Un grupo de tonos es un acorde musical que comprende al menos tres tonos adyacentes en una escala . Los grupos de tonos prototípicos se basan en la escala cromática y están separados por semitonos . Por ejemplo, tres teclas de piano adyacentes (como C, C ♯ y D) pulsadas simultáneamente producen un grupo de tonos. Las variantes del grupo de tonos incluyen acordes que comprenden tonos adyacentes separados diatónicamente , pentatónicamente o microtonalmente . En el piano, estos grupos a menudo implican la pulsación simultánea de teclas blancas o negras vecinas.
Los primeros años del siglo XX vieron cómo los grupos de tonos adquirían un papel central en las obras pioneras de los artistas del ragtime Jelly Roll Morton y Scott Joplin . En la década de 1910, dos vanguardistas clásicos, los compositores y pianistas Leo Ornstein y Henry Cowell , fueron reconocidos por realizar las primeras exploraciones extensas del grupo de tonos. Durante el mismo período, Charles Ives los empleó en varias composiciones que no se interpretaron públicamente hasta finales de la década de 1920 o 1930, al igual que Béla Bartók en la última década. Desde mediados del siglo XX, han aparecido de forma destacada en la obra de compositores como Lou Harrison , Giacinto Scelsi , Alfred Schnittke y Karlheinz Stockhausen , y más tarde Eric Whitacre . Los grupos de tonos también desempeñan un papel importante en la obra de músicos de free jazz como Cecil Taylor , Matthew Shipp y Kevin Kastning .
En la mayoría de la música occidental, los grupos de tonos tienden a escucharse como disonantes . Los grupos pueden interpretarse con casi cualquier instrumento individual en el que se puedan tocar tres o más notas simultáneamente, así como con la mayoría de los grupos de instrumentos o voces. Los instrumentos de teclado son particularmente adecuados para la interpretación de grupos de tonos porque es relativamente fácil tocar varias notas al unísono en ellos.
Los grupos de tonos prototípicos son acordes de tres o más notas adyacentes en una escala cromática , es decir, tres o más tonos adyacentes cada uno separado por solo un semitono . Las pilas de tres notas basadas en escalas diatónicas y pentatónicas también son, estrictamente hablando, grupos de tonos. Sin embargo, estas pilas involucran intervalos entre notas mayores que los huecos de semitono del tipo cromático. Esto se puede ver fácilmente en un teclado, donde el tono de cada tecla está separado de la siguiente por un semitono (visualizando las teclas negras como extendiéndose hasta el borde del teclado): Las escalas diatónicas, tocadas convencionalmente en las teclas blancas, contienen solo dos intervalos de semitono; el resto son tonos completos. En las tradiciones musicales occidentales, las escalas pentatónicas, tocadas convencionalmente en las teclas negras, se construyen completamente a partir de intervalos mayores que un semitono. Por lo tanto, los comentaristas tienden a identificar las pilas diatónicas y pentatónicas como "grupos de tonos" solo cuando consisten en cuatro o más notas sucesivas en la escala. [1] En la práctica clásica occidental estándar , todos los grupos de tonos se pueden clasificar como acordes secundarios , es decir, se construyen a partir de segundas menores (intervalos de un semitono), segundas mayores (intervalos de dos semitonos) o, en el caso de ciertos grupos pentatónicos, segundas aumentadas (intervalos de tres semitonos). Las pilas de tonos microtonales adyacentes también constituyen grupos de tonos. [2]
En los grupos de tonos, las notas suenan completamente y al unísono, lo que las distingue de las figuras ornamentadas que incluyen acciaccaturas y similares. Su efecto también tiende a ser diferente: donde la ornamentación se utiliza para llamar la atención sobre la armonía o la relación entre la armonía y la melodía , los grupos de tonos se emplean en su mayor parte como sonidos independientes. Si bien, por definición, las notas que forman un grupo deben sonar al mismo tiempo, no existe ningún requisito de que todas deban comenzar a sonar al mismo tiempo. Por ejemplo, en el coro Epitaph for Moonlight (1968) de R. Murray Schafer , un grupo de tonos se construye dividiendo cada sección del coro (soprano/alto/tenor/bajo) en cuatro partes. Cada una de las dieciséis partes entra por separado, tarareando una nota un semitono más baja que la nota tarareada por la parte anterior, hasta que las dieciséis contribuyen al grupo. [4]
Los grupos de tonos generalmente se han considerado texturas musicales disonantes, e incluso se han definido como tales. [5] Sin embargo, como señaló Alan Belkin, el timbre instrumental puede tener un impacto significativo en su efecto: "Los grupos son bastante agresivos en el órgano, pero se suavizan enormemente cuando se tocan con cuerdas (posiblemente porque las fluctuaciones ligeras y continuas del tono en este último proporcionan cierta movilidad interna)". [6] En su primer trabajo publicado sobre el tema, Henry Cowell observó que un grupo de tonos es "más agradable" y "aceptable para el oído si sus límites externos forman un intervalo consonante". [7] Cowell explica que "el espaciado natural de las llamadas disonancias es como segundos, como en la serie de armónicos, en lugar de séptimas y novenas... Los grupos espaciados en segundos pueden sonar eufónicos, particularmente si se tocan junto con notas de acordes fundamentales tomadas desde abajo en la misma serie de armónicos. Las mezcla y las explica al oído". [8] Los grupos de tonos también se han considerado ruido. Como dice Mauricio Kagel , "los clusters de tonos se han utilizado generalmente como una especie de antiarmonía, como una transición entre el sonido y el ruido". [9] Por lo tanto, los clusters de tonos también se prestan a ser utilizados de manera percusiva. Históricamente, a veces se hablaba de ellos con un dejo de desdén. Un libro de texto de 1969 define el cluster de tonos como "un grupo de notas extraarmónico". [10]
En su pieza de 1917 The Tides of Manaunaun , Cowell introdujo una nueva notación para los grupos de tonos en el piano y otros instrumentos de teclado. En esta notación, solo se representan las notas superior e inferior de un grupo, conectadas por una sola línea o un par de líneas. [11] Esto evolucionó