Una orquesta ( / ɔːr k ɪ s t r ə / ; O -ki-strə ) [1] es un gran conjunto instrumental propio de la música clásica , que combina instrumentos de diferentes familias. Normalmente hay cuatro secciones principales de instrumentos:
Otros instrumentos como el piano , el clavecín y la celesta pueden aparecer a veces en una quinta sección de teclado o pueden funcionar solos como instrumentos solistas, al igual que el arpa de concierto y, para interpretaciones de algunas composiciones modernas, instrumentos electrónicos y guitarras . [nota 1]
A una orquesta occidental de tamaño completo a veces se le puede llamarorquesta sinfónica uorquesta filarmónica(delgriego phil-, "amoroso" y "armonía"). El número de músicos empleados en una actuación determinada puede variar de setenta a más de cien, dependiendo de la obra que se interprete y del tamaño del lugar. ALa orquesta de cámara (a veces unaorquesta de concierto) es un conjunto más pequeño de no más de cincuenta músicos. [2]Las orquestas que se especializan en lamúsica barrocade, por ejemplo,Johann Sebastian BachyGeorge Frideric Handel, o enclásico, como el deHaydnyMozart, tienden a ser más pequeñas que las orquestas que interpretan unmúsica románticacomo lassinfoníasde Ludwig van BeethovenyJohannes Brahms. La orquesta típica creció en tamaño a lo largo de los siglos XVIII y XIX, alcanzando su punto máximo con las grandes orquestas de hasta 120 músicos requeridas en las obras deRichard Wagnery más tardede Gustav Mahler.
Las orquestas suelen estar dirigidas por un director que dirige la interpretación con movimientos de manos y brazos, que a menudo resultan más fáciles de ver para los músicos mediante el uso de una varilla corta de madera conocida como bastón de director . El director unifica la orquesta, establece el tempo y da forma al sonido del conjunto. [3] El director también prepara a la orquesta dirigiendo ensayos antes del concierto público, en los que el director proporciona instrucciones a los músicos sobre su interpretación de la música que se está interpretando.
El líder de la sección de primeros violines, comúnmente llamado concertino , también desempeña un papel importante en la dirección de los músicos. En la era de la música barroca (1600-1750), las orquestas a menudo estaban dirigidas por el concertino o por un músico que tocaba acordes y ejecutaba las partes de bajo continuo en un clavicémbalo o en un órgano de tubos , una tradición que algunos siglos XX y XXI Los conjuntos musicales continúan. Las orquestas tocan una amplia gama de repertorio, incluidas sinfonías, oberturas de ópera y ballet , conciertos para instrumentos solistas y conjuntos de foso para óperas , ballets y algunos tipos de teatro musical (p. ej., operetas de Gilbert y Sullivan ).
Las orquestas amateurs incluyen aquellas compuestas por estudiantes de una escuela primaria o secundaria, orquestas juveniles y orquestas comunitarias; los dos últimos suelen estar formados por músicos aficionados de una ciudad o región en particular.
El término orquesta deriva del griego ὀρχήστρα ( orquesta ), el nombre de la zona situada delante de un escenario en el teatro griego antiguo reservada al coro griego . [4]
En la época barroca, el tamaño y la composición de una orquesta no estaban estandarizados. Hubo grandes diferencias en tamaño, instrumentación y estilos de interpretación (y, por tanto, en paisajes sonoros y paletas orquestales) entre las distintas regiones europeas. La orquesta barroca abarcaba desde orquestas (o conjuntos) más pequeñas con un intérprete por parte hasta orquestas de mayor escala con muchos intérpretes por parte. Ejemplos de la variedad más pequeña fueron las orquestas de Bach, por ejemplo en Koethen, donde tenía acceso a un conjunto de hasta 18 músicos. Ejemplos de orquestas barrocas a gran escala incluirían la orquesta de Corelli en Roma , que tenía entre 35 y 80 músicos para las actuaciones del día a día, y se ampliaba a 150 músicos para ocasiones especiales. [5]
En la era clásica, la orquesta se volvió más estandarizada con una sección de cuerdas de tamaño pequeño a mediano y una sección central de viento que constaba de pares de oboes, flautas, fagotes y trompas, a veces complementadas con percusión y pares de clarinetes y trompetas.
