La tecnología musical es el estudio o el uso de cualquier dispositivo, mecanismo, máquina o herramienta por parte de un músico o compositor para hacer o interpretar música ; componer , anotar , reproducir o grabar canciones o piezas; o para analizar o editar música.
Las primeras aplicaciones conocidas de la tecnología a la música fueron el uso por parte de los pueblos prehistóricos de una herramienta para perforar a mano agujeros en los huesos para hacer flautas simples. [1]
Los antiguos egipcios desarrollaron instrumentos de cuerda, como arpas , liras y laúdes , que requerían fabricar cuerdas delgadas y algún tipo de sistema de clavijas para ajustar el tono de las cuerdas. Los antiguos egipcios también utilizaban instrumentos de viento como los clarinetes dobles e instrumentos de percusión como los platillos .
En la Antigua Grecia , los instrumentos incluían el aulos de doble lengüeta y la lira.
En la Biblia se hace referencia a numerosos instrumentos, incluidos el cornu , la flauta , la lira , el arpa y la gaita . Durante los tiempos bíblicos también se utilizaban el cornu, la flauta , el cuerno, el órgano de tubos , la flauta y la trompeta .
Durante la Edad Media , la notación musical se utilizaba para crear un registro escrito de las notas de melodías de canto llano .
Durante la era de la música del Renacimiento (c. 1400-1600), se inventó la imprenta , lo que permitió la producción en masa de partituras (antes copiadas a mano). Esto ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más amplia.
Durante la época barroca (c. 1600-1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado , lo que condujo a mejoras en los diseños de los órganos de tubos y el clavecín , y al desarrollo de un nuevo instrumento de teclado aproximadamente en 1700, el piano .
En la era clásica , Beethoven añadió nuevos instrumentos a la orquesta como el flautín , el contrafagot , los trombones y la percusión desafinada en su Novena Sinfonía .
Durante la era de la música romántica (c. 1810-1900), una de las formas clave en que el público conoció las nuevas composiciones fue mediante la venta de partituras , que los amantes de la música aficionados interpretaban en casa en su piano u otros instrumentos. En el siglo XIX se incorporaron a la orquesta nuevos instrumentos como saxofones , bombardinos , tubas wagnerianas y cornetas .
A principios del siglo XX, con la invención y popularización del disco de gramófono (comercializado en 1892) y la radiodifusión (que comenzó con carácter comercial hacia 1919-1920), hubo un gran aumento en la escucha de música, y Era más fácil distribuir música a un público más amplio. [1]
El desarrollo de la grabación de sonido tuvo una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La invención de la grabación de sonido también dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica : el estilo Musique concreto de composición electrónica.
La invención de la grabación multipista permitió a las bandas de pop sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.
A principios del siglo XX, se utilizaron tecnologías eléctricas como pastillas electromagnéticas , amplificadores y altavoces para desarrollar nuevos instrumentos eléctricos como el piano eléctrico (1929), la guitarra eléctrica (1931), el órgano electromecánico (1934) y el bajo eléctrico (1935). ). La orquesta del siglo XX adquirió nuevos instrumentos y nuevos sonidos. Algunas piezas de orquesta utilizaban la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico o el Theremin .
La invención del transistor en miniatura en 1947 permitió la creación de una nueva generación de sintetizadores , que se utilizaron por primera vez en la música pop en los años 1960. A diferencia de las tecnologías anteriores de instrumentos de teclado, los teclados de sintetizador no tienen cuerdas, tubos ni púas metálicas. Un teclado sintetizador crea sonidos musicales utilizando circuitos electrónicos o, más tarde, chips y software de computadora . Los sintetizadores se hicieron populares en el mercado de masas a principios de los años 1980.
Con el desarrollo de potentes microchips , en la década de 1980 y décadas posteriores se introdujeron una serie de nuevas tecnologías de música electrónica o digital, incluidas cajas de ritmos y secuenciadores de música . Las tecnologías de música electrónica y digital son cualquier dispositivo, como una computadora, una unidad de efectos electrónicos o software, que utiliza un músico o compositor para ayudar a crear o interpretar música. [2] El término generalmente se refiere al uso de dispositivos electrónicos, hardware y software de computadora que se utilizan en la interpretación , reproducción, composición , grabación y reproducción de sonido, mezcla , análisis y edición de música.
