El movimiento Arts and Crafts fue una tendencia internacional en las bellas artes y decorativas que se desarrolló primero y más plenamente en las Islas Británicas [1] y posteriormente se extendió por todo el Imperio Británico y al resto de Europa y América. [2]
Iniciado como reacción contra el empobrecimiento percibido de las artes decorativas y las condiciones en las que se producían, [3] el movimiento floreció en Europa y América del Norte entre 1880 y 1920 aproximadamente. Algunos consideran que es la raíz del Estilo Moderno , un Expresión británica de lo que más tarde se denominó movimiento Art Nouveau . [4] Otros consideran que es la encarnación del Art Nouveau en Inglaterra. [5]
Otros consideran que Arte y Oficios se oponen al Art Nouveau. [6] Arts and Crafts de hecho criticó el Art Nouveau por su uso de materiales industriales como el hierro. Y en cuanto a los artistas del Art Nouveau, la utopía del Arts and Crafts era intrínsecamente contradictoria: "el paradójico confinamiento del movimiento Arts & Crafts en una práctica artesanal no estaba en absoluto en sintonía con la evolución del estatus del artista-decorador, pero también con la voluntad democrática de un arte “para el pueblo y por el pueblo” proclamada por William Morris". [7] Por ejemplo, si Henry van de Velde comprende el discurso social de Arts and Crafts, no es un discípulo incondicional del mismo. Y acabará dándole la espalda por considerarlo anacrónico y teñido de quijotismo. [8]
En Japón surgió en la década de 1920 como el movimiento Mingei . Representaba la artesanía tradicional y, a menudo, utilizaba estilos de decoración medievales , románticos o populares . Abogaba por la reforma económica y social y tenía una orientación antiindustrial. [3] [9] Tuvo una fuerte influencia en las artes en Europa hasta que fue desplazado por el modernismo en la década de 1930, [1] y su influencia continuó entre los artesanos, diseñadores y urbanistas mucho después. [10]
El término fue utilizado por primera vez por TJ Cobden-Sanderson en una reunión de la Arts and Crafts Exhibition Society en 1887, [11] aunque los principios y el estilo en los que se basaba se habían estado desarrollando en Inglaterra durante al menos 20 años. Se inspiró en las ideas del historiador Thomas Carlyle , el crítico de arte John Ruskin y el diseñador William Morris . [12] En Escocia, se asocia con figuras clave como Charles Rennie Mackintosh . [13] Los libros de Viollet le Duc sobre la naturaleza y el arte gótico también desempeñan un papel esencial en la estética del movimiento Arts and Crafts.
El movimiento Arts and Crafts surgió del intento de reformar el diseño y la decoración en Gran Bretaña a mediados del siglo XIX. Fue una reacción contra la percepción de una disminución de los estándares que los reformadores asociaban con la maquinaria y la producción fabril. Su crítica se vio agudizada por los elementos que vieron en la Gran Exposición de 1851 , que consideraron excesivamente ornamentados, artificiales y desconocedores de las cualidades de los materiales utilizados. El historiador de arte Nikolaus Pevsner escribe que las exhibiciones mostraron "ignorancia de esa necesidad básica en la creación de patrones, la integridad de la superficie", además de mostrar "vulgaridad en los detalles". [14]
La reforma del diseño comenzó con los organizadores de la exposición Henry Cole (1808–1882), Owen Jones (1809–1874), Matthew Digby Wyatt (1820–1877) y Richard Redgrave (1804–1888), [15] todos los cuales desaprobaron el ornamento excesivo y cosas poco prácticas o mal hechas. [16] Los organizadores fueron "unánimes en su condena de las exhibiciones". [17] Owen Jones, por ejemplo, se quejaba de que "el arquitecto, el tapicero, el manchador de papel, el tejedor, el impresor de percal y el alfarero" producían "novedad sin belleza, o belleza sin inteligencia". [17] De estas críticas a los productos manufacturados surgieron varias publicaciones que establecían lo que los escritores consideraban los principios correctos del diseño. El Informe complementario sobre diseño de Richard Redgrave (1852) analizó los principios del diseño y la ornamentación y abogó por "más lógica en la aplicación de la decoración". [dieciséis]
Siguieron otras obras en una línea similar, como Artes industriales del siglo XIX de Wyatt (1853), Wissenschaft, Industrie und Kunst ( "Ciencia, industria y arte") de Gottfried Semper (1852), Análisis del ornamento de Ralph Wornum . (1856), Manual de diseño de Redgrave (1876) y Gramática del ornamento de Jones (1856). [16] La Gramática del ornamento fue particularmente influyente, se distribuyó generosamente como premio para estudiantes y llegó a tener nueve reimpresiones en 1910. [16]
Jones declaró que el adorno "debe ser secundario a lo decorado", que debe haber "adecuación del adorno a lo adornado" y que los papeles pintados y alfombras no deben tener ningún patrón "que sugiera algo más que un nivel o una llanura". [18] Una tela o papel tapiz en la Gran Exposición podría estar decorado con un motivo natural hecho para que pareciera lo más real posible, mientras que estos escritores defendían motivos naturales planos y simplificados. Redgrave insistió en que el "estilo" exigía una construcción sólida antes que la ornamentación y una conciencia adecuada de la calidad de los materiales utilizados. " La utilidad debe tener prioridad sobre la ornamentación." [19]
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Sin embargo, los reformadores del diseño de mediados del siglo XIX no llegaron tan lejos como los diseñadores del movimiento Arts and Crafts. Estaban más preocupados por la ornamentación que por la construcción, tenían una comprensión incompleta de los métodos de fabricación [19] y no criticaban los métodos industriales como tales. Por el contrario, el movimiento Arts and Crafts fue tanto un movimiento de reforma social como de reforma del diseño, y sus principales practicantes no separaron a ambos.
