron paisajes de expresión más sutil; Se transmitieron distancias inconmensurables mediante el uso de contornos borrosos, contornos de montañas que desaparecían en la niebla y un tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. Se hizo hincapié en las cualidades espirituales de la pintura y en la capacidad del artista para revelar la armonía interior del hombre y la naturaleza, tal como se percibe según los conceptos taoístas y budistas .
Liang Kai fue un pintor chino que vivió en el siglo XIII (dinastía Song). Se hacía llamar "Madman Liang" y pasó su vida bebiendo y pintando. Finalmente, se jubiló y se convirtió en monje zen . A Liang se le atribuye la invención de la escuela Zen de arte chino. Wen Tong fue un pintor que vivió en el siglo XI. Era famoso por sus pinturas en tinta de bambú . Podía sostener dos pinceles en una mano y pintar simultáneamente dos bambúes distanciados diferentes. No necesitaba ver el bambú mientras los pintaba porque había visto muchos.
Zhang Zeduan fue un pintor notable por su pintura de paisajes y paisajes urbanos horizontales A lo largo del río durante el Festival Qingming . Se considera una de las pinturas más famosas de China y ha tenido muchas remakes conocidos a lo largo de la historia china. [24] Otras pinturas famosas incluyen Las fiestas nocturnas de Han Xizai , originalmente pintada por el artista Tang del Sur, Gu Hongzhong, en el siglo X, mientras que la versión más conocida de su pintura es una nueva versión de la dinastía Song del siglo XII. Este es un gran pergamino horizontal de una escena doméstica que muestra a hombres de la clase noble entretenidos por músicos y bailarines mientras disfrutan de comida, bebida y lavabos proporcionados por sirvientas. En 2000, el artista moderno Wang Qingsong creó una parodia de esta pintura con una fotografía larga y horizontal de personas vestidas con ropa moderna que hacían expresiones faciales, poses y gestos con las manos similares a los de la pintura original.
Con la caída de la dinastía Song en 1279 y la posterior dislocación causada por el establecimiento de la dinastía Yuan por los conquistadores mongoles , muchos artistas literarios y de la corte se retiraron de la vida social y regresaron a la naturaleza, a través de pinturas de paisajes y renovando la cultura. Estilo "azul y verde" de la era Tang. [25]
Wang Meng fue uno de esos pintores y una de sus obras más famosas es la Gruta del Bosque . Zhao Mengfu fue un erudito, pintor y calígrafo chino durante la dinastía Yuan . Se considera que su rechazo de la pincelada refinada y suave de su época en favor del estilo más crudo del siglo VIII provocó una revolución que creó la pintura de paisaje china moderna. También estaban las vívidas y detalladas obras de arte de Qian Xuan (1235-1305), que había servido en la corte Song y, por patriotismo, se negó a servir a los mongoles y se dedicó en cambio a la pintura. También fue famoso por revivir y reproducir un estilo de pintura más de la dinastía Tang.
La última dinastía Yuan se caracteriza por el trabajo de los llamados "Cuatro Grandes Maestros". El más notable de ellos fue Huang Gongwang (1269-1354), cuyos paisajes frescos y sobrios fueron admirados por sus contemporáneos y por los pintores literatos chinos de siglos posteriores. Otro de gran influencia fue Ni Zan (1301-1374), quien frecuentemente disponía sus composiciones con un primer plano y un fondo fuertes y distintos, pero dejaba el término medio como una extensión vacía. Este esquema fue adoptado con frecuencia por pintores posteriores de las dinastías Ming y Qing . [25]
La porcelana china está hecha de una pasta dura hecha de arcilla caolín y un feldespato llamado petuntse , que cementa el recipiente y sella los poros. China se ha convertido en sinónimo de porcelana de alta calidad. La mayoría de las vasijas de porcelana provienen de la ciudad de Jingdezhen, en la provincia de Jiangxi . La porcelana Jingdezhen , bajo diversos nombres, ha sido fundamental para la producción de porcelana en China desde al menos la dinastía Yuan.
Bajo la dinastía Ming , la cultura china floreció. La pintura narrativa, con una gama de colores más amplia y una composición mucho más recargada que las pinturas Song, fue inmensamente popular durante la época.
Wen Zhengming (1470-1559) desarrolló el estilo de la escuela Wu en Suzhou , que dominó la pintura china durante el siglo XVI. [26]
La cultura europea comenzó a tener un impacto en el arte chino durante este período. El sacerdote jesuita Matteo Ricci visitó Nanjing con muchas obras de arte occidentales, que influyeron al mostrar diferentes técnicas de perspectiva y sombreado. [27]
La dinastía Qing temprana se desarrolló en dos corrientes principales: la escuela ortodoxa y los pintores individualistas, los cuales siguieron las teorías de Dong Qichang, pero enfatizaron aspectos muy diferentes. [28]
Los " Cuatro Wangs ", incluidos Wang Jian (1598-1677) y Wang Shimin (1592-1680), fueron particularmente reconocidos en la escuela ortodoxa y buscaron inspiración para recrear los estilos pasados, especialmente las habilidades técnicas en las pinceladas y la caligrafía de la antigüedad. maestros. El joven Wang Yuanqi (1642-1715) ritualizó el enfoque de interactuar con la obra de un antiguo maestro e inspirarse en ella. Sus propias obras a menudo estaban comentadas con sus teorías sobre cómo se relaciona su pintura con el modelo del maestro. [29]
Los pintores individualistas incluyeron a Bada Shanren (1626-1705) y Shitao (1641-1707). Se inspiraron más en las ideas revolucionarias de trascender la tradición para lograr estilos individualistas originales; de esta manera seguían más fielmente el camino de Dong Qichang que la escuela ortodoxa (que eran sus seguidores directos oficiales) [30] .