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Los hallazgos de sitios arqueológicos paleolíticos sugieren que los pueblos prehistóricos usaban herramientas de tallado y perforación para crear instrumentos. Los arqueólogos han encontrado flautas paleolíticas talladas en huesos en los que se habían perforado agujeros laterales. Se cree que la flauta Divje Babe , tallada en el fémur de un oso de las cavernas , tiene al menos 40.000 años. De los yacimientos arqueológicos de la civilización del valle del Indo se han recuperado instrumentos como la flauta de siete agujeros y diversos tipos de instrumentos de cuerda , como el Ravanahatha . [3] La India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo: se encuentran referencias a la música clásica india ( marga ) en los Vedas , antiguas escrituras de la tradición hindú . [4] La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y se remonta a entre 7000 y 6600 a.C. [5]
En el Egipto prehistórico , la música y los cánticos se utilizaban habitualmente en la magia y los rituales, y se utilizaban pequeñas conchas como silbatos . [6] : 26–30 La evidencia de instrumentos musicales egipcios se remonta al período predinástico , cuando los cantos funerarios desempeñaban un papel importante en la religión egipcia y estaban acompañados por badajos y posiblemente la flauta . La evidencia más confiable de tecnologías de instrumentos data del Reino Antiguo , cuando se desarrollaron tecnologías para la construcción de arpas, flautas y clarinetes dobles. [7] En el Reino Medio se utilizaron instrumentos de percusión, liras y laúdes . Los antiguos egipcios utilizaban platillos de metal. [8] A principios del siglo XXI, el interés por la música del período faraónico comenzó a crecer, inspirado por las investigaciones de musicólogos extranjeros como Hans Hickmann . A principios del siglo XXI, músicos y musicólogos egipcios dirigidos por el profesor de musicología Khairy El-Malt de la Universidad Helwan de El Cairo habían comenzado a reconstruir instrumentos musicales del Antiguo Egipto, un proyecto que está en curso. [9]
La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler . [10]
Según las Escrituras , Jubal fue padre de arpistas y organistas (Gén. 4:20-21). El arpa estaba entre los principales instrumentos y el favorito de David , y se hace referencia a ella más de cincuenta veces en la Biblia. Se usaba tanto en ceremonias alegres como tristes, y su uso "fue elevado a su máxima perfección bajo David" (1 Sam. 16:23). Lockyer agrega que "fue la dulce música del arpa la que a menudo despojó a Saúl de su melancolía (1 Sam. 16:14–23; 18:10–11). [11] : 46 Cuando los judíos estaban cautivos en Babilonia, los colgaron levantaron sus arpas y se negaron a usarlas mientras estaban en el exilio, siendo anteriormente parte de los instrumentos utilizados en el Templo (1 Reyes 10:12). Otro instrumento de cuerda de la clase del arpa, y uno también usado por los antiguos griegos, era el. La lira era un instrumento similar, que tenía un cuerpo grande en forma de pera, un cuello largo y un diapasón con trastes y tornillos en la cabeza para afinar. Las monedas que exhibían instrumentos musicales, la moneda de la Revuelta de Bar Kojba , fueron emitidas por los judíos durante la Segunda Guerra Mundial. Revuelta contra el Imperio Romano del 132 al 135 d.C. Además de ellos, estaba el salterio , otro instrumento de cuerda al que se hace referencia casi treinta veces en las Escrituras. Según Josefo , tenía doce cuerdas y se tocaba con pluma . con la mano Otro escritor sugirió que era como una guitarra, pero con forma triangular plana y encordada de lado a lado. [11] : 49
Entre los instrumentos de viento utilizados en el período bíblico se encontraban la corneta , la flauta, la trompa, el órgano, la flauta y la trompeta. [11] : 50 También había trompetas de plata y el doble oboe . Werner concluye que, a partir de las medidas tomadas de las trompetas en el Arco de Tito en Roma y de las monedas, "las trompetas tenían un tono muy alto, un cuerpo delgado y un sonido estridente". Añade que en La guerra de los hijos de la luz contra los hijos de la oscuridad , un manual de organización y estrategia militar descubierto entre los Rollos del Mar Muerto , estas trompetas "parecen claramente capaces de regular su tono con bastante precisión, ya que se supone que deben soplar más bien". señales complicadas al unísono." [12] Whitcomb escribe que el par de trompetas de plata fueron fabricadas según la ley mosaica y probablemente estaban entre los trofeos que el emperador Tito trajo a Roma cuando conquistó Jerusalén. Añade que en el Arco elevado al victorioso Tito, "hay un relieve esculpido de estas trompetas, que muestra su forma antigua. (ver foto) [13]