Algunas de las ideas del movimiento fueron anticipadas por Augustus Pugin (1812-1852), líder del renacimiento arquitectónico gótico . Por ejemplo, defendió la verdad sobre el material, la estructura y la función, al igual que los artistas de Arts and Crafts. [20] Pugin articuló la tendencia de los críticos sociales a comparar los defectos de la sociedad moderna con los de la Edad Media, [21] como el crecimiento descontrolado de las ciudades y el trato a los pobres, una tendencia que se volvió rutinaria con Ruskin, Morris y el movimiento de Artes y Oficios. Su libro Contrastes (1836) presentó ejemplos de malos edificios y urbanismo modernos en contraste con buenos ejemplos medievales, y su biógrafa Rosemary Hill señala que "llegó a conclusiones, casi de pasada, sobre la importancia de la artesanía y la tradición en la arquitectura que "Tomaremos el resto del siglo y los esfuerzos combinados de Ruskin y Morris para resolverlo en detalle". Ella describe los muebles extra que especificó para un edificio en 1841, "sillas de junco, mesas de roble", como "el interior de Arts and Crafts en embrión". [21]
La filosofía Arts and Crafts se derivó en gran medida de la crítica social de John Ruskin , profundamente influenciada por el trabajo de Thomas Carlyle . [22] Ruskin relacionó la salud moral y social de una nación con las cualidades de su arquitectura y con la naturaleza de su trabajo. Ruskin consideraba que el tipo de producción mecanizada y división del trabajo que se había creado en la revolución industrial era "trabajo servil", y pensaba que una sociedad sana y moral requería trabajadores independientes que diseñaran las cosas que fabricaban. Creía que los trabajos fabricados en fábrica eran "deshonestos" y que el trabajo manual y la artesanía fusionaban dignidad con trabajo. [23]
En el aspecto artístico, Ruskin fue influenciado por su contemporánea Viollet le Duc, a quien enseñó a todos sus alumnos. En una carta a uno de sus alumnos, Ruskin escribe: "Sólo hay un libro de valor y es el Diccionario de Viollet le Duc. Todo el mundo debería aprender francés". Y según algunos, la influencia de Ruskin en Arts and Crafts fue suplantada en 1860 por la de Viollet le Duc. [24]
Sus seguidores preferían la producción artesanal a la industrial y estaban preocupados por la pérdida de habilidades tradicionales, pero estaban más preocupados por los efectos del sistema fabril que por la maquinaria en sí. [25] La idea de William Morris de "artesanía" era esencialmente trabajo sin ninguna división del trabajo en lugar de trabajo sin ningún tipo de maquinaria. [26]
William Morris (1834-1896) fue la figura destacada del diseño de finales del siglo XIX y la principal influencia en el movimiento Arts and Crafts. La visión estética y social del movimiento surgió de ideas que desarrolló en la década de 1850 con el Birmingham Set (un grupo de estudiantes de la Universidad de Oxford entre los que se encontraba Edward Burne-Jones , que combinaba el amor por la literatura romántica con un compromiso con la sociedad). reforma. [27] John William Mackail señala que " el pasado y el presente de Carlyle estuvieron junto a los pintores modernos [de Ruskin] como una verdad inspirada y absoluta". [28] El medievalismo de la Muerte de Arturo de Malory estableció el estándar para su estilo temprano. [29] En palabras de Burne-Jones, tenían la intención de "librar una guerra santa contra la época". [30]
Morris comenzó a experimentar con diversas artesanías y a diseñar muebles e interiores. [32] Estuvo personalmente involucrado tanto en la fabricación como en el diseño, [32] que fue el sello distintivo del movimiento Arts and Crafts. Ruskin había argumentado que la separación del acto intelectual de diseño del acto manual de creación física era social y estéticamente dañina. Morris desarrolló aún más esta idea, insistiendo en que ningún trabajo debería realizarse en sus talleres antes de haber dominado personalmente las técnicas y materiales apropiados, argumentando que "sin una ocupación humana digna y creativa, la gente se desconectaba de la vida". [32]
En 1861, Morris comenzó a fabricar muebles y objetos decorativos comercialmente, modelando sus diseños en estilos medievales y utilizando formas atrevidas y colores fuertes. Sus patrones se basaban en la flora y la fauna, y sus productos se inspiraban en las tradiciones vernáculas o domésticas de la campiña británica. Algunas se dejaron deliberadamente sin terminar para mostrar la belleza de los materiales y el trabajo del artesano, creando así una apariencia rústica. Morris se esforzó por unir todas las artes dentro de la decoración del hogar, enfatizando la naturaleza y la simplicidad de las formas. [33]
William Morris compartió la crítica de Ruskin a la sociedad industrial y en un momento u otro atacó la fábrica moderna, el uso de maquinaria, la división del trabajo, el capitalismo y la pérdida de los métodos artesanales tradicionales. Pero su actitud hacia la maquinaria fue inconsistente. En un momento dijo que la producción con maquinaria era "completamente un mal", [14] pero en otras ocasiones estaba dispuesto a encargar trabajos a fabricantes que eran capaces de cumplir con sus estándares con la ayuda de máquinas. [35] Morris dijo que en una "verdadera sociedad", donde no se fabricaban ni lujos ni basura barata, la maquinaria podría mejorarse y utilizarse para reducir las horas de trabajo. [36] Fiona MacCarthy dice que "a diferencia de fanáticos posteriores como Gandhi , William Morris no tenía objeciones prácticas al uso de maquinaria per se siempre que las máquinas produjeran la calidad que necesitaba". [37]
Morris insistió en que el artista debería ser un artesano-diseñador que trabajara a mano [14] y abogó por una sociedad de artesanos libres, tal como él creía que había existido durante la Edad Media. "Debido a que los artesanos disfrutaban de su trabajo", escribió, "la Edad Media fue un período de grandeza en el arte de la gente común... Los tesoros de nuestros museos ahora son sólo los utensilios comunes utilizados en los hogares de esa época". , cuando cientos de iglesias medievales, cada una de ellas una obra maestra, fueron construidas por campesinos poco sofisticados." [38] El arte medieval fue el modelo para gran parte del diseño de Artes y Oficios, y el movimiento idealizó la vida, la literatura y la construcción medievales.
Los seguidores de Morris también tenían puntos de vista diferentes sobre la maquinaria y el sistema fabril. Por ejemplo, C. R. Ashbee , una figura central del movimiento Arts and Crafts, dijo en 1888 que "no rechazamos la máquina, la damos la bienvenida. Pero desearíamos verla dominada". [14] [39] Después de enfrentar sin éxito a su Gremio y Escuela de Artesanía contra los métodos modernos de fabricación, reconoció que "la civilización moderna se basa en la maquinaria", [14] pero continuó criticando los efectos nocivos de lo que llamó "mecanismo". ", diciendo que "la producción de ciertas mercancías mecánicas es tan mala para la salud nacional como lo es la producción de caña cultivada por esclavos o de artículos sudados por niños". [40] William Arthur Smith Benson , por otra parte, no tuvo reparos en adaptar el estilo Arts and Crafts a la orfebrería producida en condiciones industriales. (Ver cuadro de cotización).
Morris y sus seguidores creían que la división del trabajo de la que dependía la industria moderna era indeseable, pero hasta qué punto el diseñador debía llevar a cabo cada diseño era un tema de debate y desacuerdo. No todos los artistas de Artes y Oficios llevaron a cabo todas las etapas de la fabricación de bienes, y no fue hasta el siglo XX que eso se volvió esencial para la definición de artesanía. Aunque Morris era famoso por adquirir experiencia práctica en muchos oficios (incluidos el tejido, el teñido, la estampación, la caligrafía y el bordado), no consideraba problemática la separación entre diseñador y ejecutante en su fábrica. Walter Crane, un estrecho colaborador político de Morris, adoptó una visión poco comprensiva de la división del trabajo tanto desde el punto de vista moral como artístico, y defendió firmemente que el diseño y la fabricación deberían venir de la misma mano. Lewis Foreman Day, amigo y contemporáneo de Crane, tan generoso como Crane en su admiración por Morris, no estaba de acuerdo con Crane. Pensaba que la separación entre diseño y ejecución no sólo era inevitable en el mundo moderno, sino también que sólo ese tipo de especialización permitía lo mejor en diseño y lo mejor en fabricación. [41]
Pocos de los fundadores de la Arts and Crafts Exhibition Society insistieron en que el diseñador debería ser también el creador. Peter Floud, escribiendo en la década de 1950, dijo que "Los fundadores de la Sociedad... nunca ejecutaron sus propios diseños, sino que invariablemente los entregaron a empresas comerciales". [42] La idea de que el diseñador debe ser el creador y el creador el diseñador deriva "no de Morris o de las primeras enseñanzas de Arts and Crafts, sino más bien de la doctrina de elaboración de segunda generación elaborada en la primera década del siglo [XX] por hombres como WR Lethaby ". [42]
Muchos de los diseñadores del movimiento Arts and Crafts eran socialistas, incluidos Morris, TJ Cobden Sanderson , Walter Crane , CR Ashbee , Philip Webb , Charles Faulkner y AH Mackmurdo . [43] A principios de la década de 1880, Morris dedicaba más tiempo a promover el socialismo que a diseñar y fabricar. [44] Ashbee estableció una comunidad de artesanos llamada Guild of Handicraft en el este de Londres, y luego se mudó a Chipping Campden . [11] Aquellos seguidores que no eran socialistas, como Alfred Hoare Powell , [25] abogaban por una relación más humana y personal entre empleador y empleado. Lewis Foreman Day fue otro diseñador de Arts and Crafts exitoso e influyente que no era socialista, a pesar de su larga amistad con Crane.
En Gran Bretaña, el movimiento se asoció con la reforma de la vestimenta , [45] el ruralismo , el movimiento de la ciudad jardín [10] y el resurgimiento de las canciones populares . Todos estaban vinculados, en algún grado, por el ideal de "la Vida Simple". [46] En Europa continental, el movimiento se asoció con la preservación de las tradiciones nacionales en la construcción, las artes aplicadas, el diseño doméstico y el vestuario. [47]
Los diseños de Morris rápidamente se hicieron populares y atrajeron el interés cuando el trabajo de su empresa se exhibió en la Exposición Internacional de 1862 en Londres. Gran parte de este trabajo está directamente inspirado en el Diccionario de Viollet le Duc. La mayor parte de los primeros trabajos de Morris & Co fueron para iglesias y Morris ganó importantes encargos de diseño de interiores en el Palacio de St James y el Museo de South Kensington (ahora el Museo de Victoria y Alberto). Más tarde, su trabajo se hizo popular entre las clases media y alta, a pesar de su deseo de crear un arte democrático, y a finales del siglo XIX, el diseño Arts and Crafts en casas e interiores domésticos era el estilo dominante en Gran Bretaña, copiado en productos fabricados. mediante métodos industriales convencionales.
La difusión de las ideas de Arts and Crafts a finales del siglo XIX y principios del XX resultó en el establecimiento de muchas asociaciones y comunidades artesanales, aunque Morris tuvo poco que ver con ellas debido a su preocupación por el socialismo en ese momento. En Gran Bretaña se formaron ciento treinta organizaciones de Artes y Oficios, la mayoría entre 1895 y 1905. [48]
En 1881, Eglantyne Louisa Jebb , Mary Fraser Tytler y otros iniciaron la Home Arts and Industries Association para alentar a las clases trabajadoras, especialmente a las de las zonas rurales, a dedicarse a la artesanía bajo supervisión, sin fines de lucro, sino para proporcionarles conocimientos útiles. ocupaciones y mejorar su gusto. En 1889 tenía 450 clases, 1.000 profesores y 5.000 estudiantes. [49]
En 1882, el arquitecto AHMackmurdo formó Century Guild , una asociación de diseñadores que incluía a Selwyn Image , Herbert Horne , Clement Heaton y Benjamin Creswick . [50] [51]
En 1884, cinco jóvenes arquitectos, William Lethaby , Edward Prior , Ernest Newton , Mervyn Macartney y Gerald C. Horsley , fundaron el Art Workers Guild , con el objetivo de reunir las bellas artes y las artes aplicadas y elevar el estatus de estas últimas. Fue dirigida originalmente por George Blackall Simonds . En 1890, el Gremio tenía 150 miembros, lo que representaba el número cada vez mayor de practicantes del estilo Arts and Crafts. [52] Todavía existe.
Los grandes almacenes londinenses Liberty & Co. , fundados en 1875, eran un destacado minorista de productos del estilo y de la " vestimenta artística " favorecidos por los seguidores del movimiento Arts and Crafts.
En 1887 se formó la Arts and Crafts Exhibition Society , que dio nombre al movimiento, con Walter Crane como presidente, realizando su primera exposición en la New Gallery de Londres, en noviembre de 1888. [53] Fue la primera muestra de arte contemporáneo. artes decorativas en Londres desde la exposición de invierno de 1881 de la Grosvenor Gallery . [54] Morris & Co. estuvo bien representada en la exposición con muebles, telas, alfombras y bordados. Edward Burne-Jones observó: "aquí por primera vez se puede medir un poco el cambio que ha ocurrido en los últimos veinte años". [55] La sociedad todavía existe como Sociedad de Artesanos Diseñadores. [56]
En 1888, CR Ashbee , uno de los principales practicantes tardíos de este estilo en Inglaterra, fundó el Guild and School of Handicraft en el East End de Londres. El gremio era una cooperativa artesanal inspirada en los gremios medievales y tenía como objetivo brindar a los trabajadores satisfacción con su artesanía. Artesanos cualificados, trabajando según los principios de Ruskin y Morris, producirían productos artesanales y gestionarían una escuela para aprendices. La idea fue recibida con entusiasmo por casi todos excepto Morris, que ya estaba involucrado en la promoción del socialismo y pensaba que el plan de Ashbee era trivial. De 1888 a 1902 el gremio prosperó y empleó a unos 50 hombres. En 1902, Ashbee trasladó el gremio fuera de Londres para comenzar una comunidad experimental en Chipping Campden, en los Cotswolds . El trabajo del gremio se caracteriza por superficies lisas de plata martillada, alambres fluidos y piedras de colores en engastes sencillos. Ashbee diseñó joyas y vajillas de plata. El gremio floreció en Chipping Camden pero no prosperó y fue liquidado en 1908. Algunos artesanos se quedaron, contribuyendo a la tradición de la artesanía moderna en la zona. [20] [57] [58]
CFA Voysey (1857-1941) fue un arquitecto de artes y oficios que también diseñó telas, azulejos, cerámica, muebles y orfebrería. Su estilo combinaba la sencillez con la sofisticación. Sus papeles pintados y textiles, que presentan formas estilizadas de pájaros y plantas en contornos llamativos y colores planos, se utilizaron ampliamente. [20]
El pensamiento de Morris influyó en el distributismo de GK Chesterton y Hilaire Belloc . [59]
A finales del siglo XIX, los ideales de Artes y Oficios habían influido en la arquitectura, la pintura, la escultura, los gráficos, la ilustración, la librería y la fotografía, el diseño doméstico y las artes decorativas, incluidos muebles y carpintería, vidrieras, [60] marroquinería, encajes. , bordado, fabricación y tejido de alfombras, joyería y orfebrería, esmaltado y cerámica. [61] En 1910, había una moda para las "Artes y Oficios" y todo lo hecho a mano. Hubo una proliferación de artesanías de aficionados de calidad variable [62] y de imitadores incompetentes que hicieron que el público considerara Arts and Crafts como "algo menos, en lugar de más, competente y adecuado para su propósito que un artículo ordinario producido en masa". [63]
La Sociedad de Exposiciones de Artes y Oficios celebró once exposiciones entre 1888 y 1916. Cuando estalló la guerra en 1914 estaba en declive y se enfrentaba a una crisis. Su exposición de 1912 había sido un fracaso financiero. [64] Mientras que los diseñadores de Europa continental estaban innovando en el diseño y estableciendo alianzas con la industria a través de iniciativas como la Deutsche Werkbund y en Gran Bretaña los Talleres Omega y la Asociación de Diseño en Industrias, la Sociedad de Exposiciones de Artes y Oficios estaban adoptando nuevas iniciativas , ahora bajo el control de una vieja guardia, se estaba retirando del comercio y la colaboración con los fabricantes hacia el trabajo manual purista y lo que Tania Harrod describe como "desmercantilización" [64] . Su rechazo de un papel comercial ha sido visto como un punto de inflexión en su suerte. [64] Nikolaus Pevsner en su libro Pioneros del diseño moderno presenta el movimiento Arts and Crafts como radicales del diseño que influyeron en el movimiento moderno, pero no lograron cambiar y finalmente fueron reemplazados por él. [14]
El artista alfarero británico Bernard Leach trajo a Inglaterra muchas ideas que había desarrollado en Japón con el crítico social Yanagi Soetsu sobre el valor moral y social de las artesanías sencillas; ambos eran lectores entusiastas de Ruskin. Leach fue un propagandista activo de estas ideas, que tocaron la fibra sensible de los profesionales de la artesanía en los años de entreguerras, y las expuso en A Potter's Book , publicado en 1940, que denunciaba la sociedad industrial en términos tan vehementes como los de Ruskin. y Morris. Así, la filosofía Arts and Crafts se perpetuó entre los artesanos británicos en las décadas de 1950 y 1960, mucho después de la desaparición del movimiento Arts and Crafts y durante el apogeo del modernismo. Los muebles utilitarios británicos de la década de 1940 también se derivaron de los principios de Arts and Crafts. [sesenta y cinco]
Uno de sus principales promotores, Gordon Russell , presidente del Utility Furniture Design Panel, estaba imbuido de ideas de Arts and Crafts. Fabricó muebles en Cotswold Hills, una región de fabricación de muebles Arts and Crafts desde Ashbee, y fue miembro de la Arts and Crafts Exhibition Society. La biógrafa de William Morris, Fiona MacCarthy , detectó la filosofía Arts and Crafts incluso detrás del Festival of Britain (1951), el trabajo del diseñador Terence Conran (1931-2020) [10] y la fundación del British Crafts Council en los años 1970. [66]