Los pintores fuera de las tradiciones literato-eruditas y aristocráticas también ganaron renombre, y algunos artistas crearon pinturas para venderlas por dinero. Entre ellos se encontraba Ma Quan (finales del siglo XVII y XVIII), que representaba flores, pájaros e insectos comunes que no eran temas típicos entre los eruditos. Sin embargo, estos pintores no estaban separados de las escuelas formales de pintura, sino que por lo general estaban bien versados en estilos y técnicas artísticas. Ma Quan, por ejemplo, modeló su pincelada a partir de ejemplos de la dinastía Song. [31] Simultáneamente, la técnica sin hueso ( chino :沒骨畫), que se cree que se originó como un paso preparatorio al pintar imágenes con líneas doradas durante la época Tang, fue continuada por pintores como Yun Shouping (1633-1690) y su descendiente Yun. Bing . [32]
A medida que se fueron perfeccionando las técnicas de impresión en color, comenzaron a publicarse manuales ilustrados sobre el arte de la pintura. Jieziyuan Huazhuan (Manual del jardín de semillas de mostaza), una obra de cinco volúmenes publicada por primera vez en 1679, se ha utilizado desde entonces como libro de texto técnico para artistas y estudiantes.
Los Nianhua eran una forma de grabados en madera de colores en China, que representaban imágenes para decoración durante el Año Nuevo chino . En el siglo XIX, los Nianhua se utilizaban como medios de comunicación.
La Escuela de Shanghai es una escuela china de artes tradicionales muy importante durante la dinastía Qing y el siglo XX. Gracias a los esfuerzos de los maestros de esta escuela, el arte tradicional chino alcanzó otro clímax y continuó hasta el presente en formas de pintura china (中國畫), o guohua (國畫), para abreviar. La Escuela de Shanghai desafió y rompió la tradición literaria del arte chino, al mismo tiempo que rindió homenaje técnico a los antiguos maestros y mejoró las técnicas tradicionales existentes. Los miembros de esta escuela eran ellos mismos literatos educados que habían llegado a cuestionar su estatus mismo y el propósito del arte, y habían anticipado la inminente modernización de la sociedad china. En una era de rápidos cambios sociales, las obras de la Escuela de Shanghai fueron muy innovadoras y diversas, y a menudo contenían comentarios sociales reflexivos pero sutiles. Las figuras más conocidas de esta escuela son Ren Xiong , Ren Bonian , Zhao Zhiqian , Wu Changshuo , Sha Menghai , Pan Tianshou , Fu Baoshi , He Tianjian y Xie Zhiliu . Otros pintores conocidos incluyen a Wang Zhen , Xugu , Zhang Xiong, Hu Yuan y Yang Borun .
La pintura tradicional china, al igual que la caligrafía china , se realiza con un pincel mojado en tinta negra o de colores ; No se utilizan aceites. Al igual que ocurre con la caligrafía, los materiales más populares con los que se realizan las pinturas son el papel y la seda. La obra terminada se puede montar sobre pergaminos, como pergaminos colgantes o pergaminos . La pintura tradicional también se puede realizar en hojas de álbumes, paredes, lacas , biombos y otros soportes.
Las dos técnicas principales de la pintura china son:
Los artistas de las dinastías Han a Tang pintaron principalmente la figura humana. Gran parte de lo que se sabe sobre la pintura de figuras china temprana proviene de cementerios, donde se conservaban pinturas en pancartas de seda, objetos lacados y paredes de tumbas. Muchas de las primeras pinturas de tumbas estaban destinadas a proteger a los muertos o ayudar a sus almas a llegar al paraíso. Otros ilustraban las enseñanzas del filósofo chino Confucio o mostraban escenas de la vida cotidiana. La mayoría de los retratos chinos mostraban una vista frontal formal de cuerpo entero y se utilizaban en la familia en veneración a los antepasados . Los retratos imperiales eran más flexibles, pero generalmente no se veían fuera de la corte, y los retratos no formaban parte de la propaganda imperial, como en otras culturas.
Muchos críticos consideran que el paisaje es la forma más elevada de pintura china. El período comprendido entre el período de las Cinco Dinastías y el período Song del Norte (907-1127) se conoce como la "Gran época del paisaje chino". En el norte, artistas como Jing Hao , Li Cheng , Fan Kuan y Guo Xi pintaron cuadros de montañas imponentes, utilizando fuertes líneas negras, aguadas de tinta y pinceladas punteadas y nítidas para sugerir rocas rugosas. En el sur, Dong Yuan, Juran y otros artistas pintaron las colinas y los ríos de su campo natal en escenas pacíficas realizadas con pinceladas más suaves y frotadas. Estos dos tipos de escenas y técnicas se convirtieron en los estilos clásicos de la pintura de paisajes china.