Según Whitcomb, la flauta se usaba comúnmente en ocasiones festivas y de luto. "Incluso el hebreo más pobre se vio obligado a contratar dos flautistas para actuar en el funeral de su esposa". [13] El shofar (el cuerno de un carnero) todavía se usa para propósitos litúrgicos especiales, como los servicios del Año Nuevo judío en las comunidades ortodoxas. Como tal, no se considera un instrumento musical sino un instrumento de simbolismo teológico que intencionalmente se ha mantenido en su carácter primitivo. En la antigüedad se usaba para advertir de peligro, para anunciar la luna nueva o el comienzo del sábado , o para anunciar la muerte de un notable. "En su uso estrictamente ritual, llevaba los gritos de la multitud a Dios", escribe Werner. [14]
Entre los instrumentos de percusión se encontraban campanas , címbalos, sistro , tabret , tambores y panderetas . El tamboril era un pequeño tambor de mano utilizado en ocasiones festivas y considerado un instrumento femenino. En los tiempos modernos fue utilizado a menudo por el Ejército de Salvación. Según la Biblia, cuando los hijos de Israel salieron de Egipto y cruzaron el Mar Rojo , " Miriam tomó un pandero en sus manos; y todas las mujeres salieron tras ella con panderos y con danzas". [11]
En la antigua Grecia , los instrumentos de toda la música se pueden dividir en tres categorías, [15] [ cita breve incompleta ] según cómo se produce el sonido: cuerda, viento y percusión. Entre los instrumentos utilizados en la música de la antigua Grecia se encontraban los siguientes:
En la Eneida , Virgilio hace numerosas referencias a la trompeta. La lira, la kithara, el aulos, el hidraulis (órgano de agua) y la trompeta encontraron su camino en la música de la antigua Roma .
Es posible que los romanos hayan tomado prestado el método griego [19] de notación enquiriádica para grabar su música, si es que utilizaron alguna notación. Cuatro letras (en notación inglesa 'A', 'G', 'F' y 'C') indicaban una serie de cuatro tonos sucesivos. Los signos de ritmo, escritos encima de las letras, indicaban la duración de cada nota. El arte romano representa diversos instrumentos de viento , "metal" , percusión y cuerda . [20] Los instrumentos de estilo romano se encuentran en partes del Imperio donde no se originaron e indican que la música estaba entre los aspectos de la cultura romana que se extendieron por las provincias.
Los instrumentos romanos incluyen:
Varios instrumentos musicales utilizados posteriormente en la música europea medieval fueron influenciados por instrumentos musicales árabes , incluido el rebec (un antepasado del violín ) del rebab y el naker de naqareh . [30] Muchos instrumentos europeos tienen sus raíces en instrumentos orientales anteriores que fueron adoptados del mundo islámico . [31] El rabāb árabe , también conocido como violín con púas, es el instrumento de cuerda frotada más antiguo conocido y el antepasado de todos los instrumentos de arco europeos, incluido el rabe, la lira bizantina y el violín. [32] [33]
Las versiones desplumada y arqueada del rebab existían una al lado de la otra. [34] Los instrumentos de arco se convirtieron en el rabel y los instrumentos pulsados se convirtieron en la gitern . Curt Sachs vinculó este instrumento con la mandola , el kopuz y el gambus , y denominó rabâb a la versión inclinada. [34]
El laúd árabe en la música islámica fue el antepasado directo del laúd europeo. [35] El oud también se cita como precursor de la guitarra moderna . [36] La guitarra tiene sus raíces en el oud de cuatro cuerdas, traído a Iberia por los moros en el siglo VIII. [37] Un antepasado directo de la guitarra moderna es la guitarra morisca (guitarra morisca), que ya se utilizaba en España en 1200. En el siglo XIV, se la conocía simplemente como guitarra. [38]
El origen de los instrumentos musicales automáticos se remonta al siglo IX, cuando los hermanos persas Banū Mūsā inventaron un órgano hidromotor que utilizaba cilindros intercambiables con pasadores, [39] y también una máquina automática para tocar la flauta que utilizaba energía de vapor . [40] [41] Estos fueron los primeros instrumentos musicales mecánicos automatizados. [39] El flautista automático de los hermanos Banu Musa fue el primer dispositivo musical programable , el primer secuenciador de música , [42] y el primer ejemplo de tecnología musical repetitiva, accionado por sistema hidráulico . [43]