El llamado "complemento estándar" de vientos dobles y metales en la orquesta, iniciado a finales del siglo XVIII y consolidado durante la primera mitad del siglo XIX, se atribuye generalmente a las fuerzas solicitadas por Beethoven después de Haydn y Mozart. [ cita requerida ] La instrumentación de Beethoven casi siempre incluía flautas , oboes , clarinetes , fagotes , trompas y trompetas emparejados . Las excepciones son su Sinfonía n.° 4 , su Concierto para violín y su Concierto para piano n.° 4 , cada uno de los cuales especifica una sola flauta . Beethoven calculó cuidadosamente la expansión de esta "paleta" tímbrica particular en las Sinfonías 3, 5, 6 y 9 para lograr un efecto innovador. La tercera trompa de la Sinfonía "Eroica" llega para proporcionar no sólo cierta flexibilidad armónica sino también el efecto de los metales "corales" en el movimiento del Trío. Piccolo , contrafagot y trombones se suman al final triunfal de su Sinfonía No. 5 . Un flautín y un par de trombones ayudan a crear el efecto de tormenta y sol en la Sexta , también conocida como Sinfonía Pastoral . La Novena pide un segundo par de cuernos, por razones similares a las de la "Eroica" (desde entonces, cuatro cuernos se han convertido en estándar); El uso que hace Beethoven del flautín, el contrafagot, los trombones y la percusión desafinada (además del coro y los solistas vocales) en su final es su primera sugerencia de que los límites tímbricos de la sinfonía podrían ampliarse. Durante varias décadas después de su muerte, la instrumentación sinfónica fue fiel al modelo bien establecido de Beethoven, con pocas excepciones. [ cita necesaria ]
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La invención del pistón y la válvula rotativa por Heinrich Stölzel y Friedrich Blühmel , ambos silesianos , en 1815, fue la primera de una serie de innovaciones que impactaron a la orquesta, incluido el desarrollo de teclas modernas para flauta por parte de Theobald Boehm y las innovaciones de Adolphe Sax en los instrumentos de viento, en particular la invención del saxofón . Estos avances llevarían a Héctor Berlioz a escribir un libro histórico sobre instrumentación , que supuso el primer tratado sistemático sobre el uso del sonido instrumental como elemento expresivo de la música. [6]
La siguiente gran expansión de la práctica sinfónica provino de la orquesta de Bayreuth de Richard Wagner , fundada para acompañar sus dramas musicales. Las obras de Wagner para escena fueron compuestas con un alcance y una complejidad sin precedentes: de hecho, su partitura para Das Rheingold requiere seis arpas . Así, Wagner imaginó un papel cada vez más exigente para el director de orquesta de teatro, como explicó en su influyente obra Sobre la dirección . [7] Esto provocó una revolución en la composición orquestal y marcó el estilo de interpretación orquestal durante los siguientes ochenta años. Las teorías de Wagner reexaminaron la importancia del tempo , la dinámica , el arco de los instrumentos de cuerda y el papel de los directores en la orquesta.
A principios del siglo XX, las orquestas sinfónicas eran más grandes, estaban mejor financiadas y mejor capacitadas que antes; en consecuencia, los compositores podían componer obras más grandes y ambiciosas. Las obras de Gustav Mahler fueron particularmente innovadoras; En sus sinfonías posteriores, como la gigantesca Sinfonía n.° 8 , Mahler traspasa los límites del tamaño orquestal, empleando grandes fuerzas. A finales del romanticismo, las orquestas podían soportar las formas más enormes de expresión sinfónica, con enormes secciones de cuerdas, enormes secciones de metales y una gama ampliada de instrumentos de percusión. Con el comienzo de la era de la grabación, los estándares de interpretación se llevaron a un nuevo nivel, porque una sinfonía grabada podía escucharse atentamente y los críticos podían escuchar incluso errores menores en la entonación o el conjunto, que podrían no ser perceptibles en una interpretación en vivo. . A medida que las tecnologías de grabación mejoraron a lo largo de los siglos XX y XXI, con el tiempo los pequeños errores en una grabación pudieron "arreglarse" mediante la edición o sobregrabación de audio . Algunos directores y compositores de mayor edad recuerdan una época en la que la norma era simplemente "interpretar" la música lo mejor posible. Combinado con la audiencia más amplia posible gracias a la grabación, esto llevó a un enfoque renovado en directores estrella particulares y en un alto nivel de ejecución orquestal. [8]
La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos de instrumentos musicales relacionados llamados instrumentos de viento de madera , metales , percusión y cuerdas . Otros instrumentos, como el piano y la celesta , a veces pueden agruparse en una quinta sección, como una sección de teclado , o pueden ser independientes, al igual que el arpa de concierto y los instrumentos eléctricos y electrónicos . La orquesta, dependiendo del tamaño, contiene casi todos los instrumentos estándar de cada grupo.
En la historia de la orquesta, su instrumentación se ha ampliado con el tiempo, a menudo se acepta que ha sido estandarizada por el período clásico [9] y la influencia de Ludwig van Beethoven en el modelo clásico. [10] En los siglos XX y XXI, las nuevas demandas del repertorio ampliaron la instrumentación de la orquesta, lo que resultó en un uso flexible de los instrumentos de modelo clásico y de instrumentos eléctricos y electrónicos recientemente desarrollados en varias combinaciones.
