Hayao Miyazaki (宮崎 駿o宮﨑 駿, Miyazaki Hayao , [mijaꜜzaki hajao] ; nacido el 5 de enero de 1941) es un animador, cineasta y dibujante de manga japonés . Fundador de Studio Ghibli , ha alcanzado reconocimiento internacional como narrador magistral y creador de largometrajes de animación japoneses , y es ampliamente considerado como uno de los cineastas más consumados en la historia de la animación .
Nacido en la ciudad de Tokio , Miyazaki expresó su interés por el manga y la animación desde temprana edad. Se unió a Toei Animation en 1963, trabajando como artista intermedio y animador clave en películas como Los viajes de Gulliver más allá de la Luna (1965), El gato con botas (1969) y La isla del tesoro (1971), antes de mudarse a A-Pro en 1971, donde codirigió Lupin the Third Part I (1971-1972) junto a Isao Takahata . Después de mudarse a Zuiyō Eizō (más tarde Nippon Animation ) en 1973, Miyazaki trabajó como animador en World Masterpiece Theater y dirigió la serie de televisión Future Boy Conan (1978). Se unió a Tokyo Movie Shinsha en 1979 para dirigir su primer largometraje El castillo de Cagliostro (1979) y la serie de televisión Sherlock Hound (1984-1985). Escribió e ilustró el manga Nausicaä del Valle del Viento (1982-1994) y dirigió la adaptación cinematográfica de 1984 producida por Topcraft .
Miyazaki cofundó Studio Ghibli en 1985, escribiendo y dirigiendo películas como Laputa: El castillo en el cielo (1986), Mi vecino Totoro (1988), Kiki: Entregas a domicilio (1989) y Porco Rosso (1992), que obtuvieron un gran éxito de crítica y público en Japón. La princesa Mononoke (1997) de Miyazaki fue la primera película de animación en ganar el Premio de la Academia Japonesa a la Película del Año y se convirtió brevemente en la película más taquillera de Japón ; su distribución occidental aumentó la popularidad e influencia mundial de Ghibli. El viaje de Chihiro (2001) se convirtió en la película más taquillera de Japón y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación ; con frecuencia se la clasifica entre las mejores películas del siglo XXI. Las películas posteriores de Miyazaki ( El castillo ambulante (2004), Ponyo (2008) y El viento se levanta (2013)) también disfrutaron de un gran éxito comercial y de crítica. Se retiró del cine en 2013, pero luego regresó para hacer El niño y la garza (2023), que ganó el premio Oscar a la mejor película de animación.
Las obras de Miyazaki son frecuentemente objeto de análisis académico y se han caracterizado por la recurrencia de temas como la relación de la humanidad con la naturaleza y la tecnología, la importancia del arte y la artesanía, y la dificultad de mantener una ética pacifista en un mundo violento. Sus protagonistas son a menudo niñas o mujeres jóvenes fuertes, y varias de sus películas presentan antagonistas moralmente ambiguos con cualidades redentoras. Las obras de Miyazaki han sido muy elogiadas y premiadas ; fue nombrado Persona de Mérito Cultural por sus destacadas contribuciones culturales en 2012, y recibió el Premio Honorífico de la Academia por su impacto en la animación y el cine en 2014. Miyazaki ha sido citado con frecuencia como inspiración para numerosos animadores, directores y escritores.
Hayao Miyazaki nació el 5 de enero de 1941 en la ciudad de Akebono-cho en Hongō , Ciudad de Tokio , Imperio de Japón , el segundo de cuatro hijos. [1] [2] [3] [a] Su padre, Katsuji Miyazaki (nacido en 1915), [1] fue el director de Miyazaki Airplane , la compañía de su hermano, [5] que fabricó timones para aviones de combate durante la Segunda Guerra Mundial . [4] El negocio permitió que su familia siguiera siendo adinerada durante la vida temprana de Miyazaki. [6] [b] El padre de Miyazaki disfrutaba comprando pinturas y mostrándoselas a los invitados, pero por lo demás tenía poco conocimiento artístico conocido. [3] Estuvo en el Ejército Imperial Japonés alrededor de 1940, fue dado de baja y dio una conferencia sobre deslealtad después de declarar a su comandante que no deseaba luchar debido a su esposa y su hijo pequeño. [8] Según Miyazaki, su padre le contaba a menudo sus hazañas, afirmando que siguió asistiendo a clubes nocturnos después de cumplir 70 años. [9] Katsuji Miyazaki murió el 18 de marzo de 1993. [10] Después de su muerte, Miyazaki sintió que a menudo había mirado a su padre de forma negativa y que nunca había dicho nada "elevado o inspirador". [9] Lamentaba no haber tenido una discusión seria con su padre, y sentía que había heredado sus "sentimientos anarquistas y su falta de preocupación por aceptar las contradicciones". [9]
Algunos de los primeros recuerdos de Miyazaki son de "ciudades bombardeadas". [13] En 1944, cuando tenía tres años, la familia de Miyazaki fue evacuada a Utsunomiya . [4] Después del bombardeo de Utsunomiya en julio de 1945, él y su familia fueron evacuados a Kanuma . [6] El bombardeo dejó una impresión duradera en Miyazaki, que entonces tenía cuatro años. [6] Cuando era niño, Miyazaki sufrió problemas digestivos y le dijeron que no viviría más allá de los 20 años, lo que lo hizo sentir como un paria ; [11] [14] se consideraba "torpe y débil", protegido en la escuela por su hermano mayor. [15] De 1947 a 1955, la madre de Miyazaki, Yoshiko, sufrió tuberculosis espinal ; pasó los primeros años en el hospital antes de ser cuidada desde casa, [4] lo que obligó a Miyazaki y sus hermanos a hacerse cargo de las tareas domésticas. [16] Yoshiko era frugal, [3] y se la describía como una mujer intelectual estricta que cuestionaba regularmente las "normas socialmente aceptadas". [5] Era la más cercana a Miyazaki y tuvo una fuerte influencia en él y en su obra posterior. [3] [c] Yoshiko Miyazaki murió en julio de 1983 a la edad de 72 años. [20] [21]
Miyazaki comenzó la escuela como evacuado en 1947, [4] en una escuela primaria en Utsunomiya, completando los grados primero a tercero. [22] Después de que su familia se mudó de regreso a Suginami-ku en 1950, [22] [15] Miyazaki completó el cuarto grado en la Escuela Primaria Ōmiya y el quinto grado en la Escuela Primaria Eifuku, que se estableció recientemente después de separarse de la Escuela Primaria Ōmiya. Después de graduarse de Eifuku como parte de la primera clase de graduados, [22] asistió a la Escuela Secundaria Ōmiya. [23] Aspiraba a convertirse en un artista de manga, [24] pero descubrió que no podía dibujar personas; en cambio, dibujó aviones, tanques y acorazados durante varios años. [24] Miyazaki fue influenciado por varios artistas de manga, como Tetsuji Fukushima , Soji Yamakawa y Osamu Tezuka . Miyazaki destruyó gran parte de su obra temprana, creyendo que era "de mala educación" copiar el estilo de Tezuka, ya que obstaculizaba su propio desarrollo como artista. [25] [26] [27] Prefería ver a artistas como Tezuka como compañeros artistas en lugar de ídolos a los que adorar. [26] En esta época, Miyazaki solía ver películas con su padre, que era un ávido cinéfilo; entre las películas memorables para Miyazaki se incluyen Meshi (1951) y Tasogare Sakaba (1955). [28]
Después de graduarse de la secundaria Ōmiya, Miyazaki asistió a la preparatoria Toyotama. [28] Durante su tercer y último año, el interés de Miyazaki por la animación fue despertado por Panda y la serpiente mágica (1958), [29] el primer largometraje animado en color de Japón; [28] se había escapado para ver la película en lugar de estudiar para sus exámenes de ingreso . [3] Miyazaki contó más tarde que, al enamorarse de su heroína, la película lo conmovió hasta las lágrimas y dejó una profunda impresión, lo que lo impulsó a crear un trabajo fiel a sus propios sentimientos en lugar de imitar las tendencias populares; [30] [31] escribió que el "mundo puro y sincero" de la película promovía un lado de él que "anhelaba desesperadamente afirmar el mundo en lugar de negarlo". [31] Después de graduarse de Toyotama, Miyazaki asistió a la Universidad Gakushuin en el departamento de economía política , especializándose en teoría industrial japonesa; [28] Se consideraba un estudiante pobre, ya que en cambio se centró en el arte. [29] Se unió al "Club de Investigación de Literatura Infantil", "lo más parecido en ese entonces a un club de cómics"; [32] A veces era el único miembro del club. [28] En su tiempo libre, Miyazaki visitaba a su profesor de arte de la escuela secundaria y dibujaba en su estudio, donde los dos bebían y "hablaban de política, la vida, todo tipo de cosas". [33] En esta época, también dibujó manga; nunca completó ninguna historia, pero acumuló miles de páginas de los comienzos de las historias. También se acercó con frecuencia a los editores de manga para alquilar sus historias. En 1960, Miyazaki fue un espectador durante las protestas de Anpo , habiendo desarrollado un interés después de ver fotografías en Asahi Graph ; en ese momento, era demasiado tarde para participar en las manifestaciones. [28] Miyazaki se graduó de Gakushuin en 1963 con títulos en ciencias políticas y economía. [32]
En 1963, Miyazaki fue empleado en Toei Doga ; [34] [32] este fue el último año en que la compañía contrató regularmente. [37] Comenzó a alquilar un apartamento de cuatro tatamis y medio (7,4 m2 ; 80 pies cuadrados) en Nerima , Tokio, cerca del estudio de Toei; el alquiler era de ¥6,000 , [37] [34] mientras que su salario en Toei era de ¥19,500 . [37] [d] Miyazaki trabajó como artista intermedio en los largometrajes teatrales Doggie March (1963) y Gulliver's Travels Beyond the Moon (1965) y el anime televisivo Wolf Boy Ken (1963). [38] Sus cambios propuestos para el final de Gulliver's Travels Beyond the Moon fueron aceptados por su director; no fue acreditado pero su trabajo fue elogiado. [39] Miyazaki encontró que el arte intermedio no le satisfacía y quería trabajar en diseños más expresivos. [40] Fue líder en una disputa laboral poco después de su llegada a Toei, y se convirtió en secretario jefe de su sindicato en 1964; [34] su vicepresidente fue Isao Takahata , con quien Miyazaki formaría una colaboración y amistad de por vida. [40] [36] En esa época, Miyazaki cuestionó su elección de carrera y consideró abandonar la industria; una proyección de La reina de las nieves en 1964 lo conmovió, lo que lo impulsó a continuar trabajando "con renovada determinación". [41]