Los bronces rituales chinos de las dinastías Shang y Zhou occidental provienen de un período de más de mil años desde c. 1500 a. C. y han ejercido una influencia continua sobre el arte chino. Están moldeados con una decoración zoomorfa y con motivos complejos , pero evitan la figura humana, a diferencia de las enormes figuras descubiertas recientemente en Sanxingdui . [37] El espectacular ejército de terracota se reunió para la tumba de Qin Shi Huang , el primer emperador de una China unificada del 221 al 210 a. C., como una gran versión imperial de las figuras colocadas durante mucho tiempo en las tumbas para permitir que los difuntos disfrutaran del mismo. estilo de vida en el más allá como en vida, reemplazando los sacrificios reales de períodos muy tempranos. Figuras más pequeñas de cerámica o madera se colocaron en las tumbas durante muchos siglos después, alcanzando un pico de calidad en las figuras de las tumbas de la dinastía Tang . [38]
Las religiones nativas chinas no suelen utilizar imágenes de culto a deidades, ni siquiera representarlas, y las grandes esculturas religiosas son casi todas budistas, datan principalmente del siglo IV al XIV y utilizan inicialmente modelos greco-budistas que llegan a través de la Ruta de la Seda . El budismo es también el contexto de todos los grandes retratos escultóricos; A diferencia de otras zonas de la China medieval, incluso las imágenes pintadas del emperador se consideraban privadas. Las tumbas imperiales tienen espectaculares avenidas de acceso bordeadas de animales reales y mitológicos en una escala que coincide con la de Egipto, y versiones más pequeñas decoran templos y palacios. [39] Se produjeron pequeñas figuras y grupos budistas de muy alta calidad en una variedad de medios, [40] al igual que la decoración en relieve de todo tipo de objetos, especialmente en metalistería y jade . [41] Los escultores de todo tipo eran considerados artesanos y se registran muy pocos nombres. [42]
La cerámica china muestra un desarrollo continuo desde los períodos predinásticos y es una de las formas más importantes del arte chino. China está ricamente dotada de las materias primas necesarias para fabricar cerámica. Los primeros tipos de cerámica se fabricaron durante el Paleolítico , y en períodos posteriores van desde materiales de construcción como ladrillos y tejas, hasta vasijas de cerámica hechas a mano y cocidas en hogueras u hornos, hasta los sofisticados artículos de porcelana china fabricados para la corte imperial. La mayoría de las cerámicas chinas posteriores, incluso las de mejor calidad, se fabricaron a escala industrial, por lo que se conocen muy pocos alfareros o pintores individuales. Muchos de los talleres más renombrados eran propiedad del Emperador o estaban reservados para él, y desde una fecha temprana se exportaron grandes cantidades de cerámica como obsequios diplomáticos o con fines comerciales.
Además de la porcelana, se trabajaban y decoraban con gran maestría una amplia gama de materiales de mayor valor para diversos usos o simplemente para exhibición. [41] Al jade chino se le atribuyeron poderes mágicos y se utilizó en las Edades de Piedra y Bronce para versiones grandes y poco prácticas de armas y herramientas cotidianas, así como para bidiscos y vasijas cong . [43] Posteriormente se tallaron en jade una serie de objetos y pequeñas esculturas, una técnica difícil y que requería mucho tiempo. Bronce, oro y plata, cuerno de rinoceronte , seda china , marfil, laca y laca tallada , esmalte cloisonné y muchos otros materiales contaron con artistas especializados trabajando en ellos. El cloisonné experimentó un interesante proceso de hibridación artística en China, particularmente en las piezas promovidas por los misioneros y las comunidades cristianas chinas. [44]
Los biombos plegables ( chino :屏風; pinyin : píngfēng ) suelen estar decorados con hermosas obras de arte; Los temas principales incluyen mitología, escenas de la vida palaciega y la naturaleza. Para la fabricación de biombos se utilizan materiales como paneles de madera, papel y seda. Se consideraban adornos ideales para que muchos pintores exhibieran sus pinturas y caligrafía. [45] [46] Muchos artistas pintaron sobre papel o seda y lo aplicaron sobre el biombo. [45] Había dos biombos artísticos distintos mencionados en la literatura histórica de la época.
La arquitectura china se refiere a un estilo arquitectónico que ha ido tomando forma en el este de Asia durante muchos siglos. Especialmente Japón, Corea, Vietnam y Ryukyu. Los principios estructurales de la arquitectura china se han mantenido prácticamente sin cambios, siendo los principales cambios sólo los detalles decorativos. Desde la dinastía Tang, la arquitectura china ha tenido una gran influencia en los estilos arquitectónicos de Corea, Vietnam y Japón.
De la cultura Longshan de la era Neolítica y la cultura Erlitou de la era de la Edad del Bronce , existen las primeras fortificaciones de tierra apisonada , con evidencia de arquitectura de madera . Las ruinas subterráneas del palacio de Yinxu se remontan a la época Shang. En la China histórica, el énfasis arquitectónico se puso en el eje horizontal, en particular la construcción de una plataforma pesada y un gran techo que flota sobre esta base, sin enfatizar demasiado las paredes verticales. Esto contrasta con la arquitectura occidental, que tiende a crecer en altura y profundidad. La arquitectura china destaca el impacto visual del ancho de los edificios. La desviación de este estándar es la arquitectura de torres de la tradición china, que comenzó como una tradición nativa [ cita necesaria ] y finalmente fue influenciada por el edificio budista para albergar los sutras religiosos , la estupa , que vino de Nepal. Las representaciones de modelos de tumbas chinas antiguas de torres residenciales de varios pisos y torres de vigilancia datan de la época Han. Sin embargo, la pagoda budista china más antigua que existe es la Pagoda Songyue , una torre de ladrillo de base circular de 40 m (131 pies) de altura construida en Henan en el año 523 d.C. A partir del siglo VI, las estructuras con base de piedra se vuelven más comunes, mientras que las Los primeros provienen de arcos de piedra y ladrillo encontrados en tumbas de la dinastía Han. El puente Zhaozhou, construido entre el 595 y el 605 d.C., es el puente de piedra más antiguo que existe en China, así como el puente de arco segmentario de enjuta abierta totalmente de piedra más antiguo del mundo .
