Robert Wilson ( nacido el 4 de octubre de 1941) es un director de escena y dramaturgo de teatro experimental estadounidense que ha sido descrito por The New York Times como "el 'artista teatral' de vanguardia más importante de [Estados Unidos] -o incluso del mundo-". [ 1] También ha trabajado como coreógrafo, intérprete, pintor, escultor, artista de video y diseñador de sonido e iluminación .
Wilson es más conocido por su colaboración con Philip Glass y Lucinda Childs en Einstein on the Beach , y sus frecuentes colaboraciones con Tom Waits . En 1991, Wilson fundó The Watermill Center , "un laboratorio de performance" en el East End de Long Island , Nueva York, trabajando regularmente con compañías de ópera y teatro, así como con festivales culturales. Wilson "se ha desarrollado como artista de vanguardia específicamente en Europa entre sus búsquedas modernas, en sus centros culturales, galerías, museos, casas de ópera y teatros y festivales más importantes". [2]
Wilson nació en Waco, Texas , hijo de Loree Velma (née Hamilton) y DM Wilson, un abogado. [3] Tuvo una juventud difícil como hijo homosexual de una familia conservadora. [4] "Cuando yo era niño, era pecado ir al teatro. Era pecado si una mujer llevaba pantalones. Había una caja de oración en la escuela, y si veías a alguien pecando podías poner su nombre en la caja de oración, y los viernes todo el mundo rezaba por aquellas personas cuyos nombres estaban en la caja de oración". [5] Era tartamudo y lo llevaron a un instructor de baile local llamado Bird "Baby" Hoffman, quien lo ayudó a superar su tartamudez. [6] Después de asistir a las escuelas locales, estudió administración de empresas en la Universidad de Texas de 1959 a 1962.
En 1963 se mudó a Brooklyn , Nueva York, para cambiar de campo y estudiar arte y arquitectura. En algún momento fue a Arizona para estudiar arquitectura con Paolo Soleri en su complejo del desierto. [7] Wilson se sintió atraído por el trabajo de los coreógrafos pioneros George Balanchine , Merce Cunningham y Martha Graham , entre otros. [8] Participó en trabajo de teatro terapéutico con niños discapacitados y con lesiones cerebrales en Nueva York. Recibió una licenciatura en arquitectura del Pratt Institute en 1965. [9] Dirigió un "ballet para pacientes con pulmón de acero donde los participantes movían una serpentina fluorescente con la boca mientras el conserje bailaba vestido como Miss América". [6] Durante este período, también asistió a conferencias de Sibyl Moholy-Nagy (viuda de László Moholy-Nagy ) y estudió pintura con el artista George McNeil . [ cita requerida ]
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En 1968, fundó una compañía de interpretación experimental, la Byrd Hoffman School of Byrds (nombrada en honor a un maestro que lo ayudó a controlar su tartamudez cuando era adolescente). Con esta compañía, dirigió sus primeras obras importantes, comenzando con El rey de España y La vida y los tiempos de Sigmund Freud de 1969. Comenzó a trabajar en ópera a principios de la década de 1970, creando Einstein en la playa con el compositor Philip Glass y la coreógrafa Lucinda Childs . Esta obra le dio a los artistas renombre mundial. Después de Einstein , Wilson trabajó cada vez más con los principales teatros y casas de ópera europeas. [10] Para el debut en Nueva York de su primera ópera, la Metropolitan Opera le permitió a Wilson alquilar la casa un domingo, cuando no tenían una producción, pero no producirían la obra. [11]
En 1970, Wilson y un grupo de colaboradores, entre ellos el coreógrafo Andy deGroat y la bailarina y actriz Sheryl Sutton, [12] idearon la "ópera muda" Deafman Glance en Iowa City , donde se estrenó en el Centro de Nuevas Artes Escénicas el 15 de diciembre. El gran elenco de la producción de estreno de Deafman Glance incluía a Raymond Andrews y Ana Mendieta . El espectáculo viajó posteriormente al Festival de Nancy en Francia y a la Academia de Música de Brooklyn . Más tarde se estrenó en París, defendido por el diseñador Pierre Cardin . [11] Al poeta surrealista Louis Aragon le encantó y publicó una carta al poeta surrealista André Breton (que había muerto en 1966), [11] en la que elogiaba a Wilson como: "Lo que nosotros, de quienes nació el surrealismo, soñamos que vendría después de nosotros y nos superaría". [13] En 1975, Wilson disolvió los Byrds y comenzó a utilizar actores profesionales. [6]
En 1983/84, Wilson planeó una representación para los Juegos Olímpicos de Verano de 1984 , CIVIL warS : A Tree Is Best Measured When It Is Down ; la obra completa debía haber durado 12 horas, en 6 partes. La producción solo se completó parcialmente; el Festival de Artes Olímpicas canceló el evento completo debido a la falta de fondos. [14] En 1986, el jurado del Premio Pulitzer seleccionó por unanimidad a CIVIL warS para el premio de drama, pero el consejo supervisor rechazó la elección y no otorgó ningún premio de drama ese año. [15]
Sólo en 1990, Wilson creó cuatro nuevas producciones en cuatro ciudades diferentes de Alemania Occidental: El Rey Lear de Shakespeare en Frankfurt, El canto del cisne de Chéjov en Múnich, una adaptación de Orlando de Virginia Woolf en Berlín Occidental, y El jinete negro , una colaboración de Wilson, Tom Waits y William S. Burroughs , en Hamburgo. [14]
En 1997 fue galardonado con el Premio Europeo de Teatro . [16]
En 1998, Wilson representó la obra A Dream Play de August Strindberg en el Stadsteater de Estocolmo, Suecia. Más tarde, fue la obra principal de los festivales de Recklinghausen, Niza, Perth, Bonn, Moscú, Nueva York y Londres. [17] [18]
En 2010, Wilson estaba trabajando en un nuevo musical teatral con el compositor (y colaborador de mucho tiempo) Tom Waits y el dramaturgo irlandés, Martin McDonagh . [19] Su producción teatral de Lecture on Nothing de John Cage , que fue encargada para una celebración del centenario de Cage en la Ruhrtriennale de 2012 , [20] tuvo su estreno en Estados Unidos en Royce Hall , UCLA, por el Centro para el Arte de la Actuación. [21] Wilson interpretó Lectures on Nothing en su estreno australiano en el festival Supersense de 2019 en el Arts Centre Melbourne . [22]
En 2013 Wilson, en colaboración con Mikhail Baryshnikov y coprotagonizada por Willem Dafoe , desarrolló The Old Woman , una adaptación de la obra del autor ruso Daniil Kharms . La obra se estrenó en el MIF13, Festival Internacional de Manchester. [23] Wilson escribió que él y Baryshnikov habían discutido durante años la creación de una obra juntos, tal vez basada en un texto ruso. [24] La producción final incluyó danza, luz, canto y un monólogo bilingüe.
Desde 1999, Wilson ha estrenado nueve obras teatrales en Berlín. En cambio, en 2013, su último encargo en Estados Unidos se remontaba a hace 21 años. [25]
A partir de 2010, continuó dirigiendo reposiciones de sus producciones más famosas, incluyendo El jinete negro en Londres, San Francisco, Sídney, Australia y Los Ángeles; La tentación de San Antonio en Nueva York y Barcelona; Erwartung en Berlín; Madama Butterfly en la Ópera Bolshoi de Moscú; y El anillo del Nibelungo de Wagner en el Théâtre du Châtelet de París. [10]
Wilson también dirige todas las óperas de Monteverdi para los teatros de ópera de La Scala en Milán y el Palais Garnier en París. [26]
En 2021, Wilson dirigió una reposición de La tempestad de Shakespeare en el Teatro Nacional Iván Vazov en Sofía , Bulgaria . [27]
En 2022 dirige UBU , espectáculo teatral, estrenado en Es Baluard Museu de Palma . [28]
Además de su trabajo para el escenario, Wilson ha creado esculturas, dibujos y diseños de muebles. Exhibidos en diciembre de 1976 en la Galería Paula Cooper , los storyboards de Wilson fueron descritos por un crítico como "arte serial, equivalente al tempo de cámara lenta del estilo teatral [de Wilson]. En dibujo tras dibujo tras dibujo, se propone un detalle, se analiza, se refina, se redefine, se mueve a través de varias posiciones". [29] Ganó el León de Oro en la Bienal de Venecia de 1993 por una instalación escultórica. [ cita requerida ] En 2004, Ali Hossaini le ofreció a Wilson una residencia en el canal de televisión LAB HD . [30] Desde entonces, Wilson, con la productora Esther Gordon y más tarde con Matthew Shattuck, ha producido docenas de videos de alta definición conocidos como Voom Portraits. Entre los colaboradores de este proyecto, que tuvo una gran aceptación, se encuentran el compositor Michael Galasso , el fallecido artista y diseñador Eugene Tsai, el diseñador de moda Kevin Santos y el diseñador de iluminación Urs Schönebaum. Además de personajes famosos, entre los modelos se incluyen miembros de la realeza, animales, ganadores del Premio Nobel y vagabundos. [31]
En 2011, Wilson diseñó un parque de arte dedicado al diseñador finlandés Tapio Wirkkala (1915-1985), situado en el distrito Arabianranta de Helsinki. Sus planos para el parque rectangular presentan una plaza central dividida en nueve campos de igual tamaño separados por arbustos. En cada campo se instalarán objetos relacionados con el hogar. Por ejemplo, una unidad constará de una pequeña chimenea rodeada de piedras que servirán de asientos. El parque estará iluminado por grandes lámparas de estilo caja de luz empotradas en el suelo y por otras más pequeñas inspiradas en lámparas de pie comunes. [32]
En 2013, la cantante pop estadounidense Lady Gaga anunció que colaboraría con Wilson como parte de su proyecto ARTPOP. Posteriormente, diseñó el escenario para su actuación en los MTV Video Music Awards de 2013. [33] Wilson también sugirió que Gaga posara para sus retratos Voom. [33] Sabiendo que tenía una residencia próxima como curador invitado en el Louvre , Wilson eligió temas de la colección del museo, todos relacionados con la muerte. Filmaron los videos en un estudio de Londres durante tres días, Gaga permaneciendo de pie durante 14 o 15 horas a la vez. [33] Llamada "Living Rooms", la exposición resultante incluyó dos obras de video: una inspirada en La muerte de Marat de Jacques-Louis David , colgada en las galerías de pinturas, y otra en la que Lady Gaga da vida a una pintura de Ingres . [11] En el auditorio del Louvre, Wilson presentó y participó en una serie de actuaciones, conversaciones, proyecciones de películas y debates. [34] La pieza central de la residencia es una sala llena de objetos de la colección personal del artista en Nueva York, incluyendo máscaras africanas, una silla Shaker, cerámicas chinas antiguas, zapatos usados por Marlene Dietrich y una foto de Wilson y Glass tomada a principios de la década de 1980 por Robert Mapplethorpe . [11]
Wilson vive en Nueva York. En 2000, estimó que "pasa 10 días al año en su apartamento de Nueva York". [35] Durante muchos años mantuvo una relación sentimental con Andy de Groat , un bailarín y coreógrafo con quien colaboró en la década de 1970. [36]
Wilson es conocido por traspasar los límites del teatro. Sus obras se destacan por su estilo austero, sus movimientos muy lentos y, a menudo, su escala extrema en el espacio o en el tiempo. La vida y los tiempos de Joseph Stalin fue una representación de 12 horas, mientras que La montaña KA y la terraza GUARDenia se escenificaron en la cima de una montaña en Irán y duraron siete días. [ cita requerida ]
El lenguaje es uno de los elementos más importantes del teatro y Robert Wilson se siente cómodo al manejarlo de muchas maneras diferentes. El impacto de Wilson en esta parte del teatro por sí solo es inmenso. Arthur Holmberg, profesor de teatro en la Universidad Brandeis , dice que "en teatro, nadie ha dramatizado la crisis del lenguaje con tanto genio feroz como Robert Wilson". [37] : 41 Wilson deja en evidencia en su trabajo que los qué y los porqués del lenguaje son terriblemente importantes y no se pueden pasar por alto. Tom Waits , aclamado compositor y colaborador de Wilson, dijo esto sobre la relación única de Wilson con las palabras:
Para Bob, las palabras son como tachuelas en el suelo de la cocina en la oscuridad de la noche y tú estás descalzo. Así que Bob abre un camino por el que puede caminar a través de las palabras sin lastimarse. Bob cambia los valores y las formas de las palabras. En cierto sentido, adquieren más significado; en algunos casos, menos. [37] : 43
Wilson muestra la importancia del lenguaje a través de todas sus obras y de muchas maneras diferentes. Atribuye a la lectura de la obra de Gertrude Stein y a la escucha de grabaciones de ella hablando el hecho de que "cambió [su] forma de pensar para siempre". [38] Wilson dirigió tres de las obras de Stein en la década de 1990: Doctor Faustus Lights the Lights (1992), Four Saints in Three Acts (1996) y Saints and Singing (1998).
Wilson considera el lenguaje y, hasta sus mismos ingredientes, las palabras, como una especie de "artefacto social". [37] : 44 El lenguaje no sólo cambia con el tiempo, sino que cambia con la persona, con la cultura. El uso de su experiencia de trabajo con niños discapacitados mentales y la colaboración de Christopher Knowles , un reconocido poeta autista, le ha permitido a Wilson atacar el lenguaje desde muchos puntos de vista. Wilson adopta esto al "yuxtaponer a menudo niveles de dicción -opulencia miltoniana y lingüística contemporánea, poesía de cuna y gritos preverbales" en un intento de mostrar a su audiencia lo esquivo que es realmente el lenguaje y lo cambiante que puede ser. [37] : 44 Mostrar visualmente las palabras es otro método que Wilson utiliza para mostrar la belleza del lenguaje. A menudo sus diseños de escenarios, portadas de programas y carteles están grafiteados con palabras. Esto permite a la audiencia mirar el "lenguaje en sí" en lugar de "los objetos y significados a los que se refiere". [37] : 45
La falta de lenguaje también es esencial en la obra de Wilson. De la misma manera que un artista utiliza el espacio positivo y negativo, Wilson utiliza el ruido y el silencio. Mientras trabajaba en una producción de El rey Lear , Wilson describe sin darse cuenta su necesidad de silencio:
La formación de los actores aquí es errónea. Lo único en lo que piensan es en interpretar un texto. Se preocupan por cómo pronunciar las palabras y no saben nada de sus cuerpos. Se nota en la forma en que caminan. No entienden el peso de un gesto en el espacio. Un buen actor puede dominar a un público moviendo un dedo. [37] : 49
Este énfasis en el silencio se explora plenamente en algunas de sus obras. La mirada sorda es una obra sin palabras, y su adaptación de la obra de Heiner Müller , Cuarteto contenía un prólogo sin palabras de quince minutos. Holmberg describe estas obras diciendo:
El lenguaje hace muchas cosas y las hace bien, pero tendemos a cerrar los ojos ante lo que no hace bien. A pesar de la arrogancia de las palabras –que gobiernan el teatro tradicional con puño de hierro– no toda la experiencia puede traducirse a un código lingüístico. [37] : 50
El célebre dramaturgo del siglo XX Eugène Ionesco dijo que Wilson "superó a Beckett " porque "el silencio [de Wilson] es un silencio que habla". [37] : 52 Este silencio en el escenario puede resultar desconcertante para los miembros del público, pero tiene el propósito de mostrar cuán importante es el lenguaje por su ausencia. Es la forma en que Wilson responde a su propia pregunta: "¿Por qué nadie mira? ¿Por qué nadie sabe cómo mirar? ¿Por qué nadie ve nada en el escenario?" [37] : 52
Otra técnica que utiliza Wilson es la de lo que las palabras pueden significar para un personaje en particular. Su pieza, I was sitting on my patio this guy appeared I thought I was hallucinating (Estaba sentado en mi patio y este tipo apareció, pensé que estaba alucinando) , presenta sólo dos personajes, los cuales pronuncian el mismo monólogo de flujo de conciencia. En la primera producción de la obra, un personaje era "distante, frío [y] preciso", mientras que el otro "aportaba comedia disparatada... calidez y color... alegría". [37] : 61 Los diferentes énfasis y entregas aportaron al monólogo dos significados diferentes; "al público le resultó difícil creer que había escuchado el mismo monólogo dos veces". [37] : 61 En lugar de decirle a su público lo que se supone que significan las palabras, las abre a la interpretación, presentando la idea de que "los significados no están atados a las palabras como los caballos a los postes de enganche". [37] : 61
El movimiento es un elemento clave en la obra de Wilson. Como bailarín, ve la importancia de la forma en que un actor se mueve en el escenario y conoce el peso que tiene el movimiento. Al hablar de su interpretación "obra sin palabras" de Cuando los muertos despertemos de Ibsen , Wilson dice:
Hago el movimiento antes de trabajar en el texto. Más tarde, juntamos el texto y el movimiento. Primero hago el movimiento para asegurarme de que sea lo suficientemente fuerte como para sostenerse por sí solo sin palabras. El movimiento debe tener un ritmo y una estructura propios. No debe seguir el texto. Puede reforzar un texto sin ilustrarlo. Lo que escuchas y lo que ves son dos capas diferentes. Cuando las juntas, creas otra textura. [37] : 136
Con tanto énfasis en el movimiento, Wilson incluso adapta sus audiciones en función de la necesidad del mismo. En sus audiciones, "Wilson a menudo hace una secuencia de movimiento elaborada" y "pide al actor que la repita". [37] : 136 Thomas Derrah, un actor de CIVIL warS , encontró el proceso de audición desconcertante: "Cuando entré, [Wilson] me pidió que caminara por la habitación contando hasta 31, me sentara contando hasta 7, me pusiera la mano en la frente contando hasta 59. Estaba desconcertado por todo el proceso". [37] : 137 Para consolidar aún más la importancia del movimiento en las obras de Wilson, Seth Goldstein , otro actor de CIVIL warS , declaró que "cada movimiento desde el momento en que subí a la plataforma hasta que me fui fue coreografiado al segundo. Durante la escena en la mesa todo lo que hice fue contar los movimientos. Todo lo que pensé fue en el tiempo". [37] : 137
Cuando llega el momento de añadir el texto con movimiento, todavía queda mucho trabajo por hacer. Wilson presta mucha atención al texto y se asegura de que haya suficiente "espacio alrededor del texto" para que el público lo absorba. [37] : 139 En este punto, los actores conocen sus movimientos y el tiempo en el que se ejecutan, lo que le permite a Wilson agregar las acciones a fragmentos específicos del texto. Su objetivo general es que el ritmo del texto sea diferente al del movimiento para que su público pueda verlos como dos piezas completamente diferentes, viendo cada una como lo que es. Cuando está en la etapa de texto/movimiento, Wilson a menudo interrumpe el ensayo, diciendo cosas como "Algo está mal. Tenemos que revisar sus guiones para ver si puso los números en el lugar correcto". [37] : 139 Continúa explicando la importancia de esto:
Sé que es un infierno separar texto y movimiento y mantener dos ritmos diferentes. Lleva tiempo entrenarse para que la lengua y el cuerpo trabajen uno contra el otro. Pero con el cuerpo ocurren cosas que no tienen nada que ver con lo que decimos. Es más interesante si la mente y el cuerpo están en dos lugares diferentes, ocupando zonas diferentes de la realidad. [37] : 139
Estos ritmos mantienen la mente alerta, absorbiendo consciente e inconscientemente los significados detrás del movimiento y cómo se relaciona con el lenguaje.
De manera similar al uso que hace Wilson de la falta de lenguaje en sus obras, también ve la importancia que puede tener la falta de movimiento. En su producción de Medea , Wilson organizó una escena en la que la cantante principal permaneció inmóvil durante toda su aria mientras muchos otros se movían a su alrededor. Wilson recuerda que "se quejaba de que si no le daba ningún movimiento, nadie la notaría. Le dije que si sabía cómo pararse, todos la mirarían. Le dije que se parara como una estatua de mármol de una diosa que había estado parada en el mismo lugar durante mil años". [37] : 147 Permitir que un actor tenga tanta presencia en el escenario sin decir nunca una palabra es muy provocativo, que es precisamente lo que Wilson pretende lograr con cualquier sensación de movimiento que pone en escena.
Wilson cree que "la parte más importante del teatro" es la luz. [37] : 121 Le preocupa cómo se definen las imágenes en el escenario, y esto está relacionado con la luz de un objeto o cuadro. Cree que el diseño de iluminación puede realmente dar vida a la producción. El diseñador de escenarios de Civil War de Wilson , Tom Kamm, describe su filosofía: "un escenario para Wilson es un lienzo sobre el que la luz incide como pintura". [37] : 121 Explica: "Si sabes cómo iluminar, puedes hacer que la mierda parezca oro. Pinto, construyo, compongo con luz. La luz es una varita mágica". [37] : 121
Wilson es "el único director importante que ha sido considerado como diseñador de iluminación" y algunos lo reconocen como "el mayor artista de iluminación de nuestro tiempo". [37] : 122 Diseña con luz que fluye en lugar de un patrón intermitente, lo que hace que su iluminación sea "como una partitura musical". [37] : 123 Los diseños de iluminación de Wilson presentan "texturas densas y palpables" y permiten que "las personas y los objetos salten del fondo". [37] : 123 En su diseño para Quartett , Wilson utilizó cuatrocientas señales de luz en un lapso de solo noventa minutos. [37] : 122
Es un perfeccionista que persiste en lograr cada aspecto de su visión. Un monólogo de quince minutos en Quartett le llevó dos días iluminar, mientras que un solo gesto con la mano le llevó casi tres horas. [37] : 126 Esta atención al detalle expresa su convicción de que "la luz es el actor más importante en el escenario". [37] : 128 En una conversación con el experto en teatro Octavian Saiu , se le preguntó a Wilson si le molesta el hecho de que su estilo sea imitado a menudo. Su respuesta fue que "el mundo es una biblioteca" y, por lo tanto, cada artista es libre de tomar prestado de otros artistas. [39]
El interés de Wilson por el diseño se extiende a los accesorios de sus producciones, que diseña y en cuya construcción a veces participa. Ya sean muebles, una bombilla o un cocodrilo gigante, Wilson trata cada uno como una obra de arte por derecho propio. Exige que se construya un modelo a escala real de cada accesorio antes de fabricar el definitivo, para "verificar la proporción, el equilibrio y las relaciones visuales" en el escenario. [37] : 128 Una vez que ha aprobado el modelo, el equipo construye el accesorio, y Wilson es "famoso por enviarlos de vuelta una y otra vez hasta que lo satisfacen". [37] : 128 Es tan estricto en su atención al detalle que cuando Jeff Muscovin, su director técnico para Quartett , sugirió que usaran una silla de aluminio con una piel de madera en lugar de una silla completamente de madera, Wilson respondió:
No, Jeff, quiero sillas de madera. Si las hacemos de aluminio, no sonarán bien cuando se caigan y golpeen el suelo. Sonarán como metal, no como madera. Sonarán falsos. Solo asegúrate de conseguir madera resistente y sin nudos. [37] : 129
Esta atención al detalle y perfeccionismo generalmente dieron como resultado una costosa colección de accesorios. "Los curadores los consideran esculturas" [37] : 129 y los accesorios se han vendido por precios que van desde "$4,500 a $80,000". [40] : 113
Se han presentado extensas retrospectivas en el Centro Georges Pompidou de París (1991) y en el Museo de Bellas Artes de Boston (1991). Ha presentado instalaciones en el Museo Stedelijk de Ámsterdam , el Museo Boymans-van Beuningen de Róterdam (1993), las Bóvedas de Clink Street de Londres (1995), la Neue Nationalgalerie (2003) y el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y el Museo Guggenheim de Bilbao . [41] Su homenaje a Isamu Noguchi se exhibió en el Museo de Arte de Seattle y su exposición Voom Portraits viajó a Hamburgo, Milán, Miami y Filadelfia. [10] En 2012, Times Square Arts invitó a Wilson a mostrar selecciones de sus retratos en video de tres minutos en más de veinte pantallas digitales que se alineaban en Times Square. [41] [42] En 2013 participó en la Bienal de la Casa Blanca / Bienal de Tesalónica 4. Colaboró con la artista Bettina WitteVeen en un espacio de exposición basado en su libro de fotografía "Sacred Sister". El libro consistía en fotos de mujeres que WitteVeen capturó en Indonesia y el sudeste asiático en 1995. El espacio de exposición se instaló en 2003 en Art Basel Miami Beach, y también estaba compuesto por capas de hojas de otoño en el suelo de un estudio. [43]
Wilson está representado exclusivamente y en todo el mundo por RW Work, Ltd. (Nueva York), y su galerista en la ciudad de Nueva York es Paula Cooper Gallery .
En 1991, Wilson fundó el Watermill Center en el sitio de un antiguo laboratorio de Western Union en el East End de Long Island , Nueva York. Originalmente diseñado como "un laboratorio para la actuación", el Watermill Center opera residencias de artistas durante todo el año, programas de educación pública, exposiciones y actuaciones. El centro está situado dentro de un campus de diez acres (4,0 ha) de jardines y paisajes diseñados, y contiene numerosas obras de arte recopiladas por Wilson. [35]
En 1997 fue galardonado con el V Premio Europa de Teatro , en Taormina , con la siguiente motivación:
El Jurado del quinto Premio Europa de Teatro ha concedido por unanimidad el premio a Robert Wilson en reconocimiento a sus treinta años de trabajo encaminados a crear una reinvención personal del arte escénico que ha invertido la dimensión temporal y ha vuelto a trazar la espacial. Se ha negado a ofrecer una mera producción de la realidad y ha ofrecido una visión abstracta o informal del texto y también ha redefinido los roles, siempre que ha sido posible, a través de una intervención global en la creación de sus espectáculos en los que ha sido autor, director, intérprete, escenógrafo y diseñador de luces mágicas. Arquitecto de profesión, el artista persiguió un lenguaje indisciplinario que no ignoró las artes visuales a la hora de realzar la importancia de la imagen y, recuperando el apoyo de la música, se acercó a la danza y al mismo tiempo intentó encontrar un valor armonioso puro en la palabra hablada, en una tensión ideal hacia una forma de teatro total.
Se ha dicho que sus obras pueden considerarse parte de una obra única en continua evolución que constituye la síntesis. Durante su carrera Wilson se ha enfrentado a diferentes géneros y los ha acercado gracias a la conformidad del lenguaje. Ha ejecutado obras clásicas y obras escritas especialmente y por ello ha estimulado el interés de escritores eminentes, como William Burroughs y Heiner Müller, estableciendo con él un vínculo particular.
Se ha dedicado a la enseñanza de obras literarias no teatrales a menudo adaptadas en monólogos interpretados por actores eminentes, como Madeleine Renaud y Marianne Hoppe . Ha incursionado en la producción de ópera y ballet, ha creado musicales sui generis en colaboración con ilustres personalidades emergentes, ha promovido espectáculos especialmente con Christopher Knowles , ha dirigido espectaculares desfiles de moda. Su prolífica actividad como diseñador y artista visual se puede ver en sus pinturas, esculturas, instalaciones, obras gráficas, exposiciones. Fue galardonado con el premio mayor en la Bienal de Venecia .
No se puede lograr nada nuevo sin cambiar las concepciones de la organización. Fue un promotor decisivo de la coproducción de festivales desde los años 70, de la creación de espectáculos-prototipo que pudieran traducirse en varias naciones con nuevos elencos, y también de la creación de obras seriadas para ser completadas más tarde en estudios de producción. A él hay que agradecer el abrazo entre diferentes naciones, lenguas, estilos y tradiciones.
Incluso cuando se ha servido de equipos de colaboradores cada vez más numerosos e internacionales, Wilson nunca ha renunciado a dejar su propia impronta de perfeccionista en una ópera en desarrollo. Su trabajo como profesor le ha ayudado a retener un flujo inagotable de ideas frescas a partir del contacto con los jóvenes. [44]