Durante la producción de la serie de anime Shōnen Ninja Kaze no Fujimaru (1964-1965), Miyazaki pasó del arte intermedio a la animación clave, [42] y trabajó en este último papel en dos episodios de Sally the Witch (1966-1968) y varios de Hustle Punch (1965-1966) y Rainbow Sentai Robin (1966-1967). [43] [44] [45] Preocupado por que las oportunidades de trabajar en proyectos creativos y largometrajes se volverían escasas tras el aumento de la televisión animada, Miyazaki se ofreció como voluntario en 1964 para trabajar en la película La gran aventura de Horus, príncipe del sol (1968); [46] [45] fue animador jefe, artista conceptual y diseñador de escena, [47] y fue acreditado como "diseñador de escena" para reflejar su papel. [48] En la película, trabajó en estrecha colaboración con su mentor, Yasuo Ōtsuka , cuyo enfoque de la animación influyó profundamente en el trabajo de Miyazaki. [47] Dirigida por Takahata, la película fue muy elogiada y considerada una obra fundamental en la evolución de la animación, [49] [50] [51] aunque su estreno limitado y su promoción mínima llevaron a un resultado de taquilla decepcionante, [48] entre los peores de Toei Animation, que amenazó al estudio financieramente. [52] Miyazaki se mudó a una residencia en Higashimurayama después de su boda en octubre de 1965, [53] a Ōizumigakuenchō después del nacimiento de su segundo hijo en abril de 1969, [54] y a Tokorozawa en 1970. [54]
Miyazaki proporcionó la animación clave para El maravilloso mundo del Gato con Botas (1969), dirigida por Kimio Yabuki . [55] Creó una serie de manga de 12 capítulos como un vínculo promocional para la película; la serie se publicó en la edición dominical de Tokyo Shimbun de enero a marzo de 1969. [56] [57] Más tarde, Miyazaki propuso escenas en el guion de Flying Phantom Ship (1969) en las que los tanques militares causarían histeria masiva en el centro de Tokio, y fue contratado para hacer el guion gráfico y animar las escenas. [58] Iniciando un cambio hacia producciones de ritmo lento con protagonistas mayoritariamente femeninas, [59] proporcionó animación clave para Moomin (1969), dos episodios de Himitsu no Akko-chan (1969-1970), [60] [55] y un episodio de Sarutobi Ecchan (1971), y fue organizador y animador clave de Ali Baba and the Forty Thieves (1971). [61] Bajo el seudónimo de Akitsu Saburō (秋津 三朗) , Miyazaki escribió e ilustró el manga People of the Desert , publicado en 26 entregas entre septiembre de 1969 y marzo de 1970 en Boys and Girls Newspaper (少年少女新聞, Shōnen shōjo shinbun ) . [54] Fue influenciado por historias ilustradas como El malvado señor del desierto de Fukushima (沙漠の魔王, Sabaku no maō ) . [62] En 1971, Miyazaki desarrolló la estructura, los personajes y los diseños para la adaptación de La isla del tesoro de Hiroshi Ikeda , [56] [57] [63] proporcionando la animación clave y el desarrollo del guion. [64] Creó la adaptación del manga de 13 partes, impresa en Tokyo Shimbun de enero a marzo de 1971. [56] [57] [63]
Miyazaki dejó Toei Animation en agosto de 1971, [65] insatisfecho por la falta de perspectivas creativas y autonomía, y por los enfrentamientos con la gerencia con respecto a La gran aventura de Horus . [66] Siguió a Takahata y Yōichi Kotabe a A-Pro , [65] donde dirigió, o codirigió con Takahata, 17 de los 23 episodios de Lupin the Third Part I , [61] [67] originalmente pensado como un proyecto cinematográfico. [68] Este fue el debut como director de Miyazaki. [69] Él y Takahata fueron contratados para enfatizar el humor de la serie sobre su violencia. [67] Los dos también comenzaron la preproducción de una serie basada en los libros de Pippi Calzaslargas de Astrid Lindgren , diseñando extensos guiones gráficos; [65] [70] Miyazaki y el presidente de Tokyo Movie Shinsha, Yutaka Fujioka, viajaron a Suecia para asegurar los derechos (el primer viaje de Miyazaki fuera de Japón y posiblemente el primer viaje al extranjero de un animador japonés para una producción) [65] [71] , pero la serie fue cancelada después de que no pudieron reunirse con Lindgren y se les negó el permiso para completar el proyecto. [65] [70] Los viajes al extranjero dejaron una impresión en Miyazaki; [72] [73] utilizando conceptos, guiones, diseño y animación del proyecto, [68] escribió, diseñó y animó dos cortos de Panda! Go, Panda! en 1972 y 1973, con Takahata como director y Ōtsuka como director de animación. [74] [75] Su elección de pandas se inspiró en la locura de los pandas en Japón en ese momento. [72]
Miyazaki dibujó guiones gráficos para el primer episodio de The Gutsy Frog en 1971 (aunque no se usaron), proporcionó animación clave y guiones gráficos para dos episodios de Akado Suzunosuke en 1972, y realizó animación clave para un episodio de Kōya no Shōnen Isamu (dirigido por Takahata) y Samurai Giants en 1973. [76] En 1972, dirigió una película piloto de cinco minutos para la serie de televisión Yuki's Sun ; La serie nunca se produjo, y el piloto cayó en el olvido antes de resurgir como parte de un lanzamiento en Blu-ray de las obras de Miyazaki en 2014. [77] En junio de 1973, Miyazaki y Takahata se mudaron de A-Pro a Zuiyō Eizō, [78] [65] donde trabajaron en World Masterpiece Theater , que presentó su serie de animación Heidi, Girl of the Alps , una adaptación de Heidi de Johanna Spyri . [78] El equipo de producción quería que la serie estableciera nuevas alturas para la animación televisiva, [79] y Miyazaki viajó a Suiza para investigar y hacer bocetos en preparación. [80] Zuiyō Eizō se dividió en dos compañías en julio de 1975; la rama de Miyazaki y Takahata se convirtió en Nippon Animation . [78] [81] Trabajaron brevemente en Dog of Flanders en 1975 antes de pasar a la película de mayor escala 3000 Leagues in Search of Mother (1976), dirigida por Takahata, para la cual Miyazaki viajó a Argentina e Italia como investigación. [65] [60]
En 1977, Miyazaki fue elegido para dirigir su primera serie animada de televisión, Future Boy Conan ; [82] dirigió 24 de los 26 episodios, que se emitieron en 1978. [65] [83] Solo se completaron ocho episodios cuando la serie comenzó a transmitirse; cada episodio se completó en un plazo de diez a catorce días. [82] Una adaptación de La marea increíble de Alexander Key , [84] la serie presenta varios elementos que luego reaparecieron en el trabajo de Miyazaki, como aviones de guerra, aeroplanos y ambientalismo. También trabajaron en la serie Takahata, Ōtsuka y Yoshifumi Kondō , a quien Miyazaki y Takahata habían conocido en A-Pro. [65] [85] [86] Visualmente, Miyazaki se inspiró en Las aventuras de Mr. Wonderbird de Paul Grimault . [87] Miyazaki hizo la animación clave para treinta episodios de la serie de World Masterpiece Theater Rascal the Raccoon (1977) y proporcionó diseño de escena y organización en los primeros quince episodios de Anne of Green Gables de Takahata antes de dejar Nippon Animation en 1979. [88] [83] [89]
Miyazaki se mudó a Tokyo Movie Shinsha para dirigir su primer largometraje de anime, El castillo de Cagliostro (1979), una entrega de la franquicia Lupin III . [90] [91] Ōtsuka se había acercado a él para dirigir la película después del lanzamiento de Lupin 3: El misterio de Mamo (1978), y Miyazaki escribió la historia con Haruya Yamazaki. [92] Deseando insertar su propia creatividad en la franquicia, Miyazaki insertó varios elementos y referencias, inspirados en varias de las novelas de Arsène Lupin de Maurice Leblanc , en las que se basa Lupin III , [93] así como en Las aventuras del Sr. Wonderbird . [94] Visualmente, se inspiró en Ciudades montañosas italianas y el estuario del Tíber de Kagoshima Publishing , [93] lo que refleja su amor por Europa. [94] La producción duró cuatro meses [95] y la película se estrenó el 15 de diciembre de 1979; Miyazaki hubiera deseado poder tener otro mes de producción. [93] Fue bien recibida; [90] Los lectores de Animage la votaron como la mejor animación de todos los tiempos (permaneció entre las diez mejores durante más de quince años) y a Clarisse como la mejor heroína. [96] En 2005, se informó que el vestido de novia de la ex princesa Sayako Kuroda se inspiró en el de Clarisse, ya que era fan de Miyazaki y su trabajo. [97] Varios cineastas japoneses y estadounidenses se inspiraron en la película, lo que provocó homenajes en otras obras. [98]
Miyazaki se convirtió en instructor jefe de animación para los nuevos empleados de Telecom Animation Film , una subsidiaria de Tokyo Movie Shinsha. [99] y posteriormente dirigió dos episodios de Lupin the Third Part II bajo el seudónimo de Teruki Tsutomu (照樹 務) , que puede leerse como "empleado de Telecom". [88] En su papel en Telecom, Miyazaki ayudó a capacitar a la segunda ola de empleados. [84] Miyazaki proporcionó animación clave para un episodio de The New Adventures of Gigantor (1980-1981), [100] y dirigió seis episodios de Sherlock Hound en 1981, [101] hasta que los problemas legales con el patrimonio de Arthur Conan Doyle llevaron a una suspensión de la producción; [102] [103] Miyazaki estaba ocupado con otros proyectos cuando se resolvieron los problemas, y los episodios restantes fueron dirigidos por Kyôsuke Mikuriya y transmitidos desde noviembre de 1984 hasta mayo de 1985. [101] [103] Fue el último trabajo televisivo de Miyazaki. [104] En 1982, Miyazaki, Takahata y Kondō comenzaron a trabajar en una adaptación cinematográfica de Little Nemo , pero Miyazaki y Takahata se fueron después de unos meses debido a enfrentamientos creativos con Fujioka (Kondō permaneció hasta 1985); la película se completó seis años después como Little Nemo: Adventures in Slumberland (1989). [105] [106] Miyazaki pasó algún tiempo en los Estados Unidos durante la producción de la película. [107]