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Los inicios del movimiento Arts and Crafts en Escocia se produjeron en el renacimiento de las vidrieras de la década de 1850, iniciado por James Ballantine (1806-1877). Sus obras más importantes incluyeron la gran ventana occidental de la Abadía de Dunfermline y el diseño de la Catedral de St. Giles , Edimburgo. En Glasgow fue iniciado por Daniel Cottier (1838-1891), quien probablemente había estudiado con Ballantine y fue influenciado directamente por William Morris , Ford Madox Brown y John Ruskin . Sus obras clave incluyeron el Bautismo de Cristo en Paisley Abbey , (c. 1880). Entre sus seguidores se encontraban Stephen Adam y su hijo del mismo nombre. [67]
El diseñador y teórico nacido en Glasgow Christopher Dresser (1834-1904) fue uno de los primeros y más importantes diseñadores independientes, una figura fundamental del movimiento estético y un importante contribuyente al movimiento aliado anglojaponés . [68] El movimiento tuvo un "florecimiento extraordinario" en Escocia, donde estuvo representado por el desarrollo del ' Estilo de Glasgow ' que se basó en el talento de la Escuela de Arte de Glasgow . El renacimiento celta se afianzó aquí y se popularizaron motivos como la rosa de Glasgow. Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) y la Escuela de Arte de Glasgow influirían en otros en todo el mundo. [1] [61]
La situación en Gales era diferente a la del resto del Reino Unido. En lo que respecta a la artesanía, Arts and Crafts fue una campaña revitalizadora . Pero en Gales, al menos hasta la Primera Guerra Mundial , todavía existía una auténtica tradición artesanal. Los materiales locales, piedra o arcilla, siguieron utilizándose de forma natural. [69]
Escocia se hizo conocida en el movimiento Arts and Crafts por sus vidrieras; Gales se haría conocida por su cerámica. A mediados del siglo XIX, los pesados esmaltes de sal utilizados durante generaciones por los artesanos locales habían pasado de moda, sobre todo porque las cerámicas producidas en masa rebajaban los precios. Pero el Movimiento de Artes y Oficios aportó una nueva apreciación a su trabajo. Horace W Elliot, un galerista inglés, visitó Ewenny Pottery (que data del siglo XVII) en 1885, para encontrar piezas locales y fomentar un estilo compatible con el movimiento. [70] Las piezas que trajo a Londres durante los siguientes veinte años revivieron el interés por el trabajo de cerámica galesa.
Un promotor clave del movimiento Arts and Crafts en Gales fue Owen Morgan Edwards . Edwards fue un político reformista dedicado a renovar el orgullo galés exponiendo a su gente a su propia lengua e historia. Para Edwards, "No hay nada que Gales requiera más que una educación en artes y oficios". [71] – aunque Edwards estaba más inclinado a resucitar el nacionalismo galés que a admirar los esmaltes o la integridad rústica. [72]
En arquitectura, Clough Williams-Ellis buscó renovar el interés por la construcción antigua, reviviendo la construcción de "tierra apisonada" o pisé [73] en Gran Bretaña.
El movimiento se extendió a Irlanda, representando un momento importante para el desarrollo cultural de la nación, una contraparte visual del resurgimiento literario de la misma época [74] y fue una publicación del nacionalismo irlandés. El uso de vidrieras en Artes y Oficios era popular en Irlanda, siendo Harry Clarke el artista más conocido y también Evie Hone . La arquitectura del estilo está representada por la Capilla Honan (1916) en la ciudad de Cork en los terrenos del University College Cork . [75] Otros arquitectos que ejercieron en Irlanda incluyeron a Sir Edwin Lutyens (Heywood House en Co. Laois, Lambay Island y Irish National War Memorial Gardens en Dublín) y Frederick 'Pa' Hicks ( edificios inmobiliarios del castillo de Malahide y torre redonda). Los motivos celtas irlandeses eran populares entre el movimiento en platería, diseño de alfombras, ilustraciones de libros y muebles tallados a mano.
En Europa continental, el resurgimiento y la preservación de los estilos nacionales fue un motivo importante para los diseñadores de Arts and Crafts; por ejemplo, en Alemania, tras la unificación en 1871 impulsada por el Bund für Heimatschutz (1897) [76] y la Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk fundada en 1898 por Karl Schmidt; y en Hungría, Károly Kós revivió el estilo vernáculo de la construcción de Transilvania . En Europa central, donde varias nacionalidades diversas vivían bajo imperios poderosos (Alemania, Austria-Hungría y Rusia), el descubrimiento de la lengua vernácula se asoció con la afirmación del orgullo nacional y la lucha por la independencia y, mientras que para los practicantes de artes y oficios en En Gran Bretaña el estilo ideal se encontraba en la época medieval, en Europa central se buscaba en los pueblos campesinos remotos. [77]
Ampliamente exhibido en Europa, la simplicidad del estilo Arts and Crafts inspiró a diseñadores como Henry van de Velde y estilos como el Art Nouveau , el grupo holandés De Stijl , la Secesión de Viena y, finalmente, el estilo Bauhaus . Pevsner consideró este estilo como un preludio del Modernismo , que utilizaba formas simples sin ornamentación. [14]
La primera actividad de Artes y Oficios en Europa continental tuvo lugar en Bélgica alrededor de 1890, donde el estilo inglés inspiró a artistas y arquitectos como Henry Van de Velde , Gabriel Van Dievoet , Gustave Serrurier-Bovy y un grupo conocido como La Libre Esthétique (Estética Libre). ).