El oficio vocacional de arquitecto, artesano e ingeniero no era tan respetado en la sociedad china premoderna como el de los eruditos-burócratas que fueron reclutados para el gobierno mediante el sistema de exámenes de la función pública . Gran parte del conocimiento sobre la arquitectura china temprana se transmitió de un comerciante a su hijo o aprendiz asociativo. Sin embargo, hubo varios tratados antiguos sobre arquitectura en China, con información enciclopédica sobre arquitectura que se remonta a la dinastía Han. El apogeo de la tradición arquitectónica clásica china en escritura e ilustración se puede encontrar en el Yingzao Fashi , un manual de construcción escrito en 1100 y publicado por Li Jie (1065-1110) en 1103. En él hay numerosas y meticulosas ilustraciones y diagramas que muestran el montaje de naves y componentes constructivos, así como la clasificación de tipos de estructuras y componentes constructivos.
Había ciertas características arquitectónicas que estaban reservadas únicamente para los edificios construidos para el Emperador de China. Un ejemplo es el uso de tejas amarillas; Habiendo sido el amarillo el color imperial, las tejas amarillas todavía adornan la mayoría de los edificios dentro de la Ciudad Prohibida . El Templo del Cielo , sin embargo, utiliza tejas azules para simbolizar el cielo. Los techos casi siempre están sostenidos por ménsulas, una característica que sólo comparten los edificios religiosos más grandes. Las columnas de madera de los edificios, así como la superficie de las paredes, tienden a ser de color rojo.
Muchos diseños arquitectónicos chinos actuales siguen estilos posmodernos y occidentales .
Chinoiserie es la interpretación e imitación europea de las tradiciones artísticas chinas y de Asia oriental, especialmente en las artes decorativas , el diseño de jardines , la arquitectura , la literatura, el teatro y la música. [47] La estética de Chinoiserie se ha expresado de diferentes maneras según la región. Está relacionado con la corriente más amplia del orientalismo , que estudió las culturas del Lejano Oriente desde un punto de vista histórico, filológico, antropológico, filosófico y religioso. Esta tendencia, que apareció por primera vez en el siglo XVII, se popularizó en el siglo XVIII debido al aumento del comercio con China y Asia Oriental. [48]
Como estilo, la chinoiserie está relacionada con el estilo rococó . [49] Ambos estilos se caracterizan por una decoración exuberante, asimetría, un enfoque en los materiales y una naturaleza estilizada y temas que se centran en el ocio y el placer. Chinoiserie se centra en temas que los europeos de la época colonial consideraban típicos de la cultura china.
El movimiento para modernizar el arte chino comenzó hacia el final de la dinastía Qing. La forma de arte tradicional comenzó a perder su atractivo a medida que la estructura feudal de la sociedad se disolvía. La visión moderna del mundo tenía que expresarse de otra forma. Las exploraciones siguieron dos caminos principales: uno era aprovechar el pasado para enriquecer el presente (汲古潤今)*, el otro era "aprender los nuevos métodos" (學習新法).* [50]
El arte literario para la élite social no resultaba atractivo para los mecenas burgueses. Wu Changshuo (1844-1927) fue uno de los artistas radicados en Shanghai responsables de las flores y plantas como tema. Sus pinturas utilizaban colores llamativos y pinceladas enérgicas, haciéndolas más accesibles al público en general. Qi Baishi (1864-1957) pintó imágenes como cangrejos y camarones que eran aún más accesibles para la gente común. Huang Binhong (1865-1955) denunció las pinturas de los literatos de la dinastía Qing y creó su propio estilo de pinturas de paisajes mediante extensas investigaciones en la historia del arte chino. Zhang Daqian (1899-1983) utilizó pinturas murales en las cuevas de Dunhuang (敦煌) para ayudarle a ir más allá de la tradición literaria.
La Escuela Lingnan (岭南画派) tomó algunos préstamos del lenguaje del arte occidental en sus pinturas con tinta. Gao Jianfu (1879-1951), uno de los fundadores de la escuela Lingnan, participó activamente en el movimiento revolucionario de Sun Yat-sen (1866-1925). Fue innovador porque pretendía utilizar sus pinturas para resaltar cuestiones nacionales, un medio para un cambio positivo en la sociedad.