Después del lanzamiento de El castillo de Cagliostro , Miyazaki comenzó a trabajar en sus ideas para una adaptación cinematográfica animada del cómic Rowlf de Richard Corben y presentó la idea a Yutaka Fujioka en Tokyo Movie Shinsha. En noviembre de 1980, se elaboró una propuesta para adquirir los derechos cinematográficos. [108] [109] En esa época, el personal editorial de Animage también se acercó a Miyazaki para una serie de artículos de revista . Los editores Toshio Suzuki y Osamu Kameyama llevaron algunas de sus ideas a la empresa matriz de Animage , Tokuma Shoten , que había estado considerando financiar películas animadas. Se propusieron dos proyectos: Warring States Demon Castle (戦国魔城, Sengoku ma-jō ) , que se ambientaría en el período Sengoku ; y la adaptación de Rowlf de Corben . Ambos fueron rechazados, ya que la empresa no estaba dispuesta a financiar anime que no estuviera basado en manga existente y los derechos de Rowlf no se podían asegurar. [110] [111] Elementos de la propuesta de Miyazaki para Rowlf fueron reciclados en sus obras posteriores. [112]
Sin películas en producción, Miyazaki aceptó desarrollar un manga para la revista, titulado Nausicaä del Valle del Viento ; [113] [114] tenía la intención de dejar de hacer el manga cuando recibió trabajo de animación; aunque tomó algunos descansos en los lanzamientos, [115] el manga finalmente se publicó desde febrero de 1982 hasta marzo de 1994. [116] La apretada agenda de Miyazaki y su mentalidad perfeccionista llevaron a varios retrasos en las publicaciones, y en una ocasión retiró algunos capítulos antes de la publicación; consideró que su publicación continua era una carga para su otro trabajo. [117] La historia, tal como se reimprimió en los volúmenes tankōbon , abarca siete volúmenes para un total combinado de 1.060 páginas. [116] Vendió más de diez millones de copias en sus primeros dos años. [118] Miyazaki dibujó los episodios principalmente a lápiz, y se imprimió monocromático en tinta de tono sepia. [119] [120] [114] El personaje principal, Nausicaä , se inspiró en parte en el personaje de la Odisea de Homero (a quien Miyazaki había descubierto mientras leía el Diccionario de mitos griegos de Bernard Evslin ) y el cuento popular japonés La dama que amaba los insectos , mientras que el mundo y el ecosistema se basaron en las lecturas de Miyazaki de escritos científicos, históricos y políticos, como Los orígenes del cultivo de plantas y la agricultura de Sasuke Nakao , El mundo de Jomon de Eiichi Fujimori y Hitler se muda al este de Paul Carell . [121] [122] También se inspiró en la serie de cómics Arzach de Jean Giraud , a quien conoció mientras trabajaba en el manga. [123] [e]
En 1982, Miyazaki colaboró con la animación clave para una serie inédita de Zorro y para el largometraje Space Adventure Cobra: The Movie . [101] [103] Renunció a Telecom Animation Film en noviembre. [126] En esta época, escribió la novela gráfica The Journey of Shuna , inspirada en el cuento popular tibetano "El príncipe que se convirtió en perro". La novela fue publicada por Tokuma Shoten en junio de 1983, [127] dramatizada para su transmisión radial en 1987, [128] y publicada en inglés como Shuna's Journey en 2022. [129] Daydream Data Notes de Hayao Miyazaki también se publicó irregularmente desde noviembre de 1984 hasta octubre de 1994 en Model Graphix ; [130] Se emitieron por radio selecciones de las historias en 1995. [128] Tras la finalización de los dos primeros volúmenes de Nausicaä del Valle del Viento , los editores de Animage sugirieron una adaptación cinematográfica de 15 minutos. Miyazaki, inicialmente reacio, respondió que una animación de una hora sería más adecuada, y Tokuma Shoten estuvo de acuerdo en hacer una película de larga duración. [105] [131] [132]
La producción comenzó el 31 de mayo de 1983, y la animación comenzó en agosto; [131] la financiación se proporcionó a través de una empresa conjunta entre Tokuma Shoten y la agencia de publicidad Hakuhodo , para la que trabajaba el hermano menor de Miyazaki. El estudio de animación Topcraft fue elegido como la casa productora. [105] Miyazaki encontró que parte del personal de Topcraft no era confiable, [133] y trajo a varios de sus colaboradores anteriores, incluido Takahata, quien se desempeñó como productor, [134] [135] aunque se mostró reacio a hacerlo. [136] La preproducción comenzó el 31 de mayo de 1983; Miyazaki encontró dificultades para crear el guion, con solo dieciséis capítulos del manga con los que trabajar. [131] Takahata reclutó al músico experimental y minimalista Joe Hisaishi para componer la banda sonora de la película; [136] posteriormente trabajó en todos los largometrajes de Miyazaki. [137]
Para la película, la imaginación de Miyazaki se despertó por el envenenamiento por mercurio de la bahía de Minamata y cómo la naturaleza respondió y prosperó en un ambiente envenenado, usándolo para crear el mundo contaminado de la película. [138] [139] Para el papel principal de Nausicaä, Miyazaki eligió a Sumi Shimamoto , quien lo había impresionado como Clarisse en El castillo de Cagliostro y Maki en Lupin la tercera parte II . [140] Nausicaä del Valle del Viento se creó en diez meses, [135] y se estrenó el 11 de marzo de 1984. [141] Recaudó ¥1.48 mil millones en taquilla y obtuvo ¥742 millones adicionales en ingresos de distribución. [142] A menudo se considera como el trabajo fundamental de Miyazaki, consolidando su reputación como animador. [143] Fue elogiada por su representación positiva de las mujeres, particularmente de Nausicaä. [144] [145] [146] Varios críticos han etiquetado a Nausicaä del Valle del Viento como poseedora de temas antibélicos y feministas ; Miyazaki argumenta lo contrario, afirmando que solo desea entretener. [147] Sintió que la capacidad de Nausicaä para comprender a su oponente en lugar de simplemente derrotarlo significaba que tenía que ser mujer. [148] La exitosa cooperación en la creación del manga y la película sentó las bases para otros proyectos de colaboración. [149] En abril de 1984, Miyazaki y Takahata crearon un estudio para manejar los derechos de autor de su trabajo, llamándolo Nibariki (que significa "dos caballos de fuerza", el apodo del Citroën 2CV , que conducía Miyazaki), para el cual se consiguió una oficina en Suginami Ward, [105] [150] [151] con Miyazaki como socio principal. [117]
Tras el éxito de Nausicaä del Valle del Viento , [152] Miyazaki y Takahata [f] fundaron la productora de animación Studio Ghibli el 15 de junio de 1985, como filial de Tokuma Shoten, [155] [g] con oficinas en Kichijōji diseñadas por Miyazaki. [157] Miyazaki nombró al estudio en honor al Caproni Ca.309 [158] y la palabra italiana que significa "un viento caliente que sopla en el desierto"; [159] el nombre había sido registrado un año antes. [160] Suzuki trabajó para Studio Ghibli como productor, [161] incorporándose a tiempo completo en 1989, [162] mientras que Tōru Hara de Topcraft se convirtió en director de producción; [117] El papel de Suzuki en la creación del estudio y sus películas lo ha llevado a ser nombrado ocasionalmente cofundador, [163] [164] y Hara a menudo es visto como influyente en el éxito de la compañía. [165] Yasuyoshi Tokuma, el fundador de Tokuma Shoten, también estuvo estrechamente relacionado con la creación de la compañía, habiendo brindado respaldo financiero. [166] Topcraft había sido considerado como socio para producir la próxima película de Miyazaki, pero la compañía se declaró en quiebra en 1985. [167] Varios miembros del personal contratados posteriormente en Studio Ghibli (hasta 70 empleados a tiempo completo y 200 a tiempo parcial en 1985) habían trabajado previamente con Miyazaki en diferentes estudios, como Telecom, Topcraft y Toei Doga, y otros como Madhouse, Inc. y Oh! Production . [165]
En 1984, Miyazaki viajó a Gales, dibujando los pueblos y comunidades mineras de Rhondda ; fue testigo de la huelga de mineros y admiró la dedicación de los mineros a su trabajo y comunidad. [161] [168] Estaba enojado por las "superpotencias militares" del Imperio Romano que conquistaron a los celtas y sintió que esta angustia, junto con la huelga de mineros, era perceptible en las comunidades galesas. [169] Regresó en mayo de 1985 para investigar su próxima película, Laputa: Castle in the Sky , la primera de Studio Ghibli. [170] [171] Su apretado cronograma de producción obligó a Miyazaki a trabajar todo el día, incluso antes y después del horario laboral normal, y escribió la letra de su tema final. [161] Miyazaki usó la isla flotante de Laputa de Los viajes de Gulliver en la película. [172] Laputa fue estrenada el 2 de agosto de 1986 por Toei Company . [173] Vendió alrededor de 775.000 entradas, [174] logrando un modesto retorno financiero, [175] aunque Miyazaki y Suzuki expresaron su decepción con sus cifras de taquilla de aproximadamente US$2,5 millones . [170] [176] [177]
Tras el éxito de Nausicaä , Miyazaki visitó Yanagawa y consideró imitarlo en una película animada, fascinado por su sistema de canales; en cambio, Takahata dirigió un documental de acción real sobre la región, The Story of Yanagawa's Canals (1987). Miyazaki produjo y financió la película, y proporcionó varias secuencias animadas. [178] [161] Su creación duró cuatro años, y Miyazaki consideró que era su responsabilidad social, tanto con la sociedad japonesa como con el cine, verla producida. [179] Laputa fue creada en parte para financiar la producción del documental, para el cual Takahata había agotado sus fondos. [180] En junio de 1985, Nausicaä del Valle del Viento se estrenó en los Estados Unidos como Warriors of the Wind , con cortes significativos; [161] [181] se eliminaron casi 30 minutos de diálogo y desarrollo de personajes, borrando partes de su trama y temas. [161] [182] Posteriormente, Miyazaki y Takahata se negaron a considerar el estreno occidental de sus películas durante la década siguiente. [161]