En 1206, el ingeniero árabe Al-Jazari inventó una banda de autómatas humanoides programables . [44] Según Charles B. Fowler, los autómatas eran una " banda de robots " que realizaba "más de cincuenta acciones faciales y corporales durante cada selección musical". [45] También fue la primera caja de ritmos programable . Entre los cuatro músicos autómatas , dos eran bateristas. Era una caja de ritmos donde las clavijas ( levas ) chocaban con pequeñas palancas que accionaban la percusión. Se podría hacer que los bateristas tocaran diferentes ritmos y diferentes patrones de batería si se movieran las clavijas. [46]
Durante la era de la música medieval (476 a 1400), las melodías de canto llano utilizadas para las canciones religiosas eran principalmente monofónicas (una sola línea, una melodía sin acompañamiento). En los primeros siglos de la época medieval, estos cantos se enseñaban y difundían por tradición oral ("de oído"). La música medieval más antigua no tenía ningún tipo de sistema de notación para escribir melodías. Mientras Roma intentaba estandarizar los diversos cantos a lo largo de grandes distancias de su imperio, se necesitaba una forma de notación musical para escribir las melodías. Se introdujeron varios signos escritos sobre los textos de los cantos, llamados neumas . En el siglo IX, estaba firmemente establecido como el método principal de notación musical. El siguiente desarrollo en notación musical fueron los neumas elevados , en los que los neumas se colocaban cuidadosamente a diferentes alturas entre sí. Esto permitió a los neumas dar una indicación aproximada del tamaño de un intervalo determinado, así como de su dirección.
Esto rápidamente llevó a que una o dos líneas, cada una de las cuales representaba una nota particular, se colocaran en la música con todos los neumas relacionados con ellas. La línea o líneas actuaron como punto de referencia para ayudar al cantante a determinar qué notas eran más altas o más bajas. Al principio, estas líneas no tenían un significado particular y en su lugar tenían una letra al principio que indicaba qué nota estaba representada. Sin embargo, las líneas que indican el Do central y el Fa una quinta debajo poco a poco se volvieron más comunes. La finalización del pentagrama de cuatro líneas suele atribuirse a Guido d'Arezzo (c. 1000-1050), uno de los teóricos musicales más importantes de la Edad Media. El sistema de notación neumática, incluso en su estado plenamente desarrollado, no definía claramente ningún tipo de ritmo para cantar notas o tocar melodías. El desarrollo de la notación musical hizo que fuera más rápido y fácil enseñar melodías a gente nueva y facilitó la difusión de la música a largas distancias geográficas.
Los instrumentos utilizados para interpretar música medieval incluyen versiones anteriores, menos sofisticadas mecánicamente, de una serie de instrumentos que continúan utilizándose en la década de 2010. Los instrumentos medievales incluyen la flauta, que estaba hecha de madera y podía fabricarse como un instrumento de soplado lateral o de extremo (carecía de las complejas teclas metálicas y las almohadillas herméticas de las flautas metálicas de la década de 2010); la flauta dulce de madera y el instrumento relacionado llamado gemshorn ; y la flauta de pan (un grupo de columnas de aire unidas entre sí). La música medieval utilizaba muchos instrumentos de cuerda pulsada como el laúd, el mandore , la gitern y el salterio . Los dulcémelas , de estructura similar al salterio y la cítara , originalmente se pulsaban, pero en el siglo XIV se golpearon con martillos tras la llegada de una nueva tecnología que hizo posible las cuerdas metálicas.
También se utilizaron cuerdas arqueadas. La lira frotada del Imperio Bizantino fue el primer instrumento de cuerda frotada europeo registrado. El geógrafo persa Ibn Khurradadhbih del siglo IX (m. 911) citó la lira bizantina como un instrumento de arco equivalente al rabāb árabe e instrumento típico de los bizantinos junto con el urghun ( órgano ), shilyani (probablemente un tipo de arpa o lira). ) y el salandj (probablemente una gaita ). [48] La zanfona era un violín mecánico que utilizaba una rueda de madera colofonia unida a una manivela para "arquear" sus cuerdas. Los instrumentos sin caja de resonancia, como el arpa de mandíbula, también eran populares en aquella época. Las primeras versiones del órgano , el violín (o vielle ) y el trombón (llamado sackbut ) existieron en la época medieval.
La era de la música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) vio el desarrollo de muchas tecnologías nuevas que afectaron la interpretación y distribución de canciones y piezas musicales. Alrededor de 1450 se inventó la imprenta , lo que hizo que las partituras impresas fueran mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música escrita se copiaba laboriosamente a mano). La mayor disponibilidad de partituras impresas ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área geográfica más amplia.