Un cambio de estilo más radical comenzó con Kang Youwei (1858-1927), un reformador que admiraba el arte más basado en la realidad de la dinastía Song. Creía que el arte chino podría rejuvenecerse empleando las técnicas artísticas europeas orientadas a la realidad. Xu Beihong (1895-1953) tomó en serio esta idea y fue a París para adquirir las habilidades necesarias. Liu Haisu (1896-1994), por otra parte, fue a Japón para aprender técnicas occidentales. Tanto Xu como Liu se convirtieron en presidentes de prestigiosas escuelas de arte, inculcando nuevos conceptos y habilidades en la próxima generación de artistas. Cai Yuanpei (1868-1940) fue uno de los líderes del " Movimiento de la Nueva Cultura " (新文化运动). Los involucrados creían que las actividades intelectuales deberían beneficiar a todos, no sólo a las élites. Lin Fengmian (1900-1991) adoptó la creencia de Cai de que el arte podía desempeñar un papel público y socialmente reformista .
Junto con Yan Wenliang (1893-1988), Xu, Liu y Lin fueron considerados los "Cuatro Grandes Presidentes de la Academia" (四大校長), quienes encabezaron el movimiento nacional de arte moderno. Sin embargo, la agitación posterior causada por la guerra chino-japonesa y la guerra civil no permitió que este movimiento creciera. El movimiento de arte moderno chino después de la guerra se desarrolló de manera diferente en las cuatro regiones: el continente, Taiwán, Hong Kong y el extranjero.
La era de la posguerra abarca aproximadamente desde 1949, el fin de la guerra civil china, hasta 1976, la apertura de China continental al mundo exterior.
La era de la posguerra en China continental podría dividirse en dos períodos: de 1949 a 1966 se le llama generalmente "Los 17 años"; 1966 a 1976 es el período de la "Revolución Cultural".
Los artistas chinos adoptaron el realismo social como forma de expresión; fue una combinación de realismo revolucionario y romanticismo revolucionario. Las obras de arte no se valoraban en sus propios términos, sino que estaban subordinadas a un propósito político. Según Mao Zedong , el arte debería ser un "arma poderosa para unir y educar al pueblo, luchar y destruir al enemigo". Alabar a los líderes políticos y celebrar los logros del socialismo se convirtió en el tema de todas las obras de arte. Las formas de arte occidental, incluido el cubismo , el fauvismo , la abstracción y el expresionismo , se consideraron superficiales y se clasificaron como formalismo.
El mayor golpe al arte fue la Campaña Antiderechista de 1957. Los artistas etiquetados como derechistas fueron despojados de su derecho a crear e incluso de sus empleos, y peor aún, la posición social de los artistas y sus familias fue colocada en el nivel más bajo. , provocando un gran sufrimiento mental.
Algunas pinturas influyentes de este período son:
Estos diez años también podrían denominarse "Diez años de calamidad" (十年浩劫). Para destruir todo lo que sustentaba el antiguo orden social, se devastaron y quemaron innumerables templos, sitios históricos, obras de arte y libros. Durante este período, el retrato de Mao y los carteles propagandísticos de la revolución estaban por todas partes. Todo lo que se sospechaba remotamente que estaba fuera de lugar era destruido y la persona detrás de ello era procesada. Por ejemplo, Owl de Huang Youyu tenía un ojo abierto y otro cerrado; se consideró una expresión de descontento con los acontecimientos actuales. La pintura de Zong Qixiang, que muestra tres tigres, fue considerada crítica con el líder Lin Biao, cuyo nombre contenía un personaje que tenía tres tigres. Residual Lotus de Li Kuchan tenía ocho flores de loto; se consideró crítico con las ocho películas aprobadas por los comunistas (样板戏). Muchos artistas destacados fueron perseguidos durante esta época. Por ejemplo, Yan, Xu, Liu y Lin, los "Cuatro Grandes Presidentes de la Academia" 四大校長 (a excepción de Xu, que murió antes de la Revolución Cultural), fueron procesados y encarcelados, y todo su trabajo fue destruido durante este tiempo. Sin embargo, a pesar del difícil entorno, se crearon algunas pinturas dignas de mención. Los siguientes son algunos ejemplos:
Hong Kong fue una colonia británica de 1842 a 1997. Las organizaciones artísticas locales estaban dirigidas en su mayoría por occidentales que superaban en número a los pintores chinos hasta una gran migración de chinos del sur de China durante la guerra chino-japonesa. Después de la guerra se crearon escuelas de arte innovadoras. Las muestras organizadas por artistas locales comenzaron a principios de los años 1960. Después de una reacción contra las prácticas artísticas tradicionales occidentales de las décadas de 1940 y 1950, se realizaron algunas obras experimentales que combinaban técnicas occidentales y orientales. Luego vino el llamado a regresar al arte tradicional chino y a la creación de formas de arte que Hong Kong pudiera considerar propias. La tendencia fue liderada por Lui Shou Kwan . Algunos conceptos occidentales se incorporaron a sus pinturas en tinta china. [51]
Muchos artistas chinos fueron a estudiar arte occidental a París a principios del siglo XX, por ejemplo: Fang Ganmin (方幹民), Wu Dayu (吳大羽), Ong Schan Tchow (翁占秋), Lin Fengmian (林風眠), Yan Wenliang (顏文樑), Wu Guanzhong (吳冠中), Zao Wou-Ki (趟無極). Todos excepto Zao completaron su educación antes de 1949 y regresaron para convertirse en líderes del movimiento de arte moderno. (Zao estuvo en París en 1949 y no regresó). Algunos artistas chinos se quedaron allí debido al rico ambiente artístico internacional, por ejemplo: Sanyu , Pan Yuliang (潘玉良), Chu Teh-Chun (朱德群). Zao, Sanyu, Pang y Chu tuvieron espectáculos en París y la República. Todas sus pinturas tenían diversos grados de elementos chinos. Estos artistas no sólo tuvieron una profunda influencia en el arte moderno chino, sino que también continuaron acercando a los parisinos al arte moderno del Este. [52]
Li Tiefu (1869-1952) fue un consumado pintor al óleo educado en Canadá y Estados Unidos. Participó activamente en el movimiento revolucionario de Sun Yat-sen (1866-1925).
