La mejora orquestal es la técnica de utilizar técnicas de orquestación, modificaciones arquitectónicas o tecnologías electrónicas para modificar el sonido, la complejidad o el color de una orquesta de teatro musical , ballet u ópera . Las mejoras orquestales se utilizan tanto para crear nuevos sonidos como para agregar capacidades a conjuntos orquestales existentes.
Agregar instrumentos adicionales a una orquesta de foso es una técnica que se practica desde hace mucho tiempo y se utiliza para obtener un sonido más completo y rico. A partir de la década de 1970, los instrumentos del teatro musical se amplificaron con sistemas de refuerzo de sonido . En la década de 1980, la introducción de sintetizadores electrónicos, secuenciadores y pistas de música pregrabadas fue recibida inicialmente con temor por los sindicatos de músicos e intérpretes. Sin embargo, en lugar de reemplazar por completo los instrumentos tradicionales de orquesta, estas tecnologías se utilizan a menudo junto con los violinistas, instrumentistas de viento y miembros de la sección rítmica "en vivo".
Los sistemas de mejora orquestal deberían poder simular de manera realista el sonido de los instrumentos faltantes mediante el uso de sonidos pregrabados, muestreados, sintetizados o secuenciados, almacenar múltiples producciones en algún tipo de formato de partitura, como un archivo secuenciador o un programa de computadora, y variar el tempo. .
Además, los sistemas de mejora orquestal deben poder realizar ajustes "en vivo" para abordar líneas olvidadas o percances en el escenario, y transponer la clave de la pieza o sus subsecciones. El sistema también debería permitir al director realizar cambios en la mezcla o niveles de los diferentes sonidos del instrumento en tiempo real.
Agregar instrumentos adicionales es una técnica de mejora orquestal que se practica desde hace mucho tiempo. El tipo más sencillo de añadir instrumentos adicionales es añadir intérpretes de un instrumento que ya existe en la partitura. Por ejemplo, un director de teatro musical puede agregar violines para obtener un tono de cuerda más exuberante o más completo. De manera similar, un director puede agregar instrumentos de la sección rítmica , como instrumentos de cuerdas adicionales (por ejemplo, órgano Hammond, sintetizador, guitarra acústica) o, para una pieza compuesta para batería, se podrían usar percusionistas adicionales.
Una forma más compleja de agregar instrumentos es agregar instrumentos que no están especificados en la partitura, lo que requiere un orquestador o arreglista para componer las partes. Por ejemplo, si un director musical quisiera agregar una sección de saxofones y trompeta de estilo blues a una orquesta de teatro musical, un arreglista de jazz o blues tendría que arreglar partes idiomáticamente apropiadas para la sección.
El sonido de una orquesta de foso también se puede modificar realizando modificaciones arquitectónicas. Algunas modificaciones arquitectónicas, como la adición de cortinas o banderines de tela afelpada, se utilizan para reducir la reverberación no deseada en la sala. Se pueden utilizar otras modificaciones, como la instalación de mamparas de vidrio acrílico , para reducir el volumen de instrumentos ruidosos como trompetas, platillos, una batería o un amplificador de guitarra eléctrica.
En algunos casos, se utilizan modificaciones arquitectónicas para fortalecer el tono de la orquesta. Los contrabajos se pueden colocar sobre contrahuellas de madera huecas, para que las bajas vibraciones de los instrumentos puedan resonar mejor, o se puede instalar un falso techo sobre algunas secciones de los instrumentos, para dirigir mejor el sonido hacia el público. En otros casos, se puede eliminar un arco o cortina del proscenio que sobresale y que "atrapa" el sonido.
Sin embargo, en algunos teatros musicales más antiguos puede resultar difícil realizar modificaciones arquitectónicas permanentes, porque el teatro ha sido designado sitio histórico. Si bien esto puede hacer imposible la eliminación de los arcos del proscenio o los paneles de madera, aún se puede permitir el uso de adiciones semipermanentes (por ejemplo, vidrio acrílico ).
Desde la década de 1960, las compañías de teatro musical han reforzado el sonido de la orquesta colocando micrófonos en los instrumentos y amplificándolos a través de un sistema de megafonía . Si bien esto produce un sonido más fuerte, es posible que no reproduzca correctamente el sonido del conjunto y el tono del instrumento. Sin el uso de micrófonos de alta calidad y la ecualización realizada por ingenieros de audio capacitados, es posible que los instrumentos orquestales amplificados no suenen naturales cuando están amplificados. Sin micrófonos de condensador de alta calidad y sin una ubicación correcta, los violines pueden sonar "rasposos" y delgados, y los instrumentos de viento de doble lengüeta pueden sonar excesivamente nasales.
