El arte es una gama diversa de actividad humana y su producto resultante que involucra talento creativo o imaginativo que generalmente expresa competencia técnica, belleza , poder emocional o ideas conceptuales . [1] [2] [3]
No existe una definición generalmente aceptada de lo que constituye arte, [4] [5] [6] y su interpretación ha variado mucho a lo largo de la historia y de las culturas. En la tradición occidental, las tres ramas clásicas del arte visual son la pintura , la escultura y la arquitectura . [7] El teatro , la danza y otras artes escénicas , así como la literatura , la música , el cine y otros medios como los medios interactivos , se incluyen en una definición más amplia de las artes . [1] [8] Hasta el siglo XVII, el arte se refería a cualquier habilidad o maestría y no se diferenciaba de los oficios o las ciencias . En el uso moderno después del siglo XVII, donde las consideraciones estéticas son primordiales, las bellas artes se separan y distinguen de las habilidades adquiridas en general, como las artes decorativas o aplicadas .
La naturaleza del arte y conceptos relacionados, como la creatividad y la interpretación , se exploran en una rama de la filosofía conocida como estética . [9] Las obras de arte resultantes se estudian en los campos profesionales de la crítica de arte y la historia del arte .
Desde la perspectiva de la historia del arte, [10] las obras artísticas han existido desde casi tanto tiempo como la humanidad: desde el arte prehistórico temprano hasta el arte contemporáneo ; sin embargo, algunos teóricos piensan que el concepto típico de "obras artísticas" no encaja bien fuera de las sociedades occidentales modernas. [11] Un sentido temprano de la definición de arte está estrechamente relacionado con el significado latino más antiguo, que se traduce aproximadamente como "habilidad" o "artesanía", asociado con palabras como "artesano". Las palabras inglesas derivadas de este significado incluyen artefacto , artificial , artificio , artes médicas y artes militares . Sin embargo, existen muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología .
Con el tiempo, filósofos como Platón , Aristóteles , Sócrates e Immanuel Kant , entre otros, cuestionaron el significado del arte. [12] Varios diálogos de Platón abordan cuestiones sobre el arte: Sócrates dice que la poesía está inspirada en las musas y no es racional. Habla con aprobación de ésta y de otras formas de locura divina (ebriedad, erotismo y sueños) en el Fedro (265a-c) y, sin embargo, en La República quiere prohibir el gran arte poético de Homero , y también la risa. En Ion , Sócrates no da ningún indicio de la desaprobación hacia Homero que expresa en La República . El diálogo Ion sugiere que la Ilíada de Homero funcionó en el mundo griego antiguo como lo hace hoy la Biblia en el mundo cristiano moderno: como un arte literario divinamente inspirado que puede proporcionar una guía moral, si tan solo pudiera interpretarse adecuadamente. [13]
Con respecto al arte literario y las artes musicales, Aristóteles consideraba que la poesía épica , la tragedia, la comedia, la poesía ditirámbica y la música eran arte mimético o imitativo, cada una de las cuales variaba en imitación según el medio, el objeto y la manera. [14] Por ejemplo, la música imita con los medios del ritmo y la armonía, mientras que la danza imita únicamente con el ritmo y la poesía con el lenguaje. Las formas también difieren en su objeto de imitación. La comedia, por ejemplo, es una imitación dramática de hombres peores que la media; mientras que la tragedia imita a los hombres ligeramente mejor que la media. Por último, las formas difieren en su forma de imitación: mediante la narrativa o el carácter, mediante el cambio o sin él, y mediante el drama o sin drama. [15] Aristóteles creía que la imitación es natural a la humanidad y constituye una de las ventajas de la humanidad sobre los animales. [dieciséis]
El sentido más reciente y específico de la palabra arte como abreviatura de arte creativo o bellas artes surgió a principios del siglo XVII. [17] Las bellas artes se refieren a una habilidad utilizada para expresar la creatividad del artista, o para atraer las sensibilidades estéticas del público, o para atraer al público hacia la consideración de obras de arte más refinadas o más finas .
En este último sentido, la palabra arte puede referirse a varias cosas: (i) un estudio de una habilidad creativa, (ii) un proceso de uso de la habilidad creativa, (iii) un producto de la habilidad creativa, o (iv) el experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas ( arte como disciplina) son un conjunto de disciplinas que producen obras de arte ( arte como objetos) que están impulsadas por un impulso personal (arte como actividad) y transmiten un mensaje, estado de ánimo o simbolismo para que el perceptor lo interprete (arte como disciplina). experiencia). El arte es algo que estimula los pensamientos, emociones, creencias o ideas de un individuo a través de los sentidos. Las obras de arte pueden realizarse explícitamente con este fin o interpretarse a partir de imágenes u objetos. Para algunos estudiosos, como Kant, las ciencias y las artes podrían distinguirse considerando que la ciencia representa el dominio del conocimiento y las artes como el dominio de la libertad de expresión artística. [18]
A menudo, si la habilidad se utiliza de forma común o práctica, la gente la considerará un oficio en lugar de un arte. Asimismo, si la habilidad se utiliza de forma comercial o industrial, puede considerarse arte comercial en lugar de bellas artes. Por otro lado, la artesanía y el diseño en ocasiones son considerados arte aplicado . Algunos seguidores del arte han argumentado que la diferencia entre bellas artes y artes aplicadas tiene más que ver con juicios de valor hechos sobre el arte que con una diferencia clara de definición. [19] Sin embargo, incluso las bellas artes a menudo tienen objetivos más allá de la pura creatividad y autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser comunicar ideas, como en el arte con motivaciones políticas, espirituales o filosóficas; crear una sensación de belleza (ver estética ); explorar la naturaleza de la percepción; por placer; o para generar emociones fuertes . El propósito también puede ser aparentemente inexistente.