Zeng Youhe曾佑和(1925-2017) [53] nació en Beijing. Comenzó a recibir reconocimiento internacional en 1946, cuando Michael Sullivan comenzó a elogiar y escribir sobre su trabajo. Zeng se mudó a Honolulu en 1949 y visitó Hong Kong y Taiwán en 1960. Como las del Grupo Quinta Luna (五月畫會), sus pinturas eran abstractas; pero el sabor de las pinturas tradicionales con tinta china no era tan pronunciado.
Debido a su historia, el arte tradicional chino no tiene fuertes raíces en Taiwán. Las formas de arte en Taiwán eran generalmente decorativas, hasta que los jóvenes que crecieron bajo la ocupación japonesa recibieron educación artística formal en Japón. Sin la carga de las formas de arte tradicionales, su exploración generalmente siguió el camino de "aprender los nuevos métodos" (學習新法). Cuando los nacionalistas llegaron a Taiwán, un grupo de jóvenes ambiciosos que vinieron con los nacionalistas continuaron el movimiento de arte moderno. Los más notables fueron el Fifth Moon Group (五月畫會) y el Ton-Fan Art Group (東方畫會). [ cita necesaria ]
Los miembros originales del grupo eran alumnos con especialización en arte de la Academic Teachers College (師範大學), la única universidad con especialización en arte en ese momento. Su primera intención era mostrar que el esfuerzo por crear arte nuevo valía la pena en sí mismo, incluso si no mejoraba directamente la pedagogía del arte. Posteriormente, se convirtió en un movimiento para modernizar el arte chino.
Los miembros del Grupo Quinta Luna estudiaron los movimientos artísticos occidentales y concluyeron que la forma de arte abstracto era el mejor medio para el arte chino moderno. Consideraron que las mejores pinturas chinas eran aquellas que restaban importancia a la representación realista y enfatizaban la atmósfera y la "viveza", que proviene de las pinceladas y la interacción natural entre tinta y papel. Para promover esa idea, no es necesario representar objetos en la pintura, ni utilizar estrictamente tinta y papel. La belleza de una pintura se puede apreciar directamente a partir de las formas, texturas y colores del lienzo sin su relación con los objetos reales. El grupo estuvo activo desde 1957 hasta 1972. Los miembros principales son Liu Guosong , Chuang Che (莊喆), Hu Chi-Chung (胡奇中), Fong Chung-ray (馮鍾睿) y Han Hsiang-ning .
Los miembros de este grupo eran estudiantes que asistían a clases privadas de arte ofrecidas por Li Zhongsheng (李仲生), un artista nacido en China continental que había sido uno de los participantes activos en el movimiento de arte moderno. Él y varios artistas del continente que pintaban en estilo occidental continuaron el movimiento del arte moderno publicando revistas y escribiendo artículos para introducir el arte moderno en Taiwán. Su estilo de enseñanza era poco convencional y de naturaleza socrática.
La intención original del grupo era presentar el arte moderno al público. Creían que no debería haber restricciones en la forma o el estilo de una pintura china moderna, siempre que la pintura expresara un significado de naturaleza china. El grupo estuvo activo desde 1957 hasta 1971. Los miembros principales fueron: Ho Kan (霍剛), Li Yuan-chia , Wu Hao (吳昊), [54] Oyan Wen-Yuen (歐陽文苑), Hsia Yan (夏陽) , Hsiao Chin (蕭勤), Tommy Chen (陳道明), [55] y Hsiao Ming-Hsien (蕭明賢). Las siguientes son una muestra de sus pinturas de ese período:
El arte chino contemporáneo (中國當代藝術), a menudo denominado arte de vanguardia chino, continuó desarrollándose desde la década de 1980 como una consecuencia de los avances del arte moderno posteriores a la Revolución Cultural.
El arte chino contemporáneo incorpora plenamente la pintura, el cine, el vídeo, la fotografía y la performance. Hasta hace poco, las exposiciones de arte consideradas controvertidas eran sistemáticamente clausuradas por la policía, y los artistas de performance en particular enfrentaban amenazas de arresto a principios de los años 1990. Más recientemente ha habido una mayor tolerancia por parte del gobierno chino , aunque muchos artistas de renombre internacional todavía tienen restringida la exposición a los medios en sus países o se les ordena el cierre de sus exposiciones. Los principales artistas visuales contemporáneos incluyen a Ai Weiwei , Cai Guoqiang , Cai Jin , Chan Shengyao , Concept 21 , Ding Yi , Fang Lijun , Fu Wenjun , He Xiangyu , Huang Yan , Huang Yong Ping , Han Yajuan , Kong Bai Ji , Li Hongbo , Li . Hui , Liu Bolin , Lu Shengzhong , Ma Liuming , Qiu Deshu , Qiu Shihua , Shen Fan , Shen Shaomin , Shi Jinsong , Song Dong , Li Wei , Wang Guangyi , Wenda Gu , Xu Bing , Yang Zhichao , Zhan Wang , Zheng Lianjie , Zhang Dali , Zhang Xiaogang , Zhang Huan , Zhu Yu , Wu Shaoxiang , Ma Kelu , Ding Fang , Shang Yang , Gao Minglu y Guo Jian .
