Al Jolson (nacido Asa Yoelson , yiddish : אַסאַ יואלסאָן ; 26 de mayo de 1886 - 23 de octubre de 1950) fue un cantante, actor y vodevil estadounidense nacido en Lituania .
Fue una de las estrellas más famosas y mejor pagadas de los Estados Unidos de la década de 1920, [2] y se autoproclamaba como "El artista más grande del mundo". [3] Jolson era conocido por su "enfoque descaradamente sentimental y melodramático" [4] hacia la actuación, así como por popularizar muchas de las canciones que cantaba. [5] Los críticos modernos se han referido a Jolson como "el rey de los artistas con la cara pintada de negro ". [6] [7]
Aunque hoy en día se le recuerda más como la estrella de la primera película sonora, The Jazz Singer (1927), protagonizó una serie de películas musicales de éxito durante la década de 1930. Después del ataque a Pearl Harbor en diciembre de 1941, fue la primera estrella en entretener a las tropas en el extranjero durante la Segunda Guerra Mundial . Después de un período de inactividad, su estrellato regresó con The Jolson Story (1946), en la que Larry Parks interpretó al joven Jolson, pero con voces cantadas dobladas por el propio Jolson. La fórmula se repitió en una secuela, Jolson Sings Again (1949). En 1950, volvió a ser la primera estrella en entretener a los soldados en servicio activo en la Guerra de Corea , realizando 42 espectáculos en 16 días. Murió semanas después de regresar a los EE. UU., en parte debido al agotamiento físico del programa de actuaciones. El secretario de Defensa, George Marshall, le otorgó póstumamente la Medalla al Mérito . [8]
Según el historiador musical Larry Stempel, «nadie había oído nada parecido antes en Broadway». Stephen Banfield escribió que el estilo de Jolson era «posiblemente el factor más importante a la hora de definir el musical moderno». [9]
Con su dinámico estilo de canto, alcanzó un gran éxito extrayendo música tradicionalmente afroamericana y popularizándola para el público blanco estadounidense que no estaría dispuesto a escucharla cuando la interpretaran artistas negros. [10] A pesar de su promoción y perpetuación de los estereotipos negros, [11] su trabajo fue a menudo bien considerado por las publicaciones negras y se le ha atribuido el mérito de luchar contra la discriminación negra en Broadway [6] ya en 1911. En un ensayo escrito en 2000, el crítico musical Ted Gioia comentó: "Si el blackface tiene su vergonzoso modelo, es Al Jolson", mostrando el complejo legado de Jolson en la sociedad estadounidense. [12]
Asa Yoelson era judío. Nació en el pueblo de Srednike ( yiddish : סרעדניק ), ahora conocido como Seredžius , cerca de Kaunas en Lituania, entonces parte del Imperio ruso . Fue el quinto y más joven hijo de Nechama "Naomi" (née Cantor, c. 1858-1895 ) y Moses Rubin Yoelson ( c. 1858-1945 ); sus cuatro hermanos fueron Rose ( c. 1879-1939 ), Etta ( c. 1880-1948 ), otra hermana que murió en la infancia, y Hirsch (Harry) ( c. 1882-1953 ). Jolson no sabía su fecha de nacimiento, ya que no se conservaban registros de nacimiento en esa época en esa región, y dio su año de nacimiento como 1885. [13] [14]
En 1891, su padre, que estaba calificado como rabino y cantor , se mudó a la ciudad de Nueva York para asegurar un mejor futuro para su familia. En 1894, Moses Yoelson pudo pagar el pasaje para traer a Nechama y sus cuatro hijos a los EE. UU. Cuando llegaron, como pasajeros de tercera clase en el SS Umbria que arribó al puerto de Nueva York el 9 de abril de 1894, había encontrado trabajo como cantor en la Congregación Talmud Torah en el vecindario Southwest Waterfront de Washington, DC, donde la familia se reunió. [14] : 21–22
La madre de Jolson, Naomi, murió a los 37 años a principios de 1895, y él estuvo en un estado de abstinencia durante siete meses. Pasó un tiempo en la Escuela Industrial St. Mary's para Niños , un reformatorio/hogar progresista para huérfanos dirigido por los Hermanos Xaverianos en Baltimore. Después de que Al Reeves los introdujera en el mundo del espectáculo en 1895 , Asa y Hirsch quedaron fascinados por él, y en 1897 los hermanos cantaban por monedas en las esquinas de las calles locales, usando los nombres de "Al" y "Harry". A menudo usaban el dinero para comprar entradas para el Teatro Nacional . [1] Pasaban la mayor parte de sus días trabajando en diferentes trabajos como equipo. [15]
En la primavera de 1902, Jolson aceptó un trabajo en el circo de Walter L. Main. Aunque Main lo había contratado como acomodador, Main quedó impresionado por la voz de Jolson y le dio un puesto como cantante durante el segmento Indian Medicine Side Show del circo. [16] A finales de año, el circo había cerrado y Jolson estaba nuevamente sin trabajo. En mayo de 1903, el productor principal del espectáculo burlesco Dainty Duchess Burlesquers aceptó darle a Jolson un papel en un espectáculo. Interpretó "Be My Baby Bumble Bee", y el productor aceptó mantenerlo, pero el espectáculo cerró a finales de año. Evitó problemas financieros formando una sociedad de vodevil con su hermano Hirsch, un artista de vodevil conocido como Harry Yoelson. Los hermanos trabajaban para la Agencia William Morris . [17] Jolson y Harry formaron un equipo con Joe Palmer. Durante su tiempo con Palmer, pudieron obtener reservas en una gira nacional. Sin embargo, las presentaciones en vivo estaban perdiendo popularidad a medida que los nickelodeons atraían audiencias; en 1908, los teatros nickelodeon eran dominantes en toda la ciudad de Nueva York. Mientras actuaba en un teatro de Brooklyn en 1904, [18] Jolson comenzó a actuar con la cara pintada de negro , lo que impulsó su carrera. Comenzó a usar la cara pintada de negro en todos sus espectáculos. [19]
A finales de 1905, Harry dejó el trío después de una discusión con Jolson. Harry había rechazado su solicitud de cuidar de Joe Palmer, que estaba en silla de ruedas. Después de la partida de Harry, Jolson y Palmer trabajaron como dúo, pero no tuvieron mucho éxito. En 1906 [18] acordaron separarse y Jolson se independizó. [20] Se convirtió en un habitual del Globe and Wigwam Theatre de San Francisco y tuvo éxito a nivel nacional como cantante de vodevil. [18] Se instaló en San Francisco, diciendo que la gente devastada por el terremoto necesitaba a alguien que los animara. En 1908, Jolson, que necesitaba dinero para él y su nueva esposa, Henrietta, regresó a Nueva York. En 1909, su canto llamó la atención de Lew Dockstader , el productor y estrella de Dockstader's Minstrels. Jolson aceptó la oferta de Dockstader y se convirtió en un artista de cara pintada de negro. [21]
Según la revista Esquire , " JJ Shubert , impresionado por la abrumadora exhibición de energía de Jolson, lo contrató para La Belle Paree , una comedia musical que se estrenó en el Winter Garden en 1911. En menos de un mes, Jolson era una estrella. Desde entonces hasta 1926, cuando se retiró de los escenarios, pudo presumir de una serie ininterrumpida de grandes éxitos". [22]
El 20 de marzo de 1911, Jolson protagonizó su primera revista musical en el Winter Garden Theatre de la ciudad de Nueva York. La Belle Paree ayudó a iniciar su carrera como cantante. La noche de apertura atrajo a una gran multitud y se hizo popular entre el público al interpretar canciones de Stephen Foster con la cara pintada de negro. El espectáculo cerró después de 104 funciones. Después de La Belle Paree , aceptó una oferta para actuar en el musical Vera Violetta que se estrenó el 20 de noviembre de 1911 y, al igual que La Belle Paree, fue un éxito. En el espectáculo, volvió a cantar con la cara pintada de negro y se volvió tan popular que su salario semanal de $500 (basado en su éxito en La Belle Paree ) se incrementó a $750. [23]
Después del cierre de Vera Violetta , Jolson protagonizó otro musical, The Whirl of Society , que impulsó su carrera en Broadway a nuevas alturas. Durante su estancia en el Winter Garden, Jolson le dijo a la audiencia: "Todavía no han oído nada" antes de interpretar canciones adicionales. En la obra, debutó con su característico personaje de cara pintada de negro "Gus". [18] El propietario del Winter Garden, Lee Shubert, firmó con Jolson un contrato de siete años con un salario de 1000 dólares a la semana. Jolson repitió su papel de "Gus" en futuras obras y en 1914 alcanzó tanta popularidad entre el público del teatro que su salario de 1000 dólares a la semana se duplicó. En 1916, Robinson Crusoe, Jr. fue el primer musical en el que fue la estrella. En 1918, su carrera como actor dio un impulso adicional después de protagonizar el exitoso musical Simbad . [24] Se convirtió en el musical de Broadway de mayor éxito de 1918 y 1919. " Swanee " se añadió al espectáculo y se convirtió en la primera grabación exitosa del compositor George Gershwin . Jolson agregó " My Mammy ". En 1920, se había convertido en la estrella más grande de Broadway. [25]
Su siguiente obra, Bombo , tuvo tanto éxito que trascendió las salas de Broadway y se representó en todo el país. [26] Esto llevó a Lee Shubert a cambiar el nombre de su teatro a Jolson's 59th Street Theatre . A los 35 años, Jolson era el hombre más joven en la historia de Estados Unidos en tener un teatro con su nombre. [27] Pero en la noche de apertura de Bombo , la primera representación en el nuevo teatro, sufrió pánico escénico y caminó por las calles durante horas antes de la hora del espectáculo. Por miedo, perdió la voz detrás del escenario y rogó a los tramoyistas que no levantaran el telón. Pero cuando el telón subió, "estaba [todavía] de pie entre bastidores temblando y sudando". Después de que su hermano Harry lo empujara al escenario, actuó y luego recibió una ovación que nunca olvidaría: "Durante varios minutos, los aplausos continuaron mientras Al se levantaba y hacía una reverencia después del primer acto". Se negó a volver al escenario para el segundo acto, pero el público "pateó y coreó 'Jolson, Jolson' hasta que volvió a salir". Asistió a 37 llamadas a escena esa noche y le dijo al público: "Soy un hombre feliz esta noche". [27] : 118
En marzo de 1922, trasladó la producción al Century Theater, un teatro más grande, para una función benéfica en ayuda de los veteranos judíos heridos de la Primera Guerra Mundial. [28] Después de llevar el espectáculo de gira durante una temporada, regresó en mayo de 1923 para representar Bombo en el Winter Garden. El crítico de The New York Times escribió: "Regresó como el circo, más grande, más brillante y más nuevo que nunca... El público de la noche anterior se mostró halagadoramente reacio a irse a casa, y cuando terminó el espectáculo propiamente dicho, Jolson reapareció ante el telón y cantó más canciones, antiguas y nuevas". [29]
"No me importa decir que es uno de los pocos hombres instintivamente divertidos en nuestro escenario", escribió el crítico Charles Darnton en el New York Evening World . "Todo lo que toca se convierte en diversión. Observarlo es maravillarse de su vitalidad humorística. Es el trovador de antaño convertido en un personaje moderno. Con una canción, una palabra o incluso una sugerencia provoca una risa espontánea. Y aquí tenemos la definición de un comediante nato". [27] : 87
Antes de The Jazz Singer , Jolson protagonizó la película sonora A Plantation Act . Esta simulación de una actuación teatral de Jolson se presentó en un programa de cortos musicales, demostrando el proceso de película sonora de Vitaphone . La banda sonora de A Plantation Act se consideró perdida en 1933, pero fue encontrada en 1995 y restaurada por The Vitaphone Project . [30]
Warner Bros. eligió a George Jessel para el papel, ya que había protagonizado la obra de Broadway. Cuando Sam Warner decidió hacer de The Jazz Singer un musical con Vitaphone, sabía que Jolson era la estrella que necesitaba. Le dijo a Jessel que tendría que cantar en la película, y Jessel se negó, permitiendo que Warner lo reemplazara por Jolson. Jessel nunca lo superó y a menudo decía que Warner le dio el papel a Jolson porque aceptó ayudar a financiar la película.
La hija de Harry Warner , Doris, recordó la noche del estreno y dijo que cuando empezó la película todavía lloraba por la pérdida de su amado tío Sam. Había planeado estar en la función pero murió repentinamente, a la edad de 40 años, el día anterior. Sin embargo, a la mitad de la película de 89 minutos, comenzó a sentirse invadida por una sensación de que algo extraordinario estaba sucediendo. La línea "Espera un minuto" de Jolson provocó gritos de placer y aplausos del público, que estaba estupefacto al ver y escuchar a alguien hablar en una película por primera vez, tanto que al principio se pasó por alto el doble sentido. Después de cada canción de Jolson, el público aplaudió. La emoción aumentó a medida que avanzaba la película, y cuando Jolson comenzó su escena con Eugenie Besserer , "el público se puso histérico". [31]
Según el historiador de cine Scott Eyman , "al final de la película, los hermanos Warner habían mostrado a la audiencia algo que nunca habían conocido, los habían conmovido de una manera que no habían esperado. La tumultuosa ovación al final del telón demostró que Jolson no era simplemente el hombre adecuado para el papel de Jackie Rabinowitz, alias Jack Robin; era el hombre adecuado para toda la transición de la fantasía muda al realismo hablado. El público, transformado en lo que un crítico llamó "una multitud en lucha", se puso de pie, pateó y aplaudió: "¡Jolson, Jolson, Jolson!" [32]
Vitaphone estaba pensada para interpretaciones musicales, y The Jazz Singer sigue este principio, con sólo las secuencias musicales utilizando grabación de sonido en vivo. Los espectadores se electrizaron cuando las acciones silenciosas se interrumpieron periódicamente para una secuencia de canción con canto y sonido reales. La voz dinámica de Jolson, sus gestos físicos y su carisma mantuvieron al público hechizado. La coprotagonista May McAvoy , según el autor A. Scott Berg, no pudo evitar colarse en los cines día tras día mientras se proyectaba la película. "Se arrimó a una pared en la oscuridad y observó las caras de la multitud. En ese momento justo antes de 'Toot, Toot, Tootsie', recordó, 'ocurrió un milagro. Las imágenes en movimiento realmente cobraron vida. Al ver las expresiones en sus rostros, cuando Joley les hablaba... habrías pensado que estaban escuchando la voz de Dios'". [33] "Todo el mundo estaba loco por las películas sonoras", dijo la estrella de cine Gregory Peck en una entrevista con Newsweek . "Recuerdo 'The Jazz Singer', cuando Al Jolson se puso a cantar y hubo un poco de diálogo. Y cuando salió con 'Mammy' y se arrodilló ante su Mammy, fue simplemente dinamita". [34]
Mast y Kawin comparten esta opinión:
Este momento de charla informal al piano es la parte más emocionante y vital de toda la película... cuando Jolson adquiere una voz, la calidez, la emoción, las vibraciones de la misma, la forma en que su espontaneidad divagante deja al descubierto la imaginación de la mente que está creando los sonidos... [y] la adición de una voz de Vitaphone reveló las cualidades particulares de Al Jolson que lo convirtieron en una estrella. No sólo los ojos son una ventana al alma. [35]
Con Warner Bros. Al Jolson hizo su primera película "parlante", The Singing Fool (1928), la historia de un ambicioso artista que insistía en seguir adelante con el espectáculo incluso cuando su pequeño hijo estaba muriendo. La película fue incluso más popular que The Jazz Singer . " Sonny Boy ", de la película, fue el primer disco estadounidense en vender un millón de copias.
Jolson continuó haciendo largometrajes para Warner Bros. similares en estilo a The Singing Fool . Estos incluyeron Say It with Songs (1929), Mammy (1930) y Big Boy (1930). Una versión restaurada de Mammy , con Jolson en secuencias Technicolor , se proyectó por primera vez en 2002. [36] La primera aparición de Jolson en Technicolor fue un cameo en el musical Showgirl in Hollywood (1930) de First National Pictures , una subsidiaria de Warner Bros. Sin embargo, estas películas gradualmente demostraron ser un ciclo de rendimientos decrecientes debido a su similitud comparativa, el salario real que exigía Jolson y un cambio en el gusto del público que se alejaba de los musicales de vodevil a medida que comenzaba la década de 1930. Jolson regresó a Broadway y protagonizó el fracasado Wonder Bar . [37]
Warner Bros. le permitió hacer Hallelujah, I'm a Bum con United Artists en 1933. Fue dirigida por Lewis Milestone y escrita por Ben Hecht . Hecht también participó activamente en la promoción de los derechos civiles : "Las historias cinematográficas de Hecht con personajes negros incluyeron Hallelujah, I'm a Bum , coprotagonizada por Edgar Connor como el compañero de Jolson, en un diálogo rimado políticamente inteligente sobre música de Richard Rodgers ". [38]
El crítico del New York Times escribió: "La película, como algunas personas pueden alegrarse de saber, no tiene una canción de Mammy. Es la mejor película del Sr. Jolson y bien podría serlo, porque ese director inteligente, Lewis Milestone , guió su destino... una combinación de diversión, melodía y romance, con una pizca de sátira..." [39] Otra crítica agregó: "Una película para dar la bienvenida, especialmente por lo que intenta hacer por el progreso del musical estadounidense..." [40]
En 1934, protagonizó una versión cinematográfica de su obra teatral anterior Wonder Bar , coprotagonizada por Kay Francis , Dolores del Río , Ricardo Cortez y Dick Powell . La película es un " Gran Hotel musical , ambientado en el club nocturno parisino propiedad de Al Wonder (Jolson). Wonder entretiene y bromea con su clientela internacional". [41] Las críticas fueron generalmente positivas: " Wonder Bar tiene de todo. Romance, destellos, estilo, clase, color, canciones, talento repleto de estrellas y casi todos los requisitos conocidos para asegurar una atención y asistencia sólidas... Es la película de regreso de Jolson en todos los aspectos". [42] y, "Aquellos a quienes les gusta Jolson deberían ver Wonder Bar porque es principalmente Jolson; cantando las viejas canciones confiables; contando chistes que habrían impresionado a Noah como deprimentemente antiguos; y moviéndose con una energía característica". [43]
El último vehículo de Jolson para Warner fue The Singing Kid (1936), una parodia de la personalidad teatral de Jolson (interpreta a un personaje llamado Al Jackson) en la que se burla de su histrionismo escénico y su gusto por las canciones "mammy" - esto último a través de un número de EY Harburg y Harold Arlen titulado "I Love to Singa", y una secuencia de comedia con Jolson tratando tenazmente de cantar "Mammy" mientras The Yacht Club Boys le siguen diciendo que esas canciones están pasadas de moda. [44]
Según el historiador de jazz Michael Alexander, Jolson se había quejado una vez de que "la gente se ha estado burlando de las canciones de Mammy, y realmente no creo que sea correcto que lo hagan, porque después de todo, las canciones de Mammy son las canciones fundamentales de nuestro país". (Dijo esto, en su personaje, en su cortometraje de 1926 A Plantation Act ). En esta película, señala, "Jolson tuvo la confianza de rimar 'Mammy' con 'Uncle Sammy'", y agregó que "las canciones de Mammy, junto con la vocación de 'cantante de Mammy', fueron invenciones de la Era del Jazz Judío". [45]
La película también impulsó la carrera del cantante y director de orquesta negro Cab Calloway , que interpretó varias canciones junto a Jolson. En su autobiografía, Calloway escribe sobre este episodio:
Había oído que Al Jolson estaba haciendo una nueva película en la Costa, y como Duke Ellington y su banda habían hecho una película, ¿no era posible que la banda y yo hiciéramos ésta con Jolson? Frenchy llamó por teléfono a California, habló con alguien relacionado con la película y lo siguiente que supe fue que la banda y yo estábamos contratados en Chicago de camino a California para la película, The Singing Kid . Lo pasamos muy mal, aunque tuve algunas discusiones bastante fuertes con Harold Arlen, que había escrito la música. Arlen era el compositor de muchas de las mejores revistas del Cotton Club, pero había hecho algunas interpretaciones de The Singing Kid con las que yo simplemente no podía estar de acuerdo. Estaba tratando de cambiar mi estilo y yo me resistía. Finalmente, Jolson intervino y le dijo a Arlen: "Mira, Cab sabe lo que quiere hacer; déjalo que lo haga a su manera". Después de eso, Arlen me dejó en paz. Y hablando de integración: diablos, cuando la banda y yo nos fuimos a Hollywood, nos trataron como a la realeza. Jolson y yo vivíamos en áticos contiguos en un hotel muy lujoso. Éramos coprotagonistas de la película, así que recibimos el mismo trato, sin lugar a dudas. [46]
The Singing Kid no era una de las principales atracciones del estudio (fue estrenada por la subsidiaria First National) y Jolson ni siquiera alcanzó el reconocimiento de estrella. " I Love to Singa " apareció más tarde en la película de dibujos animados del mismo nombre de Tex Avery . La película también se convirtió en el primer papel importante para la futura estrella infantil Sybil Jason en una escena dirigida por Busby Berkeley . Jason recuerda que Berkeley trabajó en la película aunque no aparece acreditado. [47]
Su siguiente película, la primera con Twentieth Century-Fox , fue Rose of Washington Square (1939). Está protagonizada por Jolson, Alice Faye y Tyrone Power , e incluye muchas de las canciones más conocidas de Jolson, aunque varias canciones fueron cortadas para acortar la duración de la película, incluyendo " April Showers " y " Avalon ". Los críticos escribieron: "La interpretación de Jolson de Mammy , California, Here I Come y otras es algo para el libro de recuerdos" [48] y "De las tres coprotagonistas, esta es la película de Jolson... porque es un catálogo bastante bueno en la lista de éxitos de cualquiera". [49] La película fue lanzada en DVD en octubre de 2008. 20th Century Fox lo contrató para recrear una escena de The Jazz Singer en la película de Alice Faye y Don Ameche Hollywood Cavalcade . [ cita requerida ] Apariciones especiales en dos películas más de Fox siguieron ese mismo año, pero Jolson nunca volvió a protagonizar un largometraje.
Después de la película biográfica de George M. Cohan , Yankee Doodle Dandy (1942), el columnista de Hollywood Sidney Skolsky creyó que se podría hacer una película similar sobre Al Jolson. Skolsky lanzó la idea de una película biográfica de Al Jolson y Harry Cohn , el director de Columbia Pictures, estuvo de acuerdo. Fue dirigida por Alfred E. Green , mejor recordado por la película pre-Code Baby Face (1933), con números musicales escenificados por Joseph H. Lewis . Con Jolson proporcionando casi todas las voces, y el músico contratado por Columbia Larry Parks interpretando a Jolson, The Jolson Story (1946) se convirtió en uno de los mayores éxitos de taquilla del año. [50] En un homenaje a Jolson, Larry Parks escribió: "Ponerme en su lugar fue, para mí, una cuestión de estudio incesante, observación, concentración enérgica para obtener, a ser posible, una simulación perfecta del tipo de hombre que era. No es sorprendente, por tanto, que mientras hacía The Jolson Story , pasara 107 días ante las cámaras y perdiera dieciocho libras de peso". [51]
De una reseña en Variety :
Pero la verdadera estrella de la producción es la voz de Jolson y ese popurrí de Jolson (curiosamente, incluso asombrosamente, no aparece en los créditos). Fue un buen espectáculo elegir a personajes menos importantes para esta película, en particular a Larry Parks como el niño mamá... En cuanto a la voz de Jolson, nunca ha sido mejor. Así, la magia de la ciencia ha producido un todo compuesto que eclipsa al original en su mejor momento juvenil. [52]
Parks recibió una nominación al Oscar como Mejor Actor . Aunque Jolson, de 60 años, era demasiado mayor para interpretar una versión más joven de sí mismo en la película, persuadió al estudio para que lo dejaran aparecer en una secuencia musical, " Swanee ", filmada completamente en plano general, con Jolson con la cara pintada de negro cantando y bailando en la pasarela que conducía al centro del teatro. A raíz del éxito de la película y sus giras de la Segunda Guerra Mundial, Jolson se convirtió una vez más en un cantante destacado entre el público estadounidense. [53] [54] Decca contrató a Jolson y grabó para Decca desde 1945 hasta su muerte, haciendo sus últimas grabaciones comerciales para la compañía.
Según el historiador de cine Krin Gabbard, The Jolson Story va más allá que cualquiera de las películas anteriores al explorar la importancia de pintarse la cara de negro y las relaciones que los blancos han desarrollado con los negros en el ámbito de la música. Para él, la película parece implicar una inclinación de los artistas blancos, como Jolson, que están poseídos por "la alegría de vivir y la sensibilidad suficiente para apreciar los logros musicales de los negros". [55] Para apoyar su punto de vista, describe una parte significativa de la película:
Mientras pasea por Nueva Orleans antes de un espectáculo con los Minstrels de Dockstader, entra en un pequeño club donde está actuando un grupo de músicos de jazz negros. Jolson tiene una revelación: el repertorio formal de la troupe de minstrels puede transformarse tocando música negra con la cara pintada de negro. Le dice a Dockstader que quiere cantar lo que acaba de experimentar: "He oído algo de música esta noche, algo que llaman jazz. Algunos tipos lo inventan sobre la marcha. Lo toman del aire". Después de que Dockstader se niegue a adaptarse al concepto revolucionario de Jolson, la narración narra su ascenso al estrellato mientras supuestamente inyecta jazz en sus actuaciones con la cara pintada de negro... El éxito de Jolson se basa en anticipar lo que los estadounidenses realmente quieren. Dockstader desempeña la inevitable función del guardián del status quo, cuyo compromiso inflexible con lo que está a punto de volverse obsoleto refuerza la simpatía del público con el héroe con visión de futuro. [56]
Este ha sido un tema que ha sido tradicionalmente "querido para los corazones de los hombres que hicieron las películas". [56] El historiador de cine George Custen describe este "escenario común, en el que el héroe es reivindicado por innovaciones que inicialmente son recibidas con resistencia... [L]a lucha del protagonista heroico que anticipa los cambios en las actitudes culturales es central para otras películas biográficas de jazz blanco como The Glenn Miller Story (1954) y The Benny Goodman Story (1955)". [57] "Una vez que aceptamos un cambio semántico de cantar a tocar el clarinete, The Benny Goodman Story se convierte en una reelaboración casi transparente de The Jazz Singer ... y The Jolson Story ". [56]
Una secuela, Jolson Sings Again (1949), se estrenó en el State Theatre de Loew en Nueva York y recibió críticas positivas: "El nombre del Sr. Jolson está en las luces de nuevo y Broadway está envuelto en sonrisas", escribió Thomas Pryor en The New York Times . "Así es como debe ser, porque Jolson Sings Again es una ocasión que justifica algunos aplausos vigorosos...". [58] Jolson hizo una gira por los cines de Nueva York para promocionar la película, viajando con un convoy policial para hacer los horarios de todas las funciones, a menudo improvisando chistes e interpretando canciones para el público. Había policías adicionales de servicio mientras las multitudes abarrotaban las calles y aceras en cada cine que Jolson visitaba. [59] En Chicago, unas semanas después, cantó para 100.000 personas en Soldier Field, y más tarde esa noche apareció en el Teatro Oriental con George Jessel, donde 10.000 personas tuvieron que ser rechazadas. [58]
Jolson había sido una estrella invitada popular en la radio desde sus primeros días, incluso en The Dodge Victory Hour de la NBC (enero de 1928), cantando desde un hotel de Nueva Orleans para una audiencia de 35 millones a través de 47 estaciones de radio. Sus propios programas de la década de 1930 incluyeron Presenting Al Jolson (1932) y Shell Chateau (1935), y fue el presentador del Kraft Music Hall de 1947 a 1949, con Oscar Levant como un sardónico compañero que tocaba el piano. El resurgimiento de la carrera de Jolson en la década de 1940 fue nada menos que un éxito a pesar de la competencia de artistas más jóvenes como Bing Crosby y Frank Sinatra , y fue votado como el "Vocalista masculino más popular" en 1948 por una encuesta en Variety . El año siguiente, Jolson fue nombrado "Personalidad del año" por los Variety Clubs of America. Cuando Jolson apareció en el programa de radio de Bing Crosby, atribuyó el hecho de haber recibido el premio a que era el único cantante de cierta importancia que no había grabado un disco de " Mule Train ", que había sido un éxito ampliamente versionado ese año (cuatro versiones diferentes, una de ellas de Crosby, habían llegado al top ten de las listas). Jolson bromeó sobre cómo su voz se había vuelto más grave con la edad, diciendo "Tengo los clippetys bien, pero no puedo hacer clop como antes". [ cita requerida ]
Además de su contribución al cine como intérprete, es responsable del descubrimiento de dos grandes estrellas de la época dorada de Hollywood. Compró los derechos de una obra que vio en Broadway y luego vendió los derechos cinematográficos a Jack Warner (Warner Brothers, que era el estudio que había realizado El cantante de jazz ) con la condición de que dos de los miembros del reparto original repitieran sus papeles en la película. La obra se convirtió en la película Penny Arcade , y los actores fueron Joan Blondell y James Cagney , que luego se convirtieron en actores contratados por el estudio. Los dos fueron ingredientes principales en películas de gánsteres, que fueron lucrativas para el estudio.
Cagney ganó su premio de la Academia por su papel en Yankee Doodle Dandy de Warner Brothers , que en ese momento fue la película más taquillera del estudio. El premio rara vez se otorga a los artistas de musicales. Irónicamente, Cagney, quien se hizo conocido por sus papeles de tipo duro en las películas, también hizo una contribución a los musicales cinematográficos, como el hombre que lo había descubierto. Si bien a Jolson se le atribuye haber aparecido en el primer musical cinematográfico, la película ganadora del premio de la Academia de Cagney fue la primera película que Ted Turner eligió colorear .
Cuando Jolson apareció en el programa de radio KNX Los Angeles de Steve Allen en 1949 para promocionar Jolson Sings Again , ofreció su opinión cortante sobre la floreciente industria de la televisión: "Lo llamo olfato-evisión". El escritor Hal Kanter recordó que la propia idea de Jolson de su debut televisivo sería un espectáculo de larga duración patrocinado por una empresa que lo presentaría como el único intérprete y que se transmitiría sin interrupciones. A pesar de que tenía varias ofertas de televisión en ese momento, Jolson estaba preocupado por cómo se percibirían sus actuaciones más grandes que la vida en un medio tan íntimo como la televisión. Finalmente cedió en 1950, cuando se anunció que Jolson había firmado un acuerdo para aparecer en la cadena de televisión CBS , presumiblemente en una serie de especiales. Sin embargo, murió repentinamente antes de que comenzara la producción. [60]
Las bombas japonesas sobre Pearl Harbor sacaron a Jolson de su letargo, que le había provocado años de poca actividad, y "... se dedicó a una nueva misión en la vida... Incluso antes de que la USO comenzara a establecer un programa formal en el extranjero, Jolson estaba inundando a los altos mandos del Departamento de Guerra y Marina con llamadas telefónicas y cables. Pidió permiso para ir a cualquier parte del mundo donde hubiera un militar estadounidense al que no le importara escuchar 'Sonny Boy' o 'Mammy'... [y] a principios de 1942, Jolson se convirtió en la primera estrella en actuar en una base de soldados durante la Segunda Guerra Mundial". [61]
De una entrevista de 1942 en The New York Times : "Cuando empezó la guerra... [yo] sentí que dependía de mí hacer algo, y lo único que sé es el mundo del espectáculo. Fui de gira durante la última guerra y vi que los muchachos necesitaban algo más que comida y ejercicios. Sabía que lo mismo era cierto hoy, así que le dije a la gente de Washington que iría a cualquier parte y haría un acto para el Ejército". [62] Poco después de que comenzara la guerra, escribió una carta a Steven Early, secretario de prensa del presidente Franklin D. Roosevelt , ofreciéndose como voluntario "para encabezar un comité para el entretenimiento de los soldados y dijo que "trabajaría sin paga... [y] con gusto ayudaría en la organización que se crearía para este propósito". Unas semanas más tarde, recibió su primer programa de gira de la recién formada United Services Organization (USO), "el grupo que su carta a Early había ayudado a crear". [63]
Hizo hasta cuatro presentaciones diarias en los puestos de avanzada de la selva de América Central y cubrió la cadena de bases navales de los EE. UU. Pagaba parte del transporte de su propio bolsillo. Al realizar su primer espectáculo, sin previo aviso, en Inglaterra en 1942, el reportero del Hartford Courant escribió: "... fue un pánico y un pandemonio... cuando terminó, los aplausos que sacudieron esa sala repleta de soldados fueron como bombas cayendo nuevamente en Shaftsbury Avenue". [64]
De un artículo del New York Times :
Él [Jolson] ha estado en más campamentos del ejército y ha tocado para más soldados que cualquier otro artista. Ha cruzado el Atlántico en avión para llevar canciones y vítores a las tropas en Gran Bretaña e Irlanda del Norte. Ha volado a las frías tierras baldías de Alaska y a los bosques humeantes de Trinidad . Ha hecho escala en Curazao , una ciudad similar a la holandesa . Casi todos los campamentos de este país lo han oído cantar y contar historias divertidas. [62]
Algunas de las dificultades inusuales de actuar para tropas activas fueron descritas en un artículo que escribió para Variety , en 1942:
Para entretener a todos los muchachos... se hizo necesario para nosotros dar espectáculos en trincheras, emplazamientos de cañones, refugios subterráneos, a grupos de construcción en caminos militares; de hecho, cualquier lugar donde dos o más soldados se reunían, automáticamente se convertía en un Jardín de Invierno para mí y daba un espectáculo. [65]
Después de regresar de una gira por bases en el extranjero, la anfitriona del regimiento en un campamento le escribió a Jolson:
Permítame decir en nombre de todos los soldados del 33.° Regimiento de Infantería que su llegada aquí es lo más maravilloso que nos ha pasado nunca y que creemos que es un gran actor, no sólo como artista, sino como persona. Por unanimidad, lo elegimos como el principal levantador de la moral pública del Ejército de los Estados Unidos. [66]
Jolson se alistó oficialmente en United Service Organizations (USO), la organización que brindaba entretenimiento a las tropas estadounidenses que servían en combate en el extranjero. [67] Debido a que tenía más de 45 años, recibió una calificación de "Especialista" que le permitía usar un uniforme y se le otorgaba la categoría de oficial. Mientras estaba de gira en el Pacífico, Jolson contrajo malaria y tuvieron que extirparle quirúrgicamente el pulmón izquierdo. En 1946, durante una cena de homenaje transmitida a nivel nacional en la ciudad de Nueva York, ofrecida en su nombre, recibió un homenaje especial del Comité de Veteranos Estadounidenses en honor a sus servicios voluntarios durante la Segunda Guerra Mundial. [53] En 1949, la película Jolson Sings Again recreó algunas escenas que mostraban a Jolson durante sus giras de guerra. [68]
En 1950, según el biógrafo de Jolson , Michael Freedland , [69] "Estados Unidos respondió al llamado del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas ... y fue a luchar contra los norcoreanos... [Jolson] llamó a la Casa Blanca nuevamente. 'Voy a ir a Corea', le dijo a un sorprendido funcionario por teléfono. 'Nadie parece saber nada sobre la USO, y depende del presidente Truman llevarme allí'. Le prometieron que el presidente Truman y el general MacArthur , que había tomado el mando del frente coreano, se enterarían de su oferta. Pero durante cuatro semanas no hubo nada... Finalmente, Louis A. Johnson , Secretario de Defensa, envió un telegrama a Jolson. 'Disculpen la demora, pero lamento que no haya fondos para entretenimiento - ALTO; la USO se disolvió - ALTO'. El mensaje fue un ataque al sentido patriota de Jolson tanto como lo había sido el cruce del paralelo 38. «¿De qué están hablando?», tronó. «¿Fondos? ¿Quién necesita fondos? ¡Tengo fondos! ¡Me pagaré a mí mismo!» [70]
El 17 de septiembre de 1950, un despacho del Cuartel General del 8.º Ejército en Corea anunciaba: "Al Jolson, el primer artista de primera línea que llega al frente de guerra, aterrizó aquí hoy en avión desde Los Ángeles...". Jolson viajó a Corea por su cuenta. "Y un Jolson delgado y sonriente se esforzó sin descanso durante 42 espectáculos en 16 días". [71] Alistair Cooke escribió: "Las tropas gritaron por su aparición. Se arrodilló de nuevo y cantó 'Mammy', y las tropas lloraron y vitorearon. Cuando le preguntaron cómo era Corea, respondió calurosamente: 'Voy a recuperar mis declaraciones de impuestos y veré si pagué lo suficiente'". [72] Antes de regresar a los EE. UU., el general Douglas MacArthur , líder de las fuerzas de la ONU, le dio un medallón con la inscripción "Para Al Jolson de los Servicios Especiales en agradecimiento por el entretenimiento del personal de las fuerzas armadas - Comando del Lejano Oriente", con todo su itinerario inscrito en el reverso. [73] Unos meses más tarde, un puente importante, llamado "Puente Al Jolson", se utilizó para retirar la mayor parte de las tropas estadounidenses de Corea del Norte. [74] El puente era el último que quedaba de tres puentes sobre el río Han y se utilizó para evacuar a las fuerzas de la ONU. Fue demolido por las fuerzas de la ONU después de que el ejército logró cruzar de manera segura para evitar que los chinos cruzaran. [75] Jack Benny , quien fue a Corea al año siguiente, señaló que un anfiteatro en Corea donde se entretenía a las tropas se llamaba "Al Jolson Bowl". [76]
Diez días después de regresar de Corea, acordó con los productores de RKO Pictures, Jerry Wald y Norman Krasna, protagonizar Stars and Stripes for Ever , una película sobre una troupe USO en el Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial. El guion iba a ser escrito por Herbert Baker y la coprotagonista sería Dinah Shore . [77] Pero Jolson se había esforzado demasiado en Corea, especialmente para un hombre al que le faltaba un pulmón. Dos semanas después de firmar el acuerdo, mientras jugaba a las cartas en su suite del Hotel St. Francis en 335 Powell Street en San Francisco, [78] Jolson murió de un ataque cardíaco masivo el 23 de octubre de 1950. Se dice que sus últimas palabras fueron "Oh... oh, me voy". Tenía 64 años.
Después de que su esposa recibiera la noticia de su muerte por teléfono, entró en estado de shock y pidió a los miembros de la familia que se quedaran con ella. En el funeral, la policía estimó que acudieron más de 20.000 personas, a pesar de la amenaza de lluvia. Se convirtió en uno de los funerales más grandes de la historia del mundo del espectáculo. [79] Las celebridades le rindieron homenaje: Bob Hope , hablando desde Corea a través de una radio de onda corta, dijo que el mundo había perdido "no solo a un gran artista, sino también a un gran ciudadano". Larry Parks dijo que el mundo había "perdido no solo a su mayor artista, sino también a un gran estadounidense. Fue una víctima de la guerra [coreana]". Los periódicos Scripps-Howard dibujaron un par de guantes blancos sobre un fondo negro. El pie de foto decía: "La canción ha terminado". [79]
El columnista de periódico y reportero de radio Walter Winchell dijo:
Fue el primero en entretener a las tropas en la Segunda Guerra Mundial, contrajo malaria y perdió un pulmón. Luego, cuando tenía más de sesenta años, fue nuevamente el primero en ofrecer sus dotes de canto para llevar consuelo a los heridos y cansados en Corea. Hoy sabemos que el esfuerzo de su viaje a Corea le pasó factura a su fuerza más de lo que tal vez él mismo se dio cuenta. Pero consideró que era su deber como estadounidense estar allí, y eso era todo lo que le importaba. Jolson murió en un hotel de San Francisco. Sin embargo, fue una víctima de batalla como cualquier soldado estadounidense que haya caído en las rocosas laderas de Corea... Una estrella durante más de 40 años, obtuvo su calificación más gloriosa al final: una estrella de oro. [80]
El amigo George Jessel dijo durante parte de su elogio:
La historia del mundo no dice lo suficiente sobre la importancia que han tenido la canción y el cantante. Pero la historia debe registrar el nombre de Jolson, quien en el ocaso de su vida cantó con todo el corazón en una tierra extranjera, a los heridos y a los valientes. Estoy orgulloso de haber disfrutado de la luz del sol de su grandeza, de haber sido parte de su tiempo. [81]
Fue enterrado en el cementerio Hillside Memorial Park en Culver City, California. La viuda de Jolson compró un terreno en Hillside y encargó que su mausoleo fuera diseñado por el conocido arquitecto negro Paul Williams . La estructura de mármol de seis pilares está rematada por una cúpula, junto a una estatua de bronce de tres cuartos del tamaño de Jolson, eternamente descansando sobre una rodilla, con los brazos extendidos, aparentemente listo para comenzar otra estrofa de "Mammy". El interior de la cúpula presenta un enorme mosaico de Moisés sosteniendo las tablas que contienen los Diez Mandamientos, e identifica a Jolson como "El dulce cantor de Israel" y "El hombre levantado en lo alto". [82] [83]
El día de su muerte, Broadway apagó sus luces en su honor y las estaciones de radio de todo el mundo le rindieron homenaje. Poco después de su muerte, la BBC presentó un programa especial titulado Jolson Sings On . Su muerte desató homenajes de todo el mundo, incluidos varios panegíricos de amigos, entre ellos George Jessel, Walter Winchell y Eddie Cantor . [82] Contribuyó con millones a organizaciones benéficas judías y de otro tipo en su testamento. [84]
A pesar de su estrecha relación durante su infancia, Harry Jolson (el hermano mayor de Al) mostró cierto desdén por el éxito de Jolson a lo largo de los años. Incluso durante su tiempo con Jack Palmer, Jolson estaba aumentando en popularidad mientras que Harry se desvanecía. Después de separarse de "Al y Jack", la carrera de Harry en el mundo del espectáculo se hundió. En una ocasión, Harry se ofreció a ser el agente de Jolson, pero Jolson rechazó la oferta, preocupado por la presión que enfrentaría por parte de sus productores por contratar a su hermano. Poco después de que la esposa de Harry, Lillian, muriera en 1948, los hermanos volvieron a ser cercanos. [85]
El primer matrimonio de Jolson, con Henrietta Keller (1889-1967), tuvo lugar en Alameda, California, el 20 de septiembre de 1907. Su nombre fue Albert Jolson. La pareja se divorció en 1919. [86] En 1920, comenzó una relación con la actriz de Broadway Alma Osbourne (conocida profesionalmente como Ethel Delmar); los dos se casaron en agosto de 1922; [87] ella se divorció de Jolson en 1928. [88]
En el verano de 1928, Jolson conoció a la joven bailarina de claqué , y más tarde actriz, Ruby Keeler en Los Ángeles (Jolson afirmaría que fue en el club nocturno Texas Guinan ) y quedó deslumbrado por ella nada más verla. Tres semanas después, Jolson vio una producción de Rise of Rosie O'Reilly de George M. Cohan y se dio cuenta de que estaba en el elenco del espectáculo. Ahora que sabía que iba a seguir con su carrera en Broadway, Jolson asistió a otro de sus espectáculos, Show Girl , y se levantó de la audiencia y se involucró en su dueto de "Liza". Después de este momento, el productor del espectáculo, Florenz Ziegfeld , le pidió a Jolson que se uniera al elenco y continuara cantando duetos con Keeler. Jolson aceptó la oferta de Ziegfeld y durante su gira con él, los dos comenzaron a salir y se casaron el 21 de septiembre de 1928. En 1935, Al y Ruby adoptaron un hijo, el primer hijo de Jolson, a quien llamaron "Al Jolson Jr." [18] Sin embargo, en 1939, a pesar de un matrimonio que se consideró más exitoso que los anteriores, Keeler dejó a Jolson. Después de su divorcio en 1940, se volvió a casar con John Homer Lowe, con quien tendría cuatro hijos y permanecería casada hasta su muerte en 1969. [18] [89]
En 1944, mientras daba un espectáculo en un hospital militar en Hot Springs, Arkansas , Jolson conoció a una joven tecnóloga de rayos X, Erle Galbraith. Quedó fascinado con ella y más de un año después pudo localizarla y la contrató como actriz mientras él trabajaba como productor en Columbia Pictures. Después de que Jolson, cuya salud todavía estaba marcada por su batalla anterior contra la malaria , fuera hospitalizado en el invierno de 1945, Erle lo visitó y los dos rápidamente comenzaron una relación. Se casaron el 22 de marzo de 1945. Durante su matrimonio, los Jolson adoptaron dos hijos, Asa Jr. (nacido en 1948) y Alicia (nacida en 1949), [18] y permanecieron casados hasta su muerte en 1950. [90]
Después de un año y medio de matrimonio, su nueva esposa nunca lo había visto actuar frente a un público, y la primera ocasión se produjo sin planearlo. Según contó el actor y comediante Alan King , ocurrió durante una cena del New York Friars' Club en el Waldorf Astoria en 1946 para honrar la carrera de Sophie Tucker . Jolson y su esposa estaban entre el público con otras mil personas, y George Jessel fue el maestro de ceremonias.
Sin previo aviso, en medio del espectáculo, Jessel dijo: “Damas y caballeros, ésta es la presentación más fácil que he tenido que hacer jamás. El mejor artista del mundo, Al Jolson”. King recuerda lo que sucedió a continuación:
El lugar se vuelve loco. Jolson se levanta, hace una reverencia, se sienta... la gente empieza a dar patadas, y él se levanta, hace otra reverencia, se sienta de nuevo. Es un caos, y poco a poco, parece ceder. Sube al escenario... los niños se juntan con Sophie y provoca algunas risas, pero la gente grita: "¡Canta! ¡Canta! ¡Canta!"... Entonces dice: "Me gustaría presentarles a mi novia", y esta jovencita encantadora se levanta y hace una reverencia. Al público no le importa la novia, ni siquiera le importa Sophie Tucker. "¡Canta! ¡Canta! ¡Canta!", gritan de nuevo.
"Mi esposa nunca me ha visto actuar", dice Jolson, y mira hacia Lester Lanin , el director de la orquesta: "Maestro, ¿es cierto lo que dicen de Dixie?" [91]
Jolson era un republicano que apoyó a Warren G. Harding en 1920 y a Calvin Coolidge en 1924 para la presidencia. Como "una de las mayores estrellas de su tiempo, [él] ejerció su magia cantando You're the Man for Us de Harding para cautivar a audiencias... [y] posteriormente se le pidió que interpretara Keep Cool con Coolidge cuatro años después... Jolson, al igual que los hombres que dirigían los estudios, era el raro republicano del mundo del espectáculo". [92] Jolson hizo campaña públicamente por el demócrata Franklin Delano Roosevelt en 1932. [93] Para la siguiente elección presidencial (1936), volvió a apoyar al republicano Alf Landon y no apoyaría a otro demócrata para presidente durante su vida. [1] [94]
Unos meses después de su muerte, el secretario de Defensa George Marshall entregó la Medalla al Mérito a Jolson, "con quien este país tiene una deuda que no puede ser pagada". La medalla, que llevaba una cita que señalaba que la "contribución de Jolson a la acción de la ONU en Corea se hizo a expensas de su vida", fue entregada al hijo de Jolson ante la mirada de la viuda de Jolson. [47]
Jolson tiene tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood por sus contribuciones a la radio, el cine y la industria discográfica.
En 2000, se le dedicó una Estrella de la Palma de Oro en el Paseo de las Estrellas de Palm Springs, California . [95] Jolson también es miembro del Salón de la Fama del Teatro Americano . [96]
El Servicio Postal de los Estados Unidos lo honró con la emisión de un sello de 29 centavos que fue presentado por Erle Jolson Krasna, la cuarta esposa de Jolson, en una ceremonia en el Lincoln Center el 1 de septiembre de 1994. Este sello fue parte de una serie en honor a cantantes estadounidenses populares, entre los que se encontraban Bing Crosby, Nat King Cole, Ethel Merman y Ethel Waters. En 2006, Jolson tuvo una calle en Nueva York que lleva su nombre con la ayuda de la Sociedad Al Jolson. [97]
En octubre de 2008, el documental Al Jolson and The Jazz Singer , dirigido por el cineasta alemán Andrea Oberheiden, se estrenó en los 50.º Lübeck Nordic Film Days , Lübeck, Alemania, y ganó el primer premio en una competencia anual de cine en Kiel unas semanas después. [98] En noviembre de 2007, un cortometraje documental del mismo director, A Look at Al Jolson , fue ganador en el mismo festival. [99]
Según los historiadores musicales Bruce Crowther y Mike Pinfold: "Durante su época fue el artista más conocido y popular que Estados Unidos (y probablemente el mundo) haya conocido jamás, cautivando al público en el teatro y convirtiéndose en una atracción en discos, radio y películas. Abrió los oídos del público blanco a la existencia de formas musicales ajenas a su comprensión y experiencia previas... y ayudó a preparar el camino para otros que aportarían un toque más realista y simpático a las tradiciones musicales negras". [100] El compositor negro Noble Sissle , en la década de 1930, dijo que "siempre fue el campeón del compositor e intérprete negro, y fue el primero en poner negros en sus espectáculos". Sobre las canciones "Mammy" de Jolson, añade: "con lágrimas reales corriendo por su rostro ennegrecido, inmortalizó la maternidad negra de Estados Unidos como ningún individuo podría hacerlo". [101]
Sin embargo, el estilo característico de Jolson, ruidoso y apasionado, pronto fue eclipsado por el estilo más frío e íntimo de los crooners , cantantes como Bing Crosby y Frank Sinatra, que dominaron las listas de éxitos del pop en las décadas de 1930, 1940 y 1950. Si bien Jolson podía cantar y lo hacía, su estilo básico se formó en la era en la que un cantante necesitaba proyectarse hacia el fondo de un teatro con su propio poder físico; los cantantes posteriores que se desarrollaron en la era del micrófono se liberaron de esta restricción. [102] [103]
Las personas y los lugares que han sido influenciados por Jolson incluyen:
Mi padre... nos llevó a ver una de las primeras películas sonoras, The Singing Fool , en la que Al Jolson cantaba "Sonny Boy". En cierto modo, se podría decir que Jolson fue mi primera influencia como cantante. Me emocioné tanto con lo que vi que pasé horas escuchando a Jolson y a Eddie Cantor en la radio. De hecho, hice mi primera actuación en público poco después de ver esa película... para imitar a Jolson... Salté a la sala de estar y les dije a los adultos, que me miraban con asombro: "¡Yo, Sonny Boy!". Toda la familia estalló en carcajadas. [104]
Jolson solía actuar con maquillaje de cara negra . [121] Actuar con maquillaje de cara negra era una convención teatral de muchos artistas a principios del siglo XX, que tuvo su origen en el espectáculo de juglares . [122] Según el historiador de cine Eric Lott :
Para el trovador blanco, adoptar las formas culturales de la "negritud" era participar en una compleja relación de imitación masculina... Usar o incluso disfrutar de la cara pintada de negro era literalmente, por un tiempo, volverse negro, heredar la frialdad, la virilidad, la humildad, el abandono o la alegría de corazón que eran los componentes principales de las ideologías blancas de la hombría negra. [123]
Sin embargo, en una visión retrospectiva de una era posterior, el uso de la cara pintada de negro ha llegado a ser visto por algunas interpretaciones como racismo implícito. [12] [124] [125] El crítico musical Ted Gioia , al comentar sobre el uso de la cara pintada de negro por parte de Jolson, escribió:
El maquillaje de cara pintada de negro evoca recuerdos del lado más desagradable de las relaciones raciales y de una época en la que los artistas blancos utilizaban el maquillaje para ridiculizar a los estadounidenses negros, a la vez que tomaban prestado descaradamente elementos de las ricas tradiciones musicales negras a las que rara vez se les permitía expresarse directamente en la sociedad dominante. Esto es un lastre muy pesado para Al Jolson. [12]
Los historiadores han descrito la cara pintada de negro y el estilo de canto de Jolson como metáforas del sufrimiento judío y negro a lo largo de la historia. La primera película de Jolson, The Jazz Singer , por ejemplo, es descrita por el historiador Michael Alexander como una expresión de la música litúrgica de los judíos con la "música imaginada de los afroamericanos", señalando que "la oración y el jazz se convierten en metáforas de los judíos y los negros". [126] El dramaturgo Samson Raphaelson , después de ver a Jolson interpretar su espectáculo teatral Robinson Crusoe , declaró que "tuvo una epifanía: 'Dios mío, este no es un cantante de jazz', dijo. '¡Es un cantor !'" La imagen del cantor con la cara pintada de negro permaneció en la mente de Raphaelson cuando concibió la historia que dio lugar a The Jazz Singer . [127]
Cuando se estrenó la película, la primera película sonora de larga duración, los críticos cinematográficos vieron el simbolismo y las metáforas retratadas por Jolson en su papel de hijo de un cantor que quería convertirse en "cantante de jazz":
¿Hay alguna incongruencia en que este muchacho judío con la cara pintada como un negro del sur cante en dialecto negro? No, no la hay. De hecho, detecté una y otra vez la tonalidad menor de la música judía, el lamento del Jazan , el grito de angustia de un pueblo que había sufrido. El hijo de una estirpe de rabinos sabe bien cómo cantar las canciones de los pueblos más cruelmente agraviados en la historia del mundo. [127]
Según Alexander, los judíos de Europa del Este estaban excepcionalmente cualificados para entender la música, y señaló que el propio Jolson comparó el sufrimiento de los judíos y los afroamericanos en una nueva tierra en su película Big Boy : en una representación con la cara pintada de negro de un ex esclavo, lidera a un grupo de esclavos recientemente liberados, interpretados por actores negros, en versos del clásico espiritual de esclavos " Go Down Moses ". Un crítico de la película expresó cómo la cara pintada de negro de Jolson agregó significado a su papel:
Cuando uno escucha las canciones de jazz de Jolson, se da cuenta de que el jazz es la nueva plegaria de las masas estadounidenses, y Al Jolson es su cantor. El maquillaje negro con el que expresa su miseria es el talis [manto de oración] apropiado para un líder comunitario de esa clase. [126]
Muchos miembros de la comunidad negra recibieron con agrado The Jazz Singer y lo vieron como un vehículo para acceder al escenario. El público del Teatro Lafayette de Harlem lloró durante la película, y el periódico de Harlem, Amsterdam News , la calificó como "una de las mejores películas jamás producidas". En cuanto a Jolson, escribió: "Todos los artistas de color están orgullosos de él". [128]
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El legado de Jolson como el intérprete más popular de rutinas de cara pintada de negro se complementó con sus relaciones con los afroamericanos y su apreciación y uso de las tendencias culturales afroamericanas. [12] Jolson escuchó por primera vez jazz, blues y ragtime en los callejones de Nueva Orleans. Disfrutaba cantando jazz, a menudo actuando con la cara pintada de negro, especialmente en las canciones que hizo populares, como " Swanee ", " My Mammy " y " Rock-a-Bye Your Baby with a Dixie Melody ".
Como inmigrante judío y el artista más famoso y mejor pagado de Estados Unidos, es posible que tuviera el incentivo y los recursos para ayudar a mejorar las actitudes raciales. Jolson decidió protagonizar The Jazz Singer , que desafiaba la intolerancia racial al presentar a músicos negros a audiencias de todo el mundo. [1]
Mientras crecía, Jolson tuvo muchos amigos negros, entre ellos Bill "Bojangles" Robinson , que se convirtió en un destacado bailarín de claqué . [22] Ya en 1911, a la edad de 25 años, Jolson era conocido por luchar contra la discriminación en Broadway y más tarde en sus películas. [129] En 1924, promocionó la obra Appearances de Garland Anderson , [130] que se convirtió en la primera producción con un elenco completamente negro producida en Broadway. También trajo un equipo de baile negro de San Francisco que intentó poner en un espectáculo de Broadway, [129] y exigió un trato igualitario para Cab Calloway, con quien realizó duetos en la película The Singing Kid . [129]
Jolson leyó en el periódico que a los compositores Eubie Blake y Noble Sissle , de los que nunca había oído hablar, se les negó el servicio en un restaurante de Connecticut debido a su raza. Los localizó y los invitó a cenar, "¡insistiendo en que le daría un puñetazo en la nariz a cualquiera que intentara echarnos!" [12] Según el biógrafo Al Rose, Jolson y Blake se hicieron amigos e iban juntos a combates de boxeo. [131]
El historiador de cine Charles Musser señala: "La aceptación de Jolson por parte de los afroamericanos no fue una reacción espontánea a su aparición en películas sonoras. En una época en la que los afroamericanos no tenían que buscarse enemigos, Jolson era considerado un amigo". [132]
Jeni LeGon , bailarina de claqué negra , [133] recuerda su vida como bailarina de cine: "Pero, por supuesto, en aquella época era un 'mundo en blanco y negro'. No te relacionabas demasiado socialmente con ninguna de las estrellas. Las veías en el estudio, ya sabes, eran agradables, pero no te invitaban. Los únicos que nos invitaban a casa a visitarlas eran Al Jolson y Ruby Keeler ". [134]
El actor británico Brian Conley , ex estrella de la obra británica Jolson de 1995 , declaró durante una entrevista: "Descubrí que Jolson era en realidad un héroe para los negros de Estados Unidos. En su funeral, los actores negros se alinearon en el camino, realmente apreciaron lo que había hecho por ellos". [135]
Noble Sissle , que entonces era presidente del Gremio de Actores Negros , representó a esa organización en su funeral. [136]
La expresividad física de Jolson también afectó los estilos musicales de algunos intérpretes negros. El historiador musical Bob Gulla escribe que "la influencia más importante en la vida de Jackie Wilson fue Al Jolson". Señala que las ideas de Wilson sobre lo que un artista de teatro podía hacer para mantener su actuación "emocionante" y "emocionante" estaban condicionadas por las actuaciones de Jolson, "llenas de retorcimientos salvajes y teatralidad excesiva". Wilson sentía que Jolson "debería ser considerado el [antepasado] estilístico del rock and roll". [137]
Según la Enciclopedia de Cultura Popular de St. James : "Casi sin ayuda de nadie, Jolson ayudó a introducir innovaciones musicales afroamericanas como el jazz, el ragtime y el blues al público blanco... [y] allanó el camino para que artistas afroamericanos como Louis Armstrong , Duke Ellington , Fats Waller y Ethel Waters ... cerraran la brecha cultural entre los Estados Unidos negros y blancos". [1]
Amiri Baraka escribió: "la entrada del hombre blanco en el jazz... al menos lo acercó mucho más al negro ". Señala que "la aceptación del jazz por parte de los blancos marca un momento crucial en el que un aspecto de la cultura negra se había convertido en una parte esencial de la cultura estadounidense". [138]
Estos conceptos "fijaron una tradición escénica del negro como un ser irresponsable, que se reía a carcajadas, tocaba el banjo, cantaba y bailaba". Estas impresiones se mantuvieron a través de las payasadas de actores como Al Jolson, Eddie Cantor y los conceptos de cara negra de Amos y Andy.
