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El arte católico es el arte producido por o para los miembros de la Iglesia católica . Esto incluye el arte visual ( iconografía ), la escultura , las artes decorativas , las artes aplicadas y la arquitectura . En un sentido más amplio, también se pueden incluir la música católica y otras artes. Las expresiones de arte pueden o no intentar ilustrar, complementar y representar en forma tangible la enseñanza católica. El arte católico ha desempeñado un papel principal en la historia y el desarrollo del arte occidental desde al menos el siglo IV. El tema principal del arte católico ha sido la vida y la época de Jesucristo , junto con las personas asociadas con él, incluidos sus discípulos , los santos y los motivos de la Biblia católica .
Las primeras obras de arte que se conservan son los frescos pintados en las paredes de las catacumbas y las casas de reunión de los cristianos perseguidos del Imperio Romano . La Iglesia en Roma fue influenciada por el arte romano y los artistas religiosos de la época. Los sarcófagos de piedra de los cristianos romanos exhiben la estatuaria tallada más antigua que se conserva de Jesús, María y otras figuras bíblicas. La legalización del cristianismo con el Edicto de Milán (313) transformó el arte católico, que adoptó formas más ricas como mosaicos y manuscritos iluminados . La controversia de la iconoclasia dividió brevemente a la Iglesia occidental y la Iglesia oriental , después de lo cual el desarrollo artístico progresó en direcciones separadas. El arte románico y gótico floreció en la Iglesia occidental a medida que el estilo de la pintura y la estatuaria se movía en una dirección cada vez más naturalista.
La Reforma protestante del siglo XVI produjo nuevas oleadas de destrucción de imágenes, a las que la Iglesia Católica respondió con los dramáticos y elaborados estilos emotivos del Barroco y el Rococó para enfatizar la belleza como algo trascendental . En el siglo XIX, el liderazgo en el arte occidental se alejó de la Iglesia Católica que, después de abrazar el revivalismo histórico, se vio cada vez más afectada por el movimiento modernista , un movimiento que en su "rebelión" contra la naturaleza contrarresta el énfasis de la Iglesia en la naturaleza como una buena creación de Dios .
El arte cristiano es casi tan antiguo como el cristianismo mismo. Las esculturas cristianas más antiguas proceden de sarcófagos romanos , que datan de principios del siglo II. Sin embargo, como secta perseguida, las primeras imágenes cristianas eran arcanas y estaban destinadas a ser inteligibles solo para los iniciados. Los símbolos cristianos primitivos incluyen la paloma, el pez, el cordero, la cruz, la representación simbólica de los Cuatro Evangelistas como bestias y el Buen Pastor . Los primeros cristianos también adaptaron motivos decorativos romanos como el pavo real, las vides y el Buen Pastor. Es en las catacumbas de Roma donde aparecen por primera vez representaciones reconocibles de figuras cristianas en gran número. La iglesia doméstica de Dura-Europos , recientemente excavada en la frontera con Siria, data de alrededor del año 265 d. C. y contiene muchas imágenes del período de persecución. Los frescos supervivientes de la sala del baptisterio se encuentran entre las pinturas cristianas más antiguas. Podemos ver el "Buen Pastor", la "Curación del paralítico" y "Cristo y Pedro caminando sobre el agua". Un fresco mucho más grande representa a las dos Marías visitando la tumba de Cristo. [2]
En el siglo IV, el Edicto de Milán permitió el culto cristiano público y condujo al desarrollo de un arte cristiano monumental. Los cristianos pudieron construir edificios para el culto más grandes y más hermosos que los lugares de reunión furtivos que habían estado usando. Las fórmulas arquitectónicas existentes para los templos no eran adecuadas porque los sacrificios paganos ocurrían al aire libre a la vista de los dioses, con el templo, que albergaba las figuras del culto y el tesoro, como telón de fondo. Como modelo arquitectónico para las grandes iglesias, los cristianos eligieron la basílica , el edificio público romano utilizado para la justicia y la administración. Estas iglesias-basílicas tenían una nave central con una o más naves laterales a cada lado y un ábside redondeado en un extremo: en esta plataforma elevada se sentaban el obispo y los sacerdotes , y también el altar . Aunque parece que los primeros altares se construían de madera (como es el caso de la iglesia de Dura-Europos), los altares de este período se construían de piedra y comenzaron a tener un diseño más rico. Ahora se podrían utilizar materiales más ricos para el arte, como los mosaicos que decoran Santa María la Mayor en Roma y las basílicas del siglo V de Rávena , donde empiezan a desarrollarse secuencias narrativas.
