El contrabajo ( / ˈ d ʌ b əl b eɪ s / ), también conocido como contrabajo , bajo acústico o simplemente bajo ( / b eɪ s / ), es el cordófono más grande y de tono más bajo , [1 ] en la orquesta sinfónica moderna (excluyendo incorporaciones raras como el octobajo ). [2] De estructura similar al violonchelo, tiene cuatro o cinco cuerdas.
El bajo es un miembro estándar de la sección de cuerdas de la orquesta , junto con los violines , violas y violonchelos , [3] así como la banda de concierto , y aparece en conciertos , solistas y música de cámara en la música clásica occidental . [4] El bajo se utiliza en una variedad de otros géneros, como jazz , blues , rock and roll , rockabilly , música country , bluegrass , tango , música folk y ciertos tipos de bandas sonoras de películas y videojuegos .
Al ser un instrumento de transposición , el bajo generalmente se anota una octava más alta que la afinada para evitar líneas de libro excesivas debajo del pentagrama. El contrabajo es el único instrumento moderno de cuerda frotada que está afinado en cuartas [5] (como un bajo, una viola o las primeras cuatro cuerdas de una guitarra estándar ), en lugar de quintas , con cuerdas generalmente afinadas en Mi 1 , La. 1 , D2 y G2 .
El linaje exacto del instrumento sigue siendo un tema de debate, y los estudiosos están divididos sobre si el bajo se deriva de la familia de la viola o del violín .
El contrabajo se toca con un arco (arco), punteando las cuerdas ( pizzicato ), o mediante una variedad de técnicas extendidas . En el repertorio orquestal y la música de tango, se emplean tanto el arco como el pizzicato. En jazz, blues y rockabilly, el pizzicato es la norma. La música clásica y el jazz utilizan el sonido natural producido acústicamente por el instrumento, al igual que el bluegrass tradicional . En funk, blues, reggae y géneros relacionados, el contrabajo suele amplificarse .
A la persona que toca este instrumento se le llama “bajista”, “contrabajista”, “contrabajista”, “contrabajista”, “contrabajista” o “bajista”. Los nombres contrabajo y contrabajo se refieren (respectivamente) al rango del instrumento y a su uso una octava más baja que el violonchelo (es decir, la parte del violonchelo era la línea principal del bajo, y el "contrabajo" originalmente tocaba una copia de la parte del violonchelo). ; sólo más tarde se le dio una parte independiente). [6] [7] Los términos para el instrumento entre los intérpretes clásicos son contrabajo (que proviene del nombre italiano del instrumento, contrabbasso), contrabajo (para distinguirlo de los instrumentos bajos de metal en una banda de concierto , como las tubas ), o simplemente bajo .
En el jazz, el blues, el rockabilly y otros géneros ajenos a la música clásica, este instrumento se denomina comúnmente contrabajo , contrabajo o bajo acústico para distinguirlo del bajo (normalmente eléctrico) . En la música folk y bluegrass, el instrumento también se conoce como "violín bajo" o "violín bajo" (o más raramente como "bajo de caseta de perro" o "violín" [8] ). Como miembro de la familia de instrumentos del violín, la construcción del contrabajo es bastante diferente de la del bajo acústico , ya que este último es un derivado del bajo eléctrico y generalmente se construye como una variante más grande y resistente de una guitarra acústica .
El contrabajo a veces se llama confusamente violón , violín bajo o viola baja .
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Un contrabajo típico mide alrededor de 180 cm (6 pies) desde la voluta hasta la clavija. Mientras que el bajo tradicional de "tamaño completo" ( tamaño 4 ⁄ 4 ) mide 74,8 pulgadas, el bajo más común de tamaño 3 ⁄ 4 (que se ha convertido en el tamaño más utilizado en la era moderna, incluso entre los músicos de orquesta) mide 71,6 pulgadas. desplácese hasta el punto final. [9] [10] También hay disponibles otros tamaños, como 1 ⁄ 2 o 1 ⁄ 4 , que sirven para adaptarse a la altura y el tamaño de la mano del jugador. Estos nombres de tamaños no reflejan el tamaño real en relación con un bajo de "tamaño completo"; un bajo de 1 ⁄ 2 no tiene la mitad de longitud que un bajo de 4 ⁄ 4 , pero es sólo aproximadamente un 15 % más pequeño. [11]
Los contrabajos suelen construirse con varios tipos de madera, incluido el arce para el fondo, el abeto para la tapa y el ébano para el diapasón. No se sabe si el instrumento es descendiente de la viola da gamba o del violín, pero tradicionalmente está alineado con la familia del violín. Si bien el contrabajo es casi idéntico en construcción a otros instrumentos de la familia del violín, también incorpora características que se encuentran en la familia de las violas más antiguas.
Las notas de las cuerdas al aire son Mi 1 , La 1 , Re 2 y Sol 2 , las mismas que las de un bajo acústico o eléctrico . Sin embargo, la resonancia de la madera, combinada con la construcción similar a la de un violín y la larga longitud de escala, le da al contrabajo un tono mucho más rico que el bajo, además de la capacidad de usar un arco, mientras que el diapasón sin trastes admite glissandos suaves y legatos .
Al igual que otros instrumentos de cuerda de la familia del violín y la viola, el contrabajo se toca con un arco (arco) o punteando las cuerdas ( pizzicato ). Al emplear un arco, el jugador puede usarlo tradicionalmente o golpear la madera del arco contra la cuerda. En el repertorio orquestal y la música de tango, se emplean tanto el arco como el pizzicato. En el jazz, el blues y el rockabilly, el pizzicato es la norma, excepto en algunos solos y partes escritas ocasionales del jazz moderno que requieren inclinaciones.
En la pedagogía clásica, casi toda la atención se centra en tocar con el arco y producir un buen tono inclinado; Se ha trabajado poco para desarrollar habilidades significativas de pizzicato. [ cita necesaria ] Las notas inclinadas en el registro más bajo del instrumento producen un efecto oscuro, pesado, poderoso o incluso amenazador, cuando se tocan con una dinámica fortissimo; sin embargo, los mismos tonos bajos tocados con un pianissimo delicado pueden crear una línea de acompañamiento suave y sonora. Los estudiantes de bajo clásico aprenden todas las diferentes articulaciones del arco utilizadas por otros músicos de la sección de cuerdas (por ejemplo, violín y violonchelo ), como détaché , legato , staccato , sforzato , martelé (estilo "martillado"), sul ponticello , sul tasto , trémolo. , spiccato y salteado . Algunas de estas articulaciones se pueden combinar; por ejemplo, la combinación de sul ponticello y trémolo puede producir sonidos espeluznantes y fantasmales. Los bajistas clásicos tocan partes de pizzicato en la orquesta, pero estas partes generalmente requieren notas simples (negras, blancas, notas enteras), en lugar de pasajes rápidos.
Los músicos clásicos interpretan notas inclinadas y pizz usando vibrato , un efecto creado al balancear o hacer temblar el dedo de la mano izquierda que está en contacto con la cuerda, que luego transfiere una ondulación en el tono al tono. El vibrato se utiliza para añadir expresión al tocar cuerdas. En general, los pasajes muy fuertes y de registro bajo se tocan con poco o ningún vibrato, ya que el objetivo principal de los tonos bajos es proporcionar un bajo fundamental claro para la sección de cuerdas . Las melodías de registros medios y agudos suelen tocarse con más vibrato. El intérprete varía la velocidad y la intensidad del vibrato para lograr un efecto emocional y musical.
En el jazz, el rockabilly y otros géneros relacionados, gran parte o toda la atención se centra en tocar pizzicato. En el jazz y el jump blues , los bajistas deben tocar líneas de bajo rápidas en pizzicato durante períodos prolongados. Los bajistas de jazz y rockabilly desarrollan técnicas virtuosas de pizzicato que les permiten tocar solos rápidos que incorporan figuras de tresillos y semicorcheas de rápido movimiento. Las líneas de bajo en pizzicato interpretadas por destacados profesionales del jazz son mucho más difíciles que las líneas de bajo en pizzicato que los bajistas clásicos encuentran en la literatura orquestal estándar, que suelen ser notas enteras, blancas, negras y ocasionales pasajes de corcheas. En el jazz y estilos relacionados, los bajistas suelen añadir " notas fantasma " semipercusivas a las líneas de bajo, para aumentar la sensación rítmica y añadir relleno a una línea de bajo.
El contrabajista se pone de pie o se sienta en un taburete alto y apoya el instrumento contra su cuerpo, ligeramente girado hacia adentro para que las cuerdas estén cómodamente al alcance. Esta postura es una razón clave para los hombros inclinados del bajo, que lo diferencian de los demás miembros de la familia del violín: los hombros más estrechos facilitan tocar las cuerdas en sus registros más altos. [10]
El contrabajo se considera generalmente como un descendiente moderno del violín bajo , un miembro de la familia de los cordófonos que se originó en Europa en el siglo XV. [12] Antes del siglo XX, muchos contrabajos tenían sólo tres cuerdas, en contraste con las cinco o seis cuerdas típicas de los instrumentos de la familia de las violas o las cuatro cuerdas de los instrumentos de la familia de los violines. Las proporciones del contrabajo son diferentes a las del violín y el violonchelo; por ejemplo, es más profundo (la distancia de adelante hacia atrás es proporcionalmente mucho mayor que la del violín). Además, mientras que el violín tiene hombros abultados, la mayoría de los contrabajos tienen hombros tallados con una pendiente más aguda, como los miembros de la familia de las violas. A muchos contrabajos muy antiguos se les han cortado o inclinado los hombros para ayudar a tocar con técnicas modernas. [13] Antes de estas modificaciones, el diseño de sus hombros se acercaba más a los instrumentos de la familia del violín.
El contrabajo es el único instrumento moderno de cuerda frotada que está afinado en cuartas (como una viola), en lugar de quintas (ver Afinación a continuación). El linaje exacto del instrumento sigue siendo un tema de debate, y la suposición de que el contrabajo es un descendiente directo de la familia de las violas no se ha resuelto del todo.
En su Una nueva historia del contrabajo , Paul Brun afirma que el contrabajo tiene orígenes como el verdadero bajo de la familia del violín . Afirma que, si bien el exterior del contrabajo puede parecerse a la viola da gamba, la construcción interna del contrabajo es casi idéntica a la de los instrumentos de la familia del violín y muy diferente de la estructura interna de las violas. [14]
El profesor de contrabajo Larry Hurst sostiene que "el contrabajo moderno no es un verdadero miembro de la familia del violín ni de la viola". Dice que "muy probablemente su primera forma general fue la de un violón, el miembro más grande de la familia de las violas. Algunos de los primeros bajos que existen son violones (incluidas las bocas en forma de C) que han sido equipados con adornos modernos". [15] Algunos instrumentos existentes, como los de Gasparo da Salò , fueron convertidos a partir de violones contrabajo de seis cuerdas del siglo XVI. [4]
Hay dos enfoques principales para la forma del esquema de diseño del contrabajo: la forma de violín (que se muestra en la imagen etiquetada en la sección de construcción); y la forma de viola da gamba (que se muestra en la imagen del encabezado de este artículo). También se puede encontrar un tercer diseño menos común, llamado forma de busetto , al igual que la aún más rara forma de guitarra o de pera . La parte posterior del instrumento puede variar desde una parte redonda y tallada similar a la del violín hasta una parte posterior plana y en ángulo similar a la de la familia de las violas.
El contrabajo presenta muchas partes que son similares a los miembros de la familia del violín, incluido un puente de madera tallado para sostener las cuerdas, dos orificios en forma de F , un cordal en el que se insertan los extremos esféricos de las cuerdas (con el cordal anclado alrededor el soporte de la clavija), una voluta ornamental cerca del clavijero, una tuerca con ranuras para cada cuerda en la unión del diapasón y el clavijero y un poste de sonido grueso y resistente , que transmite las vibraciones desde la parte superior del instrumento al cuerpo hueco. y soporta la presión de la tensión de la cuerda. A diferencia del resto de la familia del violín, el contrabajo todavía refleja influencias, y puede considerarse en parte derivado, de la familia de instrumentos de la viola, en particular el violón, el miembro del bajo más grave y más grande de la familia de las violas. Por ejemplo, el bajo se afina en cuartas, como una viola, en lugar de en quintas, que es el estándar en el grupo de violín. Además, observe que los 'hombros' se encuentran con el mástil en una curva, en lugar del ángulo agudo que se ve entre los violines. Al igual que con los otros instrumentos de la familia del violín y la viola que se tocan con un arco (y a diferencia de los instrumentos principalmente punteados o punteados como la guitarra), el puente del contrabajo tiene una forma curva en forma de arco. Esto se hace porque con los instrumentos de arco, el intérprete debe poder tocar cuerdas individuales. Si el contrabajo tuviera un puente plano, sería imposible arquear las cuerdas A y D individualmente.
El contrabajo también se diferencia de los miembros de la familia del violín en que los hombros suelen estar inclinados y la espalda suele estar en ángulo (ambos para permitir un acceso más fácil al instrumento, particularmente en el rango superior). Siempre se incluyen afinadores mecánicos , a diferencia del resto de la familia de violines, donde las tradicionales clavijas de fricción de madera siguen siendo el principal medio de afinación. La falta de estandarización en el diseño significa que un contrabajo puede sonar y verse muy diferente de otro.
El contrabajo tiene una construcción más cercana a los violines, pero tiene algunas similitudes notables con el violón ("viola grande"), el miembro más grande y de tono más bajo de la familia de las violas. A diferencia del violón, sin embargo, el diapasón del contrabajo no tiene trastes , y el contrabajo tiene menos cuerdas (el violón, como la mayoría de las violas, generalmente tenía seis cuerdas, aunque algunos ejemplares tenían cinco o cuatro). El diapasón está fabricado en ébano en instrumentos de alta calidad; en instrumentos de estudiantes menos costosos, se pueden usar otras maderas y luego pintarlas o teñirlas de negro (un proceso llamado "ebonizado"). El diapasón tiene un radio curvo, por la misma razón que el puente es curvo: si el diapasón y el puente fueran planos, el bajista no podría arquear las dos cuerdas interiores individualmente. Mediante el uso de un puente curvo y un diapasón curvo, el bajista puede alinear el arco con cualquiera de las cuatro cuerdas y tocarlas individualmente. A diferencia del violín y la viola, pero al igual que el violonchelo, el diapasón del bajo está algo aplanado debajo de la cuerda Mi (la cuerda Do del violonchelo), esto se conoce comúnmente como bisel de Romberg . El intérprete no puede ajustar la gran mayoría de los diapasones; cualquier ajuste debe ser realizado por un luthier. Un número muy reducido de bajos caros para profesionales tienen diapasones ajustables, en los que se puede utilizar un mecanismo de tornillo para subir o bajar la altura del diapasón.
Una distinción importante entre el contrabajo y otros miembros de la familia del violín es la construcción del clavijero y el mecanismo de afinación. Mientras que el violín, la viola y el violonchelo usan clavijas de fricción para realizar ajustes de afinación (apretando y aflojando la tensión de la cuerda para subir o bajar el tono de la cuerda), el contrabajo tiene clavijas y engranajes de metal. Uno de los desafíos con las clavijas de afinación es que la fricción entre la clavija de madera y el orificio de la clavija puede volverse insuficiente para mantener la clavija en su lugar, particularmente si el orificio de la clavija se desgasta y se agranda. La tecla del afinador de un contrabajo hace girar un gusano de metal , que acciona un engranaje helicoidal que enrolla la cuerda. Al girar la llave en una dirección se tensa la cuerda (aumentando así su tono); girar la tecla en la dirección opuesta reduce la tensión en la cuerda (bajando así su tono). Si bien este desarrollo hace que los afinadores finos en el cordal (importantes para los intérpretes de violín, viola y violonchelo, ya que sus instrumentos usan clavijas de fricción para ajustes importantes de tono) sean innecesarios, un número muy pequeño de bajistas los usa de todos modos. Una razón para utilizar afinadores finos en el bajo es que, en el caso de instrumentos con extensión de Do baja, es posible que el sistema de poleas para la cuerda larga no transfiera eficazmente las vueltas de la tecla a cambios de tensión/tono de la cuerda. En la base del contrabajo hay una varilla de metal con un extremo con púas o goma llamada clavija, que descansa en el suelo. Esta pica es generalmente más gruesa y robusta que la de un violonchelo, debido a la mayor masa del instrumento.
Los materiales más utilizados en la construcción de contrabajos totalmente tallados (el tipo utilizado por los bajistas y solistas de orquesta profesionales) son el arce (fondo, mástil, nervaduras), abeto (tapa) y ébano (diapasón, cordal). El cordal puede estar fabricado de otros tipos de madera o de materiales no madereros. Los bajos menos costosos generalmente se construyen con tapas, respaldos y nervaduras laminadas ( madera contrachapada ), o son modelos híbridos producidos con respaldos y costados laminados y tapas de madera maciza tallada. Algunos bajos de precio bajo a medio de la era 2010 están hechos de sauce , los modelos para estudiantes construidos con fibra de vidrio se produjeron a mediados del siglo XX y algunos bajos (generalmente bastante caros) se construyeron con fibra de carbono .
Los bajos laminados (contrachapados), muy utilizados en escuelas de música, orquestas juveniles y en ambientes de música popular y folclórica (incluyendo rockabilly, psychobilly, blues, etc.), son muy resistentes a la humedad y al calor, así como al maltrato físico. que suelen encontrarse en un ambiente escolar (o, para los músicos de blues y folk, en los peligros de hacer giras y actuar en bares). Otra opción es el bajo de cuerpo híbrido, que tiene fondo laminado y tapa de madera tallada o maciza. Es menos costoso y algo menos frágil (al menos en lo que respecta a su parte trasera) que un bajo totalmente tallado.
El poste de sonido y la barra de graves son componentes de la construcción interna. Todas las partes de un contrabajo están pegadas entre sí, excepto la columna sonora, el puente y el cordal, que se mantienen en su lugar mediante la tensión de las cuerdas (aunque la columna sonora generalmente permanece en su lugar cuando se aflojan o quitan las cuerdas del instrumento, siempre que el bajo se mantiene boca arriba (algunos luthiers recomiendan cambiar sólo una cuerda a la vez para reducir el riesgo de que se caiga la columna de sonido). Si el poste de sonido se cae, se necesita un luthier para volver a colocarlo en su posición, ya que esto debe hacerse con herramientas insertadas en los orificios en forma de F; Además, la ubicación exacta del poste de sonido debajo del puente es esencial para que el instrumento suene lo mejor posible. Los puentes básicos están tallados en una sola pieza de madera, que se personaliza para que coincida con la forma de la tapa de cada instrumento. Los puentes más económicos de los instrumentos de los estudiantes se pueden personalizar simplemente lijando las patas para que coincidan con la forma de la parte superior del instrumento. Un luthier puede tallar ornamentadamente el puente del instrumento de un bajista profesional.
Es más probable que los bajistas profesionales tengan puentes ajustables, que tienen un mecanismo de tornillo metálico. Esto permite al bajista subir o bajar la altura de las cuerdas para adaptarse a las condiciones cambiantes de humedad o temperatura. Los clavijeros metálicos se fijan a los lados del clavijero con tornillos metálicos. Si bien los mecanismos de afinación generalmente difieren de los instrumentos de cuerda orquestales de tonos más altos, algunos bajos tienen clavijas de afinación ornamentales no funcionales que se proyectan desde el costado del clavijero, a imitación de las clavijas de un violonchelo o violín. [ cita necesaria ]
Los fabricantes de contrabajos famosos provienen de todo el mundo y, a menudo, representan características nacionales variadas. Los instrumentos más buscados (y caros) provienen de Italia e incluyen bajos fabricados por Giovanni Paolo Maggini , Gasparo da Salò , la familia Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Paulo Antonio), Celestino Puolotti y Matteo Goffriller . Los bajistas también buscan bajos franceses e ingleses de fabricantes famosos. [ cita necesaria ]
Varios fabricantes fabrican instrumentos de viaje, que son contrabajos que tienen características que reducen el tamaño del instrumento para que cumpla con los requisitos de viaje en avión. Los bajos de viaje están diseñados para músicos en gira. Un tipo de bajo de viaje tiene un cuerpo mucho más pequeño de lo normal, pero conserva todas las características necesarias para tocar. Si bien estos instrumentos de cuerpo más pequeño parecen similares a los bajos eléctricos , la diferencia es que los bajos de viaje de cuerpo pequeño todavía tienen una cámara de sonido acústica hueca bastante grande, mientras que muchos EUB son de cuerpo sólido o solo tienen una cámara hueca pequeña. Un segundo tipo de bajo de viaje tiene un mástil con bisagras o extraíble y un cuerpo de tamaño regular. El cuello con bisagras o extraíble hace que el instrumento sea más pequeño cuando se empaqueta para su transporte.
La historia del contrabajo está estrechamente ligada al desarrollo de la tecnología de cuerdas, ya que fue la llegada [6] de las cuerdas de tripa sobreenrolladas , lo que hizo que el instrumento fuera más practicable en general, ya que las cuerdas enrolladas o sobreenrolladas alcanzan notas bajas dentro de un rango general más pequeño. diámetro de la cuerda que las cuerdas sin enrollar. [16] El profesor Larry Hurst sostiene que si "no hubiera sido por la aparición de la cuerda de tripa enrollada en la década de 1650, el contrabajo seguramente se habría extinguido", [15] porque los espesores necesarios para las cuerdas de tripa normales hacían que las cuerdas de tripa tuvieran un tono más bajo. las cuerdas eran casi imposibles de tocar y obstaculizaban el desarrollo de una interpretación fluida y rápida en el registro más grave.
Antes del siglo XX, las cuerdas de contrabajo solían estar hechas de tripa ; sin embargo, el acero lo ha reemplazado en gran medida, porque las cuerdas de acero mantienen mejor su tono y producen más volumen cuando se tocan con el arco. [17] [18] [19] Las cuerdas de tripa también son más vulnerables a los cambios de humedad y temperatura, y se rompen más fácilmente que las cuerdas de acero.
Hoy en día, las cuerdas de tripa las utilizan principalmente los bajistas que actúan en conjuntos barrocos , bandas de rockabilly, bandas de blues tradicional y bandas de bluegrass. En algunos casos, el Mi grave y el La están enrollados en plata para darles masa adicional. Las cuerdas de tripa proporcionan el sonido oscuro y "golpeador" que se escucha en las grabaciones de los años 1940 y 1950. El fallecido Jeff Sarli, un contrabajista de blues, dijo que "a partir de la década de 1950, comenzaron a cambiar los mástiles de los bajos por cuerdas de acero". [20] Los bajistas de rockabilly y bluegrass también prefieren la tripa porque es mucho más fácil tocar el estilo de bajo vertical " bofetada " (en el que las cuerdas se golpean y hacen clic percusivamente contra el diapasón) con cuerdas de tripa que con cuerdas de acero, porque la tripa no dañar tanto los dedos que arrancan. Una alternativa menos costosa a las cuerdas de tripa son las cuerdas de nailon; las cuerdas más altas son de nailon puro y las cuerdas inferiores son de nailon envuelto en alambre, para agregar más masa a la cuerda, ralentizar la vibración y facilitar así los tonos más bajos.
El cambio de la tripa al acero también ha afectado a la técnica de ejecución del instrumento durante los últimos cien años. Las cuerdas de acero se pueden colocar más cerca del diapasón y, además, se pueden tocar en posiciones más altas en las cuerdas inferiores y aún así producir un tono claro. El método clásico de Franz Simandl del siglo XIX no utiliza la cuerda Mi baja en posiciones más altas porque las cuerdas de tripa más antiguas, colocadas en lo alto del diapasón, no podían producir un tono claro en estas posiciones más altas. Sin embargo, con las cuerdas de acero modernas, los bajistas pueden tocar con un tono claro en posiciones más altas en las cuerdas Mi y La graves, particularmente cuando usan cuerdas de acero modernas de menor calibre y menor tensión.
El arco de contrabajo viene en dos formas distintas (que se muestran a continuación). El arco "francés" o "pronto" es similar en forma e implementación al arco utilizado en los otros miembros de la familia de instrumentos de cuerda orquestales, mientras que el arco "alemán" o "mayordomo" suele ser más ancho y corto, y se sostiene en una posición de "apretón de manos" (o "sierra para metales").
Estos dos arcos proporcionan diferentes formas de mover el brazo y distribuir fuerza y peso sobre las cuerdas. Los defensores del arco francés argumentan que es más maniobrable debido al ángulo en el que el jugador sostiene el arco. Los defensores del arco alemán afirman que permite al músico aplicar más peso del brazo sobre las cuerdas. Las diferencias entre los dos, sin embargo, son mínimas para un intérprete competente, y los intérpretes modernos de las principales orquestas utilizan ambos arcos.
El arco alemán (a veces llamado arco de mayordomo) es el más antiguo de los dos diseños. El diseño del arco y la forma de sostenerlo descienden de la antigua familia de instrumentos de viola. Con las violas más antiguas, antes de que las ranas tuvieran roscas para apretar el arco, los intérpretes sujetaban el arco con dos dedos entre la vara y el pelo para mantener la tensión del pelo. [21] Los defensores del uso del arco alemán afirman que el arco alemán es más fácil de usar para golpes fuertes que requieren mucha potencia.
En comparación con el arco francés, el arco alemán tiene una ranilla más alta y el intérprete la sostiene con la palma inclinada hacia arriba, como ocurre con los miembros verticales de la familia de las violas. Cuando se sostiene de la manera tradicionalmente correcta, el pulgar aplica la potencia necesaria para generar el sonido deseado. El dedo índice se encuentra con el arco en el punto donde la rana se encuentra con el palo. El dedo índice también aplica un torque hacia arriba a la rana al inclinar el arco. El dedo meñique (o "meñique") sostiene la rana desde abajo, mientras que el dedo anular y el dedo medio descansan en el espacio entre el cabello y el tallo.
El arco francés no fue muy popular hasta su adopción por el virtuoso del siglo XIX Giovanni Bottesini . Este estilo es más similar a los arcos tradicionales de los instrumentos de cuerda más pequeños. Se sostiene como si la mano descansara al costado del intérprete con la palma hacia el bajo. El pulgar descansa sobre el eje del arco, al lado de la rana, mientras que los otros dedos cuelgan del otro lado del arco. Varios estilos dictan la curva de los dedos y el pulgar, al igual que el estilo de la pieza; una curva más pronunciada y un agarre más ligero del arco se utilizan para piezas virtuosas o más delicadas, mientras que una curva más plana y un agarre más resistente del arco sacrifica algo de potencia para un control más fácil en golpes como detaché, spiccato y staccato.
Los arcos de contrabajo varían en longitud, oscilando entre 60 y 75 cm (24 a 30 pulgadas). En general, un arco de bajo es más corto y pesado que un arco de violonchelo. El pernambuco , también conocido como palo de Brasil, se considera un material para palos de excelente calidad, pero debido a su escasez y coste, se utilizan cada vez más otros materiales. Los arcos económicos para estudiantes se pueden construir con fibra de vidrio sólida , lo que hace que el arco sea mucho más liviano que un arco de madera (incluso demasiado liviano para producir un buen tono, en algunos casos). Los arcos de estudiante también se pueden hacer con variedades menos valiosas de madera de Brasil. La madera de serpiente y la fibra de carbono también se utilizan en arcos de diferentes calidades. La ranilla del arco del contrabajo suele estar hecha de ébano, aunque algunos luthiers utilizan madera de serpiente y cuerno de búfalo . La ranilla es móvil, ya que se puede apretar o aflojar con un pomo (como todos los arcos de la familia del violín). El arco se afloja al final de una sesión de práctica o actuación. El arco se aprieta antes de tocar, hasta alcanzar la tensión preferida por el intérprete. La rana sobre el lazo de calidad está decorada con incrustaciones de nácar .
Los arcos tienen una envoltura de cuero en la parte de madera del arco cerca de la rana. Junto con la envoltura de cuero, también hay una envoltura de alambre, hecha de oro [ cita necesaria ] o plata en lazos de calidad. El pelo suele ser de crin . Parte del mantenimiento regular de un arco es que un luthier lo "repeline" con crin nueva y que se reemplace el cuero y la envoltura de alambre. El arco del contrabajo está encordado con crin blanca o negra, o una combinación de las dos (conocida como "sal y pimienta"), a diferencia de la crin blanca habitual que se usa en los arcos de otros instrumentos de cuerda. Algunos bajistas argumentan que el pelo negro, ligeramente más áspero, "agarra" mejor las cuerdas más pesadas y graves. [ cita necesaria ] Además, algunos bajistas y luthiers creen que es más fácil producir un sonido más suave con la variedad blanca. [ cita necesaria ] Algunos bajistas también utilizan el pelo rojo (castaño). [ cita necesaria ] Algunos de los arcos para estudiantes de menor calidad y menor costo están hechos con cabello sintético. El pelo sintético no tiene las pequeñas "púas" que tiene la crin real, por lo que no "agarra" bien el hilo ni absorbe bien la colofonia.
Los instrumentistas de cuerda aplican colofonia a la cerda del arco para que "agarre" la cuerda y la haga vibrar. La colofonia para contrabajo es generalmente más suave y pegajosa que la colofonia para violín para permitir que el cabello agarre mejor las cuerdas más gruesas, pero los instrumentistas usan una amplia variedad de colofonias que varían desde bastante duras (como la colofonia para violín) hasta bastante suaves, dependiendo del clima, el humedad y la preferencia del jugador. La cantidad utilizada generalmente depende del tipo de música que se interpreta, así como de las preferencias personales del intérprete. Los bajistas pueden aplicar más resina en obras para orquesta grande (por ejemplo, sinfonías de Brahms) que en obras de cámara delicadas. [ cita necesaria ] Algunas marcas de colofonia, como Wiedoeft o la colofonia para contrabajo de Pop, son más suaves y más propensas a derretirse en climas cálidos. Otras marcas, como la resina para contrabajo Carlsson o Nyman Harts, son más duras y menos propensas a derretirse. [ cita necesaria ]
Debido a su diámetro relativamente pequeño, las cuerdas no mueven mucho aire y por lo tanto no pueden producir mucho sonido por sí solas. La energía vibratoria de las cuerdas debe transmitirse de alguna manera al aire circundante. Para ello, las cuerdas hacen vibrar el puente y este a su vez hace vibrar la superficie superior. Las variaciones de amplitud muy pequeña pero de fuerza relativamente grande (debido a la tensión que varía cíclicamente en la cuerda vibrante) en el puente se transforman en variaciones de mayor amplitud mediante la combinación del puente y el cuerpo del bajo. El puente transforma las vibraciones de alta fuerza y pequeña amplitud en vibraciones de menor fuerza y mayor amplitud en la parte superior del cuerpo del bajo. La parte superior está conectada a la espalda mediante un poste de sonido, por lo que la espalda también vibra. Tanto la parte delantera como la trasera transmiten las vibraciones al aire y actúan para hacer coincidir la impedancia de la cuerda vibrante con la impedancia acústica del aire.
Debido a que el bajo acústico es un instrumento sin trastes, cualquier vibración de las cuerdas debido al punteo o al arco provocará un sonido audible debido a que las cuerdas vibran contra el diapasón cerca de la posición de los dedos. Este zumbido le da carácter a la nota.
La nota más baja de un contrabajo es un E 1 (en bajos estándar de cuatro cuerdas) a aproximadamente 41 Hz o un C 1 (≈33 Hz), o a veces B 0 (≈31 Hz), cuando se utilizan cinco cuerdas. Esto está aproximadamente una octava por encima de la frecuencia más baja que el oído humano promedio puede percibir como un tono distintivo. La parte superior del rango del diapasón del instrumento suele estar cerca de D 5 , dos octavas y una quinta por encima del tono abierto de la cuerda G (G 2 ), como se muestra en la ilustración de rango que se encuentra al principio de este artículo. Se puede tocar más allá del extremo del diapasón tirando la cuerda ligeramente hacia un lado.
Las partes sinfónicas de contrabajo a veces indican que el intérprete debe tocar armónicos (también llamados tonos flageolet ), en los que el bajista toca ligeramente la cuerda, sin presionarla contra el diapasón de la manera habitual, en la ubicación de una nota y luego puntea o inclina. la nota. Los armónicos frotados se utilizan en la música contemporánea por su sonido "vidrioso". Tanto los armónicos naturales como los artificiales , en los que el pulgar detiene la nota y la octava u otro armónico se activa tocando ligeramente la cuerda en el punto del nodo relativo, amplían considerablemente el rango del instrumento. Los armónicos naturales y artificiales se utilizan en muchos conciertos virtuosos para contrabajo.
Las partes orquestales del repertorio clásico estándar rara vez exigen que el contrabajo supere un rango de dos octavas y una tercera menor, desde Mi 1 a Sol 3 , apareciendo ocasionalmente La 3 en el repertorio estándar (una excepción a esta regla es Carmina Burana de Orff). , que requiere tres octavas y una cuarta justa). El límite superior de este rango se amplía mucho para las partes orquestales de los siglos XX y XXI (por ejemplo, el solo de bajo de la Suite Lieutenant Kijé de Prokofiev ( c. 1933), que requiere notas tan altas como D 4 y E ♭ 4 . ). El rango superior que un solista virtuoso puede alcanzar utilizando armónicos naturales y artificiales es difícil de definir, ya que depende de la habilidad del intérprete en particular. El armónico alto en la ilustración de rango que se encuentra al principio de este artículo puede tomarse como representativo más que normativo.
Los instrumentos de cinco cuerdas tienen una cuerda adicional, generalmente afinada en un si grave por debajo de la cuerda mi (si 0 ). En raras ocasiones, se añade una cuerda más alta, afinada en do por encima de la cuerda de sol (do 3 ). Los instrumentos de cuatro cuerdas pueden presentar la extensión C que extiende el rango de la cuerda E hacia abajo hasta C 1 (a veces B 0 ).
Tradicionalmente, el contrabajo es un instrumento transpositor . Dado que gran parte del rango del contrabajo se encuentra por debajo de la clave de fa estándar , se anota una octava más alta de lo que suena para evitar tener que usar líneas de libro excesivas debajo del pentagrama. Por lo tanto, cuando los contrabajistas y violonchelistas tocan desde una parte combinada de bajo y violonchelo, como se usa en muchas sinfonías de Mozart y Haydn, tocarán en octavas, con los bajos una octava por debajo de los violonchelos. Esta transposición se aplica incluso cuando los bajistas leen la clave de tenor y de sol (que se utilizan al tocar en solitario y en algunas partes orquestales). Los compositores también utilizan la clave de tenor para violonchelo y partes de metales bajos. El uso de clave de tenor o de sol evita líneas de libro excesivas sobre el pentagrama al anotar el rango superior del instrumento. Existen otras tradiciones de notación. La música solista italiana normalmente se escribe en el tono que suena, y el "antiguo" método alemán sonaba una octava por debajo de la notación, excepto en la clave de sol, donde la música se escribía en el tono.
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El contrabajo generalmente se afina en cuartas , a diferencia de otros miembros de la familia de cuerdas orquestales, que se afinan en quintas (por ejemplo, las cuatro cuerdas del violín son, de tono más grave a más agudo: G–D–A– MI). La afinación estándar (de tono más bajo a tono más alto) para el bajo es E – A – D – G, comenzando desde E por debajo del segundo C bajo ( tono de concierto ). Esto es lo mismo que la afinación estándar de un bajo y es una octava más baja que las cuatro cuerdas más bajas de la afinación de guitarra estándar . Antes del siglo XIX, muchos contrabajos tenían sólo tres cuerdas; "Giovanni Bottesini (1821-1889) favoreció el instrumento de tres cuerdas popular en Italia en ese momento", [15] porque "el instrumento de tres cuerdas [era visto como] más sonoro". [22] Muchas bandas de cobla en Cataluña todavía tienen músicos que utilizan contrabajos tradicionales de tres cuerdas afinados A – D – G. [23]
En todo el repertorio clásico , hay notas que caen por debajo del rango de un contrabajo estándar. Las notas por debajo del Mi bajo aparecen regularmente en las partes de contrabajo que se encuentran en arreglos e interpretaciones posteriores de la música barroca . En la era clásica , el contrabajo normalmente duplicaba la parte del violonchelo una octava por debajo, requiriendo ocasionalmente descender a C por debajo de la E del contrabajo de cuatro cuerdas. En la época romántica y el siglo XX, compositores como Wagner , Mahler , Busoni y Prokofiev también solicitaron notas por debajo del mi bajo.
Existen varios métodos para poner estas notas a disposición del jugador. Los instrumentistas con contrabajos estándar (E – A – D – G) pueden tocar las notas debajo de "E" una octava más arriba o, si esto suena incómodo, todo el pasaje puede transponerse una octava hacia arriba. El intérprete puede afinar la cuerda Mi grave hasta la nota más baja requerida en la pieza: D o C. Los bajos de cuatro cuerdas pueden equiparse con una "extensión de Do grave" (ver más abajo). O el intérprete puede emplear un instrumento de cinco cuerdas, con la cuerda inferior adicional afinada en Do o (más comúnmente en los tiempos modernos) en Si, tres octavas y un semitono por debajo del Do medio . Varias orquestas europeas importantes utilizan bajos con quinta cuerda. [24]
La mayoría de los músicos de orquesta profesionales utilizan contrabajos de cuatro cuerdas con una extensión de C. Se trata de una sección adicional del diapasón montada en el parche del bajo. Extiende el diapasón debajo de la cuerda más baja y proporciona cuatro semitonos adicionales de rango descendente. La cuerda más baja generalmente se afina en C 1 , una octava por debajo de la nota más baja del violonchelo (ya que es bastante común que una parte de bajo duplique la parte del violonchelo una octava más abajo). Más raramente esta cuerda puede estar afinada en un Si 0 bajo , ya que algunas obras del repertorio orquestal requieren dicho Si, como Los pinos de Roma de Respighi . En casos raros, algunos intérpretes tienen una extensión B baja, que tiene B como nota más baja. Existen varias variedades de extensiones:
En las extensiones mecánicas más simples, no hay ayudas mecánicas unidas a la extensión del diapasón excepto una tuerca de bloqueo o "puerta" para la nota Mi. Para tocar las notas de extensión, el intérprete retrocede sobre el área debajo del pergamino para presionar la cuerda contra el diapasón. La ventaja de esta extensión "digitada" es que el intérprete puede ajustar la entonación de todas las notas paradas en la extensión y no hay ruidos mecánicos provenientes de llaves y palancas metálicas. La desventaja de la extensión "digitada" es que puede resultar difícil realizar alternancias rápidas entre notas bajas en la extensión y notas en el diapasón normal, como una línea de bajo que alterna rápidamente entre G 1 y D 1 .
El tipo más simple de ayuda mecánica es el uso de "dedos" o "puertas" de madera que se pueden cerrar para presionar la cuerda hacia abajo y trastear las notas C ♯ , D, E ♭ o E. Este sistema es particularmente útil para líneas de bajo que tienen un punto de pedal repetido , como un D bajo, porque una vez que la nota se fija en su lugar con el dedo mecánico, la cuerda más baja suena una nota diferente cuando se toca al aire.
La ayuda mecánica más complicada para utilizar con extensiones es el sistema de palanca mecánica apodado máquina . Este sistema de palanca, que superficialmente se asemeja al mecanismo de manipulación de instrumentos de lengüeta como el fagot, monta palancas al lado del diapasón normal (cerca de la tuerca, en el lado de la cuerda Mi), que activan de forma remota los "dedos" metálicos en el diapasón de extensión. Los sistemas de palanca metálica más caros también ofrecen al intérprete la posibilidad de "bloquear" notas en el diapasón de extensión, como ocurre con el sistema de "dedos" de madera. Una crítica a estos dispositivos es que pueden provocar ruidos metálicos no deseados.
Una vez que se bloquea o presiona un "dedo" mecánico de la extensión de "dedo" de madera o de la extensión de máquina de "dedo" de metal, no es fácil realizar ajustes de tono microtonales o efectos de glissando , como es posible con una extensión de dedos manual.
Los bajos de cinco cuerdas, en los que la cuerda más grave normalmente es Si 0 , pueden utilizar una extensión de dos semitonos, proporcionando una extensión La grave, o la muy rara extensión Sol grave.
Un pequeño número de bajistas afinan sus cuerdas en quintas , como un violonchelo pero una octava más baja (C 1 –G 1 –D 2 –A 2 de bajo a alto). Esta afinación fue utilizada por el músico de jazz Red Mitchell y es utilizada por algunos músicos clásicos, en particular el bajista canadiense Joel Quarrington . Los defensores de afinar el bajo en quintas señalan que todas las demás cuerdas orquestales están afinadas en quintas (violín, viola y violonchelo), por lo que esto coloca al bajo en el mismo enfoque de afinación. La quinta afinación proporciona al bajista un rango de tono más amplio que un bajo E – A – D – G estándar, ya que varía (sin una extensión) de C 1 a A 2 . Algunos músicos que usan afinación de quintas y tocan un bajo de cinco cuerdas usan una cuerda E 3 alta adicional (por lo tanto, de menor a mayor: C – G – D – A – E). Algunos bajistas de quinta afinación que solo tienen un instrumento de cuatro cuerdas y que principalmente realizan trabajos solistas usan la afinación G – D – A – E, omitiendo así la cuerda C baja pero obteniendo una E alta. Algunos bajistas de quinta afinación que usan una cuerda de cinco cuerdas Las cuerdas utilizan un instrumento de escala más pequeña, lo que facilita un poco la digitación. El Tratado de Instrumentación Berlioz-Strauss (publicado por primera vez en 1844) afirma que "una buena orquesta debe tener varios contrabajos de cuatro cuerdas, algunos de ellos afinados en quintas y terceras". Luego, el libro muestra una afinación de E 1 –G 1 –D 2 –A 2 ) desde la cuerda de abajo hacia arriba. "Junto con los otros contrabajos afinados en cuartas, estaría disponible una combinación de cuerdas al aire, lo que aumentaría enormemente la sonoridad de la orquesta".
Al tocar un solo clásico, el contrabajo suele estar afinado un tono más alto (F ♯ 1 –B 1 –E 2 –A 2 ). Esta afinación más alta se llama "afinación solista", mientras que la afinación normal se conoce como "afinación orquestal". Las cuerdas para afinar solistas son generalmente más delgadas que las cuerdas normales. La tensión de las cuerdas difiere tanto entre la afinación solista y orquestal que a menudo se emplea un juego de cuerdas diferente que tiene un calibre más ligero. Las cuerdas siempre están etiquetadas para afinación solista u orquestal y la música solista publicada está arreglada para afinación solista u orquestal. Algunos solos y conciertos populares, como el Concierto de Koussevitsky , están disponibles en arreglos de afinación tanto solista como orquestal. Las cuerdas de afinación solista se pueden afinar un tono para tocar en tono de orquesta, pero las cuerdas a menudo carecen de proyección en la afinación orquestal y su tono puede ser inestable.
Algunos compositores contemporáneos especifican una scordatura altamente especializada (cambiando intencionalmente la afinación de las cuerdas al aire). Cambiar el tono de las cuerdas al aire hace que haya diferentes notas disponibles como puntos de pedal y armónicos.Berio , por ejemplo, pide al intérprete que afine sus cuerdas E 1 –G ♯ 1 –D 2 –G 2 en la Sequenza XIVb y Scelsi pide tanto F 1 –A 1 –D 2 –E 2 como F 1 –A 1 – F 2 –E 2 en Noches . [ cita necesaria ] Una forma variante y mucho menos utilizada de afinación solista utilizada en algunos países de Europa del Este es (A 1 –D 2 –G 2 –C 3 ), que omite la cuerda Mi grave de la afinación orquestal y luego agrega una cuerda C alta. El tololoche en México (una variante más pequeña del contrabajo) también utiliza la afinación ADGC. Algunos bajistas con bajos de cinco cuerdas utilizan una cuerda C 3 alta como quinta cuerda, en lugar de una cuerda B 0 baja. Agregar la cuerda C aguda facilita la interpretación del repertorio solista con una tesitura (rango) alta. Otra opción es utilizar tanto una extensión de Do bajo (o Si bajo) como una cuerda de Do alto.
Al elegir un bajo con una quinta cuerda, el intérprete puede decidir entre agregar una cuerda de tono más alto (una cuerda de Do alto) o una cuerda de tono más bajo (generalmente un Si bajo). Para acomodar la quinta cuerda adicional, el diapasón generalmente se ensancha ligeramente y la parte superior es un poco más gruesa, para soportar el aumento de tensión. Por lo tanto, la mayoría de los bajos de cinco cuerdas son más grandes que un bajo estándar de cuatro cuerdas. Algunos instrumentos de cinco cuerdas se convierten en instrumentos de cuatro cuerdas. Debido a que no tienen diapasones más anchos, a algunos músicos les resulta más difícil tocarlos con los dedos y el arco. Los bajos de cuatro cuerdas reconvertidos suelen requerir una tapa nueva y más gruesa o cuerdas más ligeras para compensar el aumento de tensión.
El contrabajo de seis cuerdas tiene tanto un C alto como un B bajo, lo que lo hace muy útil y se está volviendo más práctico después de varias actualizaciones. Es ideal para tocar solista y orquestal porque tiene un rango más jugable. Esto se puede lograr en un violín de seis cuerdas en D restringiéndolo con cuerdas de contrabajo, haciendo que la afinación sea B 0 –E 1 –A 1 –D 2 –G 2 –C 3 .
Los contrabajistas se paran o se sientan para tocar el instrumento. La altura del instrumento se ajusta ajustando la clavija de modo que el intérprete pueda alcanzar las zonas deseadas de ejecución de las cuerdas con el arco o con la mano. Los bajistas que están de pie y hacen arco a veces colocan la pica alineando el primer dedo en la primera o media posición con el nivel de los ojos, aunque existe poca estandarización a este respecto. Los jugadores que se sientan generalmente usan un taburete aproximadamente a la altura de la entrepierna de los pantalones del jugador.
Tradicionalmente, los contrabajistas tocaban de pie en solitario y se sentaban a tocar en la orquesta o en el foso de la ópera. Ahora bien, es inusual que un músico sea igualmente competente en ambas posiciones, por lo que algunos solistas se sientan (como Joel Quarrington , Jeff Bradetich , Thierry Barbé y otros) y algunos bajistas orquestales están de pie.
Al tocar en el rango superior del instrumento (por encima de G 3 , G por debajo de C medio), el intérprete mueve la mano desde detrás del mástil y la aplana, usando el lado del pulgar para presionar la cuerda. Esta técnica, también utilizada en el violonchelo, se llama posición del pulgar . Mientras tocan en la posición del pulgar, pocos intérpretes utilizan el cuarto dedo (meñique), ya que suele ser demasiado débil para producir un tono fiable (esto también se aplica a los violonchelistas), aunque algunos acordes extremos o técnicas extendidas, especialmente en la música contemporánea, pueden requerir su uso.
El estilo rockabilly puede ser muy exigente para la mano que puntea, debido al uso que hace el rockabilly de "golpear" el diapasón. Tocar el bajo puede ser físicamente exigente, porque las cuerdas están bajo una tensión relativamente alta. Además, el espacio entre las notas en el diapasón es grande, debido a la longitud de la escala y el espaciado de las cuerdas, por lo que los instrumentistas deben mantener los dedos separados para las notas en las posiciones más bajas y cambiar de posición con frecuencia para tocar las líneas de bajo. Como ocurre con todos los instrumentos de cuerda sin trastes , los intérpretes deben aprender a colocar los dedos con precisión para producir el tono correcto. Para los bajistas con brazos más cortos o manos más pequeñas, los grandes espacios entre tonos pueden presentar un desafío importante, especialmente en el rango más bajo, donde los espacios entre notas son más grandes. Sin embargo, el mayor uso de técnicas de interpretación como la posición del pulgar y las modificaciones en el bajo, como el uso de cuerdas de calibre más ligero con menor tensión, han aliviado la dificultad de tocar el instrumento.
Las partes de bajo tienen relativamente menos pasajes rápidos, dobles paradas o grandes saltos de rango. Estas partes generalmente se asignan a la sección de violonchelo, ya que el violonchelo es un instrumento más pequeño en el que se realizan más fácilmente estas técnicas.
Hasta la década de 1990, los contrabajos de tamaño infantil no estaban ampliamente disponibles, y el gran tamaño del bajo impedía que los niños tocaran el instrumento hasta que alcanzaron una altura y un tamaño de mano que les permitiera tocar un modelo de 3 ⁄ 4 (el tamaño más común). A partir de la década de 1990, los instrumentos más pequeños de 1 ⁄ 2 , 1 ⁄ 4 , 1 ⁄ 8 e incluso 1 ⁄ 16 estuvieron más disponibles, para que los niños pudieran empezar más jóvenes. [ cita necesaria ]
A pesar del tamaño del instrumento, no es tan ruidoso como muchos otros instrumentos debido a su tono musical bajo . En una orquesta grande, normalmente entre cuatro y ocho bajistas tocan la misma línea de bajo al unísono para producir suficiente volumen. En las orquestas más grandes, las secciones de bajo pueden tener hasta diez o doce músicos, pero las limitaciones presupuestarias modernas hacen que las secciones de bajo sean inusuales.
Al escribir pasajes solistas para bajo en música orquestal o de cámara, los compositores suelen asegurarse de que la orquestación sea ligera para que no oscurezca el bajo. Si bien la amplificación rara vez se usa en la música clásica, en algunos casos en los que un bajo solista interpreta un concierto con una orquesta completa, se puede usar una amplificación sutil llamada mejora acústica . El uso de micrófonos y amplificadores en un entorno clásico ha dado lugar a un debate dentro de la comunidad clásica, ya que "... los puristas sostienen que el sonido acústico natural de las voces [o] instrumentos [clásicos] en una sala determinada no debe alterarse". [25]
En muchos géneros, como el jazz y el blues , los intérpretes utilizan la amplificación a través de un amplificador especializado y altavoces. Una pastilla piezoeléctrica se conecta al amplificador con un cable de 1 ⁄ 4 de pulgada. Los músicos de bluegrass y jazz suelen utilizar menos amplificación que los de blues, psychobilly o jam band . En estos últimos casos, el alto volumen general de otros amplificadores e instrumentos puede provocar una retroalimentación acústica no deseada , un problema exacerbado por la gran superficie y el volumen interior del bajo. El problema de la retroalimentación ha llevado a soluciones tecnológicas como dispositivos electrónicos eliminadores de retroalimentación (esencialmente un filtro de muesca automatizado que identifica y reduce las frecuencias donde se produce la retroalimentación) e instrumentos como el contrabajo eléctrico , que tiene características de ejecución como el contrabajo pero generalmente poca o ninguna caja de sonido. , lo que hace que la retroalimentación sea menos probable. Algunos bajistas reducen el problema de la retroalimentación bajando el volumen en el escenario o tocando más lejos de los altavoces de su amplificador de bajo.
En el rockabilly y el psychobilly, golpear las cuerdas con percusión contra el diapasón es una parte importante del estilo de tocar el bajo. Dado que las pastillas piezoeléctricas no son buenas para reproducir los sonidos de las cuerdas que se golpean contra el diapasón, los bajistas de estos géneros suelen utilizar tanto pastillas piezoeléctricas (para el tono de graves graves) como un micrófono de condensador en miniatura (para captar los sonidos de percusión). Estas dos señales se mezclan utilizando un mezclador simple antes de enviar la señal al amplificador de bajo.
El gran tamaño y la relativa fragilidad del contrabajo lo hacen incómodo de manipular y transportar. La mayoría de los bajistas utilizan estuches blandos, conocidos como gigbags , para proteger el instrumento durante el transporte. Estos van desde estuches económicos y delgados sin acolchado utilizados por estudiantes (que solo protegen contra rasguños y lluvia) hasta versiones con acolchado grueso para jugadores profesionales, que también protegen contra golpes e impactos. Algunos bajistas llevan su arco en un estuche rígido; Los estuches de bajo más caros tienen un bolsillo grande para un estuche de arco. Los instrumentistas también pueden usar un carro pequeño y ruedas con pasadores para mover el bajo. Algunos estuches acolchados de mayor precio tienen ruedas adheridas al estuche. Otra opción que encontramos en los estuches acolchados de mayor precio son las correas de mochila, para facilitar el transporte del instrumento.
Los Flightcases rígidos tienen interiores acolchados y exteriores resistentes de fibra de carbono , grafito , fibra de vidrio o Kevlar . El costo de los buenos estuches rígidos (varios miles de dólares estadounidenses) y las altas tarifas de las aerolíneas por su envío tienden a limitar su uso a los profesionales que viajan.
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Los contrabajistas utilizan varios accesorios para ayudarles a actuar y ensayar. En la música orquestal se utilizan tres tipos de sordinas : una sordina de madera que se desliza sobre el puente, una sordina de goma que se fija al puente y un dispositivo de alambre con pesas de latón que se ajusta al puente. El jugador usa el silencio cuando aparece la instrucción italiana con sordino ("con silencio") en la parte del bajo y lo elimina en respuesta a la instrucción senza sordino ("sin silencio"). Con el silencio activado, el tono del bajo es más tranquilo, más oscuro y más sombrío. Las partes de bajo inclinadas con sordina pueden tener un tono nasal. Los jugadores utilizan un tercer tipo de sordina, una sordina de práctica de goma pesada, para practicar en silencio sin molestar a los demás (por ejemplo, en una habitación de hotel).
Un carcaj es un accesorio para sujetar el arco. Suele estar hecho de cuero y se fija al puente y al cordal con bridas o correas. Se utiliza para sostener el arco mientras un jugador toca partes de pizzicato.
Se utiliza un eliminador de tono de lobo para disminuir las vibraciones simpáticas no deseadas en la parte de una cuerda entre el puente y el cordal que pueden causar problemas de tono en ciertas notas. Es un tubo de goma cortado por el lateral que se utiliza con un manguito metálico cilíndrico que también tiene una ranura en el lateral. El cilindro metálico tiene un tornillo y una tuerca que sujeta el dispositivo a la cuerda. Las diferentes ubicaciones del cilindro a lo largo de la cuerda influyen o eliminan la frecuencia con la que se produce el tono del lobo. Es esencialmente un atenuador que cambia ligeramente la frecuencia natural de la cuerda (y/o el cuerpo del instrumento) reduciendo la reverberación. [26] El tono del lobo se produce porque las cuerdas debajo del puente a veces resuenan en tonos cercanos a las notas en la parte de la cuerda que se toca. Cuando la nota deseada hace que la cuerda debajo del puente vibre con simpatía, puede producirse una "nota de lobo" o un "tono de lobo" disonantes. En algunos casos, el tono del lobo es lo suficientemente fuerte como para provocar un sonido audible de "golpe". El tono de lobo suele aparecer con la nota G ♯ en el bajo. [27] [28]
En la orquesta, los instrumentos afinan en La tocada por el oboísta. Debido al espacio de tres octavas entre la afinación La del oboísta y la cuerda La abierta en el bajo (por ejemplo, en una orquesta que afina a 440 Hz , el oboísta toca un La 4 a 440 Hz y el La 1 abierto del bajo es 55 Hz) puede resultar difícil afinar el bajo de oído durante el corto período en que el oboísta toca la nota de afinación. Los violinistas, por otro lado, afinan su cuerda La a la misma frecuencia que la nota de afinación del oboísta. Existe un método comúnmente utilizado para afinar un contrabajo en este contexto tocando el armónico La en la cuerda Re (que está solo una octava por debajo del oboe La) y luego haciendo coincidir los armónicos de las otras cuerdas. Sin embargo, este método no es infalible, ya que los armónicos de algunos bajos no están perfectamente afinados con las cuerdas al aire. Para asegurarse de que el bajo esté afinado, algunos bajistas utilizan un afinador electrónico que indica el tono en una pequeña pantalla. Los bajistas que tocan estilos que utilizan un amplificador de bajo , como blues, rockabilly o jazz, pueden utilizar un afinador electrónico de formato stompbox , que silencia la pastilla del bajo durante la afinación.
Se utiliza un soporte de contrabajo para mantener el instrumento en su lugar y elevarlo unos centímetros del suelo. Hay una amplia variedad de stands disponibles y no existe un diseño común.
El contrabajo como instrumento solista disfrutó de un período de popularidad durante el siglo XVIII y muchos de los compositores más populares de esa época escribieron piezas para contrabajo. El contrabajo, entonces conocido como violón , utilizaba diferentes afinaciones de una región a otra. La "afinación vienesa" (A 1 –D 2 –F ♯ 2 –A 2 ) era popular, y en algunos casos se añadía una quinta cuerda o incluso una sexta cuerda (F 1 –A 1 –D 2 –F ♯ 2 –A 2 ). [29] La popularidad del instrumento está documentada en la segunda edición de su Violinschule de Leopold Mozart , donde escribe: "Uno puede reproducir pasajes difíciles más fácilmente con el violín de cinco cuerdas, y escuché interpretaciones inusualmente hermosas de conciertos, tríos, solos, etc."
El concierto para contrabajo más antiguo conocido fue escrito por Joseph Haydn c. 1763 y se presume perdido en un incendio en la biblioteca de Eisenstadt. Los primeros conciertos existentes conocidos son de Carl Ditters von Dittersdorf , quien compuso dos conciertos para contrabajo y una Sinfonía Concertante para viola y contrabajo. Otros compositores que han escrito conciertos de este período incluyen a Johann Baptist Wanhal , Franz Anton Hoffmeister (3 conciertos), Leopold Kozeluch , Anton Zimmermann , Antonio Capuzzi , Wenzel Pichl (2 conciertos) y Johannes Matthias Sperger (18 conciertos). Si bien muchos de estos nombres fueron figuras destacadas del público musical de su época, generalmente son desconocidos para el público contemporáneo. El aria de concierto de Wolfgang Amadeus Mozart , Per questa bella mano , K.612 para bajo, contrabajo obligado y orquesta, contiene una escritura impresionante para contrabajo solista de ese período. Sigue siendo popular entre los cantantes y contrabajistas de hoy.
El contrabajo finalmente evolucionó para adaptarse a las necesidades de las orquestas que requerían notas más bajas y un sonido más fuerte. Los principales contrabajistas de mediados y finales del siglo XVIII, como Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger y Johannes Mathias Sperger, emplearon la afinación "vienesa". El bajista Johann Hindle (1792–1862), que compuso un concierto para contrabajo, fue pionero en afinar el bajo en cuartas, lo que marcó un punto de inflexión para el contrabajo y su papel en las obras solistas. El bajista Domenico Dragonetti fue una figura musical destacada y conocido de Haydn y Ludwig van Beethoven . Su interpretación fue conocida desde su tierra natal, Italia, hasta el zarismo de Rusia, y encontró un lugar destacado actuando en conciertos con la Sociedad Filarmónica de Londres . La amistad de Beethoven con Dragonetti puede haberlo inspirado a escribir partes difíciles y separadas para el contrabajo en sus sinfonías, como los impresionantes pasajes del tercer movimiento de la Quinta Sinfonía, el segundo movimiento de la Séptima Sinfonía y el último movimiento de la Novena. Sinfonía. Estas partes no duplican la parte del violonchelo.
Dragonetti escribió diez conciertos para contrabajo y muchas obras solistas para bajo y piano. Durante su estancia en Londres en el verano de 1824, Rossini compuso su popular Duetto para violonchelo y contrabajo para Dragonetti y el violonchelista David Salomons. Dragonetti tocaba con frecuencia un contrabajo de tres cuerdas afinado en G – D – A de arriba a abajo. El uso de sólo las tres cuerdas superiores era popular entre los bajos solistas y bajistas principales de las orquestas del siglo XIX, porque reducía la presión sobre la tapa de madera del bajo, lo que se pensaba que creaba un sonido más resonante. Además, las cuerdas Mi graves utilizadas durante el siglo XIX eran cuerdas gruesas hechas de tripa, que eran difíciles de afinar y tocar.
En el siglo XIX, el director de ópera, compositor y bajista Giovanni Bottesini era considerado el " Paganini del contrabajo" de su época, una referencia al virtuoso del violín y compositor. Los conciertos para bajo de Bottesini fueron escritos en el estilo de ópera popular italiana del siglo XIX, que explota el contrabajo de una manera nunca antes vista. Requieren recorridos virtuosos y grandes saltos hasta los registros más altos del instrumento, incluso hasta el ámbito de los armónicos naturales y artificiales . Muchos bajistas del siglo XIX y principios del XX consideraban que estas composiciones no se podían reproducir, pero en la década de 2000 se interpretan con frecuencia. Al mismo tiempo, surgió una destacada escuela de bajistas en la región checa , que incluía a Franz Simandl, Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly y Adolf Mišek . Simandl y Hrabe también fueron pedagogos cuyos libros de métodos y estudios siguen utilizándose en la década de 2000.
La figura principal del contrabajo a principios del siglo XX fue Serge Koussevitzky , mejor conocido como director de la Orquesta Sinfónica de Boston , quien popularizó el contrabajo en los tiempos modernos como instrumento solista. Debido a las mejoras en el contrabajo con cuerdas de acero y mejores configuraciones, el bajo ahora se toca a un nivel más avanzado que nunca y cada vez más compositores han escrito obras para el contrabajo. A mediados de siglo y en las décadas siguientes, se escribieron muchos conciertos nuevos para contrabajo, incluido el Concierto de Nikos Skalkottas (1942), el Concierto de Eduard Tubin (1948), el Concertino de Lars-Erik Larsson (1957). , el Concierto de Gunther Schuller (1962), el Concierto de Hans Werner Henze (1966) y el Concierto n.º 1 de Frank Proto (1968).
El Solo para contrabajo es una de las partes del Concierto para piano y orquesta de John Cage y se puede tocar como solo o con cualquiera de las otras partes, tanto orquestales como de piano. Del mismo modo, sus partes de contrabajo solista para la obra orquestal Atlas Eclipticalis también se pueden interpretar como solistas. Las obras indeterminadas de Cage como Variaciones I , Variaciones II , Fontana Mix , Cartucho Music et al. Se puede arreglar para un contrabajista solista. Su obra 26.1.1499 para un intérprete de cuerdas suele ser interpretada por un contrabajista solista, aunque también puede ser interpretada por un violinista, violista o violonchelista.
Desde la década de 1960 hasta finales de siglo, Gary Karr fue el principal defensor del contrabajo como instrumento solista y participó activamente en el encargo o la redacción de cientos de nuevas obras y conciertos especialmente para él. Karr recibió el famoso contrabajo solista de Olga Koussevitsky y lo tocó en conciertos alrededor del mundo durante 40 años antes de, a su vez, entregar el instrumento a la Sociedad Internacional de Bajistas para que solistas talentosos lo usaran en concierto. Otro intérprete importante de este período, Bertram Turetzky , encargó y estrenó más de 300 obras para contrabajo.
En las décadas de 1970, 1980 y 1990, los nuevos conciertos incluyeron el Divertimento para contrabajo y orquesta de Nino Rota (1973), el Concierto para contrabajo y cuerdas de Alan Ridout (1974), el Concierto de Jean Françaix (1975), el Concierto de Frank Proto Concierto nº 2 de Einojuhani Rautavaara, Angel of Dusk (1980), Concierto de Gian Carlo Menotti (1983), Concierto de Christopher Rouse (1985), Ghost Nets de Henry Brant (1988) y "" de Frank Proto Carmen Fantasía para contrabajo y orquesta” (1991) y Concierto n.° 3 “Cuatro escenas después de Picasso” (1997). El Concierto lírico nº 7 de Strathclyde de Peter Maxwell Davies , para contrabajo y orquesta, data de 1992.
En la primera década del siglo XXI, los nuevos conciertos incluyen "Nine Variants on Paganini" de Frank Proto (2002), el Concierto de Kalevi Aho (2005), el Concierto para violín bajo de John Harbison (2006), el Doble de André Previn. Concierto para violín, contrabajo y orquesta (2007) y To the Silver Bow , de John Woolrich , para contrabajo, viola y cuerdas (2014).
Reinhold Glière escribió un Intermezzo y una Tarantella para contrabajo y piano, op. 9, núm. 1 y núm. 2 y un Praeludium y Scherzo para contrabajo y piano, op. 32 No. 1 y No. 2. Paul Hindemith escribió una Sonata para contrabajo rítmicamente desafiante en 1949. Frank Proto escribió su Sonata "1963" para contrabajo y piano. En la Unión Soviética, Mieczysław Weinberg escribió su Sonata No. 1 para contrabajo solo en 1971. Giacinto Scelsi escribió dos piezas para contrabajo llamadas Nuits en 1972, y luego, en 1976, escribió Maknongan , una pieza para cualquier instrumento de voz grave, como el contrabajo, el contrafagot o la tuba. Vincent Persichetti escribió obras solistas, a las que llamó "Parábolas", para muchos instrumentos. Escribió la Parábola XVII para contrabajo, op. 131 en 1974. Sofia Gubaidulina escribió una Sonata para contrabajo y piano en 1975. En 1976, el compositor minimalista estadounidense Tom Johnson escribió "Failing - a very difícil pieza para contrabajo solista" en la que el intérprete tiene que realizar un solo extremadamente virtuoso en el bajo y al mismo tiempo recita un texto que dice lo difícil que es la pieza y lo poco probable que él o ella pueda completar con éxito la interpretación sin cometer un error.
En 1977, el compositor húngaro-holandés Geza Frid escribió una serie de variaciones de El elefante de Le Carnaval des Animaux de Saint-Saëns para scordatura , contrabajo y orquesta de cuerdas. En 1987, Lowell Liebermann escribió su Sonata para contrabajo y piano op. 24. Fernando Grillo escribió la "Suite N°1" para contrabajo (1983/2005). Jacob Druckman escribió una pieza para contrabajo solista titulada Valentine . El contrabajo solista y compositor estadounidense Bertram Turetzky (nacido en 1933) ha interpretado y grabado más de 300 piezas escritas por y para él. Escribe música de cámara, música barroca, clásica, jazz, música renacentista, música de improvisación y músicas del mundo.
El compositor minimalista estadounidense Philip Glass escribió un preludio centrado en el registro inferior que compuso para timbales y contrabajo. El compositor italiano Sylvano Bussotti , cuya carrera como compositor abarca desde la década de 1930 hasta la primera década del siglo XXI, escribió una obra solista para bajo en 1983 titulada Naked Angel Face per contrabbasso . El compositor italiano Franco Donatoni escribió una pieza llamada Lem para contrabajo ese mismo año. En 1989, el compositor francés Pascal Dusapin (nacido en 1955) escribió una pieza solista llamada In et Out para contrabajo. En 1996, el compositor libanés formado en la Sorbona, Karim Haddad, compuso Ce qui dort dans l'ombre sacrée ("El que duerme en las sombras sagradas") para el Festival Presence de Radio France. Renaud García-Fons (nacido en 1962) es un contrabajista y compositor francés, destacado por recurrir al jazz, el folk y la música asiática para grabaciones de sus piezas como Oriental Bass (1997).
Dos obras recientes importantes escritas para bajo solista incluyen Synchronisms No.11 de Mario Davidovsky para contrabajo y sonidos electrónicos y Figment III de Elliott Carter para contrabajo solista. El compositor alemán Gerhard Stäbler escribió Co-wie Kobalt (1989-1990), "... una música para contrabajo solo y gran orquesta". Charles Wuorinen añadió varias obras importantes al repertorio, Spinoff trio para contrabajo, violín y conga, y Trio for Bass Instruments contrabajo, tuba y trombón bajo, y en 2007 Synaxis para contrabajo, trompa, oboe y clarinete con timbales y instrumentos de cuerda. La suite "Seven Screen Shots" para contrabajo y piano (2005) del compositor ucraniano Alexander Shchetynsky tiene una parte de bajo solista que incluye muchos métodos de interpretación no convencionales. El compositor alemán Claus Kühnl escribió Offene Weite / Open Expanse (1998) y Nachtschwarzes Meer, ringsum… (2005) para contrabajo y piano. En 1997, Joel Quarrington encargó al compositor estadounidense/canadiense Raymond Luedeke que escribiera su "Concierto para contrabajo y Orchestra", pieza que interpretó con la Orquesta Sinfónica de Toronto , con la Orquesta Sinfónica de Saskatoon , y, en versión para pequeña orquesta, con la Orquesta Sinfónica de Nueva Escocia. [30] El compositor Raymond Luedeke también compuso una obra para contrabajo, flauta y viola con narración, "El libro de las preguntas", con texto de Pablo Neruda . [31]
En 2004, el contrabajista y compositor italiano Stefano Scodanibbio hizo un arreglo para contrabajo de la obra para violonchelo solista de Luciano Berio de 2002, Sequenza XIV , con el nuevo título Sequenza XIVb .
Dado que no existe un conjunto instrumental establecido que incluya el contrabajo, su uso en la música de cámara no ha sido tan exhaustivo como la literatura para conjuntos como el cuarteto de cuerdas o el trío de piano . A pesar de ello, existe un número sustancial de obras de cámara que incorporan el contrabajo tanto en formaciones pequeñas como grandes.
Existe un pequeño conjunto de obras escritas para quinteto de piano con instrumentación de piano, violín, viola, violonchelo y contrabajo. El más famoso es el Quinteto para piano en La mayor de Franz Schubert , conocido como "El Quinteto de la Trucha " por su conjunto de variaciones en el cuarto movimiento de Die Forelle de Schubert . Otras obras para esta instrumentación escritas aproximadamente en el mismo período incluyen las de Johann Nepomuk Hummel , George Onslow , Jan Ladislav Dussek , Louise Farrenc , Ferdinand Ries , Franz Limmer , Johann Baptist Cramer y Hermann Goetz . Los compositores posteriores que escribieron obras de cámara para este quinteto incluyen a Ralph Vaughan Williams , Colin Matthews , Jon Deak , Frank Proto y John Woolrich . Felix Mendelssohn , Mikhail Glinka , Richard Wernick y Charles Ives han escrito sextetos un poco más grandes escritos para piano, cuarteto de cuerda y contrabajo .
En el género de los quintetos de cuerda, existen algunas obras para cuarteto de cuerda con contrabajo. El quinteto de cuerda en sol mayor de Antonín Dvořák , Op.77 y la serenata en sol mayor de Wolfgang Amadeus Mozart , K.525 (" Eine kleine Nachtmusik ") son las piezas más populares de este repertorio, junto con obras de Miguel del Aguila. ( Nostálgica para cuarteto de cuerda y bajo), Darius Milhaud , Luigi Boccherini (3 quintetos), Harold Shapero y Paul Hindemith . Otro ejemplo es el Quinteto de Cuerdas de Alistair Hinton (1969-1977), que también incluye una parte importante para soprano solista; con casi 170 minutos de duración, es casi con certeza la obra de este tipo más extensa del repertorio.
Las obras de cuerda ligeramente más pequeñas con contrabajo incluyen las sonatas de seis cuerdas de Gioachino Rossini , para dos violines, violonchelo y contrabajo, escritas a la edad de doce años en el transcurso de tres días en 1804. Estas siguen siendo sus obras instrumentales más famosas y también han Ha sido adaptado para cuarteto de viento. Rossini y Dragonetti compusieron dúos para violonchelo y contrabajo, al igual que Johannes Matthias Sperger , un importante solista del instrumento de afinación "vienés" del siglo XVIII. Franz Anton Hoffmeister escribió cuatro cuartetos de cuerda para contrabajo solista, violín, viola y violonchelo en re mayor. Frank Proto ha escrito un trío para violín, viola y contrabajo (1974), 2 dúos para violín y contrabajo (1967 y 2005) y Los juegos de octubre para oboe/corno inglés y contrabajo (1991).
Las obras más importantes que incorporan el contrabajo incluyen el Septeto en mi ♭ mayor de Beethoven , op. 20, una de sus piezas más famosas durante su vida, que consta de clarinete, trompa, fagot, violín, viola, violonchelo y bajo. Cuando el clarinetista Ferdinand Troyer encargó una obra a Franz Schubert para fuerzas similares, añadió un violín más para su Octeto en fa mayor, D.803. Paul Hindemith utilizó la misma instrumentación que Schubert para su propio Octeto. En el ámbito de obras aún más grandes, Mozart incluyó el contrabajo además de 12 instrumentos de viento para su " Gran Partita " Serenata, K.361 y Martinů utilizó el contrabajo en su noneto para quinteto de viento, violín, viola, violonchelo y contrabajo. bajo.
Otros ejemplos de obras de cámara que utilizan el contrabajo en conjuntos mixtos incluyen el Quinteto en sol menor, op. 39 para oboe, clarinete, violín, viola y contrabajo; Malambo de Miguel del Águila para flauta baja y piano y para cuarteto de cuerda, bajo y fagot; el Concertino de Erwin Schulhoff para flauta/flautín, viola y contrabajo; Fragmentos afroamericanos de Frank Proto para clarinete bajo, violonchelo, contrabajo y narrador y Sexteto para clarinete y cuerdas; los valses de Fred Lerdahl para violín, viola, violonchelo y contrabajo; la Letanía para contrabajo y cuarteto de viento de Mohammed Fairouz ; Festino de Mario Davidovsky para guitarra, viola, violonchelo y contrabajo; y Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis para piano, violín, violonchelo y contrabajo. También hay nuevos conjuntos musicales que utilizan el contrabajo, como Time for Three y PROJECT Trio .
En los períodos barroco y clásico, los compositores solían hacer que el contrabajo duplicara la parte del violonchelo en los pasajes orquestales. Una excepción notable es Haydn, quien compuso pasajes solistas para contrabajo en sus Sinfonías n.° 6 Le Matin , n.° 7 Le midi , n.° 8 Le Soir , n.° 31 Horn Signal y n.° 45 Farewell . Agrupó partes de bajo y violonchelo. Beethoven abrió el camino para las partes separadas de contrabajo, que se hicieron más comunes en la época romántica. El scherzo y el trío de la Quinta Sinfonía de Beethoven son extractos orquestales famosos, al igual que el recitativo al comienzo del cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven . En muchas sinfonías y conciertos del siglo XIX, el impacto típico de las partes separadas de bajo y violonchelo fue que las partes de bajo se volvieron más simples y las partes de violonchelo adquirieron líneas melódicas y pasajes rápidos. [ cita necesaria ]
Una sección de contrabajo de una orquesta moderna suele utilizar ocho contrabajistas, normalmente al unísono . Las orquestas más pequeñas pueden tener cuatro contrabajos y, en casos excepcionales, las secciones de bajos pueden tener hasta diez miembros. Si algunos contrabajistas tienen extensiones de C bajo y otros tienen bajos regulares (E bajo), aquellos con extensiones de C bajo pueden tocar algunos pasajes una octava por debajo de los contrabajos normales. Además, algunos compositores escriben partes divididas (divisi) para los bajos, donde las partes superior e inferior de la música a menudo se asignan a intérpretes "externos" (más cercanos a la audiencia) y "internos". Los compositores que escriben partes divisi para bajo suelen escribir intervalos perfectos , como octavas y quintas, pero en algunos casos utilizan terceras y sextas.
Cuando una composición requiere una parte de bajo solista, el bajo principal invariablemente toca esa parte. El líder de sección (o director) también determina las inclinaciones, a menudo basándose en las establecidas por el concertino. En algunos casos, el bajo principal puede utilizar una inclinación ligeramente diferente a la del concertino, para adaptarse a los requisitos de tocar el bajo. El bajo principal también dirige las entradas para la sección de bajos, generalmente levantando el arco o punteando la mano antes de la entrada o indicando la entrada con la cabeza, para garantizar que la sección comience en conjunto. Las principales orquestas profesionales suelen tener un bajista principal asistente, que toca solos y dirige la sección de bajo si el director está ausente.
Si bien los solos de bajo orquestal son algo raros, hay algunos ejemplos notables. Johannes Brahms , cuyo padre era contrabajista, escribió muchas partes difíciles y destacadas para contrabajo en sus sinfonías. Richard Strauss asignó partes atrevidas al contrabajo, y sus poemas sinfónicos y óperas llevan el instrumento al límite. "El elefante" de El carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns es un retrato satírico del contrabajo, y el virtuoso estadounidense Gary Karr hizo su debut televisivo tocando "El cisne" (escrita originalmente para violonchelo) con la Filarmónica de Nueva York. Dirigido por Leonard Bernstein . El tercer movimiento de la primera sinfonía de Gustav Mahler presenta un solo para contrabajo que cita la canción infantil Frere Jacques , transpuesta a tono menor. La Suite Lieutenant Kijé de Sergei Prokofiev presenta un solo de contrabajo difícil y muy alto en el movimiento "Romance". La Guía de orquesta para jóvenes de Benjamin Britten contiene un pasaje destacado para la sección de contrabajo.
También existen conjuntos compuestos enteramente por contrabajos, aunque relativamente raros, y varios compositores han escrito o arreglado para dichos conjuntos. Existen composiciones para cuatro contrabajos de Gunther Schuller , Jacob Druckman , James Tenney , Claus Kühnl , Robert Ceely, Jan Alm, Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto, Joseph Lauber, Erich Hartmann , Colin Brumby , Miloslav Gajdos y Theodore Albin Findeisen. "¿Quién está primero?", de David A. Jaffe , [32] encargado por la Orquesta Nacional Rusa está compuesto para cinco contrabajos. Bertold Hummel escribió una Sinfonia piccola [33] para ocho contrabajos. Las obras de conjunto más amplias incluyen la Composición nº 2 de Galina Ustvolskaya , "Dies Irae" (1973), para ocho contrabajos, piano y cubo de madera, "George and Muriel" (1986) de José Serebrier , para bajo solista, contrabajo conjunto de bajo y coro, y What of my music! de Gerhard Samuel. (1979), para soprano, percusión y 30 contrabajos.
Los conjuntos de contrabajo incluyen L'Orchestre de Contrebasses (6 miembros), [34] Bass Instinct (6 miembros), [35] Bassiona Amorosa (6 miembros), [36] Chicago Bass Ensemble (4+ miembros), [37] Ludus Gravis fundado por Daniele Roccato y Stefano Scodanibbio , The Bass Gang (4 miembros), [38] London Double Bass Ensemble (6 miembros) fundado por miembros de la Orquesta Filarmónica de Londres que produjeron el LP [39] Music Interludes de Londres Conjunto de contrabajos en discos Bruton Music , Orquesta de contrabajos de Brno (14 miembros) fundada por el profesor de contrabajo de la Academia de Música y Artes Escénicas de Janáček y contrabajista principal de la Orquesta Filarmónica de Brno , Miloslav Jelinek, y los conjuntos de la Universidad Ball State (12 miembros), la Universidad de Shenandoah y la Escuela de Música Hartt . El Amarillo Bass Base de Amarillo, Texas , alguna vez contó con 52 contrabajistas, [40] [41] y The London Double Bass Sound, que lanzó un CD en Cala Records, tiene 10 jugadores. [42]
Además, las secciones de contrabajo de algunas orquestas actúan como un conjunto, como el Lower Wacker Consort de la Orquesta Sinfónica de Chicago . [43] Hay un número cada vez mayor de composiciones y arreglos publicados para conjuntos de contrabajo, y la Sociedad Internacional de Bajistas presenta regularmente conjuntos de contrabajo (tanto conjuntos más pequeños como conjuntos de "bajos masivos" muy grandes) en sus conferencias, y patrocinadores. el Concurso de Composición bienal David Walter, que incluye una división para obras de conjunto de contrabajo.
A partir de 1890, el primer conjunto de jazz de Nueva Orleans (que tocaba una mezcla de marchas, ragtime y Dixieland ) era inicialmente una banda de música con una tuba o un sousafón (u ocasionalmente un saxofón bajo ) que suministraba la línea de bajo. A medida que la música llegó a los bares y burdeles, el contrabajo reemplazó gradualmente a estos instrumentos de viento alrededor de la década de 1920. [44] Muchos de los primeros bajistas doblaban tanto el bajo de metal ( tuba ) como el contrabajo de cuerda , como se llamaba a menudo a estos instrumentos. Los bajistas tocaron líneas de bajo improvisadas "andantes": líneas basadas en escalas y arpegios que delineaban la progresión de acordes .
Debido a que un contrabajo no amplificado es generalmente el instrumento más silencioso en una banda de jazz, muchos músicos de las décadas de 1920 y 1930 utilizaron el estilo slap , golpeando y tirando de las cuerdas para producir un sonido rítmico de "bofetada" contra el diapasón. El estilo slap atraviesa el sonido de una banda mejor que simplemente puntear las cuerdas, e hizo que el bajo se escuchara más fácilmente en las primeras grabaciones de sonido, ya que los equipos de grabación de esa época no favorecían las bajas frecuencias. [45] Para obtener más información sobre el estilo slap, consulte Estilos de interpretación modernos , a continuación.
Se espera que los bajistas de jazz improvisen una línea de acompañamiento o un solo para una progresión de acordes determinada. También se espera que conozcan los patrones rítmicos apropiados para diferentes estilos (por ejemplo, afrocubano). Los bajistas que tocan en una big band también deben poder leer líneas de bajo escritas, ya que algunos arreglos tienen partes de bajo escritas.
Muchos contrabajistas han contribuido a la evolución del jazz. Los ejemplos incluyen músicos de la era del swing como Jimmy Blanton , que tocó con Duke Ellington , y Oscar Pettiford , que fue pionero en el uso del instrumento en el bebop . Paul Chambers (que trabajó con Miles Davis en el famoso álbum Kind of Blue ) alcanzó fama por ser uno de los primeros bajistas de jazz en tocar solos de bebop con el arco. Terry Plumeri impulsó el desarrollo de los solos de arco (arco), logrando una libertad técnica similar a la de una trompeta y un tono vocal claro y arqueado, mientras que Charlie Haden , mejor conocido por su trabajo con Ornette Coleman , definió el papel del bajo en el Free Jazz .
Varios otros bajistas, como Ray Brown , Slam Stewart y Niels-Henning Ørsted Pedersen , fueron fundamentales para la historia del jazz. Stewart, que era popular entre los beboppers, tocaba sus solos con un arco combinado con tarareos de octavas. En particular, Charles Mingus fue un compositor de gran prestigio y un bajista destacado por su virtuosismo técnico y su potente sonido. [46] Scott LaFaro influyó en una generación de músicos al liberar el bajo del "caminar" contrapuntístico detrás de los solistas, favoreciendo en lugar de ello melodías interactivas y conversacionales. [47] Desde la disponibilidad comercial de amplificadores de bajo en la década de 1950, los bajistas de jazz han utilizado la amplificación para aumentar el volumen natural del instrumento.
Si bien el bajo eléctrico se utilizó de forma intermitente en el jazz ya en 1951, a partir de la década de 1970 el bajista Bob Cranshaw , que tocaba con el saxofonista Sonny Rollins , y los pioneros de la fusión Jaco Pastorius y Stanley Clarke comenzaron a sustituir comúnmente el contrabajo por el bajo. Sin embargo, aparte de los estilos de jazz de jazz fusión y jazz de influencia latina, el contrabajo sigue siendo el instrumento bajo dominante en el jazz. El sonido y el tono del contrabajo pulsado son distintos del del bajo con trastes. El contrabajo produce un sonido diferente al bajo, porque sus cuerdas no están detenidas por trastes metálicos , sino que tienen un rango tonal continuo en el diapasón ininterrumpido. Además, los bajos suelen tener un cuerpo de madera maciza, lo que significa que su sonido se produce mediante una amplificación electrónica de la vibración de las cuerdas, en lugar de la reverberación acústica del contrabajo.
Se pueden escuchar ejemplos demostrativos del sonido de un contrabajo solista y su uso técnico en el jazz en las grabaciones en solitario Emerald Tears (1978) de Dave Holland o Emergence (1986) de Miroslav Vitous . Holland también grabó un álbum con el título representativo Music from Two Basses (1971) en el que toca con Barre Phillips mientras que a veces cambia al violonchelo.
El contrabajo es el instrumento bajo más utilizado en la música bluegrass y casi siempre se pulsa, aunque algunos bajistas modernos de bluegrass también han utilizado un arco. El bajista de bluegrass forma parte de la sección rítmica, y es responsable de mantener un ritmo constante, ya sea rápido, lento, en4
4,2
4o3
4tiempo. El bajo también mantiene la progresión de acordes y la armonía. Las marcas Engelhardt-Link (anteriormente Kay ) de bajos laminados de madera contrachapada han sido durante mucho tiempo opciones populares para los bajistas de bluegrass. La mayoría de los bajistas de bluegrass utilizan el bajo de tamaño 3 ⁄ 4 , pero también se utilizan los bajos de tamaño completo y 5 ⁄ 8 .
La música tradicional anterior al bluegrass solía ir acompañada del violonchelo. La violonchelista Natalie Haas señala que en Estados Unidos se pueden encontrar "... fotografías antiguas, e incluso grabaciones antiguas, de bandas de cuerda estadounidenses con violonchelo". Sin embargo, "el violonchelo desapareció de la música folclórica y pasó a asociarse con la orquesta". [48] El violonchelo no reapareció en el bluegrass hasta la década de 1990 y la primera década del siglo XXI. Algunas bandas de bluegrass contemporáneas prefieren el bajo eléctrico, porque es más fácil de transportar que el bajo vertical grande y algo frágil. Sin embargo, el bajo tiene un sonido musical diferente. Muchos músicos sienten que el ataque más lento y el tono amaderado de percusión del contrabajo le dan un sonido más "terrenal" o "natural" que un bajo eléctrico, especialmente cuando se utilizan cuerdas de tripa.
Los ritmos comunes en el bajo de bluegrass implican (con algunas excepciones) puntear en los tiempos 1 y 3 en4
4tiempo; late 1 y 2 en2
4tiempo, y en el tiempo fuerte en3
4tiempo (tiempo de vals). Las líneas de bajo de Bluegrass suelen ser simples y generalmente permanecen en la raíz y la quinta de cada acorde durante la mayor parte de una canción. Hay dos excepciones principales a esta regla. Los bajistas de bluegrass a menudo hacen un walkup o walkdown diatónico , en el que tocan cada tiempo de un compás durante uno o dos compases, generalmente cuando hay un cambio de acorde. Además, si a un bajista se le asigna un solo, puede tocar una línea de bajo andante con una nota en cada tiempo o tocar una línea de bajo influenciada por una escala pentatónica.
Uno de los primeros bajistas de bluegrass que saltó a la fama fue Howard Watts (también conocido como Cedric Rainwater), quien tocó con los Blue Grass Boys de Bill Monroe a partir de 1944. [49] El bajista clásico Edgar Meyer se ha diversificado con frecuencia hacia el newgrass , el old- tiempo, jazz y otros géneros. "Mi favorito de todos los tiempos es Todd Phillips ", proclamó el bajista de Union Station Barry Bales en abril de 2005. "Aportó una forma completamente diferente de pensar y tocar bluegrass. [50]
Un contrabajo era el instrumento bajo estándar en la música country occidental tradicional . Si bien el contrabajo todavía se usa ocasionalmente en la música country , el bajo eléctrico ha reemplazado en gran medida a su primo mayor en la música country, especialmente en los estilos country más pop de las décadas de 1990 y 2000, como el new country.
El bajo estilo Slap se utiliza a veces al tocar el bajo bluegrass. Cuando los bajistas de bluegrass golpean la cuerda tirando de ella hasta que golpea el diapasón o golpean las cuerdas contra el diapasón, agrega el sonido de percusión agudo "clack" o "slap" a las notas graves de tono bajo, sonando muy parecido al Golpes de una bailarina de claqué. Las bofetadas son un tema de controversia menor en la escena del bluegrass. Incluso los expertos en bofetadas como Mike Bub dicen: "No abofetees en cada concierto" o en canciones donde no sea apropiado. Además, los bajistas de bluegrass que tocan estilo slap en shows en vivo a menudo tocan menos en los discos. Bub y su mentor Jerry McCoury rara vez tocan el bajo en las grabaciones. Mientras que bajistas como Jack Cook tocan el bajo en alguna que otra "canción de Clinch Mountain Boys" más rápida, bajistas como Gene Libbea, Missy Raines , Jenny Keel y Barry Bales [raramente] tocan el bajo. [51]
El bajista de Bluegrass Mark Schatz, que enseña slap bass en su DVD Intermediate Bluegrass Bass , reconoce que el slap bass "... no ha sido estilísticamente muy predominante en la música que he grabado". Señala que "Incluso en el bluegrass tradicional, el slap bass sólo aparece esporádicamente y la mayor parte de lo que he hecho ha sido en el lado más contemporáneo (Tony Rice, Tim O'Brien)". Schatz afirma que sería "... más probable que lo use [bofetada] en una situación en vivo que en una grabación, para un solo o para puntuar un lugar particular en una canción o melodía donde no estaría borrando el solo de alguien". ". [52] Otro método de bluegrass, Learn to Play Bluegrass Bass , de Earl Gately, también enseña la técnica del bajo bluegrass slap. El bajista alemán Didi Beck toca rápidos tripletes, como se demuestra en este vídeo. [53]
A principios de la década de 1950, el contrabajo era el instrumento bajo estándar en el estilo emergente de música rock and roll, siendo Marshall Lytle de Bill Haley & His Comets solo un ejemplo. En la década de 1940, se desarrolló un nuevo estilo de música de baile llamado Rhythm and Blues , que incorporaba elementos de los estilos anteriores de Blues y Swing. Louis Jordan , el primer innovador de este estilo, incluyó un contrabajo en su grupo, los Tympany Five . [54]
El contrabajo siguió siendo una parte integral de las formaciones pop durante la década de 1950, ya que el nuevo género del rock and roll se construyó en gran medida sobre el modelo del ritmo y el blues, con fuertes elementos también derivados del jazz, el country y el bluegrass. Sin embargo, los contrabajistas que usaban sus instrumentos en estos contextos enfrentaban problemas inherentes. Se vieron obligados a competir con instrumentos de trompeta más ruidosos (y más tarde con guitarras eléctricas amplificadas ), lo que hacía que las partes del bajo fueran difíciles de escuchar. El contrabajo es difícil de amplificar en salas de conciertos con mucho ruido, porque puede ser propenso a producir aullidos de retroalimentación . [55] Además, el contrabajo es grande y difícil de transportar, lo que también creó problemas de transporte para las bandas en gira. En algunos grupos, el slap bass se utilizó como percusión de banda en lugar de un baterista; tal fue el caso de Bill Haley & His Saddlemen (el grupo precursor de los Comets), que no utilizó bateristas en grabaciones y presentaciones en vivo hasta finales de 1952; Antes de esto, se utilizaba el slap bass para la percusión, incluso en grabaciones como las versiones de Haley de " Rock the Joint " y " Rocket 88 ". [56]
En 1951, Leo Fender lanzó su Precision Bass , el primer bajo eléctrico de éxito comercial . [57] El bajo eléctrico se amplificaba fácilmente con sus pastillas magnéticas incorporadas , fácilmente portátil (menos de un pie más largo que una guitarra eléctrica) y más fácil de tocar afinado que un bajo vertical, gracias a los trastes de metal. En las décadas de 1960 y 1970, las bandas tocaban a volúmenes más altos y actuaban en lugares más grandes. El bajo eléctrico fue capaz de proporcionar el tono de bajo enorme y altamente amplificado que llenaba el estadio que exigía la música pop y rock de esta época, y el contrabajo se alejó del centro de atención de la escena de la música popular.
El contrabajo comenzó a regresar a la música popular a mediados de la década de 1980, en parte debido a un interés renovado en formas anteriores de música folk y country, como parte de las tendencias del rock de raíces y americana . En la década de 1990, las mejoras en los diseños de pastillas y amplificadores para bajos electroacústicos horizontales y verticales facilitaron a los bajistas obtener un tono amplificado bueno y claro de un instrumento acústico. Algunas bandas populares decidieron anclar su sonido con un contrabajo en lugar de un bajo eléctrico, como Barenaked Ladies . Una tendencia de actuaciones "unplugged" en MTV , en las que bandas de rock actuaban únicamente con instrumentos acústicos, contribuyó aún más a aumentar el interés del público por el contrabajo y los bajos acústicos .
Jim Creeggan de Barenaked Ladies toca principalmente el contrabajo, aunque ha tocado cada vez más el bajo a lo largo de la carrera de la banda. Chris Wyse del grupo de rock alternativo Owl utiliza una combinación de contrabajo eléctrico y. Athol Guy del grupo australiano de folk/pop The Seekers toca el contrabajo. Shannon Birchall , del grupo australiano de folk-rock The John Butler Trio , [58] hace un uso extensivo de contrabajos, interpretando extensos solos en vivo en canciones como Betterman. En el álbum de 2008 In Ear Park de la banda indie/pop Department of Eagles , un contrabajo inclinado aparece de manera bastante destacada en las canciones "Teenagers" e "In Ear Park". La banda noruega de ompa-rock Kaizers Orchestra utiliza exclusivamente el contrabajo tanto en directo como en sus grabaciones. [59]
El dúo de pop contemporáneo francés "What a day" utiliza la técnica de pizzicato extendido de contrabajo con voz y máquina de escribir [60]
Los bajistas de Hank Williams III (Jason Brown, Joe Buck y Zach Shedd, en particular) han utilizado bajos verticales para grabar, así como durante los sets de country y Hellbilly de las presentaciones en vivo de Hank III antes de cambiar al bajo eléctrico para el set de Assjack .
El género rockabilly-punk de finales de la década de 1970, el psychobilly, continuó y amplió la tradición del rockabilly del slap bass. Bajistas como Kim Nekroman y Geoff Kresge han desarrollado la capacidad de tocar un bajo rápido que, de hecho, convierte el bajo en un instrumento de percusión.
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En los géneros musicales populares, el instrumento suele tocarse con amplificación y casi exclusivamente con los dedos, estilo pizzicato . El estilo pizzicato varía entre diferentes intérpretes y géneros. Algunos intérpretes tocan con los lados de uno, dos o tres dedos, especialmente para líneas de bajo andantes y baladas de tempo lento, porque se supone que esto crea un tono más fuerte y sólido. Algunos intérpretes utilizan las puntas más ágiles de los dedos para tocar pasajes solistas de rápido movimiento o para tocar ligeramente melodías tranquilas. El uso de amplificación permite al intérprete tener más control sobre el tono del instrumento, porque los amplificadores tienen controles de ecualización que permiten al bajista acentuar ciertas frecuencias (a menudo las frecuencias graves) mientras desacentúa algunas frecuencias (a menudo las frecuencias altas, por lo que que hay menos ruido de los dedos).
El tono de un bajo acústico no amplificado está limitado por la capacidad de respuesta de frecuencia del cuerpo hueco del instrumento, lo que significa que los tonos muy bajos pueden no ser tan fuertes como los tonos más altos. Con un amplificador y dispositivos de ecualización, un bajista puede aumentar las frecuencias bajas, lo que cambia la respuesta de frecuencia. Además, el uso de un amplificador puede aumentar el sostenido del instrumento, lo que resulta especialmente útil para el acompañamiento de baladas y para solos melódicos con notas sostenidas.
En la música tradicional de jazz, swing , polka , rockabilly y psychobilly, a veces se toca en estilo slap . Esta es una versión vigorosa del pizzicato en la que las cuerdas se "golpean" contra el diapasón entre las notas principales de la línea de bajo, produciendo un sonido de percusión parecido al de una caja . Las notas principales se tocan normalmente o tirando de la cuerda del diapasón y soltándola para que rebote en el diapasón, produciendo un ataque de percusión distintivo además del tono esperado. Los bajistas notables del estilo slap, cuyo uso de la técnica era a menudo muy sincopado y virtuoso, a veces interpolaban dos, tres, cuatro o más slaps entre notas de la línea de bajo.