Los productos Arts and Crafts fueron admirados en Austria y Alemania a principios del siglo XX y, bajo su inspiración, el diseño avanzó rápidamente mientras se estancaba en Gran Bretaña. [78] La Wiener Werkstätte , fundada en 1903 por Josef Hoffmann y Koloman Moser , fue influenciada por los principios de Arts and Crafts de la "unidad de las artes" y lo hecho a mano. La Deutscher Werkbund (Asociación Alemana de Artesanos) se formó en 1907 como una asociación de artistas, arquitectos, diseñadores e industriales para mejorar la competitividad global de las empresas alemanas y se convirtió en un elemento importante en el desarrollo de la arquitectura moderna y el diseño industrial a través de su defensa. de producción estandarizada. Sin embargo, sus principales miembros, van de Velde y Hermann Muthesius , tenían opiniones encontradas sobre la estandarización. Muthesius creía que era esencial que Alemania se convirtiera en una nación líder en comercio y cultura. Van de Velde, que representaba una actitud más tradicional de Arts and Crafts, creía que los artistas siempre "protestarían contra la imposición de órdenes o estandarización" y que "el artista... nunca, por su propia voluntad, se someterá a una disciplina que le impone un canon o un tipo." [79]
En Finlandia, Herman Gesellius , Armas Lindgren y Eliel Saarinen , [1] diseñaron una colonia de artistas idealistas en Helsinki , quienes trabajaron en el estilo romántico nacional , similar al renacimiento gótico británico .
En Hungría , bajo la influencia de Ruskin y Morris, un grupo de artistas y arquitectos, entre ellos Károly Kós , Aladár Körösfői-Kriesch y Ede Toroczkai Wigand, descubrieron el arte popular y la arquitectura vernácula de Transilvania . Muchos de los edificios de Kós, incluidos los del zoológico de Budapest y la finca Wekerle en la misma ciudad, muestran esta influencia. [80]
En Rusia, Viktor Hartmann , Viktor Vasnetsov , Yelena Polenova y otros artistas asociados con la Colonia Abramtsevo intentaron revivir la calidad de las artes decorativas medievales rusas de forma bastante independiente del movimiento en Gran Bretaña.
En Islandia, el trabajo de Sölvi Helgason muestra la influencia de Arts and Crafts.
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En los Estados Unidos, el estilo Arts and Crafts inició una variedad de intentos de reinterpretar los ideales europeos de Arts and Crafts para los estadounidenses. Estos incluían la arquitectura, los muebles y otras artes decorativas de estilo "Craftsman", como los diseños promovidos por Gustav Stickley en su revista, The Craftsman y los diseños producidos en el campus de Roycroft, tal como se publicitan en The Fra de Elbert Hubbard . Ambos hombres utilizaron sus revistas como vehículo para promocionar los productos producidos en el taller Craftsman en Eastwood, Nueva York y en el campus Roycroft de Elbert Hubbard en East Aurora, Nueva York . Una gran cantidad de imitadores de los muebles de Stickley (cuyos diseños a menudo se denominan erróneamente " Estilo Misión ") incluían tres empresas establecidas por sus hermanos.
Los términos American Craftsman o estilo Craftsman se utilizan a menudo para denotar el estilo de arquitectura, diseño de interiores y artes decorativas que prevaleció entre las épocas dominantes del Art Nouveau y el Art Déco en los EE. UU., o aproximadamente el período comprendido entre 1910 y 1925. El movimiento fue particularmente notable por las oportunidades profesionales que abrió para mujeres como artesanas, diseñadoras y empresarias que fundaron y dirigieron, o fueron empleadas, empresas exitosas como Kalo Shops , Pewabic Pottery , Rookwood Pottery y Tiffany Studios . En Canadá predomina el término Arts and Crafts , pero también se reconoce Craftsman . [81]
Mientras los europeos intentaban recrear las artesanías virtuosas que estaban siendo reemplazadas por la industrialización, los estadounidenses intentaron establecer un nuevo tipo de virtud para reemplazar la producción artesanal heroica: hogares de clase media bien decorados. Afirmaron que la estética simple pero refinada de las artes decorativas Arts and Crafts ennoblecería la nueva experiencia del consumismo industrial, haciendo a los individuos más racionales y a la sociedad más armoniosa. El movimiento American Arts and Crafts fue la contraparte estética de su filosofía política contemporánea, el progresismo . Característicamente, cuando la Sociedad de Artes y Oficios comenzó en octubre de 1897 en Chicago, fue en Hull House , una de las primeras casas de asentamiento estadounidenses para la reforma social. [81]
Los ideales de artes y oficios difundidos en Estados Unidos a través de revistas y periódicos se complementaron con sociedades que patrocinaban conferencias. [81] El primero se organizó en Boston a finales de la década de 1890, cuando un grupo de arquitectos, diseñadores y educadores influyentes decidieron traer a Estados Unidos las reformas del diseño iniciadas en Gran Bretaña por William Morris; se reunieron para organizar una exposición de objetos artesanales contemporáneos. La primera reunión se celebró el 4 de enero de 1897 en el Museo de Bellas Artes (MFA) de Boston para organizar una exposición de artesanía contemporánea. Cuando los artesanos, consumidores y fabricantes se dieron cuenta del potencial estético y técnico de las artes aplicadas, comenzó el proceso de reforma del diseño en Boston. En esta reunión estuvieron presentes el general Charles Loring, presidente del consejo de administración del Ministerio de Relaciones Exteriores; William Sturgis Bigelow y Denman Ross , coleccionistas, escritores y fideicomisarios del MFA; Ross Turner, pintor; Sylvester Baxter , crítico de arte del Boston Transcript ; Howard Baker, AW Longfellow Jr .; y Ralph Clipson Sturgis, arquitecto.
