Earl Kenneth Hines , también conocido como Earl " Fatha " [nb 1] Hines (28 de diciembre de 1903 [nb 2] - 22 de abril de 1983), fue un pianista y director de banda de jazz estadounidense . Fue una de las figuras más influyentes en el desarrollo del piano de jazz y, según una fuente, "uno de los pocos pianistas cuya interpretación dio forma a la historia del jazz". [1]
El trompetista Dizzy Gillespie (miembro de la big band de Hines , junto con Charlie Parker ) escribió:
El piano es la base de la armonía moderna. Este pequeño salió de Chicago, Earl Hines. Cambió el estilo del piano. Puedes encontrar las raíces de Bud Powell , Herbie Hancock y todos los chicos que vinieron después. Si no hubiera sido porque Earl Hines abrió el camino para la próxima generación, no se sabe dónde ni cómo estarían jugando ahora. Hubo variaciones individuales, pero el estilo del piano moderno vino de Earl Hines. [2]
El pianista Lennie Tristano dijo: "Earl Hines es el único de nosotros capaz de crear verdadero jazz y verdadero swing cuando toca solo". Horace Silver dijo: "Tiene un estilo completamente único. Nadie puede conseguir ese sonido, ningún otro pianista". [3] Erroll Garner dijo: "Cuando hablas de grandeza, hablas de Art Tatum y Earl Hines". [4]
Count Basie dijo que Hines era "el mejor pianista del mundo". [5]
Earl Hines nació en Duquesne , Pensilvania, a 12 millas del centro de Pittsburgh , en 1903. Su padre, Joseph Hines, [nb 3] tocaba la corneta y era el líder de la Eureka Brass Band en Pittsburgh, [6] y su madrastra Era organista de la iglesia. [7] Hines tenía la intención de seguir a su padre con la corneta, pero "soplar" lo lastimó detrás de las orejas, mientras que el piano no. [8] [9] [10] El joven Hines tomó lecciones de piano clásico . [11] A la edad de once años tocaba el órgano en su iglesia bautista . [12] Tenía "buen oído y buena memoria" y podía reproducir canciones después de escucharlas en teatros y conciertos en parques: "Estaba tocando canciones de estos programas meses antes de que salieran las copias de las canciones. Eso sorprendió a muchos "La gente me preguntaba dónde escuché estos números y les decía en el teatro adónde me habían llevado mis padres". [13] Más tarde, Hines dijo que tocaba el piano en Pittsburgh "antes de que se inventara la palabra ' jazz '". [10]
Con la aprobación de su padre, Hines dejó su casa a la edad de 17 años para trabajar tocando el piano con Lois Deppe and His Symphonian Serenaders en el Liederhaus, un club nocturno de Pittsburgh . Obtuvo comida, dos comidas al día [14] y 15 dólares a la semana. [15] [16] Deppe, un conocido concertista barítono que cantaba canciones clásicas y populares, también utilizó al joven Hines como su acompañante de concierto y lo llevó en sus viajes de conciertos a Nueva York. En 1921, Hines y Deppe se convirtieron en los primeros afroamericanos en actuar en la radio. [17]
Las primeras grabaciones de Hines acompañaron a Deppe: cuatro caras grabadas para Gennett Records en 1923, todavía en los primeros días de la grabación de sonido. [18] Sólo se publicaron dos de ellos, uno de los cuales era una composición de Hines, "Congaine", "un foxtrot ágil y entusiasta", [19] que también incluía un solo de Hines. Entró nuevamente al estudio con Deppe un mes después para grabar espirituales y canciones populares, incluidas " A veces me siento como un niño sin madre " [20] y "For the Last Time Call Me Sweetheart". También acompañó a Ethel Waters, describiendo su estrategia como jugar "bajo lo que la artista está haciendo" escuchando "los cambios que ella hizo". [21]
En 1925, después de mucho debate familiar, Hines se mudó a Chicago , Illinois, entonces la capital mundial del jazz, el hogar de Jelly Roll Morton y King Oliver . Hines comenzó en Elite No. 2 Club pero pronto se unió a la banda de Carroll Dickerson , con quien también realizó una gira en el Pantages Theatre Circuit hasta Los Ángeles y viceversa.
Hines conoció a Louis Armstrong en la sala de billar del Black Musicians' Union, local 208, en State y 39th en Chicago. [10] Hines tenía 21 años, Armstrong 24. Tocaban juntos el piano del sindicato. [22] [nb 4] Armstrong quedó asombrado por la vanguardista forma de tocar el piano "estilo trompeta" de Hines, que a menudo usaba octavas deslumbrantemente rápidas para que en pianos verticales no demasiado perfectos (y sin amplificación) "pudieran escucharme". frente". [10] [16] Richard Cook escribió en Jazz Encyclopedia que
La desviación más dramática [de Hines] de lo que otros pianistas tocaban en ese momento fue su acercamiento al pulso subyacente: cargaba contra el compás de la pieza que se tocaba, acentuaba los tiempos fuera de tiempo, introducía paradas repentinas y breves silencios. En otras manos, esto podría parecer torpe o desordenado, pero Hines podía mantener el rumbo con una capacidad de recuperación asombrosa. [23]
Armstrong y Hines se hicieron buenos amigos y compartieron coche. Armstrong se unió a Hines en la banda de Carroll Dickerson en el Sunset Café . En 1927, se convirtió en la banda de Armstrong bajo la dirección musical de Hines. [24] Más tarde ese año, Armstrong renovó su banda de grabación de Okeh Records , Louis Armstrong and His Hot Five , y contrató a Hines como pianista, reemplazando a su esposa, Lil Hardin Armstrong , en el instrumento.
Luego, Armstrong y Hines grabaron lo que a menudo se consideran algunos de los discos de jazz más importantes jamás realizados.
... con la llegada de Earl Hines al piano, Armstrong ya se estaba acercando a la estatura de un concertista solista, un papel que desempeñaría más o menos a lo largo de la siguiente década, lo que hace que estas sesiones finales de grupos pequeños sean algo así como una reticente despedida de los primeros jazz. edad de oro. Dado que Hines también es magnífico en estos discos (y su exuberancia despreocupada es una maravilla en el espectacular dúo " Weather Bird ") los resultados parecen escuchar a grandes hombres hablando casi en voz baja entre ellos. No hay nada en el jazz más fino y conmovedor que tocar " West End Blues ", "Tight Like This", "Beau Koo Jack" y "Muggles". [25]
En los días de los discos de 78 rpm , los ingenieros de grabación no podían reproducir una toma sin inutilizar el master de cera para su lanzamiento comercial, por lo que la banda no escuchó la versión final de "West End Blues" hasta que Okeh la publicó hace unos años. semanas después. "Earl Hines se sorprendió cuando el disco salió al mercado, porque lo trajo a mi casa, ya sabes, se nos había olvidado que lo habíamos grabado", recordaba Armstrong en 1956. Pero les gustó lo que escucharon. . "Cuando salió por primera vez", dijo Hines, "Louis y yo nos quedamos escuchando esa grabación prácticamente una hora y media o dos horas y simplemente nos noqueamos porque no teníamos idea de que iba a salir tan bien". ". [26]
El Sunset Cafe cerró en 1927. [nb 5] Hines, Armstrong y el baterista Zutty Singleton acordaron que se convertirían en los "Unholy Three": "se mantendrían juntos y no tocarían para nadie a menos que los tres fuésemos contratados". [27] Pero como Louis Armstrong and His Stompers (con Hines como director musical), tuvieron dificultades al intentar establecer su propio local, el Warwick Hall Club, que alquilaron durante un año con la ayuda administrativa de Lil Hardin Armstrong. [28] Hines fue brevemente a Nueva York y regresó para descubrir que Armstrong y Singleton se habían reunido con la banda rival de Dickerson en el nuevo Savoy Ballroom en su ausencia, [nb 6] [29] dejando a Hines sintiéndose "cálido". Cuando Armstrong y Singleton le pidieron más tarde que los acompañara a Dickerson en el Savoy Ballroom, Hines dijo: "No, ustedes me dejaron bajo la lluvia y arruinaron la pequeña corporación que teníamos". [30]
Hines se unió al clarinetista Jimmie Noone en el Apex, un bar clandestino nocturno , que tocaba desde la medianoche hasta las 6 de la mañana, siete noches a la semana. En 1928, grabó 14 lados con Noone y nuevamente con Armstrong (para un total de 38 lados con Armstrong). Sus primeros solos de piano se grabaron a finales de ese año: ocho para QRS Records en Nueva York y luego siete para Okeh Records en Chicago, todos excepto dos composiciones propias.
Hines se mudó con Kathryn Perry (con quien había grabado "Sadie Green the Vamp of New Orleans"). Hines dijo de ella: "Ella también había estado en The Sunset, en un número de baile. Era una chica bonita y muy encantadora. Tenía buena voz y tocaba el violín. Yo me había divorciado y ella se convirtió en mi pareja de hecho". esposa. Vivíamos en un apartamento grande y sus padres se quedaron con nosotros". [31] Perry grabó varias veces con Hines, incluido " Body and Soul " en 1935. Permanecieron juntos hasta 1940, cuando Hines "se divorció" de ella para casarse con Ann Jones Reed, pero ese matrimonio pronto fue "pospuesto indefinidamente". [32]
Hines se casó con la cantante 'Lady of Song' Janie Moses en 1947. Tuvieron dos hijas, Janear (nacida en 1950) y Tosca. Ambas hijas murieron antes que él, Tosca en 1976 y Janear en 1981. Janie se divorció de él el 14 de junio de 1979 y murió en 2007.
