Orfeo y Eurídice ( en francés: Orphée et Eurydice ; en inglés:Orpheus and Eurydice) es unaóperacompuesta porChristoph Willibald Gluck, basada enel mito de Orfeoy conlibretodeRanieri de' Calzabigi. Pertenece al género de la azione teatrale , es decir, una ópera sobre un tema mitológico con coros y bailes.[1]La pieza se estrenó en elBurgtheaterde Viena el 5 de octubre de 1762, en presencia de la emperatrizMaría Teresa.Orfeo y Eurídicees la primera de las óperas "reformadas" de Gluck, en la que intentó reemplazar las tramas abstrusas y la música excesivamente compleja de la ópera seria con una "noble simplicidad" tanto en la música como en el drama.[2]
La ópera es la más popular de las obras de Gluck, [2] y fue una de las más influyentes en las óperas alemanas posteriores . Se pueden encontrar variaciones sobre su trama (la misión de rescate subterránea en la que el héroe debe controlar u ocultar sus emociones) en La flauta mágica de Mozart , Fidelio de Beethoven y El oro del Rin de Wagner .
Aunque originalmente estaba escrita sobre un libreto en italiano, Orfeo y Eurídice debe mucho al género de la ópera francesa , en particular por el uso del recitativo acompañado y la ausencia general de virtuosismo vocal. De hecho, doce años después del estreno en 1762, Gluck readaptó la ópera para satisfacer los gustos del público parisino en la Académie Royale de Musique con un libreto de Pierre-Louis Moline . Esta reelaboración recibió el título de Orphée et Eurydice [ 3] y se realizaron varias alteraciones en el reparto vocal y la orquestación para adaptarse a los gustos franceses.
El Ensayo sobre la ópera (1755) de Francesco Algarotti ejerció una gran influencia en el desarrollo de la ideología reformista de Gluck. [4] Algarotti propuso un modelo muy simplificado de ópera seria , en el que el drama era preeminente, en lugar de la música, el ballet o la puesta en escena. El drama en sí mismo debía "deleitar los ojos y los oídos, despertar y afectar los corazones de una audiencia, sin el riesgo de pecar contra la razón o el sentido común". Las ideas de Algarotti influyeron tanto en Gluck como en su libretista, Calzabigi. [5] El propio Calzabigi fue un destacado defensor de la reforma, [2] y afirmó: "Si el señor Gluck fue el creador de la música dramática, no la creó de la nada. Yo le proporcioné el material o el caos, si se quiere. Por lo tanto, compartimos el honor de esa creación". [6]
Otras influencias incluyeron al compositor Niccolò Jommelli y su maestro de ballet en Stuttgart, Jean-Georges Noverre . [5] Las Lettres sur la danse (1760) de Noverre exigían un efecto dramático en lugar de una ostentación acrobática; el propio Noverre estaba influenciado por las óperas de Rameau y el estilo actoral de David Garrick . [5] Se cree que la considerable cantidad de ballet en Orfeo ed Euridice se debe a su influencia. El propio Jommelli era conocido por su mezcla de todos los aspectos de la producción: ballet, puesta en escena y público. [7]
Las primeras líneas de arias, coros, etc., se dan en italiano (versión de 1762) y en francés (versión de 1774).
Un coro de ninfas y pastores se unen a Orfeo en torno a la tumba de su esposa Eurídice en un solemne coro de duelo; Orfeo sólo es capaz de pronunciar el nombre de Eurídice (Coro y Orfeo: "Ah, se intorno"/"¡Ah! Dans ce bois"). Orfeo despide a los demás y canta su dolor en el aria "Chiamo il mio ben"/"Objet de mon amour", cuyos tres versos están precedidos por expresivos recitativos. Esta técnica era extremadamente radical en la época y de hecho resultó ser demasiado radical para quienes vinieron después de Gluck: Mozart eligió mantener la unidad del aria. Amore ( Cupido ) aparece, diciéndole a Orfeo que puede ir al Inframundo y regresar con su esposa con la condición de que no la mire hasta que estén de regreso en la tierra (sólo 1774: aria de Amour, "Si les doux accords"). Para animar a Orfeo, Amore le informa que su sufrimiento actual durará poco con el aria "Gli sguardi trattieni"/"Soumis au silence". Orfeo decide emprender la búsqueda. Sólo en la versión de 1774 canta una ariette ("L'espoir renaît dans mon âme") en el estilo italiano más antiguo y vistoso, compuesta originalmente para un entretenimiento ocasional, Il Parnaso confuso (1765), y posteriormente reutilizada en otro, Le feste d'Apollo (1769). [1]
En un paisaje rocoso, las Furias se niegan a admitir a Orfeo en el Inframundo y cantan a Cerbero , su guardián canino ("Chi mai dell'Erebo"/"Quel est l'audacieux"). Cuando Orfeo, acompañado por su lira (representada en la ópera por un arpa ), pide piedad en el aria "Deh placatevi con me"/"Laissez-vous toucher", al principio es interrumpido por los gritos de "¡No!"/"¡Non!" de las Furias, pero finalmente se suavizan con la dulzura de su canto en las arias "Mille pene"/"Ah! La flamme" y "Men tiranne"/"La tendresse", y lo dejan entrar ("Ah, quale incognito affetto"/"Quels chants doux"). En la versión de 1774, la escena termina con la "Danza de las Furias" (n.º 28). [8]
La segunda escena se abre en el Elíseo . El breve ballet de 1762 se convirtió en la "Danza de los espíritus benditos" en cuatro movimientos (con una parte destacada para flauta solista ) en 1774. A esto le sigue (solo en 1774) un solo que celebra la felicidad en la dicha eterna ("Cet asile"), cantado por un espíritu sin nombre o por Eurídice, y repetido por el coro. Orfeo llega y se maravilla ante la pureza del aire en un arioso ("Che puro ciel"/"Quel nouveau ciel"). Pero no encuentra consuelo en la belleza del entorno, ya que Eurídice aún no está con él. Implora a los espíritus que la traigan con él, lo que hacen (Coro: "Torna, o bella"/"Près du tendre objet").
Al salir del Hades , Eurídice está encantada de volver a la tierra, pero Orfeo, recordando la condición relatada por Amore en el acto 1, le suelta la mano y, negándose a mirarla, no le explica nada. Ella no entiende su acción y se lo reprocha, pero él debe sufrir en silencio (Dúo: "Vieni, appaga il tuo consorte"/"Viens, suis un époux"). Eurídice toma esto como una señal de que ya no la ama y se niega a continuar, concluyendo que la muerte sería preferible. Canta su dolor por la supuesta infidelidad de Orfeo en el aria "Che fiero momento"/"Fortune ennemie" (en 1774, hay un breve dúo antes de la repetición). Incapaz de aguantar más, Orfeo se gira y mira a Eurídice; nuevamente, ella muere. Orfeo canta su dolor en la famosa aria "Che farò senza Euridice?"/"J'ai perdu mon Eurydice" ("¿Qué haré sin Eurídice?"/"He perdido a mi Eurídice"). Orfeo decide suicidarse para unirse a Eurídice en el Hades, pero Amore regresa para impedírselo (sólo en 1774: Trío: "Tendre Amour"). En recompensa por el continuo amor de Orfeo, Amore devuelve la vida a Eurídice, y ella y Orfeo se reúnen. Después de un ballet de cuatro movimientos, todos cantan en alabanza de Amore ("Trionfi Amore"). En la versión de 1774, el coro ("L'Amour triomphe") precede al ballet, al que Gluck había añadido tres movimientos adicionales.
La ópera se estrenó en el Burgtheater de Viena el 5 de octubre de 1762, con motivo de las celebraciones del onomástico del emperador Francisco I. La producción fue supervisada por el administrador reformista del teatro, el conde Giacomo Durazzo . La coreografía estuvo a cargo de Gasparo Angiolini y los diseños de escenografía fueron obra de Giovanni Maria Quaglio el Viejo , ambos miembros destacados de sus respectivos campos. El primer Orfeo fue el famoso castrato Gaetano Guadagni . Orfeo fue reestrenado en Viena durante el año siguiente, pero no se representó hasta 1769. Para las representaciones que tuvieron lugar en Londres en 1770, Guadagni cantó el papel de Orfeo, pero poco de la música guardaba relación con el original de Gluck, con JC Bach - "el Bach inglés" - proporcionando la mayor parte de la nueva música. [2] Haydn dirigió una representación de la versión italiana en Eszterháza en 1776.
A principios del siglo XIX, Adolphe Nourrit se hizo particularmente conocido por sus interpretaciones de Orfeo en la Ópera de París. En 1854, Franz Liszt dirigió la obra en Weimar , componiendo un poema sinfónico propio para reemplazar la obertura original de Gluck. [2] Por lo general, durante el siglo XIX y la mayor parte del siglo XX, el papel de Orfeo fue cantado por una contralto femenina , y los intérpretes destacados del papel de esta época incluyen a Dame Clara Butt y Kathleen Ferrier , y las mezzosopranos Rita Gorr , Marilyn Horne , Dame Janet Baker , Susanne Marsee y Risë Stevens (en la Ópera Metropolitana ). [2] Entre los directores, Arturo Toscanini fue un destacado defensor de la ópera. [2] Su transmisión radial de noviembre de 1952 del acto 2 finalmente se lanzó en LP y CD .
En 2017, la Ópera Lírica de Chicago presentó una nueva producción del coreógrafo John Neumeier que fusiona los elementos musicales y de ballet de la ópera y cuenta con el Ballet Joffrey . La producción utiliza la "versión de París" de 1774 (aunque con un final reorganizado), con la parte de Orfeo cantada por un tenor. [9] Los personajes principales se presentan en un entorno moderno con Orfeo como coreógrafo, Eurídice como su bailarina principal y Amour como su asistente. [10] La misma producción fue puesta en escena por la Ópera de Los Ángeles en 2018 y por la Staatsoper de Hamburgo [11] y el Festspielhaus de Baden-Baden en 2019. [12]
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En 1769, para Le feste d'Apollo en Parma , dirigida por el compositor, Gluck transpuso parte del papel de Orfeo para el castrato soprano Giuseppe Millico , manteniendo un libreto en italiano. Después de no haber sido interpretada durante mucho tiempo, esta versión finalmente tuvo su primera reposición moderna el 13 de noviembre de 2014 en el Tage Alter Musik en Herne , con un contratenor en el papel principal. [13]
Gluck revisó la partitura nuevamente para una producción de la Ópera de París que se estrenó el 2 de agosto de 1774 en la segunda Salle du Palais-Royal . Rebautizada como Orfeo y Eurídice , [3] esta versión tenía un libreto en francés de Pierre-Louis Moline , que amplió y tradujo el original de Calzabigi. Gluck compuso música adicional e hizo otros ajustes, como cambiar Orfeo de castrato a tenor alto , o haute-contre , para adaptarse a la convención de la ópera francesa para personajes heroicos (los franceses casi nunca usaban castratos). La ópera ahora tenía más secuencias de ballet, de acuerdo con el gusto de París, incluida la larga "Danza de las Furias", escrita originalmente para el ballet de Gluck Don Juan y la "Danza de los Espíritus Benditos" para flauta y cuerdas. (Hacia 1825, los castrati operísticos prácticamente habían desaparecido y las representaciones de la versión original para castrato se hicieron cada vez más raras. La práctica moderna de aproximarse a los castrati utilizando contratenores como reemplazos se remonta recién a 1950. [2] )
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Entre 1784 y 1859, el diapasón parisino ( tono de concierto ) aumentó de forma constante de 820 a 896 ciclos por segundo, [14] por lo que la versión francesa de Gluck para haute-contre se volvió cada vez más impráctica. [15] Cuando Adolphe Nourrit cantó el papel en la Ópera en 1824, su música fue alterada. [16] Giacomo Meyerbeer sugirió a la mezzosoprano francesa Pauline Viardot que ella interpretara el papel de Orfeo. [17] El compositor Hector Berlioz era un amigo cercano de Viardot y el principal experto en Francia en la música de Gluck. [18] Conocía la partitura del «original italiano, en gran parte olvidado, tan a fondo como la francesa», [15] y aceptó preparar una versión de la ópera –en cuatro actos– con la voz de Viardot en mente: [19] por lo tanto, no se limitó a «regresar a la versión original de contralto , sino que reorganizó y retranspuso la versión de París en tonalidades más adecuadas para una mezzo». [20] En su adaptación, Berlioz utilizó el esquema de tonalidades de la partitura de Viena de 1762, al tiempo que incorporó gran parte de la música adicional de la partitura de París de 1774. Volvió a la versión italiana sólo cuando consideró que era superior, ya sea en términos de música o en términos de drama. También restauró parte de la orquestación más sutil de la versión italiana [21] y se resistió a las propuestas de Viardot y del director del teatro, Léon Carvalho, de modernizar la orquestación. Al final, Camille Saint-Saëns , que actuaba como asistente de Berlioz en el proyecto, hizo algunas de las reescrituras menores que Berlioz se había negado a hacer. [17]
La versión de Berlioz se presentó por primera vez en el Théâtre Lyrique el 18 de noviembre de 1859 con Viardot como Orfeo, Marie Sasse como Eurídice, Marie Ernestine Marimon como L'Amour, Mademoiselle Moreau como L'Ombre y Adolphe Deloffre como director. Los decorados fueron diseñados por Charles-Antoine Cambon y Joseph Thierry, y la coreografía estuvo a cargo de Lucien Petipa . ( Jules Massenet, de diecisiete años, era el timbalero de la orquesta . Durante los ensayos, Berlioz había elogiado al joven intérprete por la precisión de su afinación .) La producción fue un éxito de público y de crítica, llenando la sala todas las noches, y la compañía la representó un total de 138 veces. [22]
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En 1860, la mayoría de los teatros de París habían bajado el tono de concierto al diapasón normal . [24] Esto no era tan bajo como en la época de Gluck: "una comisión había recomendado recientemente que el tono en Francia se redujera de un La de 896 a 870 vibraciones". [25] Aún así, esto aparentemente fue suficiente para que más tarde en el siglo XIX el papel de Orfeo llegara a ser cantado casi con tanta frecuencia por un tenor como por un contralto. [21]
La versión de Berlioz es una de las muchas que combinan las partituras italiana y francesa, aunque es la más influyente y mejor considerada. Desde aproximadamente 1870, las adaptaciones en tres actos de la partitura de Berlioz, traduciéndola de nuevo al italiano y restaurando gran parte de la música de la versión francesa de 1774 que Berlioz había omitido, fueron comunes. Una edición de 1889 para contralto, publicada por Ricordi , se convirtió en la más popular. [21] En ocasiones, el papel de Orfeo incluso se ha transpuesto una octava más abajo para que lo cante un barítono . Dietrich Fischer-Dieskau y Hermann Prey son dos barítonos notables que han interpretado el papel en Alemania. [2] Fischer-Dieskau grabó la ópera varias veces; sus grabaciones aún están disponibles comercialmente.
La ópera fue la primera de Gluck que mostró signos de su ambición de reformar la ópera seria . Las arias y coros independientes dan paso a piezas más cortas unidas para formar unidades estructurales más grandes. Las arias da capo son notables por su ausencia; [2] Gluck en cambio usa la forma estrófica , notablemente en "Chiamo il mio ben così" del primer acto, donde cada verso se interpone con un recitativo dramático , es decir, stromentato , donde la voz está acompañada por parte o toda la orquesta, y la forma rondó , como en el famoso "Che farò senza Euridice?" del tercer acto. También está ausente el tradicional recitativo secco , donde la voz está acompañada solo por el bajo continuo . [2] En general, se ignoran las antiguas convenciones operísticas italianas a favor de dar a la acción un ímpetu dramático. La complejidad de la trama se reduce en gran medida al eliminar las subtramas. Gluck se vio influido por el ejemplo de las tragedias en música francesas , en particular las de Rameau . Al igual que ellas, la ópera contiene una gran cantidad de danzas expresivas, un amplio uso del coro y recitativos acompañados. [2] El coup de théâtre de abrir el drama con un coro que llora a uno de los personajes principales es muy similar al utilizado en Castor et Pollux (1737) de Rameau. [26] Otros elementos no siguen las reformas posteriores de Gluck; por ejemplo, la obertura enérgica y alegre no refleja la acción que está por venir. [2] El papel de Orfeo requiere un actor especialmente dotado, de modo que el estrófico "Chiamo il mio ben così" no se vuelva aburrido, y para que se pueda dar un significado trágico tanto a esta aria como a "Che farò senza Euridice?", ambas basadas en armonías que no son obviamente de naturaleza lúgubre. [27] El primer Orfeo, Gaetano Guadagni, tenía fama de ser un excelente actor que, sin duda, había recibido lecciones del famoso actor shakespeariano David Garrick durante su estancia en Londres . Guadagni, al parecer, también era capaz de proyectar un tono conmovedor y emotivo sin levantar la voz. [27] De hecho, Gluck se enfrentó a críticas por "Che farò senza Euridice?", alegando que no implicaba emociones; respondió señalando la absoluta necesidad de una buena ejecución del aria: "haz el más mínimo cambio, ya sea en el movimiento o en el giro de la expresión, y se convertirá en un saltarello para marionetas". [27]
Las reformas de Gluck, que comenzaron con Orfeo ed Euridice , han tenido una influencia significativa a lo largo de la historia de la ópera. Los ideales de Gluck influyeron en gran medida en las obras populares de Mozart , Wagner y Weber , [28] con la visión de la Gesamtkunstwerk de Wagner especialmente influenciada por la de Gluck. [29] La ópera seria al estilo antiguo y el predominio de cantantes orientados a la ornamentación se volvieron cada vez más impopulares después del éxito de las óperas de Gluck en general y de Orfeo en particular. [2] En Orfeo ed Euridice la orquesta es mucho más predominante que en óperas anteriores, sobre todo en el arioso de Orfeo "Che puro ciel". Aquí la voz se reduce al papel comparativamente menor de declamación de estilo recitativo, mientras que el oboe lleva la melodía principal, apoyado por solos de flauta, violonchelo, fagot y trompa. También hay acompañamiento de cuerdas (tocadas en tresillos) y del continuo en la orquestación más compleja que Gluck jamás escribió. [2]
Gluck realizó una serie de cambios en la orquestación de Orfeo al adaptarlo de la versión original italiana a la versión francesa de 1774. Los cornetas y los chalumeaux son reemplazados por oboes y clarinetes más comunes y modernos , mientras que el papel desempeñado por los trombones disminuye considerablemente, posiblemente debido a la falta de habilidad técnica por parte de los trombonistas franceses. [6] Los cornetas eran instrumentos que se usaban típicamente para la música de iglesia, y los chalumeaux predominaban solo en la música de cámara : tanto los cornetas como los chalumeaux eran impopulares en Francia en 1774. [6] En muchos sentidos, el cambio de chalumeau a oboe corresponde al de castrato a tenor alto. [6] Ni el castrato ni el chalumeau sobrevivieron. [6]
Tanto en la versión italiana como en la francesa, la lira de Orfeo está representada por el arpa, y se cree que fue este uso del instrumento en 1774 lo que introdujo el arpa en las orquestas francesas. [6] Cada verso de la estrófica "Chiamo il mio ben cosi" está acompañado por diferentes instrumentos solistas. En Viena, estos eran flauta, trompas y trompas inglesas , pero en 1774 se le pidió a Gluck que cambiara esta orquestación a la de una sola trompa y dos clarinetes, reemplazando nuevamente los instrumentos poco comunes por otros de uso mucho más extendido. [6] Durante el aria "Chiamo il mio ben cosi" y los recitativos intercalados, Gluck agregó otra orquesta fuera del escenario que consistía en cuerdas y chalumeaux , para proporcionar un efecto de eco. [2]
En el caso de la versión italiana original de 1762, Orfeo ed Euridice, azione teatrale en tres actos, el libreto fue publicado por van Ghelen (Viena, 1762) y la partitura completa por Duchesne (París, 1764). Se pueden encontrar muchas copias manuscritas del siglo XVIII de la partitura completa en bibliotecas, incluidas la Gesellschaft der Musikfreunde de Viena, la Österreichische Nationalbibliothek de Viena, la Bibliothèque Nationale (BNF) de París, la Bibliothèque-Musée de l'Opéra de París y la Biblioteca Británica de Londres. [30] Una edición crítica, editada por Anna Amalie Abert y Ludwig Finscher , se publicó en 1963 como parte de las Sämtliche Werke ("Obras completas") de Bärenreiter . [31]
Para la versión francesa de 1774, Orphée et Eurydice, tragédie opéra in three acts, el libreto fue publicado por Delormel (París, 1774) y la partitura completa por Lemarchand (París, 1774). Una edición crítica, editada por el musicólogo Ludwig Finscher , fue publicada en 1967 como parte de Sämtliche Werke de Bärenreiter . Fragmentos sustanciales de partituras autógrafas se encuentran en la Biblioteca Nacional de París y en la Biblioteca-Museo de la Ópera de París. [32]
Se han realizado numerosas grabaciones de las diferentes versiones, especialmente de la adaptación de Berlioz con un Orfeo femenino. La contralto británica Kathleen Ferrier y la mezzosoprano estadounidense Marilyn Horne fueron intérpretes especialmente notables. [2] En los últimos años, las grabaciones y producciones teatrales de la versión vienesa de la ópera han presentado contratenores en el papel de Orfeo. Los contratenores Derek Lee Ragin , Jochen Kowalski , René Jacobs , James Bowman y Michael Chance han grabado Orfeo ed Euridice . El papel de Orfeo también ha sido interpretado y grabado por tenores e incluso barítonos como Dietrich Fischer-Dieskau , quien ha realizado tres grabaciones del papel. Hasta hace poco, la mayoría de las grabaciones de todas las versiones fueron cortadas o alteradas de alguna manera. [33]
Las grabaciones de la versión francesa para tenor son todavía relativamente raras debido a la falta de haute-contres genuinos : [2] hay una de mediados de la década de 1950 protagonizada por Léopold Simoneau junto a su esposa Pierrette Alarie , y Nicolai Gedda también grabó el papel en 1955. [2] (La versión de Simoneau ha estado disponible en CD, aunque no en la actualidad, pero la grabación de Gedda tuvo su lanzamiento de CD de estreno en 2009). En 2002, el haute-contre Jean-Paul Fouchécourt agregó su versión, mientras que Marc Minkowski sacó una interpretación de instrumentos de época con Richard Croft en el papel principal en 2004. En abril de 2010, finalmente se lanzó una interpretación en concierto grabada en Madrid dos años antes por el tenore di grazia Juan Diego Flórez . También hay un DVD de la producción de la Ópera Australiana de 1993 , dirigida por Stefanos Lazaridis , con el haute-contre australiano David Hobson como Orphée.
En 2018, Erato lanzó una grabación con la partitura interpretada en italiano en el Teatro San Carlo de Nápoles en 1774. El teatro había adaptado la partitura para incluir añadidos de Johann Christian Bach y variaciones para coloratura de soprano. En esta grabación, Philippe Jaroussky canta Orfeo y Amanda Forsythe es Eurídice. [34]