Los términos orquesta sinfónica y orquesta filarmónica pueden usarse para distinguir diferentes conjuntos de una misma localidad, como la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Londres . [nota 2] Una orquesta sinfónica o filarmónica normalmente tendrá más de ochenta músicos en su lista, en algunos casos más de cien, pero el número real de músicos empleados en una actuación particular puede variar según la obra que se esté interpretando y el tamaño del grupo. evento. [2]
Una orquesta de cámara suele ser un conjunto más pequeño; una orquesta de cámara importante puede emplear hasta cincuenta músicos, pero algunas son mucho más pequeñas. Orquesta de concierto es un término alternativo, como en BBC Concert Orchestra y RTÉ Concert Orchestra .
Además del complemento orquestal principal, ocasionalmente se requieren otros instrumentos. [11] Estos incluyen el fliscorno y la corneta . Los saxofones y las guitarras clásicas , por ejemplo, aparecen en algunas partituras de los siglos XIX al XXI. Aunque aparece sólo como instrumento solista en algunas obras, por ejemplo en la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y en las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón se incluye en otras obras, como el Boléro de Ravel , Sergei Prokofiev. Romeo y Julieta Suites 1 y 2 de Vaughan Williams , las Sinfonías n.° 6 y n.° 9 de Vaughan Williams y Belshazzar's Feast de William Walton , y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. El bombardino aparece en algunas obras del romanticismo tardío y del siglo XX , generalmente interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluidas Los planetas de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss . La tuba de Wagner , un miembro modificado de la familia de los trompas, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner y en varias otras obras de Strauss, Igor Stravinsky (como aparece en La consagración de la primavera ), Béla Bartók y otros; también tiene un papel notablemente destacado en la Sinfonía n.º 7 en mi mayor de Anton Bruckner . [12] Las cornetas aparecen en el ballet El lago de los cisnes de Pyotr Ilyich Tchaikovsky , La Mer de Claude Debussy y en varias obras orquestales de Hector Berlioz . A menos que estos instrumentos sean tocados por miembros que "duplican" otro instrumento (por ejemplo, un trombón que cambia a bombardino o un fagotista que cambia a contrafagot para un determinado pasaje), las orquestas suelen contratar músicos independientes para aumentar su conjunto habitual.
La orquesta del siglo XX fue mucho más flexible que sus predecesoras. [11] En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn , la orquesta estaba compuesta por un núcleo de instrumentos bastante estándar, que rara vez era modificado por los compositores. A medida que avanzaba el tiempo y el período romántico vio cambios en las modificaciones aceptadas con compositores como Berlioz y Mahler; Algunos compositores utilizaron múltiples arpas y efectos de sonido como la máquina de viento . Durante el siglo XX, la orquesta moderna se estandarizó generalmente con la instrumentación moderna que se enumera a continuación. Sin embargo, a mediados y finales del siglo XX, con el desarrollo de la música clásica contemporánea , la instrumentación prácticamente podía ser elegida personalmente por el compositor (por ejemplo, para agregar instrumentos eléctricos como la guitarra eléctrica , instrumentos electrónicos como sintetizadores , instrumentos no occidentales). instrumentos u otros instrumentos que no se utilizan tradicionalmente en la orquesta).
Con esta historia en mente, la orquesta puede analizarse en cinco épocas: la era barroca , la era clásica , la era de la música romántica temprana/mediada , la era romántica tardía y las eras moderna y posmoderna combinadas . La primera es una orquesta barroca (es decir, JS Bach , Handel , Vivaldi ), que generalmente tenía un número menor de intérpretes y en la que uno o más instrumentos que tocaban acordes, el grupo de bajo continuo (por ejemplo, clavecín u órgano de tubos y una variedad de instrumentos de bajo para realizar la línea de bajo ), jugaron un papel importante; la segunda es una orquesta típica del período clásico (por ejemplo, los primeros Beethoven junto con Mozart y Haydn ), que utilizaba un grupo de intérpretes más pequeño que una orquesta de música romántica y una instrumentación bastante estandarizada; el tercero es típico de una era romántica temprana o media (p. ej., Schubert , Berlioz , Schumann , Brahms ); la cuarta es una orquesta de finales del romanticismo y principios del siglo XX (p. ej., Wagner , Mahler , Stravinsky ), con el complemento común de una orquesta moderna de la era de 2010 (p. ej., Adams , Barber , Aaron Copland , Glass , Penderecki ).