Uno de los problemas con el uso de sistemas de megafonía estándar en el teatro musical es que los altavoces frontales y de monitor pueden obstruir las líneas de visión del público e interferir con la apariencia del escenario. En algunos casos, este problema se puede resolver ocultando altavoces grandes detrás de estructuras o cortinas. En producciones con poca o ninguna estructura escénica, como una pieza moderna minimalista, los ingenieros de sonido pueden optar por utilizar altavoces de bajo perfil y de mayor costo, que son más delgados. Alternativamente, los ingenieros de sonido pueden decidir "hacer volar" los altavoces fijándolos de forma segura al soporte sobre el escenario mediante cables de acero.
Desde la década de 1980, algunas compañías de ópera han estado experimentando con la mejora acústica , un tipo sutil de sistema de refuerzo sonoro . Los sistemas de mejora acústica ayudan a dar un sonido más uniforme en la sala de conciertos y a evitar "puntos muertos" en la zona de asientos del público. Los sistemas de mejora acústica utilizan "... una serie de micrófonos conectados a una computadora" que procesa el sonido y lo dirige a una serie de amplificadores y altavoces repartidos en la sala de conciertos. El procesador de la computadora está diseñado para aumentar la acústica natural de la sala y evitar "puntos muertos". Sin embargo, a medida que los asistentes a los conciertos se han dado cuenta del uso de estos sistemas, han surgido debates, porque "... los puristas sostienen que el sonido acústico natural de las voces [o] instrumentos [clásicos] en una sala determinada no debe alterarse". [1]
Como medida de ahorro presupuestario, algunas compañías de teatro musical utilizan pistas de música pregrabadas llamadas pistas de clic . Aunque estas grabaciones pueden proporcionar un sonido cálido y convincente, el tempo es fijo y el director musical debe seguir el tempo de la música pregrabada.
Desde la década de 1990, las pistas de música pregrabadas han sido reemplazadas a menudo por dispositivos electrónicos de secuenciación . Hay muchos programas de computadora que están diseñados para aprovechar las especificaciones MIDI (interfaz digital de instrumentos musicales) para controlar múltiples partes del sintetizador. En efecto, estos dispositivos pueden almacenar "interpretaciones" y luego reproducirlas. Los secuenciadores son herramientas poderosas que son capaces de realizar simulaciones realistas de la orquesta. Sin embargo, estos dispositivos fueron diseñados y utilizados principalmente en el entorno del estudio.
El primer musical de Broadway que utilizó una banda sonora pregrabada con algunos músicos en vivo acompañándola fue Priscilla, Reina del Desierto en mayo de 2011; el productor afirmó estar buscando un sonido sintético y cursi . [2]
Los sintetizadores se utilizan en muchas producciones de teatro musical, ya sea para crear tonos de sintetizador nuevos y modernos o para simular instrumentos orquestales con tonos muestreados o sintetizados. La solución más común utilizada ha sido colocar uno o más sintetizadores en la orquesta, cada uno de los cuales cubre múltiples partes.
Aunque el uso de sintetizadores para sustituir instrumentos orquestales es un enfoque más flexible que el uso de música pregrabada (en el sentido de que los sintetizadores pueden seguir el tempo del director), se deben utilizar sintetizadores y muestras de alta calidad para obtener un tono bastante convincente. . Con un sintetizador económico, los sonidos de los instrumentos orquestales suelen ser débiles y artificiales.
Incluso con un sampler digital de alta calidad, los sonidos resultantes no contendrán los matices complejos de un intérprete orquestal en vivo. Para obtener articulaciones y matices más auténticos de sonidos de viento de madera o de metal muestreados o sintetizados, estos sonidos se pueden interpretar utilizando controladores de viento MIDI en lugar de teclados estilo piano. Los controladores de viento pueden detectar la embocadura de un músico, la presión de la respiración y otros factores, y luego el sintetizador puede "traducir" esta entrada a los matices que se esperan en un instrumento tradicional de viento de madera o metal.
Otros instrumentos electrónicos incluyen instrumentos basados en software, que se utilizan con sistemas de música computarizados, y controladores MIDI hechos a medida que responden a los movimientos de los artistas en el escenario. Estas últimas tecnologías han sido utilizadas por algunas compañías experimentales de danza moderna para controlar tanto los sintetizadores como los efectos de iluminación, de modo que los movimientos de los bailarines en el escenario activen los sonidos y la luz.