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido anteriormente en la época medieval. Los instrumentos de metal del Renacimiento los tocaban tradicionalmente profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se tocaban incluían:
Instrumentos de cuerda incluidos:
Instrumentos de percusión incluidos:
Instrumentos de viento de madera incluidos:
Durante la era musical barroca (ca. 1600-1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado, lo que condujo a mejoras en los diseños de órganos de tubos y clavecines , y al desarrollo de los primeros pianos . Durante el período barroco, los organeros desarrollaron nuevos tipos de tubos y lengüetas que crearon nuevos colores tonales. Los constructores de órganos crearon nuevos registros que imitaban varios instrumentos, como la viola da gamba . El período barroco a menudo se considera la "edad de oro" de la construcción de órganos, ya que prácticamente todos los refinamientos importantes del instrumento alcanzaron su punto máximo. Constructores como Arp Schnitger , Jasper Johannsen, Zacharias Hildebrandt y Gottfried Silbermann construyeron instrumentos que mostraban una artesanía exquisita y un sonido hermoso. Estos órganos presentaban acciones clave mecánicas bien equilibradas, lo que le daba al organista un control preciso sobre el discurso de la flauta. Los órganos de Schnitger presentaban timbres de lengüeta particularmente distintivos y grandes divisiones Pedal y Rückpositiv.
Los constructores de clavecines del sur de los Países Bajos construyeron instrumentos con dos teclados que podían usarse para la transposición . Estos instrumentos flamencos sirvieron de modelo para la construcción de clavecín de la época barroca en otras naciones. En Francia, los teclados dobles se adaptaron para controlar diferentes coros de cuerdas, creando un instrumento musicalmente más flexible (por ejemplo, el manual superior se podía configurar con una parada de laúd silenciosa, mientras que el manual inferior se podía configurar con una parada con múltiples coros de cuerdas). , para un sonido más fuerte). Los instrumentos de la cima de la tradición francesa, de creadores como la familia Blanchet y Pascal Taskin , se encuentran entre los clavecines más admirados y se utilizan con frecuencia como modelos para la construcción de instrumentos modernos. En Inglaterra, las firmas Kirkman y Shudi produjeron sofisticados clavecines de gran potencia y sonoridad. Los constructores alemanes ampliaron el repertorio sonoro del instrumento añadiendo coros de cinco metros , que se sumaban al registro inferior, y coros de dos pies, que se sumaban al registro superior.
El piano fue inventado durante la época barroca por el experto fabricante de clavecines Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padua , Italia, quien fue empleado de Ferdinando de' Medici, Gran Príncipe de Toscana . Cristofori inventó el piano en algún momento antes de 1700. [49] [50] Si bien el clavicordio permitía un control expresivo del volumen, con pulsaciones de teclas más fuertes o más fuertes se creaba un sonido más fuerte (y viceversa) y notas bastante sostenidas, era demasiado silencioso para pianos grandes. actuaciones. El clavicémbalo producía un sonido bastante fuerte, pero ofrecía poco control expresivo sobre cada nota. Presionar una tecla del clavicémbalo con más o menos fuerza no tuvo ningún efecto sobre el volumen del instrumento. El piano ofrecía lo mejor de ambos, combinando sonoridad con control dinámico. El gran éxito de Cristofori fue resolver, sin ningún ejemplo previo, el problema mecánico fundamental del diseño de pianos: el martillo debe golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella (como una tangente permanece en contacto con la cuerda de un clavicordio) porque esto amortiguaría la sonido. Además, el martillo debe volver a su posición de reposo sin rebotar violentamente y debe ser posible repetir la misma nota rápidamente. La acción pianística de Cristofori fue un modelo para los muchos enfoques de las acciones pianísticas que siguieron. Los primeros instrumentos de Cristofori eran mucho más ruidosos y tenían más sostenido que el clavicordio. Aunque el piano se inventó en 1700, el clavicémbalo y el órgano de tubos continuaron utilizándose ampliamente en orquestas y conciertos de música de cámara hasta finales del siglo XVIII. Tomó tiempo para que el nuevo piano ganara popularidad. Sin embargo, en 1800, el piano se utilizaba generalmente en lugar del clavicémbalo (aunque el órgano de tubos seguía utilizándose en la música religiosa, como en las misas).