El "estilo Slap" puede haber influido en los bajistas eléctricos [ cita necesaria ] quienes, desde mediados de los sesenta (particularmente Larry Graham de Sly and the Family Stone), desarrollaron una técnica llamada slap y pop que usaba el pulgar de la mano que punteaba para golpea la cuerda, haciendo un sonido de bofetada pero aún dejando que la nota suene, y el dedo índice o medio de la mano que puntea para tirar de la cuerda hacia atrás para que toque el diapasón, logrando el sonido pop descrito anteriormente. El bajista de Motown, James Jamerson , utilizaba habitualmente un contrabajo para mejorar el bajo eléctrico en la postproducción ("endulzamiento") de pistas grabadas y viceversa en muchos casos. [ cita necesaria ]
Algunos de los contrabajistas clásicos contemporáneos más influyentes son conocidos tanto por sus contribuciones a la pedagogía como por sus habilidades interpretativas, como el bajista estadounidense Oscar G. Zimmerman (1910-1987), conocido por su enseñanza en la Escuela de Música Eastman y , durante 44 veranos en el Interlochen National Music Camp en Michigan y el bajista francés François Rabbath (n. 1931), quien desarrolló un nuevo método de bajo que dividía todo el diapasón en seis posiciones. Entre los bajistas destacados por sus virtuosas habilidades solistas se encuentran el pedagogo e intérprete estadounidense Gary Karr (n. 1941), el compositor finlandés Teppo Hauta-Aho (n. 1941), el compositor italiano Fernando Grillo y el compositor estadounidense Edgar Meyer. Para obtener una lista más amplia, consulte la Lista de contrabajistas clásicos contemporáneos .
Los bajistas de jazz notables de las décadas de 1940 a 1950 incluyeron al bajista Jimmy Blanton (1918-1942), cuyo breve paso por la banda Duke Ellington Swing (interrumpido por su muerte por tuberculosis ) introdujo nuevas ideas solistas melódicas y armónicas para el instrumento; el bajista Ray Brown (1926-2002), conocido por respaldar a los Beboppers Dizzy Gillespie , Oscar Peterson , Art Tatum y Charlie Parker , y formar el Modern Jazz Quartet ; el bajista de hard bop Ron Carter (nacido en 1937), que ha aparecido en 3.500 álbumes, lo convierte en uno de los bajistas más grabados en la historia del jazz, incluidos LP de Thelonious Monk y Wes Montgomery y muchos artistas de Blue Note Records ; y Paul Chambers (1935-1969), miembro del Quinteto de Miles Davis (incluida la histórica grabación de jazz modal Kind of Blue ) y muchas otras secciones rítmicas de los años cincuenta y sesenta, era conocido por sus virtuosas improvisaciones .
La era experimental posterior a la década de 1960 y la fusión del free jazz y el jazz-rock produjeron varios bajistas influyentes. Charles Mingus (1922-1979), que también fue compositor y director de banda , produjo música que fusionaba el hard bop con la música gospel negra , el free jazz y la música clásica. El bajista de free jazz y post-bop Charlie Haden (1937-2014) es mejor conocido por su larga asociación con el saxofonista Ornette Coleman y por su papel en la Liberation Music Orchestra de la década de 1970 , un grupo experimental. Eddie Gómez y George Mraz , quienes tocaron con Bill Evans y Oscar Peterson , respectivamente, y se reconoce que ambos han aumentado las expectativas de fluidez en pizzicato y fraseo melódico. El virtuoso de la fusión Stanley Clarke (nacido en 1951) se destaca por su destreza tanto en el contrabajo como en el bajo eléctrico. Terry Plumeri se destaca por su fluidez de arco similar a un cuerno y su tono vocal.
En la década de 1990 y la primera década del siglo XXI, uno de los nuevos "leones jóvenes" fue Christian McBride (nacido en 1972), quien ha actuado con una variedad de veteranos que van desde McCoy Tyner hasta los gurús de la fusión Herbie Hancock y Chick Corea , y que Ha lanzado álbumes como Vertical Vision de 2003 . Otra joven bajista destacada es Esperanza Spalding (nacida en 1984) que, a sus 27 años, ya había ganado un Grammy al Mejor Artista Revelación.
Además de ser un destacado intérprete de música clásica, Edgar Meyer es muy conocido en los círculos de bluegrass y newgrass . Todd Phillips es otro destacado jugador de bluegrass. Entre los bajistas de rockabilly más conocidos se incluyen Bill Black , Marshall Lytle (con Bill Haley & His Comets ) y Lee Rocker (con los revivalistas del rockabilly de la década de 1980, los Stray Cats ).
Entre los revivalistas de rockabilly e intérpretes de psychobilly notables de la década de 1990 y la primera década del siglo XXI se incluyen Scott Owen (de la banda australiana The Living End ), Jimbo Wallace (de la banda estadounidense Reverend Horton Heat ), Kim Nekroman ( Nekromantix ), Patricia Day ( HorrorPops ), Geoff Kresge ( Tiger Army , ex- AFI ). Willie Dixon (1915-1992) fue una de las figuras más notables de la historia del ritmo y el blues . Además de ser contrabajista, escribió decenas de éxitos de R&B y trabajó como productor. También toca el bajo en numerosos éxitos del rock and roll de Chuck Berry . Muchas otras bandas de rockabilly como El Rio Trio (de Holanda) también utilizan este instrumento en sus trabajos. Véase también la Lista de contrabajistas de la música popular .
La pedagogía y formación del contrabajo varía mucho según el género y el país. El contrabajo clásico tiene una historia pedagógica que se remonta a varios siglos, incluidos manuales de enseñanza, estudios y ejercicios progresivos que ayudan a los estudiantes a desarrollar la resistencia y precisión de la mano izquierda y el control de la mano arqueada. Los métodos de formación clásicos varían según el país: muchos de los principales países europeos están asociados con métodos específicos (por ejemplo, el método Edouard Nanny en Francia o el método Franz Simandl en Alemania ). En el entrenamiento clásico, la mayor parte de la instrucción para la mano derecha se centra en la producción del tono de reverencia; Se dedica poco tiempo a estudiar las variedades del tono pizzicato.
Por el contrario, en géneros que utilizan principal o exclusivamente pizzicato (punteo), como el jazz y el blues, se dedica una gran cantidad de tiempo y esfuerzo a aprender las variedades de los diferentes estilos de pizzicato utilizados para la música de diferentes estilos de tempi. Por ejemplo, en el jazz, los aspirantes a bajistas tienen que aprender a interpretar una amplia gama de tonos de pizzicato, incluido el uso de los lados de los dedos para crear un sonido completo y profundo para baladas, el uso de las yemas de los dedos para líneas de bajo o solos que caminan rápidamente. y tocar una variedad de notas fantasma de percusión rastrillando cuerdas silenciadas o parcialmente silenciadas.
De todos los géneros, la clásica y el jazz tienen los sistemas de instrucción y formación más establecidos y completos. En el entorno clásico, los niños pueden empezar a recibir clases privadas de instrumento y actuar en orquestas infantiles o juveniles. Los adolescentes que aspiran a convertirse en bajistas clásicos profesionales pueden continuar sus estudios en una variedad de entornos de capacitación formal, incluidos colegios, conservatorios y universidades. Las universidades ofrecen certificados y diplomas en interpretación de bajo.
Los conservatorios , que son el sistema de formación musical estándar en Francia y en Quebec (Canadá), ofrecen lecciones y experiencia orquestal amateur para contrabajistas. Las universidades ofrecen una variedad de programas de contrabajo, que incluyen títulos de licenciatura, maestría en música y doctorado en artes musicales . Además, existe una variedad de otros programas de capacitación, como campamentos de verano clásicos y festivales de capacitación de música orquestal, de ópera o de cámara, que brindan a los estudiantes la oportunidad de tocar una amplia gama de música.
Las licenciaturas en interpretación de bajo (denominadas B.Mus. o BM) son programas de cuatro años que incluyen lecciones individuales de bajo, experiencia en orquesta amateur y una secuencia de cursos de historia de la música, teoría musical y cursos de artes liberales (p. ej., Literatura inglesa), que brindan al estudiante una educación más integral. Por lo general, los estudiantes de interpretación de bajo realizan varios recitales de música de contrabajo solista, como conciertos, sonatas y suites barrocas.
Los títulos de maestría en música ( M.mus. ) en interpretación de contrabajo consisten en lecciones privadas, experiencia en conjunto, entrenamiento para tocar partes de contrabajo orquestal y cursos de posgrado en historia y teoría de la música, junto con uno o dos recitales de solista. Una maestría en música (conocida como M.Mus. o MM) suele ser una credencial requerida para las personas que desean convertirse en profesores de contrabajo en una universidad o conservatorio.
Los títulos de Doctor en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D.) en interpretación de contrabajo brindan una oportunidad para estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, lo que generalmente requiere 54 años adicionales. + horas de crédito más allá de una maestría (que son aproximadamente más de 30 créditos más allá de una licenciatura). Por este motivo, la admisión es muy selectiva. Se requieren exámenes de historia de la música, teoría musical, entrenamiento auditivo/dictado y un examen de ingreso-recital. Los estudiantes realizan una serie de recitales (alrededor de seis), incluido un recital de conferencia acompañado de una tesis doctoral, cursos avanzados y un promedio mínimo de B, son otros requisitos típicos de un programa de DMA.
A lo largo de la historia temprana del jazz, los contrabajistas aprendieron el instrumento de manera informal o recibiendo formación clásica desde el principio, como en el caso de Ron Carter y Charles Mingus. En las décadas de 1980 y 1990, los colegios y universidades comenzaron a introducir diplomas y títulos en interpretación de jazz. Los estudiantes en programas de diploma de jazz o Licenciatura en Música toman lecciones de bajo individuales, adquieren experiencia en pequeños combos de jazz con el entrenamiento de un músico experimentado y tocan en grandes bandas de jazz. Al igual que los programas de formación clásica, los programas de jazz también incluyen cursos presenciales de historia de la música y teoría musical. En un programa de jazz, estos cursos se centran en las diferentes épocas de la historia del jazz. como Swing, Bebop y fusión. Los cursos teóricos se centran en las habilidades musicales utilizadas en la improvisación de jazz y en la composición (acompañamiento) de jazz y la composición de melodías de jazz. También hay campamentos de verano de jazz y festivales/seminarios de formación, que ofrecen a los estudiantes la oportunidad de aprender nuevas habilidades y estilos.
En otros géneros, como el blues, el rockabilly y el psychobilly, los sistemas pedagógicos y las secuencias de formación no están tan formalizados ni institucionalizados. No hay títulos en interpretación de bajo de blues ni conservatorios que ofrezcan diplomas de varios años en bajo de rockabilly. Sin embargo, existe una variedad de libros, métodos de ejecución y, desde la década de 1990, DVD instructivos (por ejemplo, sobre cómo tocar el bajo estilo rockabilly). Como tal, los intérpretes de estos otros géneros tienden a provenir de una variedad de rutas, incluido el aprendizaje informal mediante el uso de libros o DVD sobre métodos de bajo, tomando lecciones privadas y entrenamiento, y aprendiendo de discos y CD. En algunos casos, los bajistas de blues o rockabilly pueden haber obtenido alguna formación inicial a través de los sistemas de pedagogía clásica o de jazz (por ejemplo, orquesta juvenil o big band de secundaria). En géneros como el tango, que utiliza muchos pasajes con arco y líneas de pizzicato estilo jazz, los bajistas tienden a provenir de rutas de formación clásica o jazzística.
Las carreras en contrabajo varían ampliamente según el género y la región o país. La mayoría de los bajistas se ganan la vida con una combinación de trabajos interpretativos y docentes. El primer paso para conseguir la mayoría de los trabajos de interpretación es actuar en una audición . En algunos estilos de música, como las bandas escénicas orientadas al jazz, se puede pedir a los bajistas que lean a primera vista música impresa o interpreten piezas estándar (por ejemplo, un estándar de jazz como Now's the Time ) con un conjunto. De manera similar, en una banda de rock o blues, se puede pedir a los audicionados que toquen varios estándares de rock o blues. A un contrabajista que hace una audición para una banda de blues se le podría pedir que toque una línea de bajo andante estilo swing, una línea de bajo "bofetada" de estilo rockabilly (en la que las cuerdas se golpean percusivamente contra el diapasón) y una balada de los años cincuenta con notas prolongadas. Se puede esperar que una persona que hace una audición para un papel como bajista en algunos estilos de música pop o rock demuestre la capacidad de realizar voces armónicas como cantante de respaldo . En algunos grupos de pop y rock, es posible que se le pida al bajista que toque otros instrumentos de vez en cuando, como el bajo eléctrico, los teclados o la guitarra acústica. La capacidad de tocar el bajo eléctrico es algo que se espera ampliamente en los grupos de country, en caso de que la banda esté interpretando una canción de rock clásico o una nueva canción de country.
En la música clásica , los bajistas hacen una audición para tocar en orquestas y para ser admitidos en programas o títulos universitarios o de conservatorio. En una audición de bajo clásico, el intérprete suele tocar un movimiento de una suite de JS Bach para violonchelo solo o un movimiento de un concierto para bajo y una variedad de extractos de la literatura orquestal. Los extractos suelen ser las partes técnicamente más desafiantes de partes de bajo y solos de bajo de la literatura orquestal. Algunos de los extractos orquestales más solicitados en las audiciones de bajo son las Sinfonías núms. 5, 7 y 9 de Beethoven ; Ein Heldenleben y Don Juan de Strauss ; las Sinfonías núms. 35, 39 y 40 de Mozart ; Sinfonías núms. 1 y 2 de Brahms ; Pulcinella, de Stravinsky ; la Sinfonía n.° 5 de Shostakovich ; Variaciones Concertantes de Ginastera ; la Sinfonía nº 4 de Tchaikovsky ; la Sinfonía nº 2 de Mahler ; Suite nº 2 en si de J. S. Bach; Sinfonía fantástica de Berlioz , Sinfonía n.° 4 de Mendelssohn ; y los solos de bajo de la ópera Otello de Verdi , la Sinfonía n.° 1 de Mahler , La guía orquestal para jóvenes de Britten y la Suite del teniente Kije de Prokofiev . [61]