La naturaleza del arte ha sido descrita por el filósofo Richard Wollheim como "uno de los problemas tradicionales más esquivos de la cultura humana". [20] El arte ha sido definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar elementos formales por sí mismos, y como mimesis o representación . El arte como mímesis tiene profundas raíces en la filosofía de Aristóteles. [21] León Tolstoi identificó el arte como el uso de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra. [21] Benedetto Croce y RG Collingwood avanzaron la visión idealista de que el arte expresa emociones y que, por lo tanto, la obra de arte existe esencialmente en la mente del creador. [22] [23] La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Kant y fue desarrollada a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell . Más recientemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad desarrolla para sí misma un medio de autoexpresión e interpretación. [24] George Dickie ha ofrecido una teoría institucional del arte que define una obra de arte como cualquier artefacto al que una persona o personas calificadas que actúan en nombre de la institución social comúnmente denominada "el mundo del arte " le ha conferido "el estatus de candidato a reconocimiento". [25] Larry Shiner ha descrito las bellas artes como "no una esencia o un destino, sino algo que hemos hecho. El arte, tal como lo hemos entendido generalmente, es una invención europea que apenas tiene doscientos años". [26]
El arte puede caracterizarse en términos de mimesis (su representación de la realidad), narrativa (narrar historias), expresión, comunicación de emociones u otras cualidades. Durante el período romántico , el arte pasó a ser visto como "una facultad especial de la mente humana que debe clasificarse junto con la religión y la ciencia". [27]
Se determinó que una concha grabada por Homo erectus tenía entre 430.000 y 540.000 años. [29] Un conjunto de ocho garras de águila de cola blanca de 130.000 años de antigüedad tienen marcas de corte y abrasión que indican manipulación por parte de neandertales, posiblemente para usarlas como joyería. [30] En una cueva de Sudáfrica se descubrieron una serie de diminutas conchas de caracol perforadas de unos 75.000 años de antigüedad. [31] Se han encontrado recipientes que pueden haber sido utilizados para contener pinturas y que datan de hace 100.000 años. [32]
La obra de arte más antigua encontrada en Europa es el Riesenhirschknochen der Einhornhöhle , que data de hace 51.000 años y fue realizado por neandertales.
Se han encontrado esculturas, pinturas rupestres , pinturas rupestres y petroglifos del Paleolítico superior que datan de hace aproximadamente 40.000 años, [33] pero el significado preciso de dicho arte a menudo se cuestiona porque se sabe muy poco sobre las culturas que los produjeron.
Las primeras esculturas indiscutibles y obras de arte similares, como la Venus de Hohle Fels , son los numerosos objetos encontrados en las cuevas y el arte de la Edad del Hielo en el Jura de Suabia , declaradas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO , donde se encontraban las obras de arte humano no estacionarias más antiguas descubiertas hasta el momento. encontrados, en forma de figuras talladas de animales y humanoides, además de los instrumentos musicales más antiguos desenterrados hasta el momento, datando los artefactos entre el 43.000 y el 35.000 a.C., siendo así el primer centro de arte humano. [34] [35] [36] [37]
Muchas grandes tradiciones en el arte tienen una base en el arte de una de las grandes civilizaciones antiguas: el Antiguo Egipto , Mesopotamia , Persia , India, China, la Antigua Grecia, Roma, así como los Incas , los Mayas y los Olmecas . Cada uno de estos centros de civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su arte. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, han sobrevivido más obras de arte y una mayor parte de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunos también han proporcionado los primeros registros de cómo trabajaban los artistas. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar musculatura, aplomo, belleza y proporciones anatómicamente correctas. [38]
En el arte bizantino y medieval de la Edad Media occidental, gran parte del arte se centró en la expresión de temas sobre la cultura bíblica y religiosa, y utilizó estilos que mostraban la mayor gloria de un mundo celestial, como el uso de oro en el fondo de las pinturas. o vidrio en mosaicos o ventanas, que también presentaban figuras en formas idealizadas y estampadas (planas). Sin embargo, persistió una tradición realista clásica en pequeñas obras bizantinas, y el realismo creció constantemente en el arte de la Europa católica . [39]
El arte del Renacimiento puso un énfasis mucho mayor en la representación realista del mundo material y el lugar de los humanos en él, reflejado en la corporalidad del cuerpo humano, y desarrolló un método sistemático de perspectiva gráfica para representar la recesión en un formato tridimensional. espacio de imagen. [40]
En Oriente, el rechazo de la iconografía por parte del arte islámico llevó al énfasis en los patrones geométricos , la caligrafía y la arquitectura . [42] Más al este, la religión también dominaba los estilos y formas artísticas. India y Tíbet pusieron énfasis en las esculturas pintadas y la danza, mientras que la pintura religiosa tomó prestadas muchas convenciones de la escultura y tendió a colores brillantes y contrastantes con énfasis en los contornos. China vio el florecimiento de muchas formas de arte: talla de jade, bronce, cerámica (incluido el impresionante ejército de terracota del emperador Qin [43] ), poesía, caligrafía, música, pintura, teatro, ficción, etc. Los estilos chinos varían mucho de una época a otra. era y cada uno lleva tradicionalmente el nombre de la dinastía gobernante. Así, por ejemplo, las pinturas de la dinastía Tang son monocromáticas y escasas, enfatizando paisajes idealizados, pero las pinturas de la dinastía Ming son ocupadas y coloridas, y se centran en contar historias a través del entorno y la composición. [44] Japón también nombra sus estilos en honor a dinastías imperiales, y también vio mucha interacción entre los estilos de caligrafía y pintura. La impresión en madera adquirió importancia en Japón después del siglo XVII. [45]
El Siglo de las Luces occidental en el siglo XVIII vio representaciones artísticas de certezas físicas y racionales del universo mecánico , así como visiones políticamente revolucionarias de un mundo posmonárquico, como la representación de Blake de Newton como un geómetra divino, [46 ] o las pinturas propagandísticas de David . Esto llevó al rechazo romántico de esto a favor de imágenes del lado emocional y la individualidad de los humanos, ejemplificadas en las novelas de Goethe . A finales del siglo XIX se produjeron una serie de movimientos artísticos , como el arte académico , el simbolismo , el impresionismo y el fauvismo , entre otros. [47] [48]
La historia del arte del siglo XX es una narración de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno de los cuales es derribado sucesivamente por el siguiente. Así, los parámetros del impresionismo , expresionismo , fauvismo , cubismo , dadaísmo , surrealismo , etc. no pueden mantenerse mucho más allá del tiempo de su invención. La creciente interacción global durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental. Así, los grabados en madera japoneses (influidos por el dibujo del Renacimiento occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y su desarrollo posterior. Posteriormente, las esculturas africanas fueron retomadas por Picasso y, en cierta medida, por Matisse . De manera similar, en los siglos XIX y XX, Occidente tuvo un enorme impacto en el arte oriental, con ideas originalmente occidentales como el comunismo y el posmodernismo ejerciendo una poderosa influencia. [49]
El modernismo , la búsqueda idealista de la verdad, dio paso en la segunda mitad del siglo XX a la comprensión de su inalcanzabilidad. Theodor W. Adorno dijo en 1970: "Ahora se da por sentado que ya nada de lo que concierne al arte puede darse por sentado: ni el arte en sí, ni el arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho del arte a existir". [50] El relativismo fue aceptado como una verdad inevitable, lo que condujo al período del arte contemporáneo y la crítica posmoderna , donde las culturas del mundo y de la historia son vistas como formas cambiantes, que sólo pueden apreciarse y extraerse con escepticismo e ironía. Además, la separación de culturas es cada vez más borrosa y algunos sostienen que ahora es más apropiado pensar en términos de una cultura global que de culturas regionales. [51]
En El origen de la obra de arte , Martin Heidegger, filósofo y pensador fundamental alemán, describe la esencia del arte en términos de los conceptos de ser y verdad. Sostiene que el arte no es sólo una forma de expresar el elemento de verdad en una cultura, sino el medio para crearlo y proporcionar un trampolín desde el cual se puede revelar "lo que es". Las obras de arte no son meras representaciones de cómo son las cosas, sino que en realidad producen una comprensión compartida de una comunidad. Cada vez que se agrega una nueva obra de arte a cualquier cultura, el significado de lo que significa existir cambia inherentemente.