La primera Exposición Estadounidense de Artes y Oficios comenzó el 5 de abril de 1897 en Copley Hall, Boston, con más de 1000 objetos fabricados por 160 artesanos, la mitad de los cuales eran mujeres. [82] Algunos de los defensores de la exposición fueron Langford Warren, fundador de la Escuela de Arquitectura de Harvard; Sra. Richard Morris Hunt; Arthur Astor Carey y Edwin Mead, reformadores sociales; y Will H. Bradley , diseñador gráfico. El éxito de esta exposición resultó en la incorporación de la Sociedad de Artes y Oficios (SAC), el 28 de junio de 1897, con el mandato de "desarrollar y fomentar estándares más altos en la artesanía". Los 21 fundadores afirmaron estar interesados en algo más que las ventas y enfatizaron el estímulo a los artistas para que produzcan obras con la mejor calidad de mano de obra y diseño. Este mandato pronto se amplió hasta convertirse en un credo, posiblemente escrito por el primer presidente del SAC, Charles Eliot Norton , que decía:
Esta Sociedad fue constituida con el propósito de promover el trabajo artístico en todas las ramas de la artesanía. Espera lograr que diseñadores y trabajadores establezcan relaciones de ayuda mutua y alentar a los trabajadores a ejecutar sus propios diseños. Se esfuerza por estimular en los trabajadores la apreciación de la dignidad y el valor del buen diseño; para contrarrestar la impaciencia popular ante la Ley y la Forma, y el deseo de excesiva ornamentación y originalidad engañosa. Insistirá en la necesidad de sobriedad y moderación, o disposición ordenada, de la debida consideración por la relación entre la forma de un objeto y su uso, y de armonía y adecuación en la decoración que se le ponga. [83]
Construida en 1913-14 por el arquitecto de Boston J. Williams Beal en las montañas Ossipee de New Hampshire , la finca en la cima de la montaña de Tom y Olive Plant , Castle in the Clouds , también conocida como Lucknow , es un excelente ejemplo del estilo American Craftsman en Nueva Inglaterra. [84]
También fueron influyentes la comunidad Roycroft iniciada por Elbert Hubbard en Buffalo y East Aurora, Nueva York , Joseph Marbella, comunidades utópicas como Byrdcliffe Colony en Woodstock, Nueva York y Rose Valley, Pensilvania , desarrollos como Mountain Lakes, Nueva Jersey , que presentaban grupos de bungalows y castillos construidos por Herbert J. Hapgood y el estilo artesanal de estudio contemporáneo. Cerámica de estudio : ejemplificada por Grueby Faience Company , Newcomb Pottery en Nueva Orleans , Marblehead Pottery, Teco Pottery , Overbeck and Rookwood Pottery y Mary Chase Perry Stratton 's Pewabic Pottery en Detroit , la compañía Van Briggle Pottery en Colorado Springs, Colorado , como así como los azulejos artísticos hechos por Ernest A. Batchelder en Pasadena, California , y los muebles idiosincrásicos de Charles Rohlfs demuestran la influencia de Arts and Crafts.
La " Escuela Prairie " de Frank Lloyd Wright , George Washington Maher y otros arquitectos de Chicago, el movimiento Country Day School , el estilo bungalow y el último estilo de casas bungalow popularizado por Greene y Greene , Julia Morgan y Bernard Maybeck son algunos ejemplos de el estilo arquitectónico American Arts and Crafts y American Craftsman . Los ejemplos restaurados y protegidos por monumentos todavía están presentes en Estados Unidos, especialmente en California, en Berkeley y Pasadena , y las secciones de otras ciudades desarrolladas originalmente durante la época y que no experimentaron una renovación urbana de posguerra. Mission Revival , Prairie School y los estilos de construcción residencial ' bungalow de California ' siguen siendo populares en los Estados Unidos en la actualidad.
Como teóricos, educadores y artistas prolíficos en medios que van desde el grabado hasta la cerámica y el pastel, dos de las figuras más influyentes fueron Arthur Wesley Dow (1857-1922) en la costa este y Pedro Joseph de Lemos (1882-1954) en California. Dow, que enseñó en la Universidad de Columbia y fundó la Escuela de Arte de Verano de Ipswich, publicó en 1899 su histórica Composición , que destiló en un enfoque claramente estadounidense la esencia de la composición japonesa, combinando en una amalgama decorativa armoniosa tres elementos: simplicidad de línea, " notan" (el equilibrio de las áreas claras y oscuras) y la simetría del color. [85]
Su propósito era crear objetos finamente elaborados y bellamente representados. Su alumno de Lemos, quien llegó a ser director del Instituto de Arte de San Francisco , director del Museo y Galería de Arte de la Universidad de Stanford y editor en jefe de la revista School Arts , amplió y revisó sustancialmente las ideas de Dow en más de 150 monografías y artículos para escuelas de arte en Estados Unidos y Gran Bretaña. [86] Entre sus muchas enseñanzas poco ortodoxas estaba su creencia de que los productos manufacturados podían expresar "la belleza sublime" y que una gran visión se podía encontrar en las "formas de diseño" abstractas de las civilizaciones precolombinas.
El Museo del Movimiento Americano de Artes y Oficios en San Petersburgo, Florida , abrió sus puertas en 2021. [87] [88]
En Japón, Yanagi Sōetsu , creador del movimiento Mingei que promovió el arte popular a partir de la década de 1920, fue influenciado por los escritos de Morris y Ruskin. [38] Al igual que el movimiento Arts and Crafts en Europa, Mingei buscó preservar las artesanías tradicionales frente a la modernización de la industria.
Muchos de los líderes del movimiento Arts and Crafts se formaron como arquitectos (por ejemplo, William Morris, AH Mackmurdo, CR Ashbee, WR Lethaby) y fue en la construcción donde el movimiento tuvo su influencia más visible y duradera.