Entre los grupos de instrumentos y dentro de cada grupo de instrumentos, existe una jerarquía generalmente aceptada. Cada grupo (o sección) instrumental tiene un director que generalmente es responsable de dirigir el grupo y tocar los solos orquestales. Los violines se dividen en dos grupos, primer violín y segundo violín, y los segundos violines tocan en registros más bajos que los primeros violines, interpretan una parte de acompañamiento o armonizan la melodía interpretada por los primeros violines. El primer violín principal se llama concertino (o "líder" de orquesta en el Reino Unido) y no sólo se le considera el líder de la sección de cuerdas, sino el segundo al mando de toda la orquesta, sólo detrás del director . El concertino dirige la afinación previa al concierto y se ocupa de los aspectos musicales de la dirección de la orquesta, como la determinación del arco de los violines o de toda la sección de cuerdas. El concertino suele sentarse a la izquierda del director, más cerca del público. También hay un segundo violín principal, una viola principal, un violonchelo principal y un bajo principal.
El trombón principal se considera el líder de la sección de metales bajos, mientras que la trompeta principal generalmente se considera el líder de toda la sección de metales. Si bien el oboe a menudo proporciona la nota de afinación para la orquesta (debido a una convención de hace 300 años), generalmente no hay un director designado para la sección de instrumentos de viento (aunque en los conjuntos de instrumentos de viento, la flauta suele ser el líder presunto) [13 ] En cambio, cada director consulta con los demás como iguales en el caso de diferencias de opinión musicales. La mayoría de las secciones también tienen un subdirector (o codirector o director asociado), o en el caso de los primeros violines, un concertino asistente, que a menudo interpreta una parte de tutti además de reemplazar al director en su ausencia.
Un intérprete de cuerda de sección toca al unísono con el resto de la sección, excepto en el caso de partes divididas ( divisi ), donde las partes superior e inferior de la música a menudo se asignan a "afuera" (más cerca del público) y "adentro" sentado. jugadores. Cuando se requiere una parte solista en una sección de cuerdas, el líder de la sección invariablemente toca esa parte. El líder de sección (o director) de una sección de cuerdas también es responsable de determinar las inclinaciones, a menudo basándose en las establecidas por el concertino. En algunos casos, el director de una sección de cuerdas puede utilizar un arco ligeramente diferente al del concertino, para adaptarse a los requisitos de tocar su instrumento (por ejemplo, la sección de contrabajo). Los directores de una sección de cuerdas también dirigirán las entradas de su sección, generalmente levantando el arco antes de la entrada, para garantizar que la sección toque en conjunto. Los músicos de viento y metales Tutti generalmente desempeñan un papel único pero no solista. Los percusionistas de sección interpretan las partes que les asigna el percusionista principal.
En la época moderna los músicos suelen estar dirigidos por un director de orquesta , aunque las primeras orquestas no contaban con él, cediendo este papel al concertino o al clavecinista que tocaba el continuo . Algunas orquestas modernas también prescinden de directores , en particular las orquestas más pequeñas y las que se especializan en interpretaciones históricamente precisas (las llamadas "épocas") de música barroca y anterior.
El repertorio interpretado con mayor frecuencia por una orquesta sinfónica es la música clásica u ópera occidental . Sin embargo, las orquestas se utilizan a veces en la música popular (p. ej., para acompañar a una banda de rock o pop en un concierto), ampliamente en la música de películas y, cada vez más a menudo, en la música de videojuegos . Las orquestas también se utilizan en el género del metal sinfónico . El término "orquesta" también se puede aplicar a un conjunto de jazz , por ejemplo en la interpretación de música de big band .
En la década de 2000, todos los miembros titulares de una orquesta profesional normalmente hacían audiciones para puestos en el conjunto. Los intérpretes suelen tocar una o más piezas solistas elegidas por el audicionado, como un movimiento de un concierto , un movimiento solista de Bach y una variedad de extractos de la literatura orquestal que se anuncian en el cartel de la audición (para que los audicionados puedan prepararse). Los extractos suelen ser las partes y los solos técnicamente más desafiantes de la literatura orquestal. Las audiciones orquestales generalmente se llevan a cabo frente a un panel que incluye al director , el concertino , el intérprete principal de la sección a la que se postula el audicionado y posiblemente otros intérpretes principales.
Los candidatos más prometedores de la primera ronda de audiciones son invitados a regresar para una segunda o tercera ronda de audiciones, lo que permite al director y al panel comparar a los mejores candidatos. Se puede pedir a los artistas intérpretes o ejecutantes que lean a primera vista música orquestal. La etapa final del proceso de audición en algunas orquestas es una semana de prueba , en la que el intérprete toca con la orquesta durante una semana o dos, lo que permite al director y a los músicos principales ver si el individuo puede funcionar bien en un ensayo y actuación real. configuración.