Gran parte del arte cristiano tomó elementos de la imaginería imperial, incluido Cristo en Majestad , y el uso del halo como símbolo de santidad. El arte cristiano de la Antigüedad Tardía reemplazó el naturalismo helenístico clásico por una estética más abstracta. El propósito principal de este nuevo estilo era transmitir un significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. La perspectiva realista, las proporciones, la luz y el color se ignoraron en favor de la simplificación geométrica, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para retratar individuos y eventos. Los íconos de Cristo, María y los santos, la talla de marfil [3] y los manuscritos iluminados se convirtieron en medios importantes, incluso más importantes en términos de comprensión moderna, ya que casi todas las pocas obras sobrevivientes, aparte de los edificios, de la época consisten en estos objetos portátiles.
La dedicación de Constantinopla como capital en el año 330 d. C. creó un gran nuevo centro artístico cristiano para el Imperio romano de Oriente , que pronto se convirtió en una unidad política separada. Las principales iglesias constantinopolitanas construidas bajo el emperador Constantino y su hijo, Constancio II , incluían los cimientos originales de Santa Sofía y la Iglesia de los Santos Apóstoles . [4] A medida que el Imperio romano de Occidente se desintegraba y era dominado por pueblos "bárbaros", el arte del Imperio bizantino alcanzó niveles de sofisticación, poder y maestría nunca antes vistos en el arte cristiano, y estableció los estándares para aquellas partes de Occidente que aún estaban en contacto con Constantinopla.
Este logro se vio frenado por la controversia sobre el uso de imágenes esculpidas y la correcta interpretación del Segundo Mandamiento, que condujo a la crisis de la iconoclasia o destrucción de imágenes religiosas, que sacudió al Imperio entre 726 y 843. La restauración del iconodulismo ortodoxo resultó en una estricta estandarización de la imaginería religiosa dentro de la Iglesia Ortodoxa Oriental . El arte bizantino se volvió cada vez más conservador, ya que la forma de las imágenes en sí, muchas de las cuales se atribuían un origen divino o se pensaba que habían sido pintadas por San Lucas u otras figuras, se consideraba que tenían un estatus no muy alejado del de un texto bíblico. Podían copiarse, pero no mejorarse. Como concesión al sentimiento iconoclasta, la escultura religiosa monumental fue efectivamente prohibida. Ninguna de estas actitudes se mantuvo en Europa occidental, pero el arte bizantino, no obstante, tuvo una gran influencia allí hasta la Alta Edad Media , y siguió siendo muy popular mucho después de eso, con un gran número de iconos de la Escuela Cretense exportados a Europa hasta el Renacimiento . Siempre que fue posible, se contrataron artistas bizantinos para proyectos como mosaicos en Venecia y Palermo . Los enigmáticos frescos de Castelseprio podrían ser un ejemplo del trabajo de un artista griego que trabajó en Italia.
El arte del catolicismo oriental siempre ha estado más próximo al arte ortodoxo de Grecia y Rusia, y en los países cercanos al mundo ortodoxo, en particular Polonia , el arte católico tiene muchas influencias ortodoxas. La Virgen Negra de Czestochowa bien podría haber sido de origen bizantino: ha sido repintada y es difícil saberlo. Otras imágenes que son ciertamente de origen griego, como la Salus Populi Romani y Nuestra Señora del Perpetuo Socorro , ambos iconos en Roma, han sido objeto de veneración específica durante siglos.
Aunque la influencia ha sido a menudo resistida, especialmente en Rusia, el arte católico también ha afectado a las representaciones ortodoxas en muchos aspectos, especialmente en países como Rumania y en la Escuela Cretense postbizantina , que lideró el arte ortodoxo griego bajo el dominio veneciano en los siglos XV y XVI. El Greco abandonó Creta cuando era relativamente joven, pero Michael Damaskinos regresó después de un breve período en Venecia y pudo cambiar entre los estilos italiano y griego. Incluso el tradicionalista Teófanes el Cretense , que trabajó principalmente en el Monte Athos , muestra, sin embargo, una inconfundible influencia occidental.
La postura teológica católica sobre las imágenes sagradas ha permanecido prácticamente idéntica a la expuesta en los Libri Carolini , aunque ésta, la expresión medieval más completa de las opiniones occidentales sobre las imágenes, era de hecho desconocida durante la Edad Media. Fue preparada alrededor del año 790 para Carlomagno después de que una mala traducción hubiera llevado a su corte a creer que el Segundo Concilio de Nicea bizantino había aprobado el culto a las imágenes, lo que en realidad no era el caso. La contraofensiva católica estableció un camino intermedio entre las posiciones extremas de la iconoclasia bizantina y los iconódulos , aprobando la veneración de las imágenes por lo que representaban, pero no aceptando lo que se convirtió en la postura ortodoxa, de que las imágenes participaban en cierto grado de la naturaleza de lo que representaban (una creencia que resurgiría más tarde en Occidente en el neoplatonismo renacentista ).