Históricamente, el arte y las habilidades e ideas artísticas a menudo se han difundido a través del comercio. Un ejemplo de ello es la Ruta de la Seda , donde se pudieron mezclar influencias helenísticas, iraníes, indias y chinas. El arte grecobudista es uno de los ejemplos más vívidos de esta interacción. El encuentro de diferentes culturas y cosmovisiones también influyó en la creación artística. Un ejemplo de esto es la metrópolis portuaria multicultural de Trieste a principios del siglo XX, donde James Joyce conoció a escritores de Europa Central y el desarrollo artístico de la ciudad de Nueva York como crisol cultural. [52] [53] [54]
Las artes creativas a menudo se dividen en categorías más específicas, típicamente según categorías perceptualmente distinguibles como medios , género, estilos y forma. [55] La forma de arte se refiere a los elementos del arte que son independientes de su interpretación o significado. Cubre los métodos adoptados por el artista y la composición física de la obra de arte, principalmente aspectos no semánticos de la obra (es decir, figuras ), [56] como el color , el contorno , la dimensión , el medio , la melodía , el espacio , la textura y valor . La forma también puede incluir principios de diseño, como disposición, equilibrio , contraste , énfasis , armonía , proporción , proximidad y ritmo. [57]
En general, existen tres escuelas de filosofía con respecto al arte, centrándose respectivamente en la forma, el contenido y el contexto. [57] El formalismo extremo es la opinión de que todas las propiedades estéticas del arte son formales (es decir, parte de la forma artística). Los filósofos rechazan casi universalmente esta visión y sostienen que las propiedades y la estética del arte se extienden más allá de los materiales, las técnicas y la forma. [58] Desafortunadamente, hay poco consenso sobre la terminología para estas propiedades informales. Algunos autores se refieren al tema y al contenido (es decir, denotaciones y connotaciones ), mientras que otros prefieren términos como significado y significado. [57]
El intencionalismo extremo sostiene que la intención del autor juega un papel decisivo en el significado de una obra de arte, transmitiendo el contenido o la idea principal esencial, mientras que todas las demás interpretaciones pueden descartarse. [59] Define el tema como las personas o la idea representada, [60] y el contenido como la experiencia del artista sobre ese tema. [61] Por ejemplo, la composición de Napoleón I en su Trono Imperial está tomada en parte de la Estatua de Zeus en Olimpia . Como lo demuestra el título, el tema es Napoleón y el contenido es la representación de Ingres de Napoleón como "Dios-Emperador más allá del tiempo y el espacio". [57] De manera similar al formalismo extremo, los filósofos típicamente rechazan el intencionalismo extremo, porque el arte puede tener múltiples significados ambiguos y la intención del autor puede ser incognoscible y, por lo tanto, irrelevante. Su interpretación restrictiva es "socialmente insalubre, filosóficamente irreal y políticamente imprudente". [57]
Finalmente, la teoría en desarrollo del postestructuralismo estudia la importancia del arte en un contexto cultural, como las ideas, emociones y reacciones provocadas por una obra. [62] El contexto cultural a menudo se reduce a las técnicas e intenciones del artista, en cuyo caso el análisis procede en líneas similares al formalismo y el intencionalismo. Sin embargo, en otros casos pueden predominar condiciones históricas y materiales, como convicciones religiosas y filosóficas, estructuras sociopolíticas y económicas, o incluso el clima y la geografía. La crítica de arte continúa creciendo y desarrollándose junto con el arte. [57]
El arte puede connotar una sensación de habilidad entrenada o dominio de un medio . El arte también puede referirse al uso desarrollado y eficiente de un lenguaje para transmitir significado con inmediatez o profundidad. El arte se puede definir como un acto de expresión de sentimientos, pensamientos y observaciones. [63]
Hay un entendimiento que se alcanza con el material como resultado de su manejo, lo que facilita los procesos de pensamiento. Una opinión común es que el epíteto arte , particularmente en su sentido elevado, requiere un cierto nivel de experiencia creativa por parte del artista, ya sea una demostración de habilidad técnica, una originalidad en el enfoque estilístico o una combinación de ambas. Tradicionalmente, la habilidad de ejecución se consideraba una cualidad inseparable del arte y, por tanto, necesaria para su éxito; Para Leonardo da Vinci , el arte, ni más ni menos que sus otros emprendimientos, era una manifestación de habilidad. [64] La obra de Rembrandt , ahora elogiada por sus virtudes efímeras, fue más admirada por sus contemporáneos por su virtuosismo. [65] A principios del siglo XX, las hábiles interpretaciones de John Singer Sargent eran alternativamente admiradas y vistas con escepticismo por su fluidez manual, [66] pero casi al mismo tiempo el artista que se convertiría en el artista más reconocido y peripatético de la época El iconoclasta Pablo Picasso estaba completando una formación académica tradicional en la que destacó. [67] [68]
Una crítica contemporánea común de cierto arte moderno se produce en el sentido de objetar la aparente falta de habilidad o habilidad requerida en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, la Fuente de Marcel Duchamp se encuentra entre los primeros ejemplos de piezas en las que el artista utilizó objetos encontrados ("ready-made") y no ejerció un conjunto de habilidades tradicionalmente reconocidas. [69] Mi cama de Tracey Emin o La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo de Damien Hirst siguen este ejemplo y también manipulan los medios de comunicación. Emin durmió (y realizó otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. A Hirst se le ocurrió el diseño conceptual de la obra de arte, pero dejó la mayor parte de la creación final de muchas obras a los artesanos contratados. La fama de Hirst se basa enteramente en su capacidad para producir conceptos impactantes. [70] La producción real en muchas obras de arte conceptuales y contemporáneas es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que continúan sobresaliendo en las habilidades de dibujo y pintura y en la creación de obras de arte prácticas . [71]