El 28 de diciembre de 1928 (su cumpleaños número 25 y seis semanas antes de la masacre del día de San Valentín ), Hines abrió en el Grand Terrace Café de Chicago al frente de su propia big band, una posición prestigiosa en el mundo del jazz en ese momento. "Todo Estados Unidos estaba bailando", dijo Hines, [10] y durante los siguientes 12 años y durante lo peor de la Gran Depresión y la Prohibición , la banda de Hines fue la orquesta de la Grand Terrace. La Hines Orchestra -u "Organización", como la prefería Hines- tenía hasta 28 músicos y hacía tres espectáculos por noche en la Grand Terrace, cuatro espectáculos todos los sábados y, a veces, los domingos. Según Stanley Dance , "Earl Hines y The Grand Terrace fueron para Chicago lo que Duke Ellington y The Cotton Club fueron para Nueva York, pero más ardientes". [33]
La Gran Terraza estaba controlada por el gángster Al Capone , por lo que Hines se convirtió en el "Sr. Piano Man" de Capone. El piano vertical Grand Terrace pronto fue reemplazado por un piano de cola Bechstein blanco de 3.000 dólares . [34] Hablando de esos días, Hines dijo más tarde:
... Al [Capone] llegó allí una noche y llamó a toda la banda y al show y les dijo: "Ahora queremos hacerles saber nuestra posición. Sólo queremos que ustedes se ocupen de sus propios asuntos. Nosotros "Te damos toda la Protección del mundo pero queremos que seas como los 3 monos : no oyes nada, no ves nada y no dices nada". Y eso es lo que hicimos. Y solía escuchar muchas de las cosas que iban a hacer pero nunca se lo dije a nadie. A veces la policía solía entrar... buscando un chivo expiatorio y decía: "Earl, ¿de qué estaban hablando?" ... pero dije: "No lo sé, no, no me vas a culpar de eso", porque tenían la costumbre de poner fotos de diferentes personas que traerían información en el periódico y en la siguiente página. Un día los encontrarías en algún lugar del lago nadando con algunas cadenas atadas a sus pies, si sabes a qué me refiero. [10]
Desde Grand Terrace, Hines y su banda transmitieron con "micrófonos abiertos" durante muchos años, a veces siete noches a la semana, de costa a costa en todo Estados Unidos; Chicago estaba bien posicionada para lidiar con transmisiones en vivo en todas las zonas horarias de los Estados Unidos. La banda Hines se convirtió en la banda más transmitida en Estados Unidos. [10] [35] Entre los oyentes se encontraban un joven Nat King Cole [36] y Jay McShann en Kansas City, quienes dijeron que su "verdadera educación vino de Earl Hines. Cuando 'Fatha' salió del aire, me fui a la cama. " [37] El "estudiante" más importante de Hines fue Art Tatum . [38]
La banda de Hines normalmente estaba compuesta por entre 15 y 20 músicos en el escenario, ocasionalmente hasta 28. Entre los muchos miembros de la banda se encontraban Wallace Bishop , Alvin Burroughs , Scoops Carry , Oliver Coleman, Bob Crowder, Thomas Crump, George Dixon , Julian Draper, Streamline Ewing , Ed Fant, Milton Fletcher, Walter Fuller , Dizzy Gillespie , Leroy Harris, Woogy Harris, Darnell Howard , Cecil Irwin , Harry 'Pee Wee' Jackson, Warren Jefferson, Budd Johnson , Jimmy Mundy , Ray Nance , Charlie Parker , Willie Randall, Omer Simeón , Cliff Smalls , Leon Washington , Freddie Webster , Quinn Wilson y Trummy Young .
De vez en cuando, Hines permitía que otro pianista lo sustituyera, para permitirle dirigir toda la "Organización". Jess Stacy [39] era uno, Nat "King" Cole y Teddy Wilson eran otros, pero Cliff Smalls era su favorito. [40]
Cada verano, Hines realizó una gira con toda su banda durante tres meses, incluso por el Sur, siendo la primera big band negra en hacerlo. [41] Explicó: "[cuando] viajábamos en tren por el sur, enviaban un portero de regreso a nuestro automóvil para avisarnos cuando el comedor estaba despejado, y luego entrábamos todos juntos. No podíamos' "No comíamos cuando queríamos. Teníamos que comer cuando estaban listos para nosotros". [42]
En America, de Duke Ellington , Harvey G. Cohen escribe:
En 1931, Earl Hines y su orquesta "fueron la primera gran banda negra en viajar mucho por el Sur". Hines se refirió a ello como una "invasión" más que como una "gira". Entre una bomba que explotó bajo el escenario de su banda en Alabama ("...ninguno de nosotros resultó herido, pero tampoco tocamos tan bien después de eso") y numerosos encuentros amenazadores con la policía, la experiencia resultó tan desgarradora que Hines en la década de 1960 recordó que "se nos podría llamar los primeros Jinetes de la Libertad ". En su mayor parte, cualquier contacto con los blancos, incluso con los aficionados, se consideraba peligroso. Encontrar lugares para comer o pasar la noche implicaba una lucha constante. La única "victoria" no musical que Hines afirmó fue ganarse el respeto del dueño de una tienda de ropa que inicialmente trató a Hines con burla hasta que quedó claro que Hines planeaba gastar 85 dólares en camisetas, "lo que cambió por completo su actitud". [43]
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En 1942, Hines le dio al saxofonista Charlie Parker su gran oportunidad, aunque Parker fue despedido poco después por su "cronometraje", con lo que Hines se refería a su incapacidad para llegar a tiempo, a pesar de que Parker recurrió a dormir debajo del escenario de la banda. en sus intentos de ser puntual. [44] Dizzie Gillespie se unió el mismo año.