Para la Iglesia occidental, las imágenes eran meros objetos hechos por artesanos que debían utilizarse para estimular los sentidos de los fieles y que debían respetarse por el tema representado, no en sí mismas. Aunque en la práctica devocional popular ha existido a menudo una tendencia a traspasar estos límites, antes de la aparición de la idea de coleccionar arte antiguo, la Iglesia solía deshacerse brutalmente de las imágenes que ya no necesitaba, para gran pesar de los historiadores del arte. La mayor parte de las esculturas monumentales del primer milenio que han sobrevivido fueron destrozadas y reutilizadas como escombros en la reconstrucción de iglesias.
En cuestiones prácticas relacionadas con el uso de imágenes, en contraposición a su lugar teórico en la teología, los Libri Carolini se situaban en el extremo antiicónico del espectro de las opiniones católicas, siendo, por ejemplo, más bien desaprobadores del encendido de velas ante las imágenes. Tales opiniones eran expresadas a menudo por líderes de la iglesia individuales, como el famoso ejemplo de San Bernardo de Claraval , aunque muchos otros se inclinaban por el otro lado y alentaban y encargaban arte para sus iglesias. De hecho, Bernardo solo se oponía a las imágenes decorativas en los monasterios que no fueran específicamente religiosas, y predicadores populares como San Bernardino de Siena y Savonarola atacaban regularmente las imágenes seculares propiedad de los laicos.
Aunque la estructura política del Imperio Romano de Occidente se derrumbó tras la caída de Roma, la Iglesia siguió financiando el arte donde pudo. Las obras supervivientes más numerosas del primer período son manuscritos iluminados, en esta fecha todos ellos presumiblemente creados por el clero, que a menudo incluía a abades y otras figuras importantes. El híbrido monástico entre los estilos decorativos "bárbaros" y el libro en el arte insular de las Islas Británicas a partir del siglo VII iba a ser enormemente influyente en el arte europeo durante el resto de la Edad Media , proporcionando un camino alternativo al clasicismo, transmitido al continente por la misión hiberno-escocesa . En este período, el libro de los Evangelios , con el arte figurativo confinado principalmente a los retratos de los evangelistas , era normalmente el tipo de libro más profusamente decorado; el Libro de Kells es el ejemplo más famoso.
El emperador Carlomagno , del siglo IX , se propuso crear obras de arte adecuadas al estatus de su Imperio revivido. El arte carolingio y otoniano se limitaba en gran medida al círculo de la corte imperial y a diferentes centros monásticos, cada uno de los cuales tenía su propio estilo artístico distintivo. Los artistas carolingios intentaron conscientemente emular los ejemplos de arte bizantino y de la Antigüedad tardía que tenían a su disposición, copiando manuscritos como la Cronografía de 354 y produciendo obras como el Salterio de Utrech , que todavía divide a los historiadores del arte en cuanto a si es una copia de un manuscrito mucho más antiguo o una creación carolingia original. Este, a su vez, fue copiado tres veces en Inglaterra, la última en estilo gótico temprano.
Las tallas de marfil, a menudo para cubiertas de libros, se inspiraron en los dípticos de la Antigüedad tardía . Por ejemplo, las cubiertas delantera y trasera de los Evangelios de Lorsch son de un triunfo imperial del siglo VI, adaptado al triunfo de Cristo y la Virgen. Sin embargo, también se basaron en la tradición insular, especialmente en los detalles decorativos, aunque la mejoraron mucho en términos de representación de la figura humana. En abadías y conventos de monjas de toda Europa occidental se produjeron copias de las escrituras o libros litúrgicos ilustrados en pergamino y adornados con metales preciosos. Una obra como el Códice Áureo de Estocolmo ("Libro de oro") podría estar escrita en pan de oro sobre pergamino púrpura , en imitación de los manuscritos imperiales romanos y bizantinos. [5] El arte anglosajón era a menudo más libre y hacía un mayor uso de dibujos lineales vivos, y había otras tradiciones distintas, como el grupo de extraordinarios manuscritos mozárabes de España, incluido el Beato de Saint-Sever , y los de Girona y la Biblioteca Morgan .
Carlomagno tenía un crucifijo de tamaño natural con la figura de Cristo en metal precioso en su Capilla Palatina de Aquisgrán , y muchos objetos similares, todos ellos desaparecidos hoy en día, están registrados en grandes iglesias anglosajonas y en otros lugares. La Virgen dorada de Essen y algunas figuras de relicario más pequeñas son ahora todo lo que queda de esta espectacular tradición, completamente fuera de las normas bizantinas. Al igual que la figura de Essen, presumiblemente todas estaban hechas de finas láminas de oro o plata sostenidas por un núcleo de madera.
El arte románico , precedido en gran medida por el prerrománico , se desarrolló en Europa occidental desde aproximadamente el año 1000 d. C. hasta el surgimiento del estilo gótico. La construcción de iglesias se caracterizó por un aumento de la altura y el tamaño general. Los techos abovedados estaban sostenidos por gruesos muros de piedra, enormes pilares y arcos de medio punto. Los interiores oscuros estaban iluminados por frescos de Jesús, María y los santos, a menudo basados en modelos bizantinos.
Los grabados en piedra adornaban los exteriores y los interiores, en particular el tímpano sobre la entrada principal, que a menudo presentaba un Cristo en Majestad o en el Juicio, y el gran crucifijo de madera fue una innovación alemana justo al comienzo del período. Los capiteles de las columnas también solían estar tallados de forma elaborada con escenas figurativas. El conjunto de iglesias grandes y bien conservadas de Colonia , entonces la ciudad más grande al norte de los Alpes, y Segovia en España, se encuentran entre los mejores lugares hoy en día para apreciar el impacto de las nuevas iglesias más grandes en el paisaje de una ciudad, pero existen muchos edificios individuales, desde las catedrales de Durham , Ely y Tournai hasta un gran número de iglesias individuales, especialmente en el sur de Francia e Italia. En áreas más prósperas, muchas iglesias románicas sobreviven cubiertas por una remodelación barroca, mucho más fácil de hacer con estas que una iglesia gótica.
Pocas de las grandes pinturas murales que originalmente cubrían la mayoría de las iglesias han sobrevivido en buenas condiciones. El Juicio Final se mostraba normalmente en el muro occidental, con un Cristo en Majestad en la semicúpula del ábside. Se desarrollaron extensos ciclos narrativos de la vida de Cristo , y la Biblia, con el Salterio , se convirtió en el foco típico de la iluminación, con mucho uso de iniciales historiadas . La metalistería, incluida la decoración en esmalte , se volvió muy sofisticada, y han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para albergar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia por Nicolás de Verdún y otros (ca 1180-1225).
El arte gótico surgió en Francia a mediados del siglo XII. La basílica de Saint-Denis, construida por el abad Suger, fue el primer edificio importante de estilo gótico. Las nuevas órdenes monásticas , especialmente los cistercienses y los cartujos , fueron constructores importantes que desarrollaron estilos distintivos que difundieron por toda Europa. Los frailes franciscanos construyeron iglesias urbanas funcionales con enormes naves abiertas para predicar a grandes congregaciones. Sin embargo, las variaciones regionales siguieron siendo importantes, incluso cuando, a fines del siglo XIV, se había desarrollado un estilo universal coherente conocido como gótico internacional , que continuó hasta fines del siglo XV y más allá en muchas áreas. Los principales medios del arte gótico fueron la escultura, la pintura sobre tabla , las vidrieras , el fresco y el manuscrito iluminado , aunque la imaginería religiosa también se expresó en metalistería, tapices y vestimentas bordadas. Las innovaciones arquitectónicas del arco apuntado y el arbotante permitieron iglesias más altas y livianas con grandes áreas de ventana acristalada. El arte gótico aprovechó al máximo este nuevo entorno y contó una historia narrativa a través de imágenes, esculturas, vidrieras y arquitectura imponente. La catedral de Chartres es un excelente ejemplo de ello.
El arte gótico era a menudo de naturaleza tipológica , reflejando la creencia de que los acontecimientos del Antiguo Testamento prefiguraban los del Nuevo, y que ese era de hecho su principal significado. Escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento se mostraban juntas en obras como el Speculum Humanae Salvationis y la decoración de las iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana , en el que las artes visuales desempeñaron un papel importante. Las imágenes de la Virgen María evolucionaron desde los tipos hieráticos bizantinos, pasando por la Coronación de la Virgen , hasta tipos más humanos e íntimos, y los ciclos de la Vida de la Virgen fueron muy populares. Artistas como Giotto , Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura neerlandesa temprana , aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales, y sus mecenas, se sintieron mucho más confiados en la iconografía innovadora , y se ve mucha más originalidad, aunque la mayoría de los artistas todavía utilizaban fórmulas copiadas. El libro de horas se desarrolló principalmente para el usuario laico que podía permitírselo (el primer ejemplo conocido parece haber sido escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240), y ahora los ejemplares reales y aristocráticos se convirtieron en el tipo de manuscrito que con mayor frecuencia estaba profusamente decorado. La mayor parte del arte religioso, incluidos los manuscritos iluminados, ahora era producido por artistas laicos, pero el mecenas encargado a menudo especificaba con detalle lo que debía contener la obra.
La iconografía se vio afectada por los cambios en la teología, con representaciones de la Asunción de María ganando terreno a la más antigua Muerte de la Virgen , y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna , que produjo nuevos tratamientos de Cristo en temas como el Varón de Dolores , Cristo Pensativo y La Piedad , que enfatizaban su sufrimiento humano y vulnerabilidad, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Muchas de estas imágenes eran ahora pequeñas pinturas al óleo destinadas a la meditación y devoción privadas en los hogares de los ricos. Incluso en los Juicios Finales, Cristo ahora solía mostrarse exponiendo su pecho para mostrar las heridas de su Pasión . Los santos se mostraban con más frecuencia, y los retablos mostraban santos relevantes para la iglesia en particular o el donante asistiendo a una Crucifixión o a una Virgen y el Niño entronizados , u ocupando el espacio central ellos mismos (esto generalmente para obras diseñadas para capillas laterales). A lo largo del período, muchas características iconográficas antiguas que se originaron en los apócrifos del Nuevo Testamento fueron eliminadas gradualmente bajo la presión clerical, como las parteras en la Natividad , aunque otras estaban demasiado bien establecidas y se consideraban inofensivas. [6]
En la pintura flamenca primitiva, de las ciudades más ricas del norte de Europa, se combinaba un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo con alusiones teológicas sutiles y complejas, expresadas con precisión a través de la ambientación sumamente detallada de las escenas religiosas. El retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación o Madonna del canciller Rolin de Washington Van Eyck (ambas de la década de 1430, de Jan van Eyck ) son ejemplos. [7]
En el siglo XV, la introducción de grabados baratos , en su mayoría en xilografía , hizo posible que incluso los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas en el fondo del mercado, a menudo toscamente coloreadas, se vendían por miles, pero ahora son extremadamente raras, la mayoría de ellas pegadas en las paredes. Los recuerdos de peregrinaciones a santuarios, como insignias de arcilla o plomo, medallas y ampollas estampadas con imágenes, también eran populares y baratos. Desde mediados de siglo , los libros en bloque , con texto e imágenes cortados en xilografía, parecen haber sido asequibles para los párrocos de los Países Bajos , donde eran más populares. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía en su mayoría sobre temas religiosos, se estaban volviendo rápidamente accesibles para la próspera clase media, al igual que los grabados de bastante alta calidad de impresores como Israhel van Meckenem y Master ES
Entre los ricos, las pinturas sobre tabla de pequeño tamaño , incluso los polípticos al óleo , se hicieron cada vez más populares, en los que a menudo se mostraban retratos de donantes junto a la Virgen o los santos representados, aunque a menudo de tamaño mucho más pequeño. Estos se solían exhibir en el hogar.
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El arte renacentista , fuertemente influenciado por el "renacimiento" (en francés: renaissance ) del interés por el arte y la cultura de la antigüedad clásica, inicialmente continuó las tendencias del período anterior sin cambios fundamentales, pero utilizando vestimentas clásicas y escenarios arquitectónicos que, después de todo, eran muy apropiados para las escenas del Nuevo Testamento. Sin embargo, se observa una clara pérdida de intensidad religiosa en muchas pinturas religiosas del Renacimiento temprano : los famosos frescos de la Capilla Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio (1485-1490) parecen más interesados en la representación detallada de escenas de la vida urbana burguesa que en sus temas reales, la Vida de la Virgen y la de San Juan Bautista , y la Capilla de los Reyes Magos de Benozzo Gozzoli (1459-1461) es más una celebración del estatus de los Medici que una Llegada de los Reyes Magos . Ambos ejemplos (que todavía utilizan ropas contemporáneas) provienen de Florencia , el corazón del Renacimiento temprano, y el lugar donde el carismático predicador dominico Savonarola lanzó su ataque a la mundanidad de la vida y el arte de los ciudadanos, que culminó en su famosa Hoguera de las Vanidades en 1497; de hecho, otros predicadores habían estado celebrando eventos similares durante décadas, pero a menor escala. Muchos artistas del Renacimiento temprano , como Fra Angelico y Botticelli , fueron extremadamente devotos, y este último fue uno de los muchos que cayeron bajo la influencia de Savonarola.
El breve Alto Renacimiento ( c. 1490-1520 ) de Leonardo da Vinci , Miguel Ángel y Rafael transformó el arte católico de manera más fundamental, rompiendo con la antigua iconografía que estaba completamente integrada con las convenciones teológicas para composiciones originales que reflejaban tanto los imperativos artísticos como la influencia del humanismo renacentista . Tanto Miguel Ángel como Rafael trabajaron casi exclusivamente para el papado durante gran parte de sus carreras, incluido el año de 1517, cuando Martín Lutero escribió sus Noventa y cinco tesis . La conexión entre los eventos no fue solo cronológica, ya que las indulgencias que provocó Lutero ayudaron a financiar el programa artístico papal, como han señalado muchos historiadores.
La mayoría de las pinturas del siglo XV de este período eran imágenes religiosas. Esto es evidente, en cierto sentido, pero "imágenes religiosas" se refiere a más que solo una cierta gama de temas; significa que las imágenes existían para cumplir fines institucionales. La Iglesia encargó obras de arte por tres razones principales: la primera era el adoctrinamiento, las imágenes claras podían transmitir significado a una persona sin educación. La segunda era la facilidad de recordar, las representaciones de santos y otras figuras religiosas permiten un punto de contacto mental. La tercera era incitar asombro en el corazón del espectador, Juan de Génova creía que esto era más fácil de hacer con imágenes que con palabras. Teniendo en cuenta estos tres principios, se puede suponer que el oro se utilizó para inspirar asombro en la mente y el corazón del espectador, mientras que más tarde, durante la Reforma Protestante, la capacidad de reproducir oro mediante el uso de pigmentos simples mostraba la habilidad de un artista de una manera que la aplicación de pan de oro a un panel no lo hace [9].
La Reforma protestante fue un holocausto del arte en muchas partes de Europa. Aunque el luteranismo estaba dispuesto a vivir con gran parte del arte católico existente siempre que no se convirtiera en un foco de devoción, las opiniones más radicales de Calvino , Zwinglio y otros consideraban que las imágenes religiosas públicas de cualquier tipo eran idolatría , y el arte se destruía sistemáticamente en las zonas donde sus seguidores tenían influencia. Este proceso destructivo continuó hasta mediados del siglo XVII, cuando las guerras religiosas trajeron períodos de control protestante iconoclasta sobre gran parte del continente. En Inglaterra y Escocia, la destrucción del arte religioso, más intensa durante la Mancomunidad inglesa , fue especialmente intensa. Sobrevivieron algunas esculturas de piedra, manuscritos iluminados y vitrales (costosos de reemplazar), pero de las miles de obras de arte pintadas y talladas en madera de alta calidad producidas en la Gran Bretaña medieval, prácticamente no queda ninguna. [10]
En Roma, el saqueo de 1527 por parte del emperador católico Carlos V y sus tropas mercenarias, en su mayoría protestantes, fue enormemente destructivo tanto para el arte como para los artistas, muchos de cuyos registros biográficos terminan abruptamente. Otros artistas lograron escapar a diferentes partes de Italia, a menudo teniendo dificultades para retomar el hilo de sus carreras. Los artistas italianos, con la extraña excepción de Girolamo da Treviso , parecen haber sentido poca atracción por el protestantismo. En Alemania, sin embargo, las figuras principales como Alberto Durero y sus discípulos, Lucas Cranach el Viejo , Alberto Altdorfer y la escuela del Danubio , y Hans Holbein el Joven siguieron a los reformadores. El desarrollo de la pintura religiosa alemana se había detenido abruptamente hacia 1540, aunque se siguieron produciendo muchos grabados e ilustraciones de libros, especialmente de temas del Antiguo Testamento.
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La pintura italiana posterior a 1520, con la notable excepción del arte de Venecia , evolucionó hacia el manierismo , un estilo sumamente sofisticado, que buscaba el efecto, y que despertó la preocupación de muchos clérigos por su falta de atractivo para la masa de la población. La presión de la Iglesia para restringir la imaginería religiosa afectó al arte desde la década de 1530 y dio como resultado los decretos de la sesión final del Concilio de Trento en 1563, que incluían pasajes breves y bastante inexplícitos sobre las imágenes religiosas, que tendrían un gran impacto en el desarrollo del arte católico. Los concilios de la Iglesia católica anteriores rara vez habían sentido la necesidad de pronunciarse sobre estos asuntos, a diferencia de los ortodoxos , que a menudo se han pronunciado sobre tipos específicos de imágenes.
El decreto confirmó la doctrina tradicional de que las imágenes sólo representaban a la persona representada y que se les rendía veneración a la persona misma, no a la imagen, y además instruyó que:
...se eliminará toda superstición... se evitará toda lascivia; de modo que no se pintarán ni adornarán figuras con una belleza que excite a la lujuria... no se verá nada que sea desordenado, o que esté dispuesto de manera indecorosa o confusa, nada que sea profano, nada indecoroso, ya que la santidad conviene a la casa de Dios. Y para que estas cosas se observen con mayor fidelidad, el santo Concilio ordena que a nadie se le permita colocar, o hacer que se coloque, ninguna imagen inusual, en ningún lugar o iglesia, por exento que sea, a menos que esa imagen haya sido aprobada por el obispo... [11]
Diez años después del decreto, Paolo Veronese fue citado por la Inquisición para explicar por qué su Última Cena , un enorme lienzo para el refectorio de un monasterio, contenía, en palabras de la Inquisición: "bufones, alemanes borrachos, enanos y otras groserías similares", así como disfraces y escenarios extravagantes, en lo que es de hecho una versión fantástica de una fiesta patricia veneciana. [12] A Veronese le dijeron que debía cambiar su pintura en un período de tres meses; de hecho, solo cambió el título a La fiesta en la casa de Leví , todavía un episodio de los Evangelios, pero menos central doctrinalmente, y no se dijo más. [13] Pero el número de estos tratamientos decorativos de temas religiosos disminuyó drásticamente, al igual que las piezas manieristas "dispuestas de manera impropia o confusa", ya que una serie de libros, en particular del teólogo flamenco Molanus ( De Picturis et Imaginibus Sacris, pro vero earum usu contra abusus ("Tratado sobre las imágenes sagradas"), 1570), el cardenal Federico Borromeo ( De Pictura Sacra ) y el cardenal Gabriele Paleotti ( Discorso , 1582), y las instrucciones de los obispos locales, ampliaron los decretos, a menudo entrando en detalles minuciosos sobre lo que era aceptable. Uno de los primeros de estos, Degli Errori dei Pittori (1564), del teólogo dominico Andrea Gilio da Fabriano, se unió al coro de críticas al Juicio Final de Miguel Ángel y defendió la naturaleza devota y simple de gran parte de la imaginería medieval. Pero otros escritores eran menos comprensivos con el arte medieval y muchas iconografías tradicionales consideradas sin una base escritural adecuada fueron prohibidas (por ejemplo, el Desmayo de la Virgen ), como también cualquier inclusión de elementos paganos clásicos en el arte religioso, y casi toda desnudez, incluyendo la del niño Jesús. [14] Según el medievalista Émile Mâle , esta fue "la muerte del arte medieval". [15]
El arte barroco, que se desarrolló durante las décadas posteriores al Concilio de Trento, aunque hasta qué punto esto influyó en él es un tema de debate, ciertamente cumplió con la mayoría de los requisitos del concilio, especialmente en las fases anteriores y más simples asociadas con Carracci y Caravaggio , quienes, no obstante, se enfrentaron a la oposición clerical debido al realismo de sus figuras sagradas.
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Los temas se mostraban de una manera directa y dramática, con relativamente pocas alusiones abstrusas. La elección de temas se amplió considerablemente, ya que los artistas barrocos se deleitaban en encontrar nuevos episodios bíblicos y momentos dramáticos de las vidas de los santos. A medida que el movimiento continuó en el siglo XVII, la simplicidad y el realismo tendieron a reducirse, más lentamente en España y Francia, pero el drama permaneció, producido por la representación de momentos extremos, movimiento dramático, color e iluminación de claroscuro y, si era necesario, multitudes de querubines agitados y nubes arremolinadas, todo ello destinado a abrumar al devoto. La arquitectura y la escultura buscaban los mismos efectos; Bernini (1598-1680) personifica el estilo barroco en esas artes. El arte barroco se extendió por la Europa católica y en las misiones de ultramar de Asia y las Américas, promovido por los jesuitas y franciscanos , destacando la pintura y/o escultura de la Escuela de Quito , la Escuela del Cuzco y la Escuela Chilota de Imaginería Religiosa .
Los nuevos temas icónicos popularizados en el período barroco incluyeron el Sagrado Corazón de Jesús y la Inmaculada Concepción de María; la iconografía definitiva para esta última parece haber sido establecida por el maestro y entonces suegro de Diego Velázquez , el pintor y teórico Francisco Pacheco , a quien la Inquisición en Sevilla también le otorgó la aprobación de nuevas imágenes. La Asunción de María se convirtió en un tema muy común y (a pesar de un Caravaggio del tema) la Muerte de la Virgen casi se extinguió en el arte católico; Molanus y otros habían escrito en contra de ella.
En el siglo XVIII, el barroco profano evolucionó hacia un estilo rococó más llamativo pero más ligero , que era difícil de adaptar a temas religiosos, aunque Gianbattista Tiepolo sí lo logró. En la última parte del siglo, se produjo una reacción, especialmente en la arquitectura, contra el barroco y un retorno a formas clásicas y palladianas más austeras .
En ese momento, el ritmo de producción de arte religioso se estaba desacelerando notablemente. Después de una serie de construcciones y reconstrucciones en el período barroco, los países católicos estaban claramente sobrepoblados de iglesias, monasterios y conventos, en el caso de algunos lugares como Nápoles , casi absurdamente. La Iglesia era ahora menos importante como mecenas que la realeza y la aristocracia, y la demanda de arte de la clase media, en su mayoría secular, estaba aumentando rápidamente. Los artistas ahora podían tener una carrera exitosa pintando retratos, paisajes, naturalezas muertas u otras especialidades de género, sin pintar nunca un tema religioso, algo hasta entonces inusual en los países católicos, aunque durante mucho tiempo fue la norma en los protestantes. El número de ventas de pinturas, trabajos en metal y otros accesorios de iglesia a coleccionistas privados aumentó durante el siglo, especialmente en Italia, donde el Grand Tour dio lugar a redes de comerciantes y agentes. La Virgen de las rocas de Londres de Leonardo da Vinci fue vendida al artista y comerciante escocés Gavin Hamilton por la iglesia de Milán para la que fue pintada alrededor de 1781; La versión del Louvre aparentemente fue desviada de la misma iglesia tres siglos antes por el propio Leonardo para enviarla al rey de Francia.
Las guerras que siguieron a la Revolución Francesa dieron lugar a la selección cuidadosa de grandes cantidades de las mejores obras de arte, en particular pinturas, para su apropiación por parte de los ejércitos franceses o los regímenes seculares que estos establecieron. Muchas fueron enviadas a París para el Louvre (algunas para ser devueltas con el tiempo, otras no) o para los museos locales establecidos por los franceses, como el de Brera en Milán . La supresión de los monasterios, que se había llevado a cabo durante décadas bajo los déspotas católicos ilustrados del Antiguo Régimen , por ejemplo en el Edicto sobre las instituciones ociosas (1780) de José II de Austria , se intensificó considerablemente. En 1830, gran parte del mejor arte religioso católico se exhibía en museos, como ha sucedido desde entonces. Esto, sin duda, amplió el acceso a muchas obras y promovió la conciencia pública del patrimonio del arte católico, pero a un costo, ya que los objetos comenzaron a considerarse de importancia principalmente artística en lugar de religiosa, y se los veía fuera de su contexto original y del entorno para el que fueron diseñados.
El siglo XIX fue testigo de un repudio generalizado por parte de las iglesias católica y protestante del clasicismo, que se asoció con la Revolución Francesa y el secularismo de la Ilustración . Esto condujo al Renacimiento gótico , un regreso a las formas de influencia gótica en la arquitectura, la escultura y la pintura, liderado por personas como Augustus Pugin en Inglaterra y Eugène Viollet-le-Duc en Francia. En todo el mundo, se produjeron miles de iglesias y catedrales góticas en una nueva ola de construcción de iglesias, y el estilo gótico colegial se convirtió en la norma para otras instituciones eclesiásticas. Las iglesias góticas medievales, especialmente en Inglaterra y Francia, fueron restauradas, a menudo con mucha torpeza. En pintura, actitudes similares llevaron al movimiento Nazareno alemán y a los prerrafaelitas ingleses . Ambos movimientos abrazaron tanto a miembros católicos como protestantes, pero incluyeron algunos artistas que se convirtieron al catolicismo.
Fuera de estos y otros movimientos similares, el mundo del arte establecido produjo mucha menos pintura religiosa que en cualquier otro momento desde el Imperio Romano, aunque se realizaron muchos tipos de arte aplicado para los accesorios de las iglesias en estilo gótico. El arte católico popular comercial floreció utilizando técnicas más baratas para la reproducción en masa. La litografía en color hizo posible reproducir imágenes en color a bajo costo, lo que llevó a una circulación mucho más amplia de estampas sagradas . Gran parte de este arte continuó utilizando versiones diluidas de los estilos barrocos. El Inmaculado Corazón de María fue un nuevo tema del siglo XIX, y nuevas apariciones en Lourdes y Fátima , así como nuevos santos, proporcionaron nuevos temas para el arte.
Los arquitectos comenzaron a recuperar otros estilos cristianos anteriores y a experimentar con otros nuevos, lo que produjo resultados como el Sacre Coeur en París, la Sagrada Familia en Barcelona y la Catedral de Westminster de influencia bizantina en Londres. El siglo XX condujo a la adopción de estilos modernistas de arquitectura y arte. Este movimiento rechazó las formas tradicionales en favor de formas utilitarias con un mínimo de decoración. El arte que existía evitaba el naturalismo y las cualidades humanas, favoreciendo formas estilizadas y abstractas. Algunos ejemplos de modernismo incluyen la Catedral Metropolitana de Cristo Rey de Liverpool y la Catedral de Los Ángeles .
Los artistas católicos modernos incluyen a Brian Whelan , Efren Ordoñez , Ade Bethune , Imogen Stuart y Georges Rouault . [16]
La adopción temprana de estilos modernistas en los albores del siglo XXI continuó con las tendencias del siglo XX. Los artistas comenzaron a experimentar con materiales y colores. En muchos casos, esto contribuyó a simplificaciones que llevaron a semejanzas con el arte cristiano primitivo. La simplicidad se consideraba la mejor manera de transmitir mensajes cristianos puros al espectador.
Algunos de los temas más comunes representados en el arte católico:
La vida de Cristo en el arte :
María:
Otro:
