Earl Kenneth Hines , también conocido como Earl " Fatha " [nb 1] Hines (28 de diciembre de 1903 [nb 2] - 22 de abril de 1983), fue un pianista y director de orquesta de jazz estadounidense . Fue una de las figuras más influyentes en el desarrollo del piano de jazz y, según una fuente, "uno de los pocos pianistas cuya interpretación dio forma a la historia del jazz". [1]
El trompetista Dizzy Gillespie (miembro de la gran banda de Hines , junto con Charlie Parker ) escribió:
El piano es la base de la armonía moderna. Este pequeño músico de Chicago, Earl Hines, cambió el estilo del piano. Puedes encontrar las raíces de Bud Powell , Herbie Hancock y todos los que vinieron después. Si no hubiera sido por Earl Hines, que abrió el camino para la siguiente generación, no se sabe dónde o cómo tocarían ahora. Hubo variaciones individuales, pero el estilo del piano moderno surgió de Earl Hines. [2]
El pianista Lennie Tristano dijo: «Earl Hines es el único de nosotros capaz de crear jazz y swing auténticos cuando toca solo». Horace Silver dijo: «Tiene un estilo absolutamente único. Nadie puede conseguir ese sonido, ningún otro pianista». [3] Erroll Garner dijo: «Cuando se habla de grandeza, se habla de Art Tatum y Earl Hines». [4]
Count Basie dijo que Hines era "el mejor pianista del mundo". [5]
Earl Hines nació en Duquesne , Pensilvania, a 12 millas del centro de Pittsburgh , en 1903. Su padre, Joseph Hines, [nb 3] tocaba la corneta y era el líder de la Eureka Brass Band en Pittsburgh, [6] y su madrastra era organista de la iglesia. [7] Hines tenía la intención de seguir a su padre en la corneta, pero "soplar" le hacía daño detrás de las orejas, mientras que el piano no. [8] [9] [10] El joven Hines tomó lecciones de piano clásico . [11] A la edad de once años tocaba el órgano en su iglesia bautista . [12] Tenía un "buen oído y una buena memoria" y podía reproducir canciones después de escucharlas en teatros y conciertos en parques: "Estaba tocando canciones de estos espectáculos meses antes de que salieran las copias de las canciones. Eso asombraba a mucha gente y me preguntaban dónde había escuchado estos números y les decía en el teatro donde mis padres me habían llevado". [13] Más tarde, Hines dijo que tocaba el piano en Pittsburgh "antes de que se inventara la palabra ' jazz '". [10]
Con la aprobación de su padre, Hines se fue de casa a los 17 años para empezar a tocar el piano con Lois Deppe and His Symphonian Serenaders en el Liederhaus, un club nocturno de Pittsburgh . Recibía alojamiento, dos comidas al día [14] y 15 dólares a la semana [15] [16] Deppe, un conocido barítono concertista que cantaba tanto canciones clásicas como populares, también utilizó al joven Hines como su acompañante de conciertos y lo llevó en sus viajes de conciertos a Nueva York. En 1921, Hines y Deppe se convirtieron en los primeros afroamericanos en actuar en la radio [17] .
Las primeras grabaciones de Hines fueron acompañando a Deppe: cuatro caras grabadas para Gennett Records en 1923, todavía en los primeros días de la grabación de sonido. [18] Solo se publicaron dos de ellas, una de las cuales era una composición de Hines, "Congaine", "un foxtrot entusiasta y ágil", [19] que también incluía un solo de Hines. Entró nuevamente al estudio con Deppe un mes después para grabar canciones espirituales y populares, incluidas " Sometimes I Feel Like a Motherless Child " [20] y "For the Last Time Call Me Sweetheart". También acompañó a Ethel Waters, describiendo su estrategia como tocar "por debajo de lo que hace el artista" escuchando "los cambios que ella hizo". [21]
En 1925, después de mucho debate familiar, Hines se mudó a Chicago , Illinois, entonces la capital mundial del jazz, la casa de Jelly Roll Morton y King Oliver . Hines comenzó en Elite No. 2 Club, pero pronto se unió a la banda de Carroll Dickerson , con quien también realizó una gira en el Circuito Teatral Pantages a Los Ángeles y de regreso.
Hines conoció a Louis Armstrong en el salón de billar del sindicato de músicos negros, local 208, en State y 39th en Chicago. [10] Hines tenía 21 años, Armstrong 24. Tocaban juntos el piano del sindicato. [22] [nb 4] Armstrong estaba asombrado por la forma vanguardista de tocar el piano "al estilo de la trompeta" de Hines, que a menudo usaba octavas deslumbrantemente rápidas para que en pianos verticales no demasiado perfectos (y sin amplificación) "pudieran escucharme desde el frente". [10] [16] Richard Cook escribió en Jazz Encyclopedia que
La mayor diferencia [de Hines] con lo que tocaban otros pianistas en aquel momento fue su aproximación al pulso subyacente: atacaba contra el compás de la pieza que se estaba interpretando, acentuaba los contratiempos, introducía paradas repentinas y breves silencios. En otras manos esto podría sonar torpe o descontrolado, pero Hines podía mantener el rumbo con una resistencia asombrosa. [23]
Armstrong y Hines se hicieron buenos amigos y compartieron un automóvil. Armstrong se unió a Hines en la banda de Carroll Dickerson en el Sunset Cafe . En 1927, esta se convirtió en la banda de Armstrong bajo la dirección musical de Hines. [24] Más tarde ese año, Armstrong renovó su banda de grabación exclusiva de Okeh Records , Louis Armstrong and His Hot Five , y contrató a Hines como pianista, reemplazando a su esposa, Lil Hardin Armstrong , en el instrumento.
Armstrong y Hines luego grabaron lo que a menudo se considera algunos de los discos de jazz más importantes jamás realizados.
... con la llegada de Earl Hines al piano, Armstrong ya se acercaba a la estatura de solista de concierto, un papel que desempeñaría más o menos a lo largo de la década siguiente, lo que hace que estas últimas sesiones en pequeños grupos sean algo así como una despedida a regañadientes de la primera edad de oro del jazz. Dado que Hines también está magnífico en estos discos (y su exuberancia despreocupada es una maravilla en el dúo espectacular " Weather Bird "), los resultados parecen como si se estuviera escuchando a escondidas a grandes hombres hablando casi en voz baja entre ellos. No hay nada en el jazz más fino o más conmovedor que la interpretación en " West End Blues ", "Tight Like This", "Beau Koo Jack" y "Muggles". [25]
En la época de los discos de 78 rpm , los ingenieros de grabación no podían reproducir una toma sin dejar el master inservible para su lanzamiento comercial, por lo que la banda no escuchó la versión final de "West End Blues" hasta que Okeh la publicó unas semanas después. "Earl Hines se sorprendió cuando el disco salió al mercado, porque lo trajo a mi casa, ya sabes, nos habíamos olvidado de que lo habíamos grabado", recordó Armstrong en 1956. Pero les gustó lo que escucharon. "Cuando salió por primera vez", dijo Hines, "Louis y yo nos quedamos con esa grabación prácticamente una hora y media o dos horas y nos golpeamos mutuamente porque no teníamos idea de que iba a resultar tan bueno como lo hizo". [26]
El Sunset Cafe cerró en 1927. [nb 5] Hines, Armstrong y el baterista Zutty Singleton acordaron que se convertirían en los "Unholy Three" (los tres impíos): "permanecerían juntos y no tocarían para nadie a menos que los tres fuéramos contratados". [27] Pero como Louis Armstrong and His Stompers (con Hines como director musical), se encontraron con dificultades al intentar establecer su propio local, el Warwick Hall Club, que alquilaron durante un año con la ayuda de Lil Hardin Armstrong como director. [28] Hines fue brevemente a Nueva York y regresó para encontrar que Armstrong y Singleton se habían reincorporado a la banda rival de Dickerson en el nuevo Savoy Ballroom en su ausencia, [nb 6] [29] lo que dejó a Hines con una sensación de "calor". Cuando Armstrong y Singleton más tarde le pidieron que se uniera a ellos con Dickerson en el Savoy Ballroom, Hines dijo: "No, ustedes me dejaron en la lluvia y arruinaron la pequeña corporación que teníamos". [30]
Hines se unió al clarinetista Jimmie Noone en el Apex, un bar clandestino que funcionaba hasta altas horas de la noche , y tocaba desde la medianoche hasta las seis de la mañana, siete noches a la semana. En 1928, grabó 14 temas con Noone y nuevamente con Armstrong (para un total de 38 temas con Armstrong). Sus primeros solos de piano se grabaron a fines de ese año: ocho para QRS Records en Nueva York y luego siete para Okeh Records en Chicago, todos, excepto dos, composiciones propias.
Hines se mudó con Kathryn Perry (con quien había grabado "Sadie Green the Vamp of New Orleans"). Hines dijo de ella: "Ella también había estado en The Sunset, en un número de baile. Era una chica muy encantadora y bonita. Tenía una buena voz y tocaba el violín. Yo me había divorciado y ella se convirtió en mi esposa de hecho. Vivíamos en un apartamento grande y sus padres se quedaron con nosotros". [31] Perry grabó varias veces con Hines, incluyendo " Body and Soul " en 1935. Permanecieron juntos hasta 1940, cuando Hines "se divorció" de ella para casarse con Ann Jones Reed, pero ese matrimonio pronto fue "pospuesto indefinidamente". [32]
Hines se casó con la cantante "Lady of Song" Janie Moses en 1947. Tuvieron dos hijas, Janear (nacida en 1950) y Tosca. Ambas hijas murieron antes que él, Tosca en 1976 y Janear en 1981. Janie se divorció de él el 14 de junio de 1979 y murió en 2007. Sin embargo, existen otros dos hijos de Laurice Penn: Michael Gordon Penn (1960) y Sandra Penn Wilson (1962 - 2023).
El 28 de diciembre de 1928 (su 25 cumpleaños y seis semanas antes de la Masacre del Día de San Valentín ), Hines abrió en el Grand Terrace Cafe de Chicago liderando su propia big band, una posición prestigiosa en el mundo del jazz en ese momento. "Todo Estados Unidos estaba bailando", dijo Hines, [10] y durante los siguientes 12 años y durante lo peor de la Gran Depresión y la Prohibición , la banda de Hines fue la orquesta del Grand Terrace. La Orquesta Hines - u "Organización", como Hines la prefería - tenía hasta 28 músicos y hacía tres shows por noche en el Grand Terrace, cuatro shows cada sábado y, a veces, domingos. Según Stanley Dance , "Earl Hines y The Grand Terrace fueron para Chicago lo que Duke Ellington y The Cotton Club fueron para Nueva York, pero más fogosos". [33]
El Grand Terrace estaba controlado por el gánster Al Capone , por lo que Hines se convirtió en el "Sr. Piano Man" de Capone. El piano vertical Grand Terrace pronto fue reemplazado por un piano de cola Bechstein blanco de 3000 dólares . [34] Hablando de aquellos días, Hines dijo más tarde:
... Al [Capone] llegó allí una noche y convocó a toda la banda y al espectáculo y dijo: "Ahora queremos que sepan nuestra posición. Sólo queremos que ustedes se ocupen de sus propios asuntos. Les daremos toda la protección del mundo, pero queremos que sean como los tres monos : no escuchen nada, no vean nada y no digan nada". Y eso fue lo que hicimos. Y yo solía escuchar muchas de las cosas que iban a hacer, pero nunca se lo dije a nadie. A veces la policía solía venir... buscando a un chivo expiatorio y decía: "Earl, ¿de qué estaban hablando?"... pero yo decía: "No sé, no me vas a echar la culpa a mí", porque tenían la costumbre de poner las fotos de diferentes personas que aportaban información en el periódico y al día siguiente las encontrabas en algún lugar del lago nadando con cadenas atadas a sus pies, si sabes a lo que me refiero. [10]
Desde la Grand Terrace, Hines y su banda transmitieron en "micrófonos abiertos" durante muchos años, a veces siete noches a la semana, de costa a costa a través de Estados Unidos, siendo Chicago una buena ubicación para lidiar con transmisiones en vivo a través de zonas horarias en los Estados Unidos. La banda de Hines se convirtió en la banda con más transmisiones en Estados Unidos. [10] [35] Entre los oyentes estaban un joven Nat King Cole [36] y Jay McShann en Kansas City, quien dijo que su "verdadera educación vino de Earl Hines. Cuando 'Fatha' salió del aire, me fui a la cama". [37] El "alumno" más importante de Hines fue Art Tatum . [38]
La banda de Hines generalmente estaba compuesta por 15-20 músicos en el escenario, ocasionalmente hasta 28. Entre los muchos miembros de la banda estaban Wallace Bishop , Alvin Burroughs , Scoops Carry , Oliver Coleman, Bob Crowder, Thomas Crump, George Dixon , Julian Draper, Streamline Ewing , Ed Fant, Milton Fletcher, Walter Fuller , Dizzy Gillespie , Leroy Harris, Woogy Harris, Darnell Howard , Cecil Irwin , Harry 'Pee Wee' Jackson, Warren Jefferson, Budd Johnson , Jimmy Mundy , Ray Nance , Charlie Parker , Willie Randall, Omer Simeon , Cliff Smalls , Leon Washington , Freddie Webster , Quinn Wilson y Trummy Young .
En ocasiones, Hines permitía que otro pianista lo sustituyera, para que pudiera dirigir mejor a toda la "Organización". Jess Stacy [39] era uno de ellos, Nat "King" Cole y Teddy Wilson eran otros, pero Cliff Smalls era su favorito. [40]
Cada verano, Hines salía de gira con toda su banda durante tres meses, incluso por el sur, siendo la primera big band negra en hacerlo. [41] Según explicó, "[cuando] viajábamos en tren por el sur, enviaban un maletero a nuestro coche para avisarnos cuando el comedor estaba despejado, y entonces entrábamos todos juntos. No podíamos comer cuando queríamos. Teníamos que comer cuando ellos estuvieran listos para nosotros". [42]
En América de Duke Ellington , Harvey G. Cohen escribe:
En 1931, Earl Hines y su orquesta "fueron la primera gran banda negra en viajar extensamente por el Sur". Hines se refirió a ello como una "invasión" más que una "gira". Entre una bomba que explotó bajo el escenario de su banda en Alabama ("... ninguno de nosotros resultó herido, pero tampoco tocamos tan bien después de eso") y numerosos encuentros amenazantes con la policía, la experiencia resultó tan angustiosa que Hines en la década de 1960 recordó que "podríamos llamarnos los primeros Freedom Riders ". En su mayor parte, cualquier contacto con blancos, incluso fans, era visto como peligroso. Encontrar lugares para comer o pasar la noche implicaba una lucha constante. La única "victoria" no musical que Hines reivindicó fue ganarse el respeto del dueño de una tienda de ropa que inicialmente trató a Hines con desdén hasta que quedó claro que Hines planeaba gastar $85 en camisetas, "lo que cambió toda su actitud". [43]
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En 1942, Hines le proporcionó al saxofonista Charlie Parker su gran oportunidad, aunque Parker fue despedido poco después por su "puntualidad" (con lo que Hines se refería a su incapacidad para presentarse a tiempo), a pesar de que Parker recurrió a dormir debajo del escenario de la banda en sus intentos de ser puntual. [44] Dizzie Gillespie se unió el mismo año.
El Grand Terrace Café había cerrado repentinamente en diciembre de 1940; su gerente, Ed Fox, desapareció. [45] Hines, de 37 años, siempre famoso por ser un buen compañero de trabajo, [46] llevó a su banda de gira a tiempo completo durante los siguientes ocho años, [nb 7] resistiéndose a las renovadas ofertas de Benny Goodman para unirse a su banda como pianista. [45]
La banda de Hines tuvo problemas cuando varios de sus miembros fueron reclutados en las fuerzas armadas durante la Segunda Guerra Mundial . [47] [nb 8] Seis fueron reclutados solo en 1943. Como resultado, el 19 de agosto de 1943, Hines tuvo que cancelar el resto de su gira por el sur. [48] Fue a Nueva York y contrató un grupo de 12 integrantes exclusivamente femenino "a prueba de reclutamiento", [48] [49] que duró dos meses. [50] Luego, Hines lo expandió a una banda de 28 integrantes (17 hombres, 11 mujeres), [48] incluyendo cuerdas y trompa . A pesar de estas dificultades en tiempos de guerra, Hines llevó a sus bandas de gira de costa a costa, [51] pero aún pudo tomarse un tiempo libre de su propia banda para liderar la Orquesta de Duke Ellington en 1944 cuando Ellington enfermó.
Fue durante esta época (y especialmente durante la prohibición de grabaciones durante la huelga de músicos de 1942-44 ) que las sesiones de improvisación nocturnas con miembros de la banda de Hines sembraron las semillas del nuevo estilo emergente en el jazz, el bebop . Ellington dijo más tarde que "las semillas del bop estaban en el estilo de piano de Earl Hines". [52] El biógrafo de Charlie Parker, Ross Russell , escribió:
La orquesta Earl Hines de 1942 había sido infiltrada por los revolucionarios del jazz. Cada sección tenía su célula de insurgentes. La sonoridad de la banda estaba erizada de quintas bemoles, tresillos y otros materiales del nuevo esquema sonoro. Los directores de banda de tendencia más conservadora advirtieron a Hines que había reclutado demasiado bien y que estaba sentado sobre un polvorín. [53]
Ya en 1940, el saxofonista y arreglista Budd Johnson había "reescrito el libro" [32] para la banda de Hines en un estilo más moderno. A Johnson y Billy Eckstine , vocalista de Hines entre 1939 y 1943, se les atribuye haber ayudado a traer músicos modernos a la banda de Hines en la transición entre el swing y el bebop. Aparte de Parker y Gillespie, otros "modernistas" de Hines incluyeron a Gene Ammons , Gail Brockman, Scoops Carry , Goon Gardner, Wardell Gray , Bennie Green , Benny Harris , Harry "Pee-Wee" Jackson, Shorty McConnell, Cliff Smalls , Shadow Wilson y Sarah Vaughan , quien reemplazó a Eckstine como cantante de la banda en 1943 y se quedó durante un año.
Dizzy Gillespie dijo sobre la música que desarrolló la banda:
La gente habla de la banda de Hines como "la incubadora del bop" y los principales exponentes de esa música terminaron en la banda de Hines. Pero la gente también tiene la impresión errónea de que la música era nueva. No lo era. La música evolucionó a partir de lo que había antes. Era la misma música básica. La diferencia estaba en cómo se llegó de aquí a aquí y de aquí a aquí... naturalmente, cada época tiene su propia mierda. [54]
Los vínculos con el bebop se mantuvieron estrechos. El discógrafo de Parker, entre otros, [55] ha sostenido que " Yardbird Suite ", que Parker grabó con Miles Davis en marzo de 1946, estaba de hecho basada en "Rosetta" de Hines, que todas las noches servía como tema principal de la banda de Hines. [56]
Dizzy Gillespie describió la banda de Hines diciendo: "Teníamos una banda hermosa, hermosa con Earl Hines. Es un maestro y aprendes mucho de él, autodisciplina y organización". [57]
En julio de 1946, Hines sufrió graves heridas en la cabeza en un accidente automovilístico cerca de Houston que, a pesar de una operación, afectó su vista por el resto de su vida. [58] De nuevo en la carretera cuatro meses después, continuó liderando su big band durante dos años más. [59] En 1947, Hines compró el club nocturno más grande de Chicago, The El Grotto, [60] pero con la disminución de la popularidad de la música de big band, pronto se hundió y Hines perdió $ 30,000 ($ 468,737 hoy). [61]
A principios de 1948, Hines se unió de nuevo a Armstrong en la "pequeña banda" Louis Armstrong and His All-Stars . No estuvo exenta de tensiones para Hines. Un año después, Armstrong se convirtió en el primer músico de jazz en aparecer en la portada de la revista Time (el 21 de febrero de 1949). Armstrong estaba en camino de convertirse en un icono estadounidense, lo que hizo que Hines sintiera que lo estaban utilizando solo como un músico de acompañamiento en comparación con su viejo amigo. Al hablar de las dificultades, principalmente sobre la facturación, Armstrong declaró: "Hines y su ego, ego, ego..." Tres años después y para disgusto de Armstrong, [62] Hines dejó los All Stars en 1951.
Luego, de nuevo como líder, Hines llevó a sus propios pequeños combos por los Estados Unidos. Comenzó con una formación notablemente más moderna que los envejecidos All Stars: Bennie Green , Art Blakey , Tommy Potter y Etta Jones . En 1954, realizó una gira por todo el país con su grupo de siete integrantes con los Harlem Globetrotters . En 1958, transmitió en American Forces Network , pero a principios de la década de 1960, con un marcado carácter jazzístico, el anciano Hines se instaló en Oakland , California, con su esposa y sus dos hijas pequeñas, abrió una tabaquería y estuvo a punto de abandonar la profesión. [63]
En 1964, Stanley Dance , el decidido amigo y manager no oficial de Hines, lo convenció para que ofreciera una serie de recitales en el Little Theatre de Nueva York. Fueron los primeros recitales de piano que Hines había dado; causaron sensación, lo que llevó a que Hines fuera "redescubierto de repente". "¿Qué queda por escuchar después de haber escuchado a Earl Hines?", preguntó John Wilson de The New York Times . [64] Hines ganó entonces la Encuesta de Críticos Internacionales de 1966 para el Salón de la Fama de la revista DownBeat . DownBeat también lo eligió como el "pianista de jazz número uno" del mundo en 1966 (y lo volvió a hacer cinco veces más). Jazz Journal le otorgó el primer y segundo lugar en su encuesta general a sus LP del año y el primer, segundo y tercer lugar en su categoría de piano. [65] Jazz lo votó como "Jazzman del año" y lo eligió para sus puestos número 1 y número 2 en la categoría de grabaciones de piano. Hines fue invitado a aparecer en programas de televisión presentados por Johnny Carson y Mike Douglas .
Desde entonces hasta su muerte veinte años después, Hines grabó sin cesar, tanto en solitario como con contemporáneos como Cat Anderson , Harold Ashby , Barney Bigard , Lawrence Brown , Dave Brubeck (grabaron duetos en 1975), Jaki Byard (duetos en 1972), Benny Carter , Buck Clayton , Cozy Cole , Wallace Davenport , Eddie "Lockjaw" Davis , Vic Dickenson , Roy Eldridge , Duke Ellington (duetos en 1966), Ella Fitzgerald , Panama Francis , Bud Freeman , Stan Getz , [nb 9] Dizzy Gillespie , Paul Gonsalves , Stéphane Grappelli , Sonny Greer , Lionel Hampton , Coleman Hawkins , Milt Hinton , Johnny Hodges , Peanuts Hucko , Helen Humes , Budd Johnson , Jonah Jones , Max Kaminsky , Gene Krupa , Ellis Larkins , Shelly Manne , Marian McPartland (duetos en 1970), Gerry Mulligan , Ray Nance , Oscar Peterson (duetos en 1968), Russell Procope , Pee Wee Russell , Jimmy Rushing , Stuff Smith , Rex Stewart , Maxine Sullivan , Buddy Tate , Jack Teagarden , Clark Terry , Sarah Vaughan , Joe Venuti , Earle Warren , Ben Webster , Teddy Wilson (duetos en 1965 y 1970), Jimmy Witherspoon , Jimmy Woode y Lester Young . Posiblemente más sorprendentes fueron Alvin Batiste , Tony Bennett , Art Blakey , Teresa Brewer , Barbara Dane , Richard Davis , Elvin Jones , Etta Jones , The Ink Spots , Peggy Lee , Helen Merrill ,Charles Mingus , Oscar Pettiford , Vi Redd , Betty Roché , Caterina Valente , Dinah Washington y Ry Cooder (en la canción "Ditty Wah Ditty").
Pero las grabaciones más valoradas de este período son sus interpretaciones en solitario, "toda una orquesta por él solo". [66] Whitney Balliett escribió sobre sus grabaciones y interpretaciones en solitario de esta época:
Hines cumplirá sesenta y siete años este año y su estilo se ha vuelto intrincado, rococó y sutil hasta el punto de resultar elusivo. Se desarrolla en capas orquestales y exige una escucha intensa. A pesar de la gran cantidad de notas que utiliza ahora, su interpretación nunca es gorda. Hines puede seguir así en un blues de tempo medio. Tocará los dos primeros estribillos suavemente y fuera de tempo, desenrollando acordes plácidos que sostienen con seguridad el núcleo de la melodía. En el tercer estribillo, se habrá deslizado hacia un ritmo constante pero implícito y habrá subido el volumen. Luego, utilizando décimas constantes en su mano izquierda, marcará un coro completo de acordes de la mano derecha entre los tiempos. Saltará al registro superior en el siguiente estribillo y pasará por notas colocadas irregularmente, mientras que su mano izquierda toca acordes descendentes, al ritmo, que pasan por un bosque de cambios armónicos. (Hay tantos contrastes de empuje y atracción en un coro de este tipo que es imposible captarlo de una sola vez.) En el siguiente coro —¡bang!— el volumen sube de nuevo y Hines comienza una carrera desquiciada en doble tiempo y medio que puede hacer varios barridos arriba y abajo del teclado y que están puntuados por notas individuales fuera de ritmo en la mano izquierda. Luego lanza varios glissandos rápidos descendentes con dos dedos , entra abruptamente en un remolino arrítmico de acordes y carreras cortas y rotas y, tan abruptamente como lo comenzó todo, entra en un interludio de acordes relajados y notas individuales puntuadas. Pero estos coros, a los que pueden seguir ocho o diez más antes de que Hines haya terminado lo que tiene que decir, son irresistibles en otros sentidos. Cada uno es una creación completa en sí mismo, y sin embargo cada uno está estrechamente ligado al siguiente. [67]
Hines grabó tributos en solitario a Armstrong, Hoagy Carmichael , Ellington, George Gershwin y Cole Porter en la década de 1970, a veces en el Steinway de 12 patas de 1904 que le regaló en 1969 Scott Newhall , el editor en jefe del San Francisco Chronicle . En 1974, cuando tenía más de setenta años, Hines grabó dieciséis LP. "Una serie de grabaciones en solitario significó que, en su vejez, Hines estaba siendo documentado exhaustivamente por fin, y estuvo a la altura del desafío con una fuerza inspiradora constante". [68] Desde su "regreso" de 1964 hasta su muerte, Hines grabó más de 100 LP en todo el mundo. Dentro de la industria, se volvió legendario por entrar en un estudio y salir una hora y media después de haber grabado un LP en solitario no planeado. [69] Las repeticiones eran casi inauditas, excepto cuando Hines quería volver a intentar una melodía de alguna otra manera, a menudo completamente diferente. [70]
A partir de 1964, Hines realizó giras frecuentes por Europa, especialmente por Francia. En 1968, realizó giras por Sudamérica. Actuó en Asia, Australia, Japón y, en 1966, en la Unión Soviética, en giras financiadas por el Departamento de Estado de los Estados Unidos. Durante su gira de seis semanas por la Unión Soviética, en la que realizó 35 conciertos [71] , el Palacio de Deportes de Kiev, con capacidad para 10.000 personas , se agotó. Como resultado, el Kremlin canceló sus conciertos en Moscú y Leningrado [72] por considerarlos "demasiado peligrosos desde el punto de vista cultural". [73]
Aunque todavía tocaba tan bien como siempre, [nb 10] Hines mostró peculiaridades individualistas (incluidos gruñidos) en estas actuaciones. A veces cantaba mientras tocaba, especialmente su propia canción "They Didn't Believe I Could Do It... Neither Did I". [10] En 1975, Hines fue el tema de un documental televisivo de una hora de duración [74] realizado por ATV (para el canal comercial británico ITV ), fuera de horario en el club nocturno Blues Alley en Washington, DC . El International Herald Tribune lo describió como "la mejor película de jazz jamás realizada". [10] En la película, Hines dijo: "La forma en que me gusta tocar es que... soy un explorador, si se me permite usar esa expresión, estoy buscando algo todo el tiempo... casi como si estuviera tratando de hablar". [10] En 1979, Hines fue incluido en el Salón de la Fama de los Cineastas Negros . [75] Tocó como solista en el funeral de Duke Ellington, tocó como solista dos veces en la Casa Blanca , para el presidente de Francia y para el Papa . Sobre esta aclamación, Hines dijo: "Normalmente le dan crédito a la gente cuando está muerta. Yo recibí mis flores mientras estaba vivo". [76]
El último concierto de Hines tuvo lugar en San Francisco unos días antes de morir de un ataque cardíaco en Oakland. Tal como había deseado, su Steinway fue subastado en beneficio de estudiantes de música talentosos y de bajos ingresos, y todavía lleva su placa de plata:
Hines fue enterrado en el cementerio Evergreen en Oakland, California .
El Oxford Companion to Jazz describe a Hines como "el pianista más importante en la transición del stride al swing " y continúa:
A medida que maduró durante la década de 1920, simplificó el stride "piano orquestal", llegando finalmente a un estilo swing prototípico. La mano derecha ya no desarrolló patrones sincopados alrededor de notas pivote (como en el ragtime ) o figuración entre las manos (como en stride) sino que se centró en una línea melódica más dirigida, a menudo duplicada en la octava con trémolos de final de frase . Esta línea se llamó la mano derecha "trompeta" debido a su carácter marcadamente parecido a un instrumento de viento, pero de hecho la tendencia general hacia un estilo más lineal se puede rastrear a través del stride y Jelly Roll Morton hasta el ragtime tardío de 1915 a 1920. [79]
El propio Hines describió su encuentro con Armstrong:
Louis me miró de una forma muy extraña. Entonces le dije: "¿Estoy haciendo los acordes equivocados ?" Y él dijo: "No, pero tu estilo es como el mío". Entonces le dije: "Bueno, yo quería tocar la trompeta pero me dolía detrás de las orejas, así que tocaba en el piano lo que quería tocar en la trompeta". Y él dijo: "No, no, ese es mi estilo, eso es lo que me gusta".
Hines continuó:
... Sentía curiosidad y quería saber de qué estaban hechos los acordes. Empecé a tocar como los otros instrumentos. Pero en aquella época no teníamos amplificación , así que los cantantes solían usar megáfonos y no tenían pianos de cola para que los usáramos en ese momento; eran verticales. Así que cuando me dieron un solo, tocando con un solo dedo como lo hacía yo, en esas grandes salas apenas podían oírme. Así que tuve que pensar en algo para poder destacarme entre la gran banda . Así que empecé a usar lo que llaman "estilo trompeta", que eran octavas. Entonces podían escucharme desde el frente y eso fue lo que cambió el estilo de tocar el piano en esa época en particular. [10]
En su libro Jazz (2009), Gary Giddins y Scott DeVeaux escribieron sobre el estilo de Hines en esa época:
Para hacerse audible, [Hines] desarrolló una habilidad para improvisar en trémolos (la alternancia rápida de dos o más notas, creando una versión pianística del vibrato del músico de metales ) y octavas o décimas: en lugar de tocar una nota a la vez con su mano derecha, tocaba dos y con una fuerza de percusión vibrante – su alcance era tan grande que sus competidores celosos difundieron el ridículo rumor de que le habían extirpado quirúrgicamente la membrana entre los dedos. [80]
En su libro Louis Armstrong: maestro del modernismo , Thomas Brothers describió el estilo de Hines:
Rítmicamente, Hines era muy bueno en llevar sus líneas melódicas cada vez más lejos de la base fija, creando una sensación radical de desapego durante unos pocos tiempos o compases, solo para volver a aterrizar en el tiempo con gran aplomo cuando terminaba su incursión. La mano izquierda a veces se suma a la acción... Lo que es especialmente distintivo en Hines son los sorprendentes efectos que crea al realzar armónicamente estas desviaciones rítmicas. Al igual que Armstrong, pensaba en los acordes de manera creativa y con gran precisión. Pero estaba un paso por delante de su colega en su voluntad de experimentar. Se aficionó a las dislocaciones radicales, los giros repentinos de dirección con una conexión tenue e inexistente con la armonía de base. [81]
El pianista Teddy Wilson escribió sobre el estilo de Hines:
Hines era un gran solista y un gran intérprete de ritmo. Tiene un hermoso y poderoso enfoque rítmico del teclado y sus ritmos son más excéntricos que los de Art Tatum o Fats Waller . Cuando digo excéntrico, me refiero a alejarse del ritmo 4/4 directo. Tocaba mucho de lo que ahora llamamos "acento en el pulso y ". ... Era un uso sutil de la síncopa , tocando en los pulsos intermedios o lo que yo podría llamar pulsos y : uno- y -dos -y -tres- y -cuatro - y . El y entre "uno-dos-tres-cuatro" está implícito. Cuando se cuenta en música, el y se convierte en lo que se llama corcheas. Entonces obtienes ocho notas por compás en lugar de cuatro, aunque están espaciadas en el tiempo de cuatro. Hines entraba en esos pulsos y con los patrones más excéntricos que impulsaban el ritmo hacia adelante con tanta fuerza tremenda que la gente sentía una necesidad irresistible de bailar o golpear sus pies o reaccionar físicamente de otra manera al ritmo de la música. ... Hines es muy intrincado en sus patrones rítmicos: muy inusual y original, y realmente no hay nadie como él. Eso lo convierte en un gigante de la originalidad. Podía producir solos de piano improvisados que podían cautivar a quizás 2.000 personas bailando, tal como lo haría una trompeta o un saxofón. [82]
Oliver Jackson fue el baterista frecuente de Hines (así como baterista de Oscar Peterson , Benny Goodman , Lionel Hampton , Duke Ellington , Teddy Wilson y muchos otros). Describió el estilo de Hines de la siguiente manera:
Jackson dice que Earl Hines y Erroll Garner (cuyo método para tocar el piano, dice, provenía de Hines) fueron los dos músicos a los que le resultó excepcionalmente difícil acompañar. ¿Por qué? “Podían tocar en dos o tres tempos diferentes al mismo tiempo… La mano izquierda estaría en un compás y la mano derecha estaría en otro compás y entonces tienes que observar su técnica de pedal porque golpeaban el pedal de sostenido y las notas sonaban aquí y ese es un tempo en el que se está poniendo el pedal de sostenido, y luego esta mano se está moviendo, su mano izquierda se está moviendo, tal vez tocando décimas, y esta mano está tocando tresillos de negras o semicorcheas. Así que tienes toda esta conglomeración de todos estos diferentes tempos en marcha”. [83]
La Enciclopedia Biográfica del Jazz ofrece la siguiente descripción del estilo de Hines de 1965:
[Hines] utiliza su mano izquierda a veces para acentos y figuras que sólo vendrían de una sección completa de trompetas. A veces toca acordes que habrían sido escritos y tocados por cinco saxofones en armonía. Pero siempre es el pianista virtuoso con sus arpegios , su ataque percusivo y su fantástica capacidad para modular de una canción a otra como si todas fueran una sola canción y él simplemente creara todas esas melodías durante su propia improvisación . [84]
Más tarde aún, ya con setenta años y después de una serie de grabaciones en solitario recientes, el propio Hines dijo:
Soy un explorador, si se me permite usar esa expresión. Busco algo todo el tiempo y muchas veces me pierdo. Y la gente que está a mi alrededor sabe que cuando me ve sonreír, sabe que estoy perdido y que estoy tratando de regresar. Pero lo hace mucho más interesante porque entonces haces cosas que te sorprenden. Y después de escuchar la grabación, también te pones un poco feliz porque dices: "¡Oh, no sabía que podía hacer ESO! " [10]
El salón de baile Savoy abrió sus puertas la víspera de Acción de Gracias, el 23 de noviembre de 1927. Con más de media hectárea de espacio para bailar, el Savoy tenía capacidad para más de cuatro mil personas. El nombre del salón de baile recordaba al enormemente popular y muy respetado palacio de baile del mismo nombre en el Harlem de Nueva York, que había abierto poco más de un año antes. ...
En su reseña del Savoy, el periódico negro más importante de Chicago, el Defender, elogió las características modernas del nuevo salón de baile: "Nunca antes los habitantes de Chicago habían visto algo tan lujoso como el salón de baile Savoy. Artistas famosos han transformado el edificio en un verdadero paraíso, cada sección es más hermosa que la otra. La sensación de lujo y comodidad que uno obtiene al entrar es ideal y hogareña, y el deseo de quedarse, bailar y mirar se genera en cada momento de su visita. Se proporcionan todas las comodidades modernas. Además de un médico de cabecera y una enfermera profesional para enfermedades o accidentes, hay una sala de estar ideal para damas y caballeros, lujosamente amueblada, una sala de tocador para la comodidad de las damas para maquillarse, un guardarropa ultramoderno que acomoda 6.000 sombreros y abrigos colgados individualmente para que si uno entra con su abrigo aplastado o arrugado esté en mejores condiciones al salir". Estas comodidades modernas no sólo le daban al salón de baile una "atmósfera de refinamiento" que reflejaba las pretensiones de clase de los negros de Chicago que aspiraban a ascender, sino que también reducían la probabilidad de que el Savoy fuera objeto de críticas por parte de quienes abogaban por el cierre de los locales de baile desordenados. Un aparcamiento adyacente de 1.000 plazas también atraía probablemente a los negros de Chicago más prósperos.
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La música nunca se detuvo en el Savoy. Desde 1927 hasta 1940, se contrataron dos bandas cada noche para permitir el baile continuo. Cuando una banda se tomaba un descanso, otra estaba disponible para seguir tocando. Durante estos años, el Savoy estuvo abierto siete días a la semana, con matinés los sábados y domingos. Aunque la mayoría de los clientes del Savoy eran negros, un número cada vez mayor de blancos de Chicago visitaban el Savoy para escuchar y bailar a las grandes bandas de jazz de la época. ( "Savoy Ballroom". Jazz Age Chicago. Archivado desde el original el 24 de marzo de 2004 . Consultado el 1 de junio de 2014 .)
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Documental televisivo de una hora, producido y dirigido por Charlie Nairn. Filmado en el club de jazz Blues Alley en Washington, DC para UK ATV Television en 1975.
Película original de 16 mm, más tomas descartadas de melodías adicionales, archivadas en la Biblioteca del Instituto de Cine Británico en BFI.org. También en ITVStudios.com. Copias en DVD disponibles en la Biblioteca de Música Jean Gray Hargrove de la Universidad de California-Berkeley (que alberga la Colección/Archivo Earl Hines). También en el Archivo de Jazz de Chicago, el Archivo de Jazz Hogan de la Universidad de Tulane y en las Bibliotecas del Museo de la Casa Louis Armstrong . Véase también jazzonfilm.com/documentaries