Aproximadamente desde 1790 en adelante, el piano de la era Mozart experimentó enormes cambios que llevaron a la forma moderna del instrumento. Esta revolución fue una respuesta a la preferencia de compositores y pianistas por un sonido de piano más potente y sostenido, y fue posible gracias a la Revolución Industrial en curso con recursos como alambre de acero de alta calidad para piano para cuerdas y fundición de precisión para la producción de hierro. marcos . Con el tiempo, el rango tonal del piano también aumentó de las cinco octavas de la época de Mozart al rango de más de siete que se encuentra en los pianos modernos. Los primeros avances tecnológicos le debieron mucho a la empresa Broadwood . John Broadwood se unió a otro escocés, Robert Stodart, y a un holandés, Americus Backers , para diseñar un piano con caja de clavicémbalo: el origen del "grand". Lo lograron alrededor de 1777. Rápidamente se ganaron una reputación por el esplendor y el tono poderoso de sus instrumentos, y Broadwood construyó instrumentos que eran progresivamente más grandes, más ruidosos y de construcción más robusta.
Enviaron pianos tanto a Joseph Haydn como a Ludwig van Beethoven , y fueron la primera empresa en construir pianos con un rango de más de cinco octavas: cinco octavas y una quinta (intervalo) durante la década de 1790, seis octavas en 1810 (Beethoven usó el extra notas en sus obras posteriores), y siete octavas en 1820. Los fabricantes vieneses siguieron de manera similar estas tendencias; sin embargo, las dos escuelas utilizaron diferentes acciones de piano: los Broadwoods eran más robustos, los instrumentos vieneses eran más sensibles.
La instrumentación para orquesta de Beethoven añadió flautín , contrafagot y trombones al final triunfal de su Sinfonía n.º 5 . Un flautín y un par de trombones ayudan a generar tormenta y sol en la Sexta . El uso que hizo Beethoven del flautín, el contrafagot, los trombones y la percusión desafinada en su Novena Sinfonía amplió el sonido de la orquesta.
Durante la era de la música romántica (c. 1810 a 1900), una de las formas clave en que el público conocía las nuevas composiciones fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música amateur interpretaban en casa en su piano o en grupos de música de cámara . , como los cuartetos de cuerda . Los saxofones comenzaron a aparecer en algunas partituras de orquesta del siglo XIX. Aunque aparece sólo como instrumento solista en algunas obras, por ejemplo en la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y en las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón se incluye en otras obras, como el Boléro de Ravel , Sergei Prokofiev. Romeo y Julieta Suites 1 y 2 . El bombardino aparece en algunas obras del romanticismo tardío y del siglo XX , generalmente interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluidas Los planetas de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss . La tuba de Wagner , un miembro modificado de la familia de los trompas, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner y en varias otras obras de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 en mi mayor de Anton Bruckner . [51] Las cornetas aparecen en el ballet El lago de los cisnes de Pyotr Ilyich Tchaikovsky , La Mer de Claude Debussy y en varias obras orquestales de Hector Berlioz .
El piano continuó experimentando avances tecnológicos en la era romántica, hasta la década de 1860. En la década de 1820, el centro de innovación en la construcción de pianos se había trasladado a París , donde la firma Pleyel fabricaba los pianos utilizados por Frédéric Chopin y la firma Érard fabricaba los utilizados por Franz Liszt . En 1821, Sébastien Érard inventó la acción de doble escape , que incorporaba una palanca de repetición (también llamada balanceador ) que permitía repetir una nota incluso si la tecla aún no había subido a su posición vertical máxima. Esto facilitó la ejecución rápida de notas repetidas, un recurso musical explotado por Liszt. Cuando el invento se hizo público, revisado por Henri Herz , la acción de doble escape se convirtió gradualmente en estándar en los pianos de cola y todavía se incorpora a todos los pianos de cola producidos actualmente. Otras mejoras del mecanismo incluyeron el uso de revestimientos para martillos de fieltro en lugar de capas de cuero o algodón. El fieltro, introducido por primera vez por Jean-Henri Pape en 1826, era un material más consistente que permitía rangos dinámicos más amplios a medida que aumentaban el peso de los martillos y la tensión de las cuerdas. El pedal sostenuto , inventado en 1844 por Jean-Louis Boisselot y copiado por la firma Steinway en 1874, permitía una gama más amplia de efectos.