La Casa Roja , en Bexleyheath , Londres, diseñada para Morris en 1859 por el arquitecto Philip Webb , ejemplifica el estilo temprano Arts and Crafts, con sus formas sólidas y bien proporcionadas, amplios porches, techo empinado, arcos apuntados en las ventanas, chimeneas de ladrillo y accesorios de madera. Webb rechazó el clásico y otros renacimientos de estilos históricos basados en grandes edificios, y basó su diseño en la arquitectura vernácula británica , expresando la textura de materiales comunes, como piedra y tejas, con una composición de edificio asimétrica y pintoresca. [20]
El suburbio londinense de Bedford Park , construido principalmente en las décadas de 1880 y 1890, tiene alrededor de 360 casas de estilo Arts and Crafts y alguna vez fue famoso por sus residentes estéticos . Se construyeron varias casas de beneficencia en estilo Arts and Crafts, por ejemplo, Whiteley Village , Surrey, construida entre 1914 y 1917, con más de 280 edificios, y Dyers Almshouses , Sussex, construida entre 1939 y 1971. Letchworth Garden City , el primer jardín ciudad, se inspiró en los ideales de Artes y Oficios. [10]
Las primeras casas fueron diseñadas por Barry Parker y Raymond Unwin en el estilo vernáculo popularizado por el movimiento y la ciudad se asoció con la altivez y la vida sencilla. El taller de fabricación de sandalias creado por Edward Carpenter se trasladó de Yorkshire a Letchworth Garden City y la burla de George Orwell sobre "todo bebedor de zumos de frutas, nudista, usuario de sandalias, maníaco sexual, cuáquero, curandero de 'Nature Cure', curandero, pacifista , y feminista en Inglaterra" se ha hecho famoso asistir a una conferencia socialista en Letchworth. [89]
Gertrude Jekyll aplicó los principios de Arts and Crafts al diseño de jardines. Trabajó con el arquitecto inglés Sir Edwin Lutyens , para cuyos proyectos creó numerosos paisajes, y quien diseñó su casa Munstead Wood , cerca de Godalming en Surrey. [90] Jekyll creó los jardines de Bishopsbarns , [91] la casa del arquitecto neoyorquino Walter Brierley , exponente del movimiento Arts and Crafts y conocido como los "Lutyens del Norte". [92] El jardín del proyecto final de Brierley, Goddards en York, fue obra de George Dillistone, un jardinero que trabajó con Lutyens y Jekyll en Castle Drogo . [93] En Goddards, el jardín incorporó una serie de características que reflejaban el estilo artístico y artesanal de la casa, como el uso de setos y bordes herbáceos para dividir el jardín en una serie de habitaciones al aire libre. [94]
Otro jardín de Arts and Crafts notable es el Hidcote Manor Garden , diseñado por Lawrence Johnston , que también se distribuye en una serie de salas al aire libre y donde, como Goddards, el paisajismo se vuelve menos formal a medida que se aleja de la casa. [95] Otros ejemplos de jardines de artes y oficios incluyen los jardines Hestercombe , Lytes Cary Manor y los jardines de algunos de los ejemplos arquitectónicos de edificios de artes y oficios (enumerados anteriormente).
Las ideas de Morris fueron adoptadas por el Movimiento de Nueva Educación a finales de la década de 1880, que incorporó la enseñanza de la artesanía en las escuelas de Abbotsholme (1889) y Bedales (1892), y su influencia se ha observado en los experimentos sociales de Dartington Hall a mediados del siglo XX. . [66]
Los profesionales de Artes y Oficios en Gran Bretaña criticaron el sistema gubernamental de educación artística basado en el diseño en abstracto con poca enseñanza de oficios prácticos. Esta falta de formación artesanal también causó preocupación en los círculos industriales y oficiales, y en 1884 una Comisión Real (aceptando el consejo de William Morris) recomendó que la educación artística debería prestar más atención a la adecuación del diseño al material en el que iba a realizarse. ejecutado. [96] La primera escuela en hacer este cambio fue la Escuela de Artes y Oficios de Birmingham , que "lideró el camino en la introducción del diseño ejecutado en la enseñanza del arte y el diseño a nivel nacional (trabajando en el material para el cual estaba destinado el diseño en lugar de diseñar en papel). En su informe de examinador externo de 1889, Walter Crane elogió a la Escuela de Arte de Birmingham porque "consideraba el diseño en relación con los materiales y el uso". " [ 97] Bajo la dirección de Edward Taylor, su director de 1877 a 1903 , y con la ayuda de Henry Payne y Joseph Southall , la Escuela de Birmingham se convirtió en un importante centro de artes y oficios. [98]
Otras escuelas de la autoridad local también comenzaron a introducir una enseñanza más práctica de la artesanía, y en la década de 1890 los miembros del Art Workers Guild estaban difundiendo los ideales de Artes y Oficios en las escuelas de arte de todo el país. Los miembros del Gremio ocuparon puestos influyentes: Walter Crane fue director de la Escuela de Arte de Manchester y posteriormente del Royal College of Art ; FM Simpson, Robert Anning Bell y CJAllen fueron respectivamente profesores de arquitectura, instructores de pintura y diseño e instructores de escultura en la Escuela de Arte de Liverpool ; Robert Catterson-Smith, director de la Escuela de Arte de Birmingham de 1902 a 1920, también fue miembro del AWG; WR Lethaby y George Frampton fueron inspectores y asesores de la junta de educación del Consejo del Condado de Londres (LCC) y en 1896, en gran parte como resultado de su trabajo, la LCC creó la Escuela Central de Artes y Oficios y los nombró codirectores. [99] Hasta la formación de la Bauhaus en Alemania, la Escuela Central era considerada la escuela de arte más progresista de Europa. [100] Poco después de su fundación, el consejo municipal local creó la Escuela de Artes y Oficios de Camberwell siguiendo las líneas de Artes y Oficios.
Como director del Royal College of Art en 1898, Crane intentó reformarlo siguiendo líneas más prácticas, pero renunció después de un año, derrotado por la burocracia de la Junta de Educación , que luego nombró a Augustus Spencer para implementar su plan. Spencer contrató a Lethaby para dirigir su escuela de diseño y a varios miembros del Art Workers' Guild como profesores. [99] Diez años después de la reforma, una comisión de investigación revisó la RCA y encontró que todavía no estaba capacitando adecuadamente a los estudiantes para la industria. [101]
En el debate que siguió a la publicación del informe del comité, CRAshbee publicó un ensayo muy crítico, ¿ Deberíamos dejar de enseñar arte ?, en el que pedía que el sistema de educación artística fuera completamente desmantelado y que los oficios se aprendieran en escuelas subvencionadas por el estado. talleres en su lugar. [102] Lewis Foreman Day , una figura importante en el movimiento Arts and Crafts, adoptó una visión diferente en su informe disidente al comité de investigación, argumentando a favor de un mayor énfasis en los principios del diseño frente a la creciente ortodoxia de enseñar diseño mediante el trabajo directo en materiales. Sin embargo, el espíritu de Arts and Crafts impregnó profundamente las escuelas de arte británicas y persistió, en opinión del historiador de la educación artística, Stuart MacDonald, hasta después de la Segunda Guerra Mundial. [99]
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