Hay una variedad de diferentes acuerdos laborales. Los puestos más buscados son los puestos permanentes y permanentes en la orquesta. Las orquestas también contratan músicos con contratos que varían desde un solo concierto hasta una temporada completa o más. Se pueden contratar intérpretes contratados para conciertos individuales cuando la orquesta esté realizando una obra orquestal excepcionalmente grande de la época del Romanticismo tardío, o para sustituir a un miembro permanente que esté enfermo. A un músico profesional que es contratado para actuar en un solo concierto a veces se le llama "sub". Se pueden contratar algunos músicos contratados para reemplazar a los miembros permanentes durante el período en que el miembro permanente esté de licencia parental o de discapacidad .
Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado compuestas en su mayor parte o en su totalidad por hombres. Las primeras mujeres integrantes de orquestas profesionales han sido arpistas . La Filarmónica de Viena , por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que orquestas comparables (las otras orquestas figuraron entre las cinco mejores del mundo según Gramophone en 2008). [14] La última gran orquesta que nombró a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín . [15] En febrero de 1996, el flautista principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury , dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionelle Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". [16] En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar las excedencias esperadas" de la baja por maternidad sería un problema. [17]
En 1997, la Filarmónica de Viena "enfrentaba protestas durante una gira [por Estados Unidos]" de la Organización Nacional de Mujeres y la Alianza Internacional para Mujeres en la Música . Finalmente, "después de ser cada vez más ridiculizados incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria en vísperas de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. " [18] A partir de 2013, la orquesta tiene seis miembros femeninos; una de ellas, la violinista Albena Danailova, se convirtió en una de las concertinas de la orquesta en 2008, la primera mujer en ocupar ese puesto en esa orquesta. [19] En 2012, las mujeres constituían el 6% de los miembros de la orquesta. El presidente de la VPO, Clemens Hellsberg, afirmó que ahora la VPO utiliza audiciones a ciegas completamente seleccionadas . [20]
En 2013, un artículo en Mother Jones afirmó que si bien "[m]uchas orquestas prestigiosas tienen un número significativo de miembros femeninos (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violín de la Filarmónica de Nueva York ) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit , y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidas por mujeres violinistas", las secciones de contrabajo , metales y percusión de las principales orquestas "... siguen siendo predominantemente masculinas". [21] Un artículo de la BBC de 2014 declaró que "... la introducción de audiciones 'ciegas', donde un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no pueda ejercer prejuicios de género o raciales, ha visto el equilibrio de género de tradicionalmente hombres Las orquestas sinfónicas dominadas por el gobierno están cambiando gradualmente". [22]
También hay una variedad de orquestas amateurs:
Las orquestas tocan una amplia gama de repertorio que va desde suites de danza del siglo XVII , divertimentos del siglo XVIII hasta partituras de películas del siglo XX y sinfonías del siglo XXI. Las orquestas se han convertido en sinónimo de sinfonía , una composición musical ampliada de la música clásica occidental que normalmente contiene múltiples movimientos que proporcionan claves y tempos contrastantes. Las sinfonías se anotan en una partitura musical , que contiene todas las partes del instrumento. El director utiliza la partitura para estudiar la sinfonía antes de los ensayos y decidir su interpretación (por ejemplo, tempos, articulación, fraseo, etc.), y para seguir la música durante los ensayos y conciertos, mientras dirige el conjunto. Los músicos de orquesta tocan partes que contienen solo la música anotada de su instrumento. Un pequeño número de sinfonías también contienen partes vocales (p. ej., la Novena Sinfonía de Beethoven ).
Las orquestas también interpretan oberturas , término aplicado originalmente a la introducción instrumental de una ópera. [23] Durante la era romántica temprana, compositores como Beethoven y Mendelssohn comenzaron a utilizar el término para referirse a obras programáticas instrumentales independientes y autoexistentes que presagiaban géneros como el poema sinfónico , una forma ideada por Franz Liszt en varias obras. que comenzaron como oberturas dramáticas. Estos "al principio, sin duda, estaban destinados a reproducirse al principio de un programa". [23] En la década de 1850 la obertura de concierto comenzó a ser suplantada por el poema sinfónico.
Las orquestas también tocan con solistas instrumentales en conciertos . Durante los conciertos, la orquesta desempeña un papel de acompañamiento del solista (por ejemplo, un violinista solista o un pianista) y, en ocasiones, introduce temas musicales o interludios mientras el solista no está tocando. Las orquestas también tocan durante óperas , ballets , algunas obras de teatro musical y algunas obras corales (tanto obras sacras como misas como obras profanas). En óperas y ballets, la orquesta acompaña a los cantantes y bailarines, respectivamente, y ejecuta oberturas e interludios donde las melodías interpretadas por la orquesta cobran protagonismo.
En la época barroca, las orquestas actuaban en diversos lugares, incluidas las elegantes casas de los aristócratas, las salas de ópera y las iglesias. Algunos aristócratas ricos tenían una orquesta en su finca para entretenerlos a ellos y a sus invitados con actuaciones. Durante la era clásica, a medida que los compositores buscaban cada vez más apoyo financiero del público en general, los conciertos de orquesta se celebraban cada vez más en salas de conciertos públicas , donde los amantes de la música podían comprar entradas para escuchar a la orquesta. El patrocinio aristocrático de las orquestas continuó durante la época clásica, pero continuó junto con los conciertos públicos. En los siglos XX y XXI, las orquestas encontraron un nuevo patrocinador: los gobiernos. Muchas orquestas de América del Norte y Europa reciben parte de su financiación de gobiernos nacionales, regionales (por ejemplo, gobiernos estatales en EE. UU.) o gobiernos municipales. Estos subsidios gubernamentales constituyen parte de los ingresos de la orquesta, junto con la venta de entradas, donaciones caritativas (si la orquesta está registrada como organización benéfica) y otras actividades de recaudación de fondos. Con la invención de tecnologías sucesivas, incluida la grabación de sonido , la transmisión de radio , la transmisión de televisión y la transmisión y descarga de videos de conciertos por Internet , las orquestas han podido encontrar nuevas fuentes de ingresos.
Uno de los "grandes [temas] inmencionables de la interpretación orquestal" es la " falsificación ", el proceso mediante el cual un músico de orquesta da la falsa "... impresión de tocar cada nota tal como está escrita", típicamente para un pasaje muy desafiante que es muy alto o muy rápido, sin tocar realmente las notas que están en la parte musical impresa. [24] Un artículo en The Strad afirma que todos los músicos de orquesta, incluso aquellos en las mejores orquestas, ocasionalmente falsifican ciertos pasajes. [24] Una de las razones por las que los músicos fingen es porque no hay suficientes ensayos. [24] Otro factor son los desafíos extremos en las piezas contemporáneas de los siglos XX y XXI; algunos profesionales dijeron que "falsificar" era "necesario en entre el diez y casi el noventa por ciento de algunas obras modernas". [24] Los intérpretes profesionales que fueron entrevistados coincidieron en que falsificar puede ser aceptable cuando una parte no está bien escrita para el instrumento, pero falsificar "sólo porque no has practicado" la música no es aceptable. [24]
Con la llegada del movimiento de música antigua, se volvieron comunes las orquestas más pequeñas donde los músicos trabajaban en la ejecución de obras en estilos derivados del estudio de tratados más antiguos sobre interpretación. Estos incluyen la Orquesta del Siglo de las Luces , los London Classical Players bajo la dirección de Sir Roger Norrington y la Academia de Música Antigua bajo la dirección de Christopher Hogwood , entre otros. [ cita necesaria ]
En Estados Unidos, a finales del siglo XX se produjo una crisis de financiación y apoyo a las orquestas. El tamaño y el costo de una orquesta sinfónica, en comparación con el tamaño de la base de seguidores, se convirtió en una cuestión que tocó el corazón de la institución. Pocas orquestas podían llenar los auditorios, y el tradicional sistema de suscripción de temporada se volvió cada vez más anacrónico, ya que cada vez más oyentes compraban entradas ad hoc para eventos individuales. Las donaciones orquestales y (lo que es más importante para el funcionamiento diario de las orquestas estadounidenses) los donantes orquestales han visto cómo sus carteras de inversión se reducen o producen menores rendimientos, reduciendo la capacidad de los donantes para contribuir; Además, ha habido una tendencia a que los donantes encuentren más convincentes otras causas sociales. Si bien la financiación gubernamental es menos central para las orquestas estadounidenses que para las europeas, los recortes en dicha financiación siguen siendo significativos para los conjuntos estadounidenses. Finalmente, la drástica caída de los ingresos procedentes de la grabación, relacionada con cambios en la propia industria discográfica, inició un período de cambios que aún no ha llegado a su fin. [ cita necesaria ]
Las orquestas estadounidenses que se han acogido al Capítulo 11 de la ley de quiebras incluyen la Orquesta de Filadelfia (abril de 2011) y la Orquesta de Louisville (diciembre de 2010); Las orquestas que se han declarado en bancarrota según el Capítulo 7 y han cesado sus operaciones incluyen la Orquesta de Cámara del Noroeste en 2006, la Orquesta de Honolulu en marzo de 2011, la Orquesta Sinfónica de Nuevo México en abril de 2011 y la Sinfónica de Syracuse en junio de 2011. El Festival de Orquestas en Orlando , Florida, cesó sus operaciones a finales de marzo de 2011.
Una fuente de dificultades financieras que recibió atención y críticas fueron los altos salarios de los directores musicales de orquestas estadounidenses, [25] que llevaron a varios directores de alto perfil a aceptar recortes salariales en los últimos años. [26] [27] [28] Administradores musicales como Michael Tilson Thomas y Esa-Pekka Salonen argumentaron que la nueva música, los nuevos medios de presentarla y una relación renovada con la comunidad podrían revitalizar la orquesta sinfónica. El crítico estadounidense Greg Sandow ha argumentado en detalle que las orquestas deben revisar su enfoque de la música, la interpretación, la experiencia del concierto, el marketing, las relaciones públicas, la participación de la comunidad y la presentación para alinearlos con las expectativas de las audiencias del siglo XXI inmersas en la cultura popular. .
No es raro que los compositores contemporáneos utilicen instrumentos no convencionales, incluidos varios sintetizadores, para lograr los efectos deseados. Muchos, sin embargo, encuentran que una configuración orquestal más convencional ofrece mejores posibilidades de color y profundidad. Compositores como John Adams emplean a menudo orquestas de tamaño romántico, como en la ópera Nixon de Adams en China ; Philip Glass y otros pueden ser más libres, pero aun así identifican límites de tamaño. Glass, en particular, ha recurrido recientemente a las orquestas convencionales en obras como el Concierto para violonchelo y orquesta y el Concierto para violín nº 2 .
Junto con una disminución de la financiación, algunas orquestas estadounidenses han reducido su personal general, así como el número de músicos que aparecen en las actuaciones. Los números reducidos en la interpretación generalmente se limitan a la sección de cuerdas , ya que los números aquí han sido tradicionalmente flexibles (ya que varios músicos suelen tocar desde la misma parte). [ cita necesaria ]
La dirección es el arte de dirigir una interpretación musical , como un concierto orquestal o coral . Las funciones principales del director son establecer el tempo , garantizar las entradas correctas de varios miembros del conjunto y "dar forma" al fraseo cuando corresponda. [3] Para transmitir sus ideas e interpretación, un director se comunica con sus músicos principalmente a través de gestos con las manos, típicamente (aunque no invariablemente) con la ayuda de una batuta , y puede usar otros gestos o señales, como el contacto visual con los intérpretes relevantes. [29] Las instrucciones de un director casi invariablemente serán complementadas o reforzadas por instrucciones verbales o sugerencias a sus músicos en el ensayo previo a una actuación. [29]
El director normalmente se encuentra en un podio elevado con un gran atril para la partitura completa , que contiene la notación musical de todos los instrumentos y voces. Desde mediados del siglo XVIII, la mayoría de los directores no han tocado ningún instrumento mientras dirigían, [ cita necesaria ] aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica era común dirigir un conjunto mientras se tocaba un instrumento. En la música barroca de los años 1600 a 1750, el grupo normalmente estaba dirigido por el clavecinista o el primer violinista (ver concertino ), un enfoque que en los tiempos modernos ha sido revivido por varios directores musicales de música de este período. También se puede dirigir mientras se toca un piano o un sintetizador con orquestas de teatro musical . La comunicación suele ser no verbal durante una actuación (este es estrictamente el caso en la música artística , pero en las big bands de jazz o los grandes conjuntos de pop, puede haber instrucciones habladas ocasionales, como una "cuenta"). Sin embargo, en los ensayos , las interrupciones frecuentes permiten al director dar instrucciones verbales sobre cómo se debe tocar o cantar la música.
Los directores actúan como guías de las orquestas o coros que dirigen. Eligen las obras que van a interpretar y estudian sus partituras , a las que pueden hacer ciertos ajustes (por ejemplo, en cuanto a tempo, articulación, fraseo, repeticiones de secciones, etc.), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los intérpretes. . También pueden ocuparse de cuestiones organizativas, como programar ensayos, [30] planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y seleccionar miembros, y promocionar su conjunto en los medios. Las orquestas, coros , bandas de concierto y otros conjuntos musicales importantes , como las big bands, suelen estar dirigidos por directores.
En la era de la música barroca (1600-1750), la mayoría de las orquestas estaban dirigidas por uno de los músicos, normalmente el primer violín principal, llamado concertino . El concertino lideraría el tempo de las piezas levantando su arco de manera rítmica. El liderazgo también podría ser proporcionado por uno de los instrumentistas que tocaban acordes y tocaban la parte de bajo continuo , que era el núcleo de la mayoría de las piezas de conjunto instrumental barroco. Por lo general, sería un clavecinista , un organista de tubos , un laudista o un tiorba . Un teclista podría dirigir el conjunto con la cabeza o quitando una de las manos del teclado para realizar un cambio de tempo más difícil. Un laudista o tiorba podría dirigir levantando el mástil del instrumento hacia arriba y hacia abajo para indicar el tempo de una pieza, o para dirigir un ritard durante una cadencia o un final. En algunas obras que combinaban coros y conjuntos instrumentales, a veces se utilizaban dos líderes: un concertino para dirigir a los instrumentistas y un intérprete de acordes para dirigir a los cantantes. Durante el período de la música clásica ( c. 1720-1800 ), la práctica de utilizar instrumentos de cuerdas para tocar el bajo continuo se eliminó gradualmente y desapareció por completo en 1800. En cambio, los conjuntos comenzaron a utilizar directores para dirigir los tempos y el estilo de interpretación de la orquesta. , mientras que el concertino desempeñó un papel de liderazgo adicional para los músicos, especialmente los instrumentistas de cuerda, quienes imitan el golpe y el estilo de ejecución del concertino, en la medida que sea factible para los diferentes instrumentos de cuerda.
En 1922, la idea de una orquesta sin director revivió en la Unión Soviética posrevolucionaria . La orquesta sinfónica Persimfans se formó sin director, porque los fundadores creían que el conjunto debería seguir el modelo del estado marxista ideal , en el que todas las personas son iguales. Como tal, sus miembros sintieron que no había necesidad de ser dirigidos por la batuta dictatorial de un director de orquesta; en cambio, estaban dirigidos por un comité , que determinaba los tempos y los estilos de juego. Aunque fue un éxito parcial dentro de la Unión Soviética, la principal dificultad con el concepto fue cambiar el tempo durante las actuaciones, porque incluso si el comité hubiera emitido un decreto sobre dónde debía realizarse el cambio de tempo, no había ningún líder en el conjunto para guiar este cambio de tempo. La orquesta sobrevivió durante diez años antes de que la política cultural de Stalin la disolviera quitándole su financiación. [31]
En los países occidentales, algunos conjuntos, como la Orpheus Chamber Orchestra , con sede en la ciudad de Nueva York, han tenido más éxito con orquestas sin director, aunque es probable que las decisiones se aplacen a cierto sentido de liderazgo dentro del conjunto (por ejemplo, el viento principal). y músicos de cuerda, en particular el concertino). Otros han vuelto a la tradición de que un intérprete principal, generalmente un violinista, sea el director artístico y dirija los ensayos y dirija los conciertos. Los ejemplos incluyen la Orquesta de Cámara de Australia , la Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson y la Orquesta de Cámara New Century . Además, como parte del movimiento de música antigua , algunas orquestas de los siglos XX y XXI han revivido la práctica barroca de no tener director en el podio para las piezas barrocas, utilizando al concertino o a un intérprete de bajo continuo que toque acordes (por ejemplo, clavecín u órgano). ) para liderar el grupo.
Algunas obras orquestales especifican que se debe utilizar una trompeta fuera del escenario o que otros instrumentos de la orquesta deben colocarse fuera del escenario o detrás del escenario, para crear un efecto místico y embrujado. Para garantizar que los instrumentistas fuera del escenario toquen a tiempo, a veces se colocará un subdirector fuera del escenario con una vista clara del director principal. Los ejemplos incluyen el final de " Neptuno " de Los planetas de Gustav Holst . El director principal dirige la gran orquesta y el subdirector transmite el tempo y los gestos del director principal al músico (o músicos) fuera del escenario. Uno de los desafíos de usar dos directores es que el segundo director puede perder la sincronización con el director principal, o puede transmitir mal (o malinterpretar) los gestos del director principal, lo que puede llevar a que los instrumentos fuera del escenario estén fuera de tiempo. A finales del siglo XX y principios del XXI, algunas orquestas utilizan una cámara de vídeo apuntada al director principal y un circuito cerrado de televisión frente a los intérpretes fuera del escenario, en lugar de utilizar dos directores.
Las técnicas de poliestilismo y politempo [32] han llevado a algunos compositores de los siglos XX y XXI a escribir música en la que múltiples orquestas o conjuntos actúan simultáneamente. Estas tendencias han provocado el fenómeno de la música policonductora, en la que subdirectores separados dirigen a cada grupo de músicos. Por lo general, un conductor principal conduce a los subconductores, lo que determina el rendimiento general. En The Warriors de Percy Grainger , que incluye tres directores: el director principal de la orquesta, un director secundario que dirige un conjunto de metales fuera del escenario y un director terciario que dirige la percusión y el arpa. Un ejemplo de la música orquestal de finales de siglo es el Gruppen de Karlheinz Stockhausen , para tres orquestas, que se colocan alrededor del público. De esta manera se podrían espacializar las "masas sonoras", como en una obra electroacústica . Gruppen se estrenó en Colonia, en 1958, bajo la dirección de Stockhausen, Bruno Maderna y Pierre Boulez . Ha sido interpretada en 1996 por Simon Rattle , John Carewe y Daniel Harding . [33]
un tratado sobre el estilo en la ejecución de la música clásica