Una innovación que ayudó a crear el sonido del piano moderno fue el uso de una estructura de hierro resistente. También llamada "placa", la estructura de hierro se asienta sobre la tapa armónica y sirve como baluarte principal contra la fuerza de tensión de las cuerdas que puede superar las 20 toneladas en un piano de cola moderno. La estructura de hierro fundido de una sola pieza fue patentada en 1825 en Boston por Alpheus Babcock , [52] [ cita breve incompleta ] combinando la placa de pasador de enganche de metal (1821, reivindicada por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y barras resistentes (Thom y Allen, 1820, pero también reclamada por Broadwood y Érard). La mayor integridad estructural de la estructura de hierro permitió el uso de cuerdas más gruesas, tensas y numerosas. En 1834, la firma Webster & Horsfal de Birmingham presentó una forma de cuerda de piano hecha de acero fundido ; según Dolge, era "tan superior al alambre de hierro que la empresa inglesa pronto tuvo el monopolio". [53] [ cita breve incompleta ]
Otros avances importantes incluyeron cambios en la forma de encordar el piano, como el uso de un "coro" de tres cuerdas en lugar de dos para todas las notas excepto las más bajas, y la implementación de una escala con cuerdas excesivas, en la que las cuerdas están colocado en dos planos separados, cada uno con su propia altura de puente . La estructura de acción mecánica del piano vertical fue inventada en Londres, Inglaterra en 1826 por Robert Wornum , y los modelos verticales se convirtieron en el modelo más popular, amplificando también el sonido. [54]
Con la música del siglo XX , hubo un gran aumento en la escucha de música, a medida que la radio ganó popularidad y se utilizaron fonógrafos para reproducir y distribuir música. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática [55] y Musique concrète . La grabación de sonido también tuvo una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock , porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una presentación en vivo.
La orquesta del siglo XX fue mucho más flexible que sus predecesoras. [56] [ cita breve incompleta ] En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn , la orquesta estaba compuesta por un núcleo de instrumentos bastante estándar que rara vez se modificaba. A medida que avanzaba el tiempo, y a medida que el período romántico vio cambios en las modificaciones aceptadas con compositores como Berlioz y Mahler, el siglo XX vio que la instrumentación prácticamente podía ser elegida personalmente por el compositor. Los saxofones se utilizaron en algunas partituras de orquesta del siglo XX, como las Sinfonías n.° 6 y 9 de Vaughan Williams y Belshazzar 's Feast de William Walton , y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En la década de 2000, la orquesta moderna se estandarizó con la instrumentación moderna que incluye una sección de cuerdas , instrumentos de viento de madera , instrumentos de metal , percusión , piano , celeste e incluso, para algunas obras del siglo XX o XXI, instrumentos eléctricos como la guitarra eléctrica, bajo eléctrico y/o instrumentos electrónicos como el Theremin o sintetizador .
La tecnología de la música eléctrica se refiere a instrumentos musicales y dispositivos de grabación que utilizan circuitos eléctricos, que a menudo se combinan con tecnologías mecánicas. Ejemplos de instrumentos musicales eléctricos incluyen el piano eléctrico electromecánico (inventado en 1929), la guitarra eléctrica (inventada en 1931), el órgano Hammond electromecánico (desarrollado en 1934) y el bajo eléctrico (inventado en 1935). Ninguno de estos instrumentos eléctricos produce un sonido que sea audible para el intérprete o el público en un entorno de actuación a menos que estén conectados a amplificadores de instrumentos y gabinetes de altavoces , lo que los hizo sonar lo suficientemente fuertes para que los intérpretes y el público los escuchen. Los amplificadores y altavoces están separados del instrumento en el caso de la guitarra eléctrica (que utiliza un amplificador de guitarra ), el bajo eléctrico (que utiliza un amplificador de bajo ) y algunos órganos eléctricos (que utilizan un altavoz Leslie o gabinete similar) y los pianos eléctricos. Algunos órganos eléctricos y pianos eléctricos incluyen el amplificador y el altavoz dentro de la carcasa principal del instrumento.
Un piano eléctrico es un instrumento musical eléctrico que produce sonidos cuando un intérprete presiona las teclas del teclado musical estilo piano . Al presionar las teclas, los martillos mecánicos golpean cuerdas o púas de metal, lo que genera vibraciones que se convierten en señales eléctricas mediante pastillas magnéticas , que luego se conectan a un amplificador de instrumento y un altavoz para producir un sonido lo suficientemente fuerte para que el intérprete y el público lo escuchen. A diferencia de un sintetizador , el piano eléctrico no es un instrumento electrónico . Más bien, es un instrumento electromecánico. Algunos de los primeros pianos eléctricos usaban trozos de alambre para producir el tono, como un piano tradicional. Los pianos eléctricos más pequeños utilizaban astillas cortas de acero, púas de metal o alambres cortos para producir el tono. Los primeros pianos eléctricos se inventaron a finales de la década de 1920.