El arte ha tenido una gran cantidad de funciones diferentes a lo largo de su historia, lo que hace que su propósito sea difícil de abstraer o cuantificar en un solo concepto. Esto no implica que el propósito del arte sea "vago", sino que ha tenido muchas razones únicas y diferentes para ser creado. Algunas de estas funciones del arte se proporcionan en el siguiente esquema. Los distintos fines del arte pueden agruparse según los que no están motivados y los que sí lo están ( Lévi-Strauss ). [72]
Los propósitos no motivados del arte son aquellos que son integrales al ser humano, trascienden al individuo o no cumplen un propósito externo específico. En este sentido, el arte, como creatividad, es algo que los humanos deben hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte) y, por lo tanto, está más allá de la utilidad. [72]
La imitación, entonces, es un instinto de nuestra naturaleza. A continuación, está el instinto de "armonía" y ritmo, siendo los metros manifiestamente secciones de ritmo. Las personas, por tanto, partiendo de este don natural desarrollaron gradualmente sus aptitudes especiales, hasta que sus toscas improvisaciones dieron origen a la Poesía. – Aristóteles [73]
Lo más hermoso que podemos experimentar es lo misterioso. Es la fuente de todo verdadero arte y ciencia. –Albert Einstein [74]
El águila de Júpiter [como ejemplo de arte] no es, como los atributos lógicos (estéticos) de un objeto, el concepto de la sublimidad y majestuosidad de la creación, sino algo más, algo que da a la imaginación un incentivo para extender su vuelo sobre un Toda una serie de representaciones afines que provocan más pensamiento de lo que admite expresión en un concepto determinado por palabras. Proporcionan una idea estética, que sirve a la idea racional antes mencionada como sustituto de la presentación lógica, pero con la función adecuada, sin embargo, de animar la mente abriéndole una perspectiva hacia un campo de representaciones afines que se extienden más allá de su comprensión. – Immanuel Kant [75]
La mayoría de los estudiosos que se ocupan de pinturas rupestres u objetos recuperados de contextos prehistóricos que no pueden explicarse en términos utilitarios y, por tanto, se clasifican como decorativos, rituales o simbólicos, son conscientes de la trampa que plantea el término "arte". – Silva Tomasková [76]
Los propósitos motivados del arte se refieren a acciones intencionales y conscientes por parte de los artistas o creadores. Estos pueden ser para provocar un cambio político, comentar sobre un aspecto de la sociedad, transmitir una emoción o estado de ánimo específico, abordar la psicología personal, ilustrar otra disciplina, (en el caso de las artes comerciales) vender un producto o usarse como una forma. de comunicación. [72] [77]
[El arte es un conjunto de] artefactos o imágenes con significados simbólicos como medio de comunicación. – Steve Mithen [78]
Por el contrario, la actitud realista, inspirada en el positivismo, desde Santo Tomás de Aquino hasta Anatole France, me parece claramente hostil a cualquier avance intelectual o moral. Lo detesto, porque está hecho de mediocridad, odio y sorda presunción. Esta actitud es la que hoy da origen a estos libros ridículos, a estas obras de teatro insultantes. Se alimenta constantemente de los periódicos y obtiene fuerza de ellos y embrutece tanto a la ciencia como al arte al halagar asiduamente los gustos más bajos; Claridad rayana en la estupidez, la vida de un perro. – André Breton (Surrealismo) [80]
Las funciones del arte descritas anteriormente no son mutuamente excluyentes, ya que muchas de ellas pueden superponerse. Por ejemplo, el arte con fines de entretenimiento también puede buscar vender un producto, es decir, la película o el videojuego.
El arte se puede dividir en cualquier cantidad de pasos que uno pueda argumentar. Esta sección divide el proceso creativo en tres pasos generales, pero no hay consenso sobre un número exacto. [98]
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En el primer paso, el artista visualiza el arte en su mente. Al imaginar cómo sería su arte, el artista comienza el proceso de darle existencia al arte. La preparación del arte puede implicar acercarse e investigar el tema. La inspiración artística es uno de los principales impulsores del arte y puede considerarse que proviene del instinto, las impresiones y los sentimientos. [98]
En el segundo paso, el artista ejecuta la creación de su obra. La creación de una pieza puede verse afectada por factores como el estado de ánimo , el entorno y el estado mental del artista . Por ejemplo, se cree que Las Pinturas Negras de Francisco de Goya , creadas en la vejez de su vida, son tan sombrías porque estaba aislado y por su experiencia con la guerra. Los pintó directamente en las paredes de su apartamento en España y probablemente nunca habló de ellos con nadie. [99] Los Beatles afirmaron que drogas como el LSD y el cannabis influyeron en algunos de sus grandes éxitos, como Revolver . [100] [101] La prueba y el error se consideran una parte integral del proceso de creación. [98]
El último paso es la apreciación del arte , que tiene como subtema la crítica. En un estudio, más de la mitad de los estudiantes de artes visuales coincidieron en que la reflexión es un paso esencial del proceso artístico. [98] Según las revistas de educación, la reflexión del arte se considera una parte esencial de la experiencia. [102] [103] Sin embargo, un aspecto importante del arte es que otros también pueden verlo y apreciarlo. Si bien muchos se centran en si quienes ven/escuchan/etc. Si creemos que el arte es bueno o exitoso o no, el arte tiene un valor profundo más allá de su éxito comercial como proveedor de información y salud en la sociedad. [104] El disfrute del arte puede generar un amplio espectro de emociones debido a la belleza . Algún arte está destinado a ser práctico, con su análisis estudioso, destinado a estimular el discurso. [105]
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Desde la antigüedad, gran parte del mejor arte ha representado una exhibición deliberada de riqueza o poder, a menudo lograda mediante el uso de materiales costosos y a gran escala. Gran parte del arte ha sido encargado por gobernantes políticos o instituciones religiosas, y las versiones más modestas sólo están disponibles para los más ricos de la sociedad. [106]
Sin embargo, ha habido muchos períodos en los que gran parte de la sociedad disponía de arte de muy alta calidad, en términos de propiedad, sobre todo en soportes baratos como la cerámica, que persiste en la tierra, y soportes perecederos como los textiles y la madera. . En muchas culturas diferentes, las cerámicas de los pueblos indígenas de las Américas se encuentran en una variedad tan amplia de tumbas que claramente no estaban restringidas a una élite social , [107] aunque otras formas de arte pueden haberlo estado. Los métodos de reproducción, como los moldes , facilitaron la producción en masa y se utilizaron para llevar la cerámica romana antigua de alta calidad y las figurillas griegas de Tanagra a un mercado muy amplio. Los sellos cilíndricos eran a la vez artísticos y prácticos, y muy utilizados por lo que se puede llamar vagamente la clase media en el Antiguo Cercano Oriente . [108] Una vez que las monedas se utilizaron ampliamente, estas también se convirtieron en una forma de arte que llegó al más amplio espectro de la sociedad. [109]
Otra innovación importante se produjo en el siglo XV en Europa, cuando el grabado comenzó con pequeños grabados en madera , en su mayoría religiosos, que a menudo eran muy pequeños y coloreados a mano, y asequibles incluso para los campesinos que los pegaban en las paredes de sus casas. Los libros impresos eran inicialmente muy caros, pero su precio cayó constantemente hasta que en el siglo XIX incluso los más pobres podían permitirse algunos con ilustraciones impresas. [110] Grabados populares de muchos tipos diferentes han decorado hogares y otros lugares durante siglos. [111]
En 1661, la ciudad de Basilea , en Suiza , inauguró el primer museo público de arte del mundo, el Kunstmuseum Basel . Hoy en día, su colección se distingue por una impresionante amplitud histórica, desde principios del siglo XV hasta la actualidad. Sus diversas áreas de interés le confieren un estatus internacional como uno de los museos más importantes de su tipo. Estos incluyen: pinturas y dibujos de artistas activos en la región del Alto Rin entre 1400 y 1600, y sobre el arte de los siglos XIX al XXI. [112]
Los edificios y monumentos públicos , seculares y religiosos, por su naturaleza normalmente se dirigen a toda la sociedad y a los visitantes como espectadores, y su exhibición al público en general ha sido durante mucho tiempo un factor importante en su diseño. Los templos egipcios son típicos porque la decoración más grande y lujosa se colocaba en las partes que podían ser vistas por el público en general, en lugar de en las áreas que sólo veían los sacerdotes. [113] Muchas áreas de los palacios reales, castillos y casas de la élite social eran a menudo accesibles en general, y gran parte de las colecciones de arte de esas personas a menudo podían ser vistas, ya fuera por cualquiera o por aquellos que podían pagar un pequeño precio. , o aquellos que vestían la ropa correcta, independientemente de quiénes fueran, como en el Palacio de Versalles , donde los accesorios adicionales apropiados (hebillas de zapatos de plata y una espada) se podían alquilar en las tiendas exteriores. [114]
Se hicieron arreglos especiales para permitir al público ver muchas colecciones reales o privadas ubicadas en galerías, como la Colección Orleans ubicada principalmente en un ala del Palacio Real de París, que se pudo visitar durante la mayor parte del siglo XVIII. [115] En Italia, el turismo artístico del Grand Tour se convirtió en una industria importante desde el Renacimiento en adelante, y los gobiernos y las ciudades se esforzaron por hacer accesibles sus obras clave. La Colección Real Británica sigue siendo distinta, pero desde ella se hicieron grandes donaciones, como la Antigua Biblioteca Real , al Museo Británico , creado en 1753. Los Uffizi de Florencia se abrieron íntegramente como galería en 1765, aunque esta función había ido asumiendo gradualmente el edificio. desde hace mucho tiempo de las oficinas originales de los funcionarios públicos. [116] El edificio que ahora ocupa el Prado en Madrid fue construido antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de partes de la colección de arte real, y existían galerías reales similares abiertas al público en Viena , Munich y otras capitales. La apertura del Museo del Louvre durante la Revolución Francesa (en 1793) como museo público para gran parte de la antigua colección real francesa ciertamente marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte, transfiriendo la propiedad a un estado republicano, pero fue una continuación de tendencias ya bien establecidas. [117]
La mayoría de los museos públicos modernos y los programas de educación artística para niños en las escuelas se remontan a este impulso de tener arte disponible para todos. Sin embargo, los museos no sólo brindan acceso al arte, sino que también influyen en la forma en que el público percibe el arte, como encontraron los estudios. [118] Por lo tanto, el museo en sí no es sólo un escenario contundente para la presentación del arte, sino que desempeña un papel activo y vital en la percepción general del arte en la sociedad moderna.
Los museos en Estados Unidos tienden a ser regalos de los muy ricos a las masas. ( El Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston , un ejecutivo ferroviario cuya colección de arte personal fue el germen del museo.) Pero a pesar de todo esto, al menos una de las funciones importantes del arte en el siglo XXI El siglo XIX sigue siendo un indicador de riqueza y estatus social. [119]
Ha habido intentos de artistas de crear arte que los ricos no puedan comprar como objeto de estatus. Uno de los principales motivadores originales de gran parte del arte de finales de los años 1960 y 1970 fue crear arte que no pudiera comprarse ni venderse. Es "necesario presentar algo más que meros objetos" [120], afirmó el importante artista alemán de posguerra Joseph Beuys . Este período vio el surgimiento de cosas como el arte escénico, el videoarte y el arte conceptual . La idea era que si la obra de arte era una actuación que no dejaría nada atrás, o era una idea, no se podía comprar ni vender. "Los preceptos democráticos que giran en torno a la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsaron la innovación estética que germinó a mediados de la década de 1960 y se cosechó a lo largo de la década de 1970. Artistas ampliamente identificados bajo el título de arte conceptual... sustituyendo las actividades de performance y publicación. para comprometerse tanto con las preocupaciones materiales como materialistas de la forma pintada o escultórica... [han] intentado socavar el objeto de arte en cuanto objeto". [121]
En las décadas posteriores, estas ideas se han perdido un poco a medida que el mercado del arte ha aprendido a vender DVD de edición limitada de obras en vídeo, [122] invitaciones a obras de arte performance exclusivas y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas actuaciones crean obras que sólo entienden la élite que ha sido educada sobre por qué una idea, un vídeo o un trozo de aparente basura puede considerarse arte. El marcador de estatus pasa a ser comprender la obra en lugar de necesariamente poseerla, y la obra de arte sigue siendo una actividad de la clase alta. "Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD a principios de la década de 2000, los artistas y el sistema de galerías que obtiene sus ganancias de la venta de obras de arte obtuvieron un medio importante para controlar la venta de obras de arte en video y por computadora en ediciones limitadas a los coleccionistas". [123]
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El arte ha sido durante mucho tiempo controvertido, es decir, desagradable para algunos espectadores, por una amplia variedad de razones, aunque la mayoría de las controversias premodernas están vagamente registradas o se pierden por completo en una visión moderna. La iconoclasia es la destrucción de un arte que no gusta por diversas razones, incluidas las religiosas. El aniconismo es una aversión generalizada hacia todas las imágenes figurativas o, a menudo, solo hacia las religiosas, y ha sido un hilo conductor en muchas religiones importantes. Ha sido un factor crucial en la historia del arte islámico , donde las representaciones de Mahoma siguen siendo especialmente controvertidas. Gran parte del arte ha sido rechazado simplemente porque representaba o representaba a gobernantes, partidos u otros grupos impopulares. Las convenciones artísticas a menudo han sido conservadoras y los críticos de arte las han tomado muy en serio , aunque a menudo mucho menos el público en general. El contenido iconográfico del arte podría causar controversia, como ocurre con las representaciones medievales tardías del nuevo motivo del desmayo de la Virgen en escenas de la Crucifixión de Jesús . El Juicio Final de Miguel Ángel fue controvertido por varias razones, incluidas las violaciones del decoro a través de la desnudez y la pose de Cristo similar a Apolo . [124] [125]
El contenido de gran parte del arte formal a lo largo de la historia fue dictado por el mecenas o comisionado y no sólo por el artista, pero con el advenimiento del romanticismo y los cambios económicos en la producción de arte, la visión de los artistas se convirtió en el determinante habitual del contenido de su arte. arte, aumentando la incidencia de controversias, aunque a menudo reduciendo su importancia. Los fuertes incentivos para la originalidad y la publicidad percibidas también alentaron a los artistas a generar controversia. La balsa de la Medusa ( c. 1820 ), de Théodore Géricault , fue en parte un comentario político sobre un acontecimiento reciente. Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), de Édouard Manet , se consideró escandalosa no por la mujer desnuda, sino porque está sentada junto a hombres completamente vestidos con la ropa de la época, en lugar de con túnicas del mundo antiguo. [126] [127] Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), de John Singer Sargent , provocó una controversia sobre el rosa rojizo utilizado para colorear el lóbulo de la oreja de la mujer, considerado demasiado sugerente y supuestamente arruinando la reputación del modelo de la alta sociedad. . [128] [129] El abandono gradual del naturalismo y la representación de representaciones realistas de la apariencia visual de los sujetos en los siglos XIX y XX llevaron a una controversia continua que duró más de un siglo.
En el siglo XX, Guernica (1937) de Pablo Picasso utilizó deslumbrantes técnicas cubistas y crudos óleos monocromáticos para representar las desgarradoras consecuencias de un bombardeo contemporáneo de una pequeña y antigua ciudad vasca. Interrogation III (1981), de Leon Golub , muestra a una mujer desnuda, detenida encapuchada, atada a una silla, con las piernas abiertas para revelar sus órganos sexuales, rodeada por dos torturadores vestidos con ropa cotidiana. Piss Christ (1989) de Andrés Serrano es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa el sacrificio y sufrimiento final de Cristo , sumergido en un vaso de la propia orina del artista. El revuelo resultante dio lugar a comentarios en el Senado de los Estados Unidos sobre la financiación pública de las artes. [130] [131]
Antes del Modernismo, la estética en el arte occidental se preocupaba mucho por lograr el equilibrio apropiado entre los diferentes aspectos del realismo o verdad a la naturaleza y el ideal ; Las ideas sobre cuál es el equilibrio apropiado han cambiado de un lado a otro a lo largo de los siglos. Esta preocupación está en gran medida ausente en otras tradiciones del arte. El teórico estético John Ruskin , que defendió lo que consideraba el naturalismo de J. M. W. Turner , consideraba el papel del arte como la comunicación mediante artificios de una verdad esencial que sólo podía encontrarse en la naturaleza. [132]
La definición y evaluación del arte se ha vuelto especialmente problemática desde el siglo XX. Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: el realista , según el cual la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier visión humana; el objetivista , según el cual también es un valor absoluto, pero depende de la experiencia humana general; y la posición relativista , según la cual no es un valor absoluto, sino que depende y varía con la experiencia humana de diferentes humanos. [133]
La llegada del modernismo a finales del siglo XIX provocó una ruptura radical en la concepción de la función del arte, [134] y luego nuevamente a finales del siglo XX con el advenimiento del posmodernismo . El artículo de Clement Greenberg de 1960 "Pintura modernista" define el arte moderno como "el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar la disciplina misma". [135] Greenberg aplicó originalmente esta idea al movimiento expresionista abstracto y la utilizó como una forma de comprender y justificar la pintura abstracta plana (no ilusionista):