La siguiente película de Miyazaki, Mi vecino Totoro , se originó en ideas que tuvo cuando era niño; sintió que " Totoro es donde comenzó mi conciencia". [183] Un intento de presentar Mi vecino Totoro a Tokuma Shoten a principios de la década de 1980 no tuvo éxito, y Miyazaki enfrentó dificultades para intentar presentarla nuevamente en 1987. Suzuki propuso que Totoro se lanzara como un programa doble junto con La tumba de las luciérnagas de Takahata ; como este último, basado en el cuento de 1967 de Akiyuki Nosaka , tenía valor histórico, Suzuki predijo que los estudiantes de la escuela serían llevados a ver ambos. [184] Totoro presenta el tema de la relación entre el medio ambiente y la humanidad, mostrando que la armonía es el resultado de respetar el medio ambiente. [185] La película también hace referencia a la madre de Miyazaki; la madre de los protagonistas infantiles está postrada en cama. [186] Al igual que con Laputa , Miyazaki escribió la letra del tema final de Totoro . [187] Miyazaki tuvo problemas con el guion de la película hasta que leyó una historia de Mainichi Graph sobre Japón cuarenta años antes, optando por ambientar la película en el país antes de la expansión de Tokio y la llegada de la televisión. Posteriormente, Miyazaki donó dinero y obras de arte para financiar la preservación de las tierras boscosas en la prefectura de Saitama , en la que se desarrolla la película. [186]
La producción de Mi vecino Totoro comenzó en abril de 1987 y duró exactamente un año; [188] se estrenó el 16 de abril de 1988. [189] Aunque la película recibió elogios de la crítica, solo tuvo un éxito moderado en taquilla. [190] [191] Studio Ghibli aprobó los derechos de comercialización en 1990, lo que condujo a un gran éxito comercial; las ganancias por comercialización por sí solas pudieron sostener al estudio durante años. [190] La película fue etiquetada como un clásico de culto, [191] y finalmente obtuvo éxito en los Estados Unidos después de su lanzamiento en 1993, [190] donde su lanzamiento en video doméstico vendió casi 500.000 copias. [192] Akira Kurosawa dijo que la película lo conmovió, nombrándola entre sus cien películas favoritas, una de las pocas películas japonesas en ser nombradas. [193] Un asteroide descubierto por Takao Kobayashi en diciembre de 1994 recibió el nombre de la película: 10160 Totoro . [194]
En 1987, Studio Ghibli adquirió los derechos para crear una adaptación cinematográfica de la novela Kiki's Delivery Service de Eiko Kadono . El trabajo de Miyazaki en Mi vecino Totoro le impidió dirigir la adaptación; actuó como productor, mientras que Sunao Katabuchi fue elegido como director y Nobuyuki Isshiki como guionista. [195] [196] La insatisfacción de Miyazaki con el primer borrador de Isshiki lo llevó a realizar cambios en el proyecto, y finalmente asumió el papel de director. Kadono expresó su insatisfacción con las diferencias entre el libro y el guion, pero Miyazaki y Takahata la convencieron de dejar que la producción continuara. [197] [196] La película originalmente estaba destinada a ser un especial de 60 minutos, pero se expandió a un largometraje después de que Miyazaki completara los guiones gráficos y el guion. [198] Miyazaki sintió que las luchas de la protagonista, Kiki, reflejaban los sentimientos de las jóvenes japonesas que anhelaban vivir independientemente en las ciudades, [199] mientras que sus talentos reflejaban los de las niñas reales, a pesar de sus poderes mágicos. [200] En preparación para la producción, Miyazaki y otros miembros superiores del personal viajaron a Suecia, donde capturaron ochenta rollos de película en Estocolmo y Visby , siendo la primera la principal inspiración detrás de la ciudad de la película. [201] Kiki's Delivery Service se estrenó el 29 de julio de 1989; [202] fue un éxito de crítica, ganando el Anime Grand Prix . Con más de 2,6 millones de entradas vendidas, [203] ganó ¥2.15 mil millones en taquilla [204] y fue la película más taquillera de Japón en 1989. [205] Miyazaki y Studio Ghibli aprobaron personalmente las traducciones al inglés posteriores. [197]
De marzo a mayo de 1989, el manga de Miyazaki Hikōtei Jidai se publicó en la revista Model Graphix , [206] basado en una idea cinematográfica anterior que había asignado a un director más joven en 1988 que fracasó debido a diferencias creativas. [207] [130] Miyazaki comenzó la producción de una película de 45 minutos a bordo para Japan Airlines basada en el manga; Suzuki la extendió a un largometraje, titulado Porco Rosso , a medida que crecían las expectativas y el presupuesto. [207] [208] Miyazaki comenzó a trabajar en la película con poca ayuda, ya que su producción se superpuso con Only Yesterday (1991) de Takahata, que Miyazaki coprodujo. [209] [210] El estallido de las guerras yugoslavas en 1991 afectó a Miyazaki, lo que provocó un tono más sombrío para Porco Rosso ; [211] La Guerra de Independencia de Croacia trasladó el escenario de la película de Dubrovnik al mar Adriático . [212] Miyazaki más tarde se refirió a la película como "tonta", ya que sus tonos maduros no eran adecuados para los niños, [213] señalando que la había hecho para su "propio placer" debido a su amor por los aviones. [214]
A excepción del Curtiss R3C-2 , todos los aviones de Porco Rosso son creaciones originales de la imaginación de Miyazaki, basadas en sus recuerdos de infancia. [215] La película también rinde homenaje al trabajo de Fleischer Studios y Winsor McCay , que fueron influyentes en la animación japonesa en la década de 1940. [216] La película presenta temas contra la guerra, que Miyazaki volvería a tratar más tarde. [217] [218] El nombre del protagonista, Marco Pagot, es el mismo que el de un animador italiano con el que Miyazaki había trabajado en Sherlock Hound . [219] Algunas mujeres del personal de Studio Ghibli consideraron que la fábrica Piccolo de la película, dirigida por un hombre y atendida por mujeres, era un reflejo intencional del personal de Studio Ghibli, del cual muchas son mujeres; algunas lo vieron como el respeto de Miyazaki por su ética de trabajo, aunque otras sintieron que implicaba que las mujeres eran más fáciles de explotar. [220] Japan Airlines siguió siendo un importante inversor en la película, lo que resultó en su estreno inicial como una película a bordo, [211] antes de su estreno en cines el 18 de julio de 1992. [221] Fue la primera película de Miyazaki que no encabezó la encuesta anual de lectores de Animage , lo que se ha atribuido a su enfoque maduro. [222] La película tuvo éxito comercial, convirtiéndose en la película más taquillera del año en Japón; [149] siguió siendo una de las películas más taquilleras durante varios años. [223]
Durante la producción de Porco Rosso , Miyazaki encabezó el trabajo en el nuevo estudio de Studio Ghibli en Koganei , Tokio, diseñando los planos, seleccionando materiales y trabajando con los constructores. [149] El estudio abrió en agosto de 1992, [224] y el personal se mudó poco después del lanzamiento de Porco Rosso . [149] Alrededor de esta época, Miyazaki comenzó a trabajar en los volúmenes finales del manga Nausicaä del Valle del Viento , que creó internamente en Studio Ghibli. [225] En noviembre, Nippon Television Network (NTV) transmitió dos anuncios de televisión dirigidos por Miyazaki: Sora Iro no Tane , un anuncio de 90 segundos adaptado de la historia ilustrada Sora Iro no Tane de Rieko Nakagawa y Yuriko Omura; y Nandarou , una serie de cuatro anuncios de cinco segundos que presentan una criatura indefinible. [226] [227] Miyazaki colaboró con el concepto de Pom Poko (1994) de Takahata, [226] y diseñó los guiones gráficos y escribió el guion de Susurros del corazón (1995) de Kondō, estando particularmente involucrado en las secuencias de fantasía de esta última. [228] Los críticos y los fanáticos comenzaron a ver a Kondō como "el heredero aparente " de Studio Ghibli. [225]
La siguiente película de Miyazaki, La princesa Mononoke , se originó en bocetos que había hecho a fines de la década de 1970, basados en el folclore japonés y el cuento de hadas francés La bella y la bestia ; sus ideas originales fueron rechazadas y publicó sus bocetos y la idea inicial de la historia en un libro en 1982. [230] [231] Revisitó el proyecto después de que el éxito de Porco Rosso le permitió más libertad creativa. [230] Eligió el período Muromachi para el escenario porque sintió que los japoneses dejaron de adorar a la naturaleza y comenzaron a intentar controlarla. Miyazaki comenzó a escribir el tratamiento de la película en agosto de 1994. Mientras experimentaba un bloqueo de escritor en diciembre, [232] Miyazaki aceptó una solicitud para crear On Your Mark , un video musical para la canción de Chage y Aska . Experimentó con animación por computadora para complementar la animación tradicional. On Your Mark se estrenó como un corto antes de Whisper of the Heart . [233] La historia del video se inspiró en parte en el desastre de Chernóbil . [234] Miyazaki lo hizo críptico intencionalmente, queriendo que los espectadores lo interpretaran por sí mismos. [235] A pesar de la popularidad del video, Suzuki dijo que no se le dio un enfoque del "100 por ciento". [236]
Miyazaki completó la propuesta formal de La princesa Mononoke en abril de 1995 y comenzó a trabajar en los guiones gráficos en mayo. [232] Había tenido la intención de que fuera su último trabajo como director en Studio Ghibli, citando su vista más pobre y dolores físicos. [225] [237] [238] En julio de 1996, Walt Disney Company le ofreció a Tokuma Shoten un trato para distribuir las películas de Studio Ghibli en todo el mundo (excepto en el sudeste asiático ) a través de sus marcas Buena Vista y Miramax Films . Miyazaki aprobó el trato, no interesado personalmente en el dinero y queriendo apoyar a Tokuma Shoten, quien lo había apoyado anteriormente. [239] En mayo de 1995, Miyazaki llevó a cuatro directores de arte a Yakushima , que anteriormente había servido de inspiración para Nausicaä del Valle del Viento , para investigar los bosques como inspiración; otro director de arte, Kazuo Oga , viajó a Shirakami-Sanchi . [240] Los paisajes de la película se inspiraron en Yakushima. [241] En La princesa Mononoke , Miyazaki revisó los temas ecológicos y políticos de Nausicaä del Valle del Viento . [242] Su investigación histórica, incluida la de Eiichi Fujimori, lo llevó a la conclusión de que las mujeres tenían más libertad durante el período prehistórico Jomon , y optó por centrarse en la gente común de la sociedad. [243]
Miyazaki sintió que la melancolía del protagonista, Ashitaka, reflejaba su propia actitud, mientras comparaba la cicatriz de Ashitaka con las condiciones físicas modernas que padecen los niños, como el SIDA . El trabajo de animación comenzó en julio de 1995, [244] antes de que se completaran los guiones gráficos, una novedad para Miyazaki. [212] Supervisó las 144.000 celdas de la película, de las cuales unas 80.000 eran animación clave. [245] [246] La princesa Mononoke se produjo con un presupuesto estimado de ¥2.35 mil millones (aproximadamente US$23,5 millones ), [247] convirtiéndola en la película animada japonesa más cara de la época. [248] Aproximadamente quince minutos de la película utilizan animación por ordenador: unos cinco minutos utilizan técnicas como renderizado 3D , composición digital y mapeo de texturas ; los diez minutos restantes utilizan tinta y pintura digitales . [229] Aunque la intención original era pintar digitalmente 5.000 de los fotogramas de la película, las limitaciones de tiempo duplicaron esta cifra, aunque se mantuvo por debajo del diez por ciento de la película final. [249] La animación se completó a mediados de junio de 1997. [232] Miyazaki colaboró directamente con Hisaishi en la banda sonora desde el principio de la producción; Hisaishi escribió un "álbum de imágenes" de piezas inspiradas en la historia, que se reelaboraron a medida que continuaba la producción. [238]
En su estreno el 12 de julio de 1997, [250] La princesa Mononoke fue aclamada por la crítica, convirtiéndose en la primera película animada nominada al Premio de Cine de la Academia de Japón a la Película del Año , que ganó. [251] La película también fue un éxito comercial; fue vista por doce millones de personas en noviembre, recaudando 160 millones de dólares estadounidenses , [252] y se convirtió en la película más taquillera en Japón durante varios meses. [253] [h] Su lanzamiento en video doméstico vendió más de dos millones de copias en tres semanas, [i] y más de cuatro millones en diciembre de 1998. [240] Para el lanzamiento en América del Norte, Miramax buscó hacer algunos cortes para obtener una calificación más baja que PG-13 , pero Studio Ghibli se negó. [254] Neil Gaiman escribió el guion en inglés; conoció a Miyazaki en septiembre de 1999, cuando viajó a los Estados Unidos para el estreno de la película y expresó su placer por el trabajo de Gaiman. [255] [256] Aunque no tuvo mucho éxito en la taquilla estadounidense, recaudando alrededor de 2,3 millones de dólares , [257] fue vista como la introducción de Studio Ghibli a los mercados globales. [237]
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En 1997, Miyazaki colaboró con Visionaire , una revista de arte y ensayo. [258] Tokuma Shoten se fusionó con Studio Ghibli en junio de 1997. [224] A poca distancia de Studio Ghibli, Miyazaki diseñó su oficina privada, a la que llamó Buta-ya (que significa "casa de cerdos"). [259] [151] Estaba destinada a ser su oficina de jubilación para proyectos personales; [260] celebró su fiesta de despedida allí en enero de 1998, [259] después de haber dejado Studio Ghibli el 14 de enero para ser sucedido por Kondō. Sin embargo, la muerte de Kondō el 21 de enero impactó a Miyazaki, y en cuestión de días se anunció que regresaría a Studio Ghibli para dirigir una nueva película. [212] [259] Un manga de Miyazaki, Doromamire no Tora , fue publicado en Model Graphix en diciembre de 1998, basado en un libro del comandante de tanque alemán Otto Carius . [261] Miyazaki regresó oficialmente a Studio Ghibli como su líder el 16 de enero de 1999, asumiendo un papel activo en la organización de los empleados. [260] [212]
A partir de 1998, Miyazaki trabajó en diseños para el Museo Ghibli , dedicado a exhibir las obras del estudio, incluyendo varios cortometrajes exclusivos, cuya producción comenzó en julio de 1999. La construcción del museo comenzó en marzo de 2000, y se inauguró oficialmente el 1 de octubre de 2001, presentando el cortometraje Kujiratori . Miyazaki se desempeñó como su director ejecutivo. [262] En 1999, un parque temático japonés contrató a Studio Ghibli para crear un cortometraje de 20 minutos sobre gatos; Miyazaki aceptó con la condición de que presentara personajes que regresaran de Susurros del corazón . Aoi Hiiragi escribió un manga basado en el concepto, titulado Baron: The Cat Returns . Cuando el parque temático se retiró, Miyazaki expandió la idea a una película de 45 minutos y, queriendo fomentar nuevos talentos en el estudio, se la asignó al director debutante Hiroyuki Morita . [263] [264] La película se estrenó como The Cat Returns en 2002. [265]
La siguiente película de Miyazaki fue concebida mientras estaba de vacaciones en una cabaña en la montaña con su familia y cinco niñas que eran amigas de la familia. Miyazaki se dio cuenta de que no había creado una película para niñas de 10 años y se propuso hacerlo. Leyó revistas de manga shōjō como Nakayoshi y Ribon en busca de inspiración, pero sintió que solo ofrecían temas sobre "enamoramientos y romances", que no es lo que las chicas "tenían en sus corazones"; decidió producir la película sobre una heroína femenina a la que pudieran admirar, [266] basándose en dos de las chicas que había conocido. [267] La producción de la película, titulada El viaje de Chihiro , comenzó en 2000 con un presupuesto de ¥1.9 mil millones ( US$15 millones ). Al igual que con La princesa Mononoke , el personal experimentó con animación por computadora, pero mantuvo la tecnología a un nivel para mejorar la historia, no para "robar el espectáculo". [268] El viaje de Chihiro trata sobre símbolos de la codicia humana, simbolizando la burbuja de precios de activos japonesa de los años 1980 , [269] y un viaje liminal a través del reino de los espíritus. [270] [j] La película se estrenó el 20 de julio de 2001; recibió elogios de la crítica, ganando el Premio de Cine de la Academia de Japón a la Película del Año. [271] [272] La película fue un éxito comercial, vendiendo un récord de 21,4 millones de entradas y recaudando ¥30,4 mil millones ( US$289,1 millones ) en taquilla. [273] [274] Se convirtió en la película más taquillera de Japón, un récord que mantuvo durante casi 20 años, [275] [k] y fue la primera película japonesa en ganar US$200 millones a nivel internacional, antes de su estreno en Estados Unidos. [273]
Kirk Wise dirigió la versión en inglés; John Lasseter de Disney Animation quería que Miyazaki viajara a los Estados Unidos para trabajar en la versión traducida, pero Miyazaki confió en Lasseter para manejarlo. [276] El personaje de la lámpara saltarina de El viaje de Chihiro es visto como un homenaje al personaje de Lasseter, Luxo Jr. [277] El exitoso estreno estadounidense de la película a través de Buena Vista consolidó la reputación de Studio Ghibli en las regiones occidentales [278] [279] [280] y estableció la popularidad de Miyazaki en América del Norte; [281] fue la primera película animada en ganar el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín (empatado con Domingo Sangriento ) [276] y la primera película japonesa en ganar Mejor Película de Animación en los Premios de la Academia , [278] junto con varios otros galardones. [282] Ha sido clasificada con frecuencia entre las mejores películas del siglo XXI. [283] [284] [285] Al terminar la película, al igual que con La princesa Mononoke , Miyazaki la declaró su última. [286] Viajó a Francia en diciembre de 2001 y a los Estados Unidos en septiembre de 2002 para promocionar la película. [287] Tras la muerte de Tokuma en septiembre de 2000, Miyazaki se desempeñó como jefe de su comité funerario. [255] Miyazaki escribió y dirigió más cortometrajes para el Museo Ghibli: Koro no Daisanpo , que se proyectó a partir de enero de 2002, y Mei and the Kittenbus , que se proyectó a partir de octubre. [288] Uno de los cortometrajes, Imaginary Flying Machines , se proyectó más tarde como entretenimiento a bordo de Japan Airlines junto con Porco Rosso . [289]
Studio Ghibli anunció la producción de El castillo ambulante en septiembre de 2001, basada en la novela de Diana Wynne Jones , [290] que Miyazaki había leído en 1999. [291] Mamoru Hosoda de Toei Animation fue seleccionado originalmente para dirigir la película, pero los desacuerdos entre Hosoda y los ejecutivos de Studio Ghibli llevaron al abandono del proyecto en 2002. [292] [293] Después de seis meses, Studio Ghibli resucitó el proyecto. Miyazaki se inspiró para dirigir la película, impresionado por la imagen de un castillo moviéndose por el campo; la novela no explica cómo se movía el castillo, lo que llevó a los diseños de Miyazaki. [3] Se utilizó algo de animación por computadora para animar los movimientos del castillo, [294] aunque Miyazaki dictó que no consistiera en más del 10 por ciento de la película. [293] Miyazaki viajó a Colmar y Riquewihr en Alsacia , Francia, para estudiar la arquitectura y los alrededores del escenario de la película, [295] mientras que la inspiración adicional provino de los conceptos de tecnología futura en el trabajo de Albert Robida . [296] La guerra que aparece en la película estuvo influenciada temáticamente por la invasión de 2003 y la posterior guerra en Irak , cuyos eventos enfurecieron a Miyazaki. [297]