Una guitarra eléctrica es una guitarra que utiliza una pastilla para convertir la vibración de sus cuerdas en impulsos eléctricos. La pastilla de guitarra más común utiliza el principio de inducción electromagnética directa . La señal generada por una guitarra eléctrica es demasiado débil para accionar un altavoz , por lo que se amplifica antes de enviarse a un altavoz. La salida de una guitarra eléctrica es una señal eléctrica, y la señal puede alterarse fácilmente mediante circuitos electrónicos para agregar "color" al sonido. A menudo, la señal se modifica utilizando efectos electrónicos como reverberación y distorsión . Inventada en 1931, la guitarra eléctrica se convirtió en una necesidad cuando los guitarristas de jazz buscaban amplificar su sonido en el formato de big band .
El órgano Hammond es un órgano eléctrico , inventado por Laurens Hammond y John M. Hanert [57] y fabricado por primera vez en 1935. Se han producido varios modelos, la mayoría de los cuales utilizan barras de tiro deslizantes para crear una variedad de sonidos. Hasta 1975, los órganos Hammond generaban sonido creando una corriente eléctrica al girar una rueda fónica de metal cerca de una pastilla electromagnética. Se han fabricado alrededor de dos millones de órganos Hammond y se ha descrito como uno de los órganos de mayor éxito. El órgano se usa comúnmente y se asocia con el altavoz Leslie . El órgano fue comercializado y vendido originalmente por Hammond Organ Company a iglesias como una alternativa de menor costo al órgano de tubos impulsado por viento , o en lugar de un piano . Rápidamente se hizo popular entre los directores de bandas de jazz profesionales , quienes descubrieron que el sonido envolvente de un órgano Hammond podía formar pequeñas bandas, como tríos de órgano , que eran menos costosos que pagar a una big band completa .
El bajo eléctrico (o bajo) se inventó en la década de 1930, pero no tuvo éxito comercial ni se utilizó ampliamente hasta la década de 1950. Es un instrumento de cuerda que se toca principalmente con los dedos o el pulgar, punteando, golpeando , haciendo estallar, rasgando, golpeando, golpeando o punteando con una púa , a menudo conocida como púa. El bajo es similar en apariencia y construcción a una guitarra eléctrica, pero con un mástil y una escala más largos, y de cuatro a seis cuerdas o hileras . El bajo eléctrico suele utilizar cuerdas de metal y una pastilla electromagnética que detecta las vibraciones de las cuerdas. Al igual que la guitarra eléctrica, el bajo se conecta a un amplificador y un altavoz para presentaciones en vivo.
La tecnología de música electrónica o digital es cualquier dispositivo, como una computadora , una unidad de efectos electrónicos o software , que utiliza un músico o compositor para ayudar a crear o interpretar música . [2] El término generalmente se refiere al uso de dispositivos electrónicos, hardware y software de computadora que se utilizan en la interpretación , composición , grabación y reproducción de sonido, mezcla , análisis y edición de música. La tecnología de la música electrónica o digital está conectada con la creatividad tanto artística como tecnológica. Los músicos y los expertos en tecnología musical se esfuerzan constantemente por idear nuevas formas de expresión a través de la música y están creando físicamente nuevos dispositivos y software que les permitan hacerlo. Aunque en la década de 2010, el término se usa más comúnmente en referencia a dispositivos electrónicos modernos y software de computadora, como estaciones de trabajo de audio digital y software de grabación de sonido digital Pro Tools , las tecnologías musicales electrónicas y digitales tienen precursores en las tecnologías de música eléctrica de principios del siglo XX. , como el órgano electromecánico Hammond , inventado en 1929. En la década de 2010, el alcance ontológico de la tecnología musical ha aumentado considerablemente y ahora puede ser electrónica, digital, basada en software o incluso puramente conceptual.
Un sintetizador es un instrumento musical electrónico que genera señales eléctricas que se convierten en sonido a través de amplificadores de instrumentos y altavoces o auriculares . Los sintetizadores pueden imitar sonidos existentes (instrumentos, voces, sonidos naturales, etc.) o generar nuevos timbres o sonidos electrónicos que no existían antes. A menudo se tocan con un teclado musical electrónico , pero se pueden controlar mediante una variedad de otros dispositivos de entrada, incluidos secuenciadores de música, controladores de instrumentos , diapasones, sintetizadores de guitarra , controladores de viento y baterías electrónicas . Los sintetizadores sin controladores incorporados suelen denominarse módulos de sonido y se controlan mediante un dispositivo controlador.