El arte realista y naturalista había disimulado el medio, utilizando el arte para ocultarlo; El modernismo utilizó el arte para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones que constituyen el medio de la pintura (la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento) fueron tratadas por los viejos maestros como factores negativos que sólo podían reconocerse implícita o indirectamente. Bajo el modernismo, estas mismas limitaciones pasaron a considerarse factores positivos y se reconocieron abiertamente. [135]
Después de Greenberg, surgieron varios teóricos del arte importantes, como Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin y Griselda Pollock , entre otros. Aunque originalmente solo pretendía ser una forma de entender a un conjunto específico de artistas, la definición de arte moderno de Greenberg es importante para muchas de las ideas de arte dentro de los diversos movimientos artísticos del siglo XX y principios del XXI. [136] [137]
Artistas pop como Andy Warhol se volvieron notables e influyentes a través de trabajos que incluían y posiblemente criticaban la cultura popular , así como el mundo del arte . Los artistas de las décadas de 1980, 1990 y 2000 ampliaron esta técnica de autocrítica más allá del arte elevado a toda la creación de imágenes culturales, incluidas imágenes de moda, cómics, vallas publicitarias y pornografía. [138] [139]
Duchamp propuso una vez que el arte es cualquier actividad de cualquier tipo: todo. Sin embargo, la forma en que hoy sólo ciertas actividades se clasifican como arte es una construcción social. [140] Hay pruebas de que puede haber un elemento de verdad en esto. En La invención del arte: una historia cultural , Larry Shiner examina la construcción del sistema moderno de las artes, es decir, las bellas artes. Encuentra evidencia de que el antiguo sistema de las artes anterior a nuestro sistema moderno (bellas artes) consideraba que el arte era cualquier actividad humana calificada; por ejemplo, la sociedad griega antigua no poseía el término arte , sino techne . Techne no puede entenderse ni como arte ni como artesanía, la razón es que las distinciones entre arte y artesanía son productos históricos que llegaron más tarde en la historia de la humanidad. Techne incluía pintura, escultura y música, pero también cocina, medicina, equitación , geometría , carpintería, profecía y agricultura, etc. [141]
Después de Duchamp durante la primera mitad del siglo XX, se produjo un cambio significativo hacia la teoría estética general que intentó aplicar la teoría estética entre varias formas de arte, incluidas las artes literarias y las artes visuales, entre sí. Esto resultó en el surgimiento de la escuela de Nueva Crítica y el debate sobre la falacia intencional . Lo que estaba en juego era la cuestión de si las intenciones estéticas del artista al crear la obra de arte, cualquiera que sea su forma específica, deberían estar asociadas con la crítica y evaluación del producto final de la obra de arte, o, si la obra de arte debe evaluarse por sus propios méritos independientemente de las intenciones del artista. [142] [143]
En 1946, William K. Wimsatt y Monroe Beardsley publicaron un ensayo clásico y controvertido de la Nueva Crítica titulado " La falacia intencional ", en el que argumentaban firmemente en contra de la relevancia de la intención de un autor , o "significado pretendido" en el análisis de una obra literaria. . Para Wimsatt y Beardsley, las palabras de la página eran lo único que importaba; la importación de significados desde fuera del texto se consideró irrelevante y potencialmente distraída. [144] [145]
En otro ensayo, " La falacia afectiva ", que sirvió como una especie de ensayo hermano de "La falacia intencional", Wimsatt y Beardsley también descartaron la reacción personal/emocional del lector ante una obra literaria como un medio válido para analizar un texto. Esta falacia sería posteriormente repudiada por los teóricos de la escuela de teoría literaria de la respuesta del lector . Irónicamente, uno de los principales teóricos de esta escuela, Stanley Fish , fue formado por los Nuevos Críticos. Fish critica a Wimsatt y Beardsley en su ensayo de 1970 "Literatura en el lector". [146] [147]
Como lo resumen Berys Gaut y Paisley Livingston en su ensayo "La creación del arte": "Los teóricos y críticos estructuralistas y postestructuralistas criticaron duramente muchos aspectos de la Nueva Crítica, comenzando con el énfasis en la apreciación estética y la llamada autonomía". del arte, pero reiteraron el ataque a la suposición de la crítica biográfica de que las actividades y la experiencia del artista eran un tema crítico privilegiado". [148] Estos autores sostienen que: "Los antiintencionalistas, como los formalistas, sostienen que las intenciones involucradas en la creación de arte son irrelevantes o periféricas para interpretar correctamente el arte. Por lo tanto, los detalles del acto de crear una obra, aunque posiblemente sean de interés, en sí mismos, no tienen relación con la interpretación correcta de la obra." [149]
Gaut y Livingston definen a los intencionalistas como distintos de los formalistas y afirman que: "Los intencionalistas, a diferencia de los formalistas, sostienen que la referencia a las intenciones es esencial para fijar la interpretación correcta de las obras". Citan a Richard Wollheim afirmando que "la tarea de la crítica es la reconstrucción del proceso creativo, donde el proceso creativo debe, a su vez, ser pensado como algo que no se detiene antes de llegar a la obra de arte misma, sino que termina en ella". [149]
El final del siglo XX fomentó un extenso debate conocido como la controversia del giro lingüístico , o el "debate del ojo inocente" en la filosofía del arte. Este debate discutió el encuentro de la obra de arte como determinado por el grado relativo en que el encuentro conceptual con la obra de arte domina sobre el encuentro perceptual con la obra de arte. [150]
Decisivas para el debate sobre el giro lingüístico en la historia del arte y las humanidades fueron las obras de otra tradición más, a saber, el estructuralismo de Ferdinand de Saussure y el consiguiente movimiento del postestructuralismo . En 1981, el artista Mark Tansey creó una obra de arte titulada The Innocent Eye como crítica al clima de desacuerdo predominante en la filosofía del arte durante las últimas décadas del siglo XX. Entre los teóricos influyentes se encuentran Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault y Jacques Derrida . Hayden White exploró el poder del lenguaje, más específicamente de ciertos tropos retóricos, en la historia del arte y el discurso histórico . El hecho de que el lenguaje no es un medio transparente de pensamiento había sido enfatizado por una forma muy diferente de filosofía del lenguaje que se originó en las obras de Johann Georg Hamann y Wilhelm von Humboldt . [151] Ernst Gombrich y Nelson Goodman en su libro Languages of Art: An Approach to a Theory of Symbols llegaron a sostener que el encuentro conceptual con la obra de arte predominaba exclusivamente sobre el encuentro perceptual y visual con la obra de arte durante la década de 1960. y 1970. [152] Fue cuestionado sobre la base de una investigación realizada por el psicólogo ganador del Premio Nobel Roger Sperry , quien sostenía que el encuentro visual humano no se limitaba a conceptos representados únicamente en el lenguaje (el giro lingüístico) y que otras formas de representaciones psicológicas del obra de arte eran igualmente defendibles y demostrables. La visión de Sperry finalmente prevaleció a finales del siglo XX y filósofos estéticos como Nick Zangwill defendieron firmemente un regreso al formalismo estético moderado, entre otras alternativas. [153]