El castillo ambulante se estrenó el 20 de noviembre de 2004 y recibió una gran aclamación de la crítica. La película recibió el Golden Osella a la Excelencia Técnica en el 61.º Festival Internacional de Cine de Venecia , [298] y fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. [299] En Japón, la película vendió más de 1,1 millones de entradas en dos días [300] y recaudó un récord de 14,5 millones de dólares estadounidenses en su primera semana. [3] Se convirtió en la tercera película más taquillera de Japón, [300] y sigue estando entre las primeras con una recaudación mundial de más de 19 300 millones de yenes. [301] Miyazaki recibió el León de Oro honorario a la trayectoria en el 62.º Festival Internacional de Cine de Venecia en 2005. [302] Visitó los Estados Unidos en junio de 2005 para promocionar la película. [303]
En marzo de 2005, Studio Ghibli se separó de Tokuma Shoten, [304] y Miyazaki se convirtió en director corporativo. [303] Después de El castillo ambulante , Miyazaki creó algunos cortometrajes para el Museo Ghibli, para los cuales regresó únicamente a las técnicas de animación tradicionales; [294] los tres comenzaron a proyectarse en enero de 2006. [305] Studio Ghibli obtuvo los derechos para producir una adaptación de las novelas de Terramar de Ursula K. Le Guin en 2003; [306] Miyazaki la había contactado en la década de 1980 expresando interés, pero ella se negó, sin saber de su trabajo. Al ver Mi vecino Totoro varios años después, expresó su aprobación al concepto y se reunió con Suzuki en agosto de 2005, quien quería que el hijo de Miyazaki, Goro, dirigiera la película, ya que Miyazaki había deseado retirarse. Decepcionado de que Miyazaki no fuera el director, pero bajo la impresión de que supervisaría el trabajo de su hijo, Le Guin aprobó la producción de la película. [307] Miyazaki más tarde se opuso públicamente y criticó el nombramiento de Goro como director. [308] Los diseños de la película se inspiraron en parte en el manga de Miyazaki El viaje de Shuna . [309] Cuando Miyazaki vio la película, escribió un mensaje para su hijo: "Se hizo honestamente, así que fue buena". [310]
En febrero de 2006, Miyazaki viajó al Reino Unido para investigar Un viaje a Tynemouth (basado en "Blackham's Wimpy" de Robert Westall ), para el que diseñó la portada, creó un manga corto y trabajó como editor; [311] se estrenó en octubre. [312] La siguiente película de Miyazaki, Ponyo , comenzó a producirse en mayo de 2006. [313] Inicialmente se inspiró en " La Sirenita " de Hans Christian Andersen , aunque comenzó a tomar su propia forma a medida que continuaba la producción. [314] Miyazaki pretendía que la película celebrara la inocencia y la alegría del universo de un niño. [313] Estuvo íntimamente involucrado con la obra de arte, prefiriendo dibujar el mar y las olas él mismo, ya que disfrutaba experimentando. [315] Se realizaron dos cortometrajes, Looking for a Home y Water Spider Monmon , para el Museo Ghibli poco antes de que Ponyo entrara en producción como experimentos de animación para la vida marina. [316]
Ponyo cuenta con 170.000 fotogramas, un récord para Miyazaki. [317] Su pueblo costero se inspiró en Tomonoura , una ciudad en el Parque Nacional Setonaikai , donde Miyazaki se quedó en 2004. [318] El personaje principal, Sōsuke, está basado en Gorō. [319] Tras su estreno el 19 de julio de 2008, Ponyo fue aclamada por la crítica y recibió el premio a la Animación del Año en el 32º Premio de Cine de la Academia de Japón . [320] La película también fue un éxito comercial, recaudando ¥10 mil millones ( US$93,2 millones ) en su primer mes [319] y ¥15,5 mil millones a finales de 2008, lo que la situó entre las películas más taquilleras de Japón; [321] sus ganancias de taquilla superaron cinco veces su presupuesto de ¥3,4 mil millones. [322] En abril de 2008, Miyazaki fundó Home of the Three Bears, un preescolar para los hijos de los empleados de Studio Ghibli para el que había trabajado en los primeros planos arquitectónicos. [323]
A principios de 2009, Miyazaki comenzó a escribir un manga llamado Kaze Tachinu (風立ちぬ, The Wind Rises ) , que cuenta la historia del diseñador del caza Mitsubishi A6M Zero, Jirō Horikoshi . El manga se publicó por primera vez en dos números de la revista Model Graphix, publicados el 25 de febrero y el 25 de marzo de 2009. [324] Para el Museo Ghibli, Miyazaki escribió el cortometraje A Sumo Wrestler's Tail , dirigido por Akihiko Yamashita , y escribió y dirigió Mr. Dough and the Egg Princess ; ambos comenzaron a proyectarse en 2010. [325] A partir de julio de 2008, Miyazaki planeó y produjo la película Arrietty (2010), [326] para la que coescribió el guion con Keiko Niwa, [327] basada en la novela de 1952 The Borrowers ; [328] Fue el debut como director de Hiromasa Yonebayashi , quien había comenzado como artista intermedio en La princesa Mononoke . [329] Miyazaki y Niwa escribieron el guion de From Up on Poppy Hill (2011), basado en el manga de 1979-1980 Coquelicot-zaka kara ; la película, dirigida por Goro Miyazaki, fue la película japonesa de mayor recaudación en el país en 2011 y ganó Animación del año en los Premios de la Academia de Japón . [330] [331]
Miyazaki quería que su próxima película fuera una secuela de Ponyo , pero Suzuki lo convenció de adaptar Kaze Tachinu al cine. [332] En noviembre de 2012, Studio Ghibli anunció la producción de El viento se levanta , basada en Kaze Tachinu , que se estrenaría como un programa doble junto con El cuento de la princesa Kaguya de Takahata ; [333] este último finalmente se retrasó. [334] Miyazaki se inspiró para crear El viento se levanta después de leer una cita de Horikoshi: "Todo lo que quería hacer era hacer algo hermoso". [335] Varias escenas de El viento se levanta se inspiraron en la novela de Tatsuo Hori El viento se ha levantado (風立ちぬ) , en la que Hori escribió sobre sus experiencias de vida con su prometida antes de que muriera de tuberculosis. El nombre del personaje principal femenino, Naoko Satomi, fue tomado de la novela Naoko (菜穂子) de Hori , [336] mientras que el nombre de un hombre alemán, Hans Castorp, fue tomado de La montaña mágica de Thomas Mann . [337] Las luchas de Naoko con la tuberculosis se hacen eco de la enfermedad de la madre de Miyazaki, y la historia de Horikoshi sobre cómo pasó de ser un niño que soñaba con aviones a un artista inspirador es un reflejo de la propia vida de Miyazaki. [338]
El viento se levanta refleja la postura pacifista de Miyazaki, [335] continuando los temas de sus obras anteriores, a pesar de afirmar que condenar la guerra no era la intención de la película; [339] sintió que, a pesar de su ocupación, Horikoshi no era militante. [340] Miyazaki se sintió conmovido por la película, la primera de sus propias obras que lo hizo llorar. [341] Como Horikoshi, eligió a Hideaki Anno , quien había trabajado en Nausicaä del Valle del Viento y luego se hizo conocido por crear Neon Genesis Evangelion . [342] La película se estrenó el 20 de julio de 2013, [335] Recibió elogios de la crítica por su animación, narrativa y personajes, aunque algunos espectadores criticaron el enfoque de la película en Horikoshi debido a los impactos de sus inventos y otros se sintieron decepcionados por su falta de elementos fantásticos. [343] Fue nombrada Animación del Año en el 37º Premio de Cine de la Academia de Japón [344] y fue nominada a Mejor Película de Animación en los 86º Premios de la Academia . [345] Fue un éxito comercial, recaudando ¥11.6 mil millones ( US$110 millones ) en la taquilla japonesa, convirtiéndose en la película más taquillera de Japón en 2013. [346] La producción de la película fue documentada en El reino de los sueños y la locura de Mami Sunada . [342] [347]
En septiembre de 2013, Miyazaki anunció que se retiraba de la producción de largometrajes debido a su edad, pero deseaba seguir trabajando en las exhibiciones del Museo Ghibli. [348] [349] Miyazaki recibió el Premio Honorario de la Academia en los Premios de los Gobernadores en noviembre de 2014. [350] Desarrolló Boro the Caterpillar , un cortometraje animado que se discutió por primera vez durante la preproducción de La princesa Mononoke . [351] Se proyectó exclusivamente en el Museo Ghibli en julio de 2017. [352] En esta época, Miyazaki estaba trabajando en un manga titulado Teppo Samurai . [353] En febrero de 2019, se transmitió un documental de cuatro partes en la cadena NHK titulado 10 años con Hayao Miyazaki , que documenta la producción de sus películas en su estudio privado. [354] En 2019, Miyazaki aprobó una adaptación musical de Nausicaä del Valle del Viento , ya que fue interpretada por una compañía de kabuki . [355]
En agosto de 2016, Miyazaki propuso un nuevo largometraje, Kimi-tachi wa Dō Ikiru ka (titulado El niño y la garza en inglés), en el que comenzó a trabajar en la animación sin recibir la aprobación oficial. [352] La película se estrenó en los cines japoneses el 14 de julio de 2023. [356] Fue precedida por una campaña de marketing mínima, renunciando a tráilers, comerciales y anuncios, una respuesta de Suzuki a su percepción de sobresaturación de materiales de marketing en las películas convencionales. [357] A pesar de las afirmaciones de que El niño y la garza sería la última película de Miyazaki, el vicepresidente de Studio Ghibli, Junichi Nishioka, dijo en septiembre de 2023 que Miyazaki seguía asistiendo a la oficina a diario para planificar su próxima película. [358] Suzuki dijo que ya no podía convencer a Miyazaki de que se retirara. [359] El niño y la garza le valió a Miyazaki su segundo premio Óscar a la Mejor Película de Animación en la 96.ª edición de los Premios Óscar , [360] convirtiéndose en el director de mayor edad en lograrlo; Miyazaki no asistió al espectáculo debido a su avanzada edad. [361]
"Si no pasas tiempo observando a personas reales, no puedes hacer esto, porque nunca lo has visto. Algunas personas pasan su vida interesándose solo en sí mismas. Casi toda la animación japonesa se produce sin apenas basarse en la observación de personas reales... Está producida por humanos que no soportan mirar a otros humanos. ¡Y es por eso que la industria está llena de otakus !"