A partir de finales de la década de 1980, hubo una exposición sin precedentes para los artistas visuales chinos más jóvenes en Occidente, hasta cierto punto a través de la agencia de curadores radicados fuera del país, como Hou Hanru . Curadores locales dentro del país como Gao Minglu y críticos como Li Xianting reforzaron esta promoción de marcas particulares de pintura que habían surgido recientemente, al tiempo que difundieron la idea del arte como una fuerte fuerza social dentro de la cultura china. Hubo cierta controversia cuando los críticos identificaron que estas representaciones imprecisas del arte chino contemporáneo habían sido construidas a partir de preferencias personales, una especie de relación programática [ se necesita aclaración ] artista-curador que sólo enajenó aún más a la mayoría de la vanguardia de la burocracia china y Patrocinio del mercado del arte occidental.
Hoy en día, se dice que el mercado del arte chino, tanto antiguo como contemporáneo, se encuentra entre los más atractivos y de más rápido crecimiento del mundo, y atrae a compradores de todo el mundo. [56] [57] [58] La Voz de América informó en 2006 que el arte moderno chino está alcanzando precios récord tanto a nivel internacional como en los mercados nacionales, y algunos expertos incluso temen que el mercado se esté sobrecalentando. [59] The Economist informó que el arte chino se ha convertido en el último favorito del mercado mundial según las ventas récord de Sotheby's y Christie's , las mayores casas de subastas de bellas artes. [60]
El arte chino contemporáneo registró ventas récord a lo largo de la década de 2000. En 2007, se estimó que 5 de los 10 artistas vivos más vendidos del mundo en subastas de arte eran de China, con artistas como Zhang Xiaogang, cuyas obras se vendieron por un total de 56,8 millones de dólares en una subasta en 2007. [61] En términos de Como mercado comprador, China superó a Francia a finales de la década de 2000 como el tercer mercado de arte más grande del mundo, después de Estados Unidos y el Reino Unido, debido a la creciente clase media en el país. [62] [63] Sotheby's señaló que el arte chino contemporáneo ha transformado rápidamente el mundo del arte asiático contemporáneo en uno de los sectores más dinámicos del mercado internacional del arte. [64] Durante la crisis económica mundial, el mercado del arte contemporáneo asiático y el mercado del arte contemporáneo chino experimentaron una desaceleración a finales de 2008. [65] [66] El mercado del arte contemporáneo chino y asiático experimentó un importante resurgimiento a finales de 2009 con ventas récord en Christie's. [67]
Durante siglos, compuesto en gran parte por compradores europeos y estadounidenses, el mercado internacional de compras de arte chino también ha comenzado a estar dominado por marchantes y coleccionistas chinos en los últimos años. [68] Según se informó en 2011, China se ha convertido en el segundo mercado más grande del mundo de arte y antigüedades, representando el 23 por ciento del mercado total de arte mundial, detrás de Estados Unidos (que representa el 34 por ciento del mercado de arte mundial). [69] Otra transformación que impulsa el crecimiento del mercado del arte chino es el aumento de una clientela que ya no es mayoritariamente europea o estadounidense. Las nuevas fortunas de países que antes se consideraban pobres a menudo prefieren el arte no occidental; Un gran galerista en el campo tiene oficinas tanto en Nueva York como en Beijing, pero sus clientes provienen principalmente de América Latina, Asia y Medio Oriente. [70]
Una de las áreas que ha revivido la concentración del arte y también ha comercializado la industria es el Distrito de Arte 798 en Dashanzi de Beijing. El artista Zhang Xiaogang vendió una pintura de 1993 por 2,3 millones de dólares en 2006, que incluía familias chinas con caras inexpresivas de la era de la Revolución Cultural, [71] mientras que la obra de Yue Minjun Ejecución en 2007 se vendió por un récord entonces de casi 6 millones de dólares en Sotheby's. [72] Coleccionistas como Stanley Ho , [73] el propietario de los casinos de Macao , el gestor de inversiones Christopher Tsai , [74] y el desarrollador de casinos Steve Wynn , [75] sacarían provecho de las tendencias artísticas. Se subastaron artículos como jarrones de la dinastía Ming y diversas piezas imperiales.
Otras obras de arte se vendieron en lugares como Christie's, incluida una pieza de porcelana china con la marca del Emperador Qianlong vendida por 151,3 millones de dólares de Hong Kong . Sotheby's y Christie's actúan como importantes plataformas de mercado para la venta de piezas de arte de porcelana clásica china, incluida la dinastía Ming, la marca Xuande y el frasco azul y blanco del período (1426-1435) (estampado de dragón de cinco garras), que se subastó por aprox. USD 19.224.491,2, a través de Christie's en la primavera de 2016 [76] El International Herald Tribune informó que las porcelanas chinas se disputaban en el mercado del arte como "si no hubiera un mañana". [77]
Una pintura de 1964 de Li Keran "Todas las montañas cubiertas de rojo" se vendió por 35 millones de dólares de Hong Kong. También se llevaron a cabo subastas en Sotheby's, donde la obra maestra de Xu Beihong de 1939, " Put Down Your Whip " , se vendió por 72 millones de dólares de Hong Kong. [78] La industria no se limita a las bellas artes, ya que también se vendieron muchos otros tipos de piezas contemporáneas. En 2000, varios artistas chinos fueron incluidos en la Documenta y en la Bienal de Venecia de 2003. China ahora tiene su propia muestra importante de arte contemporáneo con la Bienal de Venecia. Fuck Off fue una famosa exposición de arte que se desarrolló junto con el Festival Bienal de Shanghai en 2000 y fue curada por el curador independiente Feng Boyi y el artista contemporáneo Ai Weiwei .
La escultura como medio artístico se utilizó ampliamente en las artes de Grecia y el Oriente helenístico, pero jugó sólo un papel menor en el antiguo Asia oriental.
Esto cambió dramáticamente con el Primer Emperador de China (...) La escultura naturalista era completamente desconocida.
Ninguna tradición escultórica duradera precedió a la creación de los famosos guerreros de terracota del Primer Emperador.
Ningún miembro anterior o contemporáneo de la élite china había demostrado ningún interés significativo por la escultura.
De los siglos inmediatamente anteriores a la dinastía Qin conocemos sólo unas pocas representaciones de la figura humana (...) las figuras de personas y animales fueron excepciones muy raras a la imaginería convencional del período Zhou (...) Representaciones de la La figura humana no era una parte común del canon representacional en China antes de la dinastía Qin (...) En palabras de von Falkenhausen, "nada en el registro arqueológico prepara a uno para el tamaño, la escala y la ejecución técnicamente lograda de la terracota del Primer Emperador". soldados".
Para sus contemporáneos, las esculturas del Primer Emperador debieron ser algo dramáticamente nuevo.
Otras estatuillas de terracota notables se encontraron en 1995 en una tumba de los siglos IV-III a. C. en el cementerio de Taerpo cerca de Xianyang en la provincia de Shaanxi, donde se ubicó la última capital de Qin del mismo nombre entre el 350 y el 207 a.
Estas son las primeras representaciones de soldados de caballería en China descubiertas hasta el día de hoy.
Uno de ellos puede verse actualmente en la exposición de Berna (fig. 4).
Un pequeño, ca.
La figura, de 23 cm de altura, representa a un hombre sentado sobre un caballo.
Extiende su mano izquierda, mientras que su mano derecha apunta hacia abajo.
Los agujeros perforados en ambos puños sugieren que originalmente sostenía las riendas de su caballo en una mano y un arma en la otra.
El jinete viste chaqueta corta, pantalones y botas, elementos del traje típico de los habitantes de las estepas de Asia Central.
Los pantalones se introdujeron por primera vez en el estado chino temprano de Zhao a finales del siglo IV a. C., cuando los chinos comenzaron a aprender a montar a caballo de sus vecinos nómadas.
El estado de Qin debería haber adoptado la ropa nómada casi al mismo tiempo.
Pero la figura de Taerpo también tiene otras características que pueden indicar su identidad extranjera: un tocado en forma de capucha con una corona ancha y plana que enmarca su rostro y una nariz alta y puntiaguda.También en Khayutina, María (2013). Qin: el eterno emperador y sus guerreros de terracota (1. Aufl ed.). Zúrich: Neue Zürcher Zeitung. pag. gato. No. 314.ISBN _ 978-3-03823-838-6.
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![Servidor de vino ritual (guang); 1100 aC; 21 × 22,9 cm (8,25 × 9 pulgadas); Museo de Arte de Indianápolis. Adornando la superficie de la vasija hay tres motivos decorativos principales de animales, incluidas quince criaturas imaginarias en relieve a lo largo de los lados[6][7]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Chinese_ritual_wine_server_(guang).jpg/1280px-Chinese_ritual_wine_server_(guang).jpg)
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{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)Antes de la aparición de las esculturas de piedra a gran escala frente a la tumba de Huo Qubing 霍去病 (m. 117 a. C.) del período Han del Medio Oeste (ver Figura 9), no se habían creado obras monumentales de arte escultórico en piedra como esta. alguna vez se ha visto en la cultura Qin o en las de otros estados en guerra.
Las dieciséis grandes esculturas de piedra frente a la tumba del general Han Huo Qubing 霍去病 (ca. 117 a. C.) están esculpidas en su mayoría siguiendo la forma de la piedra original (ver Figura 9).
Emplean técnicas como la escultura en redondo, el relieve en relieve y las líneas grabadas en calcografía para tallar esculturas en piedra de bueyes, caballos, cerdos, tigres, ovejas, una bestia fantástica que se come una oveja, un hombre luchando contra un oso, un caballo pisoteando a un Xiongnu. guerrero y otras imágenes.
Es difícil encontrar evidencia en China de este tipo de representación realista, tosca pero concisa, ante estos monumentos.
近年来，考古发现的一些西汉墓葬，如陕西咸阳西汉阳陵、河南商丘梁孝王陵园、[32] 江苏盱眙江都王刘非陵园、江西南昌海昏侯刘贺墓园等，都发现墓葬周围有冢茔、庙寝、门阙、司马道等，此时墓上石刻还没有发展起来，除汉武帝时期的霍去病墓、张骞墓外，其他墓葬均未发现墓上石刻。西汉晚期至东汉时期，墓上石刻逐渐发展起来
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