Las disputas sobre si clasificar o no algo como obra de arte se denominan disputas clasificatorias sobre el arte. Las disputas clasificatorias en el siglo XX han incluido pinturas cubistas e impresionistas , la Fuente de Duchamp , las películas, las superlativas imitaciones de billetes de JSG Boggs , el arte conceptual y los videojuegos . [155] El filósofo David Novitz ha argumentado que los desacuerdos sobre la definición de arte rara vez son el meollo del problema. Más bien, "las preocupaciones e intereses apasionados que los humanos depositan en su vida social" son "una parte muy importante de todas las disputas clasificatorias sobre el arte". [156] Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre valores sociales y hacia dónde intenta ir la sociedad que sobre la teoría propiamente dicha. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó el trabajo de Hirst y Emin argumentando que "Durante 1.000 años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy en día, las ovejas encurtidas y las camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros", no están avanzar en una definición o teoría sobre el arte, pero cuestionar el valor del trabajo de Hirst y Emin. [157] En 1998, Arthur Danto sugirió un experimento mental que mostraba que "el estatus de un artefacto como obra de arte resulta de las ideas que una cultura le aplica, más que de sus cualidades físicas o perceptibles inherentes. Interpretación cultural (una teoría del arte) de algún tipo) es, por lo tanto, constitutivo de la condición de arte de un objeto". [158] [159]
Anti-arte es una etiqueta para el arte que desafía intencionalmente los parámetros y valores establecidos del arte; [160] es un término asociado con el dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp justo antes de la Primera Guerra Mundial, [160] cuando hacía arte a partir de objetos encontrados . [160] Uno de ellos, Fountain (1917), un urinario ordinario, ha alcanzado considerable prominencia e influencia en el arte. [160] El antiarte es una característica del trabajo de la Internacional Situacionista , [161] el movimiento de arte postal de baja fidelidady los Jóvenes Artistas Británicos , [160] aunque es una forma todavía rechazada por los Stuckistas , [160] que se describen a sí mismos como anti-anti-arte . [162] [163]
La arquitectura suele incluirse como una de las artes visuales; sin embargo, al igual que las artes decorativas o la publicidad, implica la creación de objetos donde las consideraciones prácticas de uso son esenciales de una manera que normalmente no lo son en una pintura, por ejemplo. [164]
Un poco en relación con lo anterior, la palabra arte también se utiliza para aplicar juicios de valor, como en expresiones como "esa comida fue una obra de arte" (el cocinero es un artista), o "el arte del engaño" (el se elogia el alto nivel de habilidad alcanzado por el engañador). Es este uso de la palabra como medida de alta calidad y alto valor lo que le da al término su sabor de subjetividad. El hacer juicios de valor requiere una base para la crítica. En el nivel más simple, una forma de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple con los criterios para ser considerado arte es si se percibe como atractivo o repulsivo. Aunque la percepción siempre está influenciada por la experiencia y es necesariamente subjetiva, comúnmente se entiende que lo que de algún modo no es estéticamente satisfactorio no puede ser arte. Sin embargo, el "buen" arte no siempre, ni siquiera regularmente, resulta estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores. En otras palabras, la principal motivación de un artista no tiene por qué ser la búsqueda de lo estético. Además, el arte suele representar imágenes terribles creadas por motivos sociales, morales o que invitan a la reflexión. Por ejemplo, la pintura de Francisco Goya que representa los fusilamientos españoles del 3 de mayo de 1808 es una representación gráfica de un pelotón de fusilamiento ejecutando a varios civiles que suplicaban. Sin embargo, al mismo tiempo, las horribles imágenes demuestran la aguda habilidad artística de Goya en composición y ejecución y producen indignación social y política adecuada. Por tanto, continúa el debate sobre qué modo de satisfacción estética, si es que se requiere alguno, para definir el "arte". [165] [166]
La asunción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es estéticamente superior no tiene por qué ocurrir simultáneamente con un abandono total de la búsqueda de lo que es estéticamente atractivo. De hecho, a menudo ocurre lo contrario: que la revisión de lo que popularmente se concibe como estéticamente atractivo permite revitalizar la sensibilidad estética y una nueva apreciación de los estándares del arte mismo. Innumerables escuelas han propuesto sus propias formas de definir la calidad, pero todas parecen estar de acuerdo en al menos un punto: una vez aceptadas sus elecciones estéticas, el valor de la obra de arte está determinado por su capacidad de trascender los límites del medio elegido. tocar alguna fibra sensible universal por la rareza de la habilidad del artista o en su fiel reflejo en lo que se denomina el zeitgeist . El arte a menudo pretende apelar a las emociones humanas y conectarse con ellas. Puede despertar sentimientos estéticos o morales y puede entenderse como una forma de comunicar estos sentimientos. Los artistas expresan algo para excitar en cierta medida a su público, pero no tienen por qué hacerlo de forma consciente. El arte puede considerarse una exploración de la condición humana ; es decir, lo que es ser humano. [167] Por extensión, Emily L. Spratt ha argumentado que el desarrollo de la inteligencia artificial , especialmente en lo que respecta a sus usos con imágenes, requiere una reevaluación de la teoría estética en la historia del arte actual y una reconsideración de los límites de la creatividad humana. [168] [169]
Una cuestión jurídica esencial son las falsificaciones de arte , el plagio , las réplicas y las obras que tienen una fuerte base en otras obras de arte.
La legislación sobre propiedad intelectual desempeña un papel importante en el mundo del arte. Se otorga protección de derechos de autor a los artistas por sus obras originales, brindándoles derechos exclusivos para reproducir, distribuir y exhibir sus creaciones. Esta salvaguardia faculta a los artistas para controlar el uso de su obra y protegerla contra copias no autorizadas o infracciones. [170]
El comercio de obras de arte o la exportación desde un país puede estar sujeto a normas legales. A nivel internacional también hay grandes esfuerzos para proteger las obras de arte creadas. La ONU , la UNESCO y Blue Shield International intentan garantizar una protección eficaz a nivel nacional e intervenir directamente en caso de conflictos armados o desastres. Esto puede afectar especialmente a museos, archivos, colecciones de arte y sitios de excavación. Esto también debería garantizar la base económica de un país, especialmente porque las obras de arte suelen tener importancia turística. El presidente fundador de Blue Shield International, Karl von Habsburg , explicó una conexión adicional entre la destrucción de bienes culturales y la causa de la huida durante una misión en el Líbano en abril de 2019: "Los bienes culturales son parte de la identidad de las personas que viven en un lugar determinado. Si se destruye su cultura, se destruye también su identidad. Muchas personas son desarraigadas, a menudo ya no tienen perspectivas de futuro y, como resultado, huyen de su tierra natal". [171] [172] [173] [174] [175] [176] Para preservar la diversidad de la identidad cultural , la UNESCO protege el tesoro humano vivo a través de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial .
Las imágenes no occidentales no están bien descritas en términos de arte, ni tampoco las pinturas medievales que se realizaron en ausencia de ideas humanistas de valor artístico.
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