Hayao Miyazaki, enero de 2014 [362]
Miyazaki ha criticado a menudo el estado de la industria de la animación, afirmando que algunos animadores carecen de una comprensión fundamental de sus temas y no priorizan el realismo. [363] Es particularmente crítico con la animación japonesa, diciendo que el anime es "producido por humanos que no soportan mirar a otros humanos... ¡por eso la industria está llena de otaku !". [362] Con frecuencia ha criticado a los otaku , incluidos los "fanáticos" de las armas y los aviones de combate, declarándolos un "fetiche" y negándose a identificarse como tales. [364] [365] Lamentó el estado de las películas animadas de Disney en 1988, diciendo que "no muestran nada más que desprecio por la audiencia". [366]
En 2013, Miyazaki criticó las políticas del primer ministro japonés Shinzo Abe y la enmienda constitucional propuesta que le permitiría a Abe revisar la cláusula que prohíbe la guerra como medio para resolver disputas internacionales. [l] Miyazaki sintió que Abe deseaba "dejar su nombre en la historia como un gran hombre que revisó la Constitución y su interpretación", describiéndola como "despreciable" [368] y afirmando que "la gente que no piensa lo suficiente no debería entrometerse con la constitución". [369] En 2015, Miyazaki desaprobó la negación de Abe de la agresión militar de Japón, afirmando que Japón "debería decir claramente que [ellos] infligieron un daño enorme a China y expresar un profundo remordimiento por ello". [368] Sintió que el gobierno debería dar una "disculpa adecuada" a las mujeres de consuelo coreanas que fueron obligadas a servir en el ejército japonés durante la Segunda Guerra Mundial y sugirió que las Islas Senkaku fueran "divididas por la mitad" o controladas tanto por Japón como por China. [217] Después del estreno de El viento se levanta en 2013, algunos críticos en línea etiquetaron a Miyazaki como un "traidor" y "antijaponés", describiendo la película como demasiado " de izquierda "; [217] Miyazaki reconoció los valores izquierdistas en sus películas, citando su influencia y apreciación del comunismo tal como lo definió Karl Marx , pero criticó el sistema político de la Unión Soviética . [370]
Cuando El viaje de Chihiro fue nominada a los 75.º Premios Óscar en 2003, Miyazaki se negó a asistir en protesta por la participación de los Estados Unidos en la guerra de Irak, y más tarde dijo que "no quería visitar un país que estaba bombardeando Irak". [371] No expresó públicamente esta opinión a petición de su productor hasta 2009, cuando levantó su boicot y asistió a la Comic-Con de San Diego como un favor a su amigo John Lasseter. [371] Miyazaki también expresó su opinión sobre el ataque terrorista en las oficinas de la revista satírica francesa Charlie Hebdo , criticando la decisión de la revista de publicar el contenido citado como catalizador del incidente; sentía que las caricaturas deberían hacerse de políticos, no de culturas. [372] En noviembre de 2016, Miyazaki creía que "muchas de las personas que votaron por el Brexit y Trump " se vieron afectadas por el aumento del desempleo debido a que las empresas "construían automóviles en México debido a los bajos salarios y [los vendían] en los EE. UU." [373] No creía que Donald Trump fuera elegido presidente , calificándolo de "algo terrible", pero dijo que la oponente política de Trump, Hillary Clinton, también era "terrible". [373]
Las obras de Miyazaki se caracterizan por la recurrencia de temas como el feminismo, [374] [375] [376] el ecologismo , el pacifismo , [377] [378] [379] el amor y la familia. [380] [381] [382] Sus narrativas también son notables por no enfrentar a un héroe contra un antagonista antipático; [383] [384] [385] Miyazaki sintió que Chihiro de El viaje de Chihiro "se las arregla no porque haya destruido el 'mal', sino porque ha adquirido la capacidad de sobrevivir". [386]
Las películas de Miyazaki a menudo enfatizan el ambientalismo y la fragilidad de la Tierra. [387] Margaret Talbot afirmó que a Miyazaki no le gusta la tecnología moderna y cree que gran parte de la cultura moderna es "delgada, superficial y falsa"; anticipa una época en la que "no habrá más rascacielos". [388] Miyazaki se sintió frustrado al crecer en el período Shōwa de 1955 a 1965 porque "la naturaleza, las montañas y los ríos, estaba siendo destruida en nombre del progreso económico". [389] Peter Schellhase de The Imaginative Conservative identificó que varios antagonistas de las películas de Miyazaki "intentan dominar la naturaleza en pos de la dominación política y, en última instancia, son destructivos tanto para la naturaleza como para la civilización humana". [382] Miyazaki es crítico de la explotación tanto bajo el comunismo como bajo el capitalismo , así como de la globalización y sus efectos en la vida moderna, creyendo que "una empresa es propiedad común de las personas que trabajan allí". [390] Ram Prakash Dwivedi identificó los valores de Mahatma Gandhi en las películas de Miyazaki. [391]
Varias de las películas de Miyazaki presentan temas contra la guerra. Daisuke Akimoto de Animation Studies categorizó a Porco Rosso como "propaganda contra la guerra" y sintió que el protagonista, Porco, se transforma en un cerdo en parte debido a su extremo desagrado por el militarismo. [m] Akimoto también argumenta que El viento se levanta refleja el "pacifismo contra la guerra" de Miyazaki, a pesar de que Miyazaki afirma que la película no intenta "denunciar" la guerra. [392] Schellhase también identifica a La princesa Mononoke como una película pacifista debido al protagonista, Ashitaka; en lugar de unirse a la campaña de venganza contra la humanidad, como su historia étnica lo llevaría a hacer, Ashitaka lucha por la paz. [382] David Loy y Linda Goodhew argumentan que tanto Nausicaä del valle del viento como La princesa Mononoke no representan el mal tradicional, sino las raíces budistas del mal: la codicia, la mala voluntad y el engaño; Según el budismo, las raíces del mal deben transformarse en "generosidad, bondad amorosa y sabiduría" para superar el sufrimiento, y tanto Nausicaä como Ashitaka logran esto. [393] Cuando los personajes de las películas de Miyazaki se ven obligados a participar en la violencia, se muestra como una tarea difícil; en El castillo ambulante , Howl se ve obligado a luchar una batalla ineludible en defensa de sus seres queridos, y casi lo destruye, aunque finalmente es salvado por el amor y la valentía de Sophie. [382]
Suzuki describió a Miyazaki como feminista en referencia a su actitud hacia las trabajadoras. [394] Miyazaki ha descrito a sus personajes femeninos como "chicas valientes y autosuficientes que no lo piensan dos veces antes de luchar por lo que creen con todo su corazón", afirmando que pueden "necesitar un amigo o un partidario, pero nunca un salvador" y "cualquier mujer es tan capaz de ser un héroe como cualquier hombre". [395] Nausicaä del Valle del Viento fue elogiada por su representación positiva de las mujeres, particularmente de la protagonista Nausicaä. [144] [146] Schellhase señaló que los personajes femeninos en las películas de Miyazaki no están cosificados ni sexualizados, y poseen características complejas e individuales ausentes en las producciones de Hollywood. [382] Schellhase también identificó un elemento de "llegada a la edad adulta" para las heroínas en las películas de Miyazaki, ya que cada una descubre "personalidad y fortalezas individuales". [382] Gabrielle Bellot de The Atlantic escribió que, en sus películas, Miyazaki "muestra una profunda comprensión de las complejidades de lo que podría significar ser una mujer". En particular, Bellot cita Nausicaä del Valle del Viento , elogiando el desafío que la película hace a las expectativas de género y la naturaleza fuerte e independiente de Nausicaä. Bellot también señaló que San de La princesa Mononoke representa el "conflicto entre la individualidad y la expresión". [396]
A Miyazaki le preocupa la sensación de asombro en los jóvenes, y busca mantener los temas del amor y la familia en sus películas. [382] Michael Toscano de Curator encontró que Miyazaki "teme que los niños japoneses se vean empañados por una cultura de sobreconsumo, sobreprotección, educación utilitaria, arribismo, tecnoindustrialismo y un secularismo que está devorando el animismo nativo de Japón". [397] Schellhase escribió que varias de las obras de Miyazaki presentan temas de amor y romance, pero sintió que se hace hincapié en "la forma en que los individuos solitarios y vulnerables se integran en relaciones de mutua confianza y responsabilidad, que generalmente benefician a todos los que los rodean". [382] También encontró que muchos de los protagonistas de las películas de Miyazaki presentan una imagen idealizada de las familias, mientras que otros son disfuncionales. [382]