El Grand Terrace Café había cerrado repentinamente en diciembre de 1940; su director, Ed Fox, desapareció. [45] Hines, de 37 años, siempre famoso por ser bueno para trabajar, [46] llevó a su banda de gira a tiempo completo durante los siguientes ocho años, [nb 7] resistiendo nuevas ofertas de Benny Goodman para unirse a su banda. como pianista. [45]
La banda de Hines tuvo problemas cuando varios de sus miembros fueron reclutados por las fuerzas armadas en la Segunda Guerra Mundial . [47] [nb 8] Seis fueron reclutados sólo en 1943. Como resultado, el 19 de agosto de 1943, Hines tuvo que cancelar el resto de su gira por el sur. [48] Fue a Nueva York y contrató a un grupo de 12 mujeres "a prueba de reclutamiento", [48] [49] que duró dos meses. [50] A continuación, Hines la amplió hasta convertirla en una banda de 28 integrantes (17 hombres, 11 mujeres), [48] que incluía cuerdas y trompa . A pesar de estas dificultades de la guerra, Hines llevó a sus bandas de gira de costa a costa, [51] pero aún pudo tomarse un tiempo de su propia banda para encabezar la orquesta de Duke Ellington en 1944, cuando Ellington enfermó.
Fue durante esta época (y especialmente durante la prohibición de grabar durante la huelga de músicos de 1942-44 ) que las improvisaciones nocturnas con miembros de la banda de Hines sembraron las semillas del nuevo estilo emergente del jazz, el bebop . Ellington dijo más tarde que "las semillas del bop estaban en el estilo de piano de Earl Hines". [52] El biógrafo de Charlie Parker, Ross Russell , escribió:
La orquesta Earl Hines de 1942 había sido infiltrada por los revolucionarios del jazz. Cada sección tenía su célula de insurgentes. La sonoridad de la banda estaba erizada de quintas bemoles, trillizos y otro material del nuevo esquema sonoro. Sus compañeros líderes de banda de tendencia más conservadora advirtieron a Hines que había reclutado demasiado bien y que estaba sentado en un polvorín. [53]
Ya en 1940, el saxofonista y arreglista Budd Johnson había "reescrito el libro" [32] para la banda de Hines en un estilo más moderno. A Johnson y Billy Eckstine , vocalista de Hines entre 1939 y 1943, se les atribuye haber ayudado a incorporar músicos modernos a la banda de Hines en la transición entre el swing y el bebop. Además de Parker y Gillespie, otros 'modernistas' de Hines incluyeron a Gene Ammons , Gail Brockman, Scoops Carry , Goon Gardner, Wardell Gray , Bennie Green , Benny Harris , Harry 'Pee-Wee' Jackson, Shorty McConnell, Cliff Smalls , Shadow Wilson y Sarah Vaughan , quien reemplazó a Eckstine como cantante de la banda en 1943 y permaneció allí durante un año.
Dizzy Gillespie dijo sobre la música que evolucionó la banda:
La gente habla de la banda Hines como "la incubadora del bop" y los principales exponentes de esa música terminaron en la banda Hines. Pero la gente también tiene la impresión errónea de que la música era nueva. No era. La música evolucionó a partir de lo que había antes. Era la misma música básica. La diferencia estaba en cómo llegabas de aquí a aquí... naturalmente, cada época tiene su propia mierda. [54]
Los vínculos con el bebop se mantuvieron estrechos. El discografo de Parker, entre otros, [55] ha argumentado que " Yardbird Suite ", que Parker grabó con Miles Davis en marzo de 1946, se basó de hecho en "Rosetta" de Hines, que todas las noches servía como tema musical de la banda Hines. [56]
Dizzy Gillespie describió a la banda de Hines diciendo: "Teníamos una banda hermosa, hermosa con Earl Hines. Es un maestro y se aprende mucho de él, autodisciplina y organización". [57]
En julio de 1946, Hines sufrió graves lesiones en la cabeza en un accidente automovilístico cerca de Houston que, a pesar de ser operado, afectó su vista para el resto de su vida. [58] De nuevo en la carretera cuatro meses después, continuó dirigiendo su big band durante dos años más. [59] En 1947, Hines compró el club nocturno más grande de Chicago, The El Grotto, [60] pero con la popularidad decreciente de la música de big band, pronto se hundió y Hines perdió 30.000 dólares (450.205 dólares en la actualidad). [61]
A principios de 1948, Hines se unió nuevamente a Armstrong en la "pequeña banda" " Louis Armstrong and His All-Stars ". No estuvo exento de tensiones para Hines. Un año después, Armstrong se convirtió en el primer músico de jazz en aparecer en la portada de la revista Time (el 21 de febrero de 1949). Para entonces, Armstrong estaba en camino de convertirse en un ícono estadounidense, lo que hizo que Hines sintiera que lo estaban utilizando solo como acompañante en comparación con su viejo amigo. Al discutir las dificultades, principalmente sobre facturación, Armstrong afirmó: "Hines y su ego, ego, ego ..." Tres años más tarde y para disgusto de Armstrong, [62] Hines dejó el All Stars en 1951.