Miyazaki renuncia a los guiones tradicionales en sus producciones, en su lugar desarrolla la narrativa a medida que diseña los guiones gráficos, afirmando "Nunca sabemos hacia dónde irá la historia, pero seguimos trabajando en la película a medida que se desarrolla". [398] Miyazaki ha empleado métodos de animación tradicionales en todas sus películas, dibujando cada fotograma a mano; las imágenes generadas por computadora se han empleado en varias de sus películas posteriores, comenzando con La princesa Mononoke , para "enriquecer el aspecto visual", [399] aunque se asegura de que cada película pueda "mantener la proporción adecuada entre el trabajo a mano y el trabajo por computadora... y aún así poder llamar a mis películas 2D". [400] Supervisa cada fotograma de sus películas. [401] Para los diseños de personajes, Miyazaki dibuja borradores originales utilizados por los directores de animación para crear hojas de referencia, que luego son corregidas por Miyazaki en su estilo. [402]
Miyazaki ha citado a varios artistas japoneses como sus influencias, incluyendo a Sanpei Shirato , [24] Osamu Tezuka, Soji Yamakawa, [26] e Isao Takahata, [403] y artistas y animadores occidentales como Frédéric Back , [398] Jean Giraud, [124] Paul Grimault, [398] Yuri Norstein , [404] y el estudio de animación Aardman Animations (específicamente las obras de Nick Park ). [405] [n] Varios autores también han influido en sus obras, entre ellos Lewis Carroll , [400] Roald Dahl , [407] Ursula K. Le Guin, [131] Philippa Pearce , Rosemary Sutcliff y Antoine de Saint-Exupéry , [34] Las obras específicas que han influenciado a Miyazaki incluyen Rebelión en la granja (1945), [400] La reina de las nieves (1957), [398] y El rey y el ruiseñor (1980); [400] Se dice que La reina de las nieves es el verdadero catalizador de la filmografía de Miyazaki, influyendo en su formación y trabajo. [408] Al animar a niños pequeños, Miyazaki a menudo se inspira en los hijos de sus amigos y en los recuerdos de su propia infancia. [409]
La esposa de Miyazaki, Akemi Ōta (大田朱美) , nació en 1938 y fue contratada como artista intermedia en Toei Animation en 1958, trabajando en Panda and the Magic Serpent y Alakazam the Great (1960). [410] Ella y Miyazaki se conocieron en Toei en 1964, [410] [3] y se casaron en octubre de 1965. [37] En Toei, trabajaron juntos en La gran aventura de Horus, príncipe del sol y El maravilloso mundo del Gato con Botas . [410] Tienen dos hijos: Goro, nacido en enero de 1967, y Keisuke, nacido en abril de 1969. [54] Convertirse en padre cambió a Miyazaki y trató de producir trabajo para complacer a sus hijos. [53]
Miyazaki inicialmente cumplió una promesa a su esposa de que ambos continuarían trabajando después del nacimiento de Goro, dejándolo en el preescolar durante el día; sin embargo, al ver el agotamiento de Goro caminando a casa un día, Miyazaki decidió que no podían continuar, y su esposa renunció en 1972 para quedarse en casa y criar a sus hijos. [411] [410] Ella se mostró reacia a hacerlo, pero consideró que era necesario permitir que Miyazaki se concentrara en su trabajo. [410] La dedicación de Miyazaki a su trabajo dañó su relación con sus hijos, ya que a menudo estaba ausente. Goro veía las obras de su padre para "entenderlo", ya que los dos rara vez hablaban. [412] Miyazaki dijo que "trató de ser un buen padre, pero al final [él] no fue un muy buen padre". [411] Durante la producción de Tales from Earthsea en 2006, Goro dijo que su padre "obtiene cero calificaciones como padre, pero la máxima calificación como director de películas animadas". [412] [o]
Goro trabajó en una empresa de diseño de paisajes antes de comenzar a trabajar en el Museo Ghibli; [3] [411] diseñó el jardín en su azotea y eventualmente se convirtió en su curador. [3] [53] Keisuke estudió silvicultura en la Universidad Shinshu y trabaja como artista de la madera; [3] [411] [413] diseñó un grabado en madera que aparece en Susurros del corazón . [413] La sobrina de Miyazaki, Mei Okuyama, quien fue la inspiración detrás del personaje Mei en Mi vecino Totoro , está casada con el artista de animación Daisuke Tsutsumi . [414]
Miyazaki fue descrito como el "padrino de la animación en Japón" por Tessa Wong de la BBC en 2016, citando su artesanía y humanidad, los temas de sus películas y su inspiración para artistas más jóvenes. [415] Courtney Lanning de Arkansas Democrat-Gazette lo nombró uno de los mejores animadores del mundo, comparándolo con Osamu Tezuka y Walt Disney ; [416] Miyazaki ha sido llamado "el Disney de Japón", aunque Helen McCarthy consideró que la comparación con Akira Kurosawa era más apropiada debido a la combinación de grandeza y sensibilidad en su trabajo, llamándolo "el Kurosawa de la animación". [417] Swapnil Dhruv Bose de Far Out Magazine escribió que el trabajo de Miyazaki "ha dado forma no solo al futuro de la animación sino también al cine en general", y que ayudó a "generación tras generación de jóvenes espectadores a observar la magia que existe en lo mundano". [418] Richard James Havis del South China Morning Post lo llamó un "genio... que establece estándares exigentes para sí mismo, sus pares y el personal del estudio". [419] Toussaint Egan de Paste describió a Miyazaki como "uno de los grandes autores del anime", cuyas "historias de una visión temática tan singular y una estética inconfundible" capturaron a espectadores que de otro modo no estarían familiarizados con el anime. [420] Miyazaki se convirtió en el tema de una exhibición en el Museo de la Academia de Cine de Los Ángeles en 2021, presentando más de 400 objetos de sus películas. [421]
Miyazaki ha sido citado frecuentemente como inspiración para numerosos animadores, directores y escritores de todo el mundo, incluidos Wes Anderson , [422] Tony Bancroft , [239] James Cameron , [423] Barry Cook , [239] Dean DeBlois , [424] Guillermo del Toro , [425] Pete Docter , [426] Mamoru Hosoda, [427] Bong Joon-ho , [428] Travis Knight , [429] John Lasseter, [430] Nick Park, [431] Henry Selick , [432] Makoto Shinkai , [433] y Steven Spielberg . [434] Glen Keane dijo que Miyazaki es una "gran influencia" en Walt Disney Animation Studios y ha sido "parte de nuestra herencia" desde The Rescuers Down Under (1990). [435] La era del Renacimiento de Disney también fue impulsada por la competencia con el desarrollo de las películas de Miyazaki. [436] Los artistas de Pixar y Aardman Studios firmaron un tributo que decía: "¡Eres nuestra inspiración, Miyazaki-san!" [431] También ha sido citado como inspiración para diseñadores de videojuegos, incluidos Shigeru Miyamoto en The Legend of Zelda [437] y Hironobu Sakaguchi en Final Fantasy , [438] así como la serie de televisión Avatar: The Last Airbender , [439] y el videojuego Ori and the Blind Forest (2015). [440]
Se han escrito varios libros sobre Miyazaki por académicos como Raz Greenberg , Helen McCarthy y Susan J. Napier ; [441] según Jeff Lenburg, se han escrito más artículos sobre Miyazaki que sobre cualquier otro artista japonés. [442] Studio Ghibli ha buscado durante algún tiempo al sucesor de Miyazaki y Suzuki para dirigir el estudio; [443] Kondō, el director de Susurros del corazón , fue considerado inicialmente, pero murió de un ataque cardíaco repentino en 1998. [444] Algunos candidatos fueron considerados para 2023, incluido el hijo de Miyazaki, Goro, quien se negó, pero el estudio no pudo encontrar un sucesor. [445]
Miyazaki ganó el premio Ōfuji Noburō en los Mainichi Film Awards por El castillo de Cagliostro (1979), Nausicaä del valle del viento (1984), Laputa: el castillo en el cielo (1986), [446] y Mi vecino Totoro (1988), y el premio Mainichi Film Award a la mejor película de animación por Kiki's Delivery Service (1989), [447] Porco Rosso (1992), [448] La princesa Mononoke (1997), El viaje de Chihiro (2001), [447] y La caza de la ballena (2001). [448] El viaje de Chihiro y El niño y la garza recibieron el premio Óscar a la mejor película de animación, [271] [360] mientras que El castillo ambulante (2004) y Se levanta el viento (2013) recibieron nominaciones. [299] [345] Fue nombrado Persona de Mérito Cultural por el gobierno japonés en noviembre de 2012, por sus destacadas contribuciones culturales. [449] Time lo nombró una de las 100 personas más influyentes del mundo en 2005 y 2024, [303] [450] y Gold House lo honró en su lista A100 de Asiáticos Más Impactantes en 2024. [451] Fue homenajeado con el Premio Ramon Magsaysay en 2024 por su uso del arte para "iluminar la condición humana". [452] Otros galardones de Miyazaki incluyen varios Premios Annie , [453] [454] [455] Premios de Cine de la Academia de Japón , [456] [ 457] [344] Premios Kinema Junpo , [458] [459] y Premios de Anime de Tokio . [332] [460] [461]
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