Luego, de nuevo como líder, Hines llevó sus propios pequeños combos por todo Estados Unidos. Comenzó con una alineación marcadamente más moderna que la envejecida All Stars: Bennie Green , Art Blakey , Tommy Potter y Etta Jones . En 1954, realizó una gira por todo el país con su entonces grupo de siete integrantes con los Harlem Globetrotters . En 1958, transmitió en American Forces Network , pero a comienzos de la década de 1960, de tendencia jazzística, el anciano Hines se instaló "en casa" en Oakland , California, con su esposa y sus dos hijas pequeñas, abrió un estanco y estuvo a punto de dar subir la profesión. [63]
En 1964, Stanley Dance , el decidido amigo y manager no oficial de Hines, convenció a Hines para realizar una serie de recitales en el Little Theatre de Nueva York. Fueron los primeros recitales de piano que Hines dio; causaron sensación y llevaron a Hines a ser "redescubierto repentinamente". "¿Qué queda por escuchar después de haber escuchado a Earl Hines?", preguntó John Wilson del New York Times . [64] Hines luego ganó la Encuesta de Críticos Internacionales de 1966 para el Salón de la Fama de la revista DownBeat . DownBeat también lo eligió "Pianista de jazz número uno" del mundo en 1966 (y lo volvió a hacer cinco veces más). Jazz Journal premió sus LP del año en primer y segundo lugar en su encuesta general y en primer, segundo y tercer lugar en su categoría de piano. [65] Jazz lo votó como "Jazzman del año" y lo eligió para el puesto número 1 y 2 en la categoría Grabaciones de piano. Hines fue invitado a aparecer en programas de televisión presentados por Johnny Carson y Mike Douglas .
Desde entonces hasta su muerte veinte años después, Hines grabó sin cesar, tanto en solitario como con contemporáneos como Cat Anderson , Harold Ashby , Barney Bigard , Lawrence Brown , Dave Brubeck (grabaron duetos en 1975), Jaki Byard (duetos en 1972), Benny Carter , Buck Clayton , Cozy Cole , Wallace Davenport , Eddie "Lockjaw" Davis , Vic Dickenson , Roy Eldridge , Duke Ellington (dúos en 1966), Ella Fitzgerald , Panama Francis , Bud Freeman , Stan Getz , [nb 9] Dizzy Gillespie , Paul Gonsalves , Stéphane Grappelli , Sonny Greer , Lionel Hampton , Coleman Hawkins , Milt Hinton , Johnny Hodges , Peanuts Hucko , Helen Humes , Budd Johnson , Jonah Jones , Max Kaminsky , Gene Krupa , Ellis Larkins , Shelly Manne , Marian McPartland ( duetos en 1970), Gerry Mulligan , Ray Nance , Oscar Peterson (dúos en 1968), Russell Procope , Pee Wee Russell , Jimmy Rushing , Stuff Smith , Rex Stewart , Maxine Sullivan , Buddy Tate , Jack Teagarden , Clark Terry , Sarah Vaughan , Joe Venuti , Earle Warren , Ben Webster , Teddy Wilson (dúos en 1965 y 1970), Jimmy Witherspoon , Jimmy Woode y Lester Young . Posiblemente más sorprendentes fueron Alvin Batiste , Tony Bennett , Art Blakey , Teresa Brewer , Barbara Dane , Richard Davis , Elvin Jones , Etta Jones , the Ink Spots , Peggy Lee , Helen Merrill ,Charles Mingus , Oscar Pettiford , Vi Redd , Betty Roché , Caterina Valente , Dinah Washington y Ry Cooder (en la canción "Ditty Wah Ditty").
Pero las grabaciones más apreciadas de este período son sus actuaciones en solitario, "toda una orquesta en solitario". [66] Whitney Balliett escribió sobre sus grabaciones y actuaciones en solitario de esta época:
Hines cumplirá sesenta y siete años este año y su estilo se ha vuelto involuntario, rococó y sutil hasta el punto de resultar esquivo. Se desarrolla en capas orquestales y exige una escucha intensa. A pesar de la gran cantidad de notas que utiliza ahora, su forma de tocar nunca es grasosa. Hines puede seguir así en un blues de tempo medio. Tocará los dos primeros estribillos suavemente y fuera de tempo, desenrollando plácidos acordes que sostienen con seguridad el núcleo de la melodía. Para el tercer coro, habrá adoptado un ritmo constante pero implícito y habrá subido el volumen. Luego, usando décimas constantes en su mano izquierda, tocará un coro completo de acordes de la mano derecha entre tiempos. Saltará al registro superior en el siguiente coro y recorrerá notas colocadas irregularmente, mientras su mano izquierda toca acordes descendentes, al compás, que atraviesan un bosque de cambios armónicos. (Hay tantos contrastes de "empujame y tirate" en un estribillo que es imposible captarlos una vez.) En el siguiente estribillo, ¡bang!, sube el volumen nuevamente y Hines estalla en un loco Ejecución de doble tiempo y medio con patas que puede hacer varios barridos hacia arriba y hacia abajo en el teclado y que está puntuada por notas individuales poco convencionales en la mano izquierda. Luego lanzará varios glissandos de dos dedos descendentes rápidos , entrará abruptamente en un remolino arrítmico de acordes y carreras cortas y rotas y, tan abruptamente como comenzó todo, se relajará en un interludio de acordes relajados y notas individuales polarizadas. Pero estos coros, a los que pueden seguir ocho o diez más antes de que Hines haya terminado lo que tiene que decir, son irresistibles en otros sentidos. Cada uno es una creación completa en sí mismo y, sin embargo, cada uno está estrechamente unido al siguiente. [67]
Hines grabó tributos en solitario a Armstrong, Hoagy Carmichael , Ellington, George Gershwin y Cole Porter en la década de 1970, a veces en el Steinway de 12 patas de 1904 que le regaló en 1969 Scott Newhall , el editor jefe del San Francisco Chronicle . En 1974, cuando tenía setenta años, Hines grabó dieciséis LP. "Una serie de grabaciones en solitario significó que, en su vejez, Hines por fin estaba siendo documentado exhaustivamente y aceptó el desafío con una fuerza inspiradora constante". [68] Desde su "regreso" en 1964 hasta su muerte, Hines grabó más de 100 LP en todo el mundo. Dentro de la industria, se hizo legendario por entrar a un estudio y salir una hora y media después después de haber grabado un LP en solitario no planificado. [69] Las retomas eran casi inauditas, excepto cuando Hines quería probar una melodía nuevamente de otra manera, a menudo completamente diferente. [70]
A partir de 1964, Hines realizó numerosas giras por Europa, especialmente por Francia. Realizó una gira por Sudamérica en 1968. Actuó en Asia, Australia, Japón y, en 1966, la Unión Soviética, en giras financiadas por el Departamento de Estado de Estados Unidos. Durante su gira de seis semanas por la Unión Soviética, en la que realizó 35 conciertos, [71] las entradas para el Palacio de Deportes de Kiev, con capacidad para 10.000 personas, se agotaron. Como resultado, el Kremlin canceló sus conciertos en Moscú y Leningrado [72] por considerarlos "demasiado peligrosos desde el punto de vista cultural". [73]
Posiblemente todavía jugando tan bien como siempre, [nb 10] Hines mostró peculiaridades individualistas (incluidos gruñidos) en estas actuaciones. A veces cantaba mientras tocaba, especialmente su propio "Ellos no creían que yo pudiera hacerlo... Yo tampoco". [10] En 1975, Hines fue objeto de un documental de televisión de una hora de duración [74] realizado por ATV (para el canal comercial británico ITV ), fuera de horario en el club nocturno Blues Alley en Washington, DC . El International Herald Tribune la describió como "la mejor película de jazz jamás realizada". [10] En la película, Hines dijo: "La forma en que me gusta jugar es que... soy un explorador, si se me permite usar esa expresión, estoy buscando algo todo el tiempo... casi como si Estoy tratando de hablar." [10] En 1979, Hines fue incluido en el Salón de la Fama de los Cineastas Negros . [75] Tocó solo en el funeral de Duke Ellington, tocó solo dos veces en la Casa Blanca , para el presidente de Francia y para el Papa . Sobre esta aclamación, Hines dijo: "Por lo general, le dan crédito a la gente cuando está muerta. Recibí mis flores mientras estaba viva". [76]
El último espectáculo de Hines tuvo lugar en San Francisco unos días antes de morir de un infarto en Oakland. Como había deseado, su Steinway fue subastado en beneficio de estudiantes de música talentosos y de bajos ingresos, y aún lleva su placa de plata:
Hines fue enterrado en el cementerio Evergreen en Oakland, California .
El Oxford Companion to Jazz describe a Hines como "el pianista más importante en la transición del paso al swing " y continúa:
A medida que maduró durante la década de 1920, simplificó el "piano orquestal" de zancada, llegando finalmente a un estilo de swing prototípico. La mano derecha ya no desarrolló patrones sincopados alrededor de notas pivote (como en el ragtime ) o figuración entre las manos (como en el paso), sino que se centró en una línea melódica más dirigida, a menudo doblada en la octava con trémolos al final de la frase . Esta línea fue llamada la mano derecha de "trompeta" debido a su carácter marcadamente parecido a un cuerno, pero de hecho la tendencia general hacia un estilo más lineal se remonta a través del stride y Jelly Roll Morton hasta el ragtime tardío de 1915 a 1920. [79]
El propio Hines describió su encuentro con Armstrong:
Louis me miró tan peculiar. Entonces dije: "¿Estoy tocando los acordes equivocados ?" Y él dijo: "No, pero tu estilo es como el mío". Entonces dije: "Bueno, quería tocar la trompeta pero me dolía detrás de las orejas, así que toqué en el piano lo que quería tocar en la trompeta". Y él dijo: "No, no, ese es mi estilo, eso es lo que me gusta".
Hines continuó:
... Tenía curiosidad y quería saber de qué estaban hechos los acordes. Empezaría a tocar como los otros instrumentos. Pero en aquellos días no teníamos amplificación , por lo que los cantantes solían usar megáfonos y no tenían pianos de cola para que usáramos en ese momento; era un piano vertical. Entonces, cuando me dieron un solo, tocando un solo dedo como lo hacía, en esas grandes salas apenas podían oírme. Así que tuve que pensar en algo para poder dejar atrás la big band . Entonces comencé a usar lo que ellos llaman 'estilo de trompeta', que eran octavas. Entonces pudieron escucharme desde el frente y eso fue lo que cambió el estilo de tocar el piano en ese momento en particular. [10]
En su libro Jazz (2009), Gary Giddins y Scott DeVeaux escribieron sobre el estilo de Hines de la época:
Para hacerse [a sí mismo] audible, [Hines] desarrolló la capacidad de improvisar en trémolos (la alternancia rápida de dos o más notas, creando una versión pianística del vibrato del hombre de metales ) y octavas o décimas: en lugar de tocar una nota a la vez. con la mano derecha golpeó dos y con una fuerza de percusión vibrante: su alcance era tan grande que los competidores celosos difundieron el ridículo rumor de que le habían quitado quirúrgicamente la membrana entre los dedos. [80]
En su libro Louis Armstrong: Master of Modernism , Thomas Brothers describió el estilo de Hines:
Rítmicamente, Hines fue muy bueno al llevar sus líneas melódicas cada vez más lejos de la base fija, creando una sensación radical de desapego durante unos pocos tiempos o compases, solo para retroceder en el tiempo con gran aplomo cuando terminó su incursión. La mano izquierda a veces se une a la acción... Lo que es especialmente distintivo de Hines son los sorprendentes efectos que crea al realzar armónicamente estas salidas rítmicas. Al igual que Armstrong, pensó en los acordes de forma creativa y con gran precisión. Pero estaba un paso por delante de su colega en su disposición a experimentar. Se aficionó a las dislocaciones radicales, a los giros repentinos de direcciones con una conexión tenue e inexistente con la armonía fundamental. [81]
El pianista Teddy Wilson escribió sobre el estilo de Hines:
Hines fue a la vez un gran solista y un gran intérprete de ritmo. Tiene un hermoso y poderoso acercamiento rítmico al teclado y sus ritmos son más excéntricos que los de Art Tatum o Fats Waller . Cuando digo excéntrico, me refiero a alejarme del ritmo directo de 4/4. Tocaba mucho de lo que ahora llamamos "acento y ritmo". ... Fue un uso sutil de la síncopa , tocando los tiempos intermedios o lo que podría llamar tiempos y tiempos: uno y dos y tres y cuatro y . El y entre "uno-dos-tres-cuatro" está implícito. Cuando se cuenta en música, el y se convierte en lo que se llama corcheas. Entonces obtienes ocho notas por compás en lugar de cuatro, aunque están espaciadas en el tiempo de cuatro. Hines entraba en ellos y golpeaba con los patrones más excéntricos que impulsaban el ritmo hacia adelante con una fuerza tan tremenda que la gente sentía una necesidad irresistible de bailar o golpear con los pies o reaccionar físicamente al ritmo de la música. ... Hines es muy complejo en sus patrones rítmicos: muy inusual y original y realmente no hay nadie como él. Eso lo convierte en un gigante de la originalidad. Podía producir solos de piano improvisados que podrían llegar hasta 2.000 personas bailando, tal como lo haría una trompeta o un saxofón. [82]
Oliver Jackson era el baterista frecuente de Hines (así como baterista de Oscar Peterson , Benny Goodman , Lionel Hampton , Duke Ellington , Teddy Wilson y muchos otros. Describió el estilo de Hines de la siguiente manera:
Jackson dice que Earl Hines y Erroll Garner (cuyo enfoque para tocar el piano, dice, vino de Hines) fueron los dos músicos a los que le resultó excepcionalmente difícil acompañar. ¿Por qué? “Podrían tocar en dos o tres tempos diferentes al mismo tiempo... La mano izquierda estaría en un compás y la mano derecha en otro compás y luego hay que observar su técnica de pedaleo porque pisarían el pedal de sostenido y las notas. están sonando aquí y ese es un tempo cuando pone el pedal de sostenido, y luego esta mano se mueve, su mano izquierda se mueve, tal vez tocando décimas, y esta mano toca como tresillos de negra o semicorcheas. Entonces tienes todo este conglomerado de todos estos tempos diferentes”. [83]
La Enciclopedia biográfica del jazz ofrece la siguiente descripción del estilo de Hines de 1965:
[Hines] usa su mano izquierda a veces para acentos y figuras que solo provendrían de una sección completa de trompeta. A veces toca acordes que habrían sido escritos y tocados por cinco saxofones en armonía. Pero él siempre es el pianista virtuoso con sus arpegios , su ataque de percusión y su fantástica habilidad para modular de una canción a otra como si fueran todas una sola canción y simplemente creara todas esas melodías durante su propia improvisación . [84]
Más tarde aún, cuando ya tenía setenta años y después de una serie de grabaciones recientes en solitario, el propio Hines dijo:
Soy un explorador si se me permite usar esa expresión. Estoy buscando algo todo el tiempo. Y muchas veces me pierdo. Y la gente que me rodea mucho sabe que cuando me ven sonreír, saben que estoy perdido y que estoy tratando de regresar. Pero lo hace mucho más interesante porque luego haces cosas que te sorprenden a ti mismo. Y después de escuchar la grabación, también te hace un poco feliz porque dices: "¡Oh, no sabía que podía hacer ESO! " [10]
El Savoy Ballroom abrió sus puertas la víspera de Acción de Gracias, el 23 de noviembre de 1927. Con más de medio acre de espacio para bailar, el Savoy tenía una capacidad para más de cuatro mil personas. El nombre del salón de baile recordaba al enormemente popular y respetado palacio de danza del mismo nombre en el Harlem de Nueva York, que se había inaugurado poco más de un año antes. ...
En su reseña del Savoy, el Defender, el principal periódico negro de Chicago, ensalzó las características modernas del nuevo salón de baile: "Nunca antes los habitantes de Chicago habían visto algo tan lujoso como el salón de baile Savoy. Artistas famosos han transformado el edificio en un verdadero paraíso. Cada sección es más hermosa que la otra. La sensación de lujo y comodidad que uno obtiene al entrar es bastante ideal y hogareña, y el deseo de quedarse y bailar y mirar se genera con cada momento de su visita. Se proporcionan todas las comodidades modernas. Además de un médico interno y una enfermera profesional para enfermedades o accidentes, hay una sala de estar ideal para damas y caballeros, lujosamente amueblada, una sala boudoir para que la señora se maquille cómodamente, una sala de control ultramoderna con capacidad para 6.000 sombreros y abrigos colgados individualmente de que si uno entra con el abrigo aplastado o arrugado está en mejores condiciones al salir." Tales comodidades modernas no sólo otorgaron una "atmósfera de refinamiento" al salón de baile que reflejaba las pretensiones de clase de los habitantes negros de Chicago en ascenso, sino que también disminuyeron la probabilidad de que el Savoy atrajera críticas de quienes abogaban por el cierre de establecimientos de danza desordenados. Un estacionamiento adyacente de 1.000 espacios probablemente también atrajo a los habitantes negros más prósperos de Chicago.
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La música nunca se detuvo en el Savoy. Desde 1927 hasta 1940, se contrataron dos bandas todas las noches para permitir el baile continuo. Cuando una banda tomaba un descanso, otra estaba disponible para seguir tocando. Durante estos años, el Savoy estuvo abierto los siete días de la semana, con sesiones matinales los sábados y domingos. Aunque la mayoría de los clientes del Savoy eran negros, un número creciente de habitantes blancos de Chicago visitaban el Savoy para escuchar y bailar con las grandes bandas de jazz de la época. ( "Savoy Ballroom". Jazz Age Chicago. Archivado desde el original el 24 de marzo de 2004. Consultado el 1 de junio de 2014 .)
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Documental televisivo de una hora, producido y dirigido por Charlie Nairn. Filmado en el club de jazz Blues Alley en Washington, DC para UK ATV Television en 1975.
Película original de 16 mm, además de tomas descartadas de melodías adicionales, archivada en la biblioteca del British Film Institute en BFI.org. También en ITVStudios.com. Copias en DVD disponibles en la biblioteca musical Jean Gray Hargrove de la Universidad de California-Berkeley (que alberga la colección/archivo Earl Hines). También en el Chicago Jazz Archive, el Hogan Jazz Archive de la Universidad de Tulane y en las bibliotecas del Museo Louis Armstrong House . Véase también jazzonfilm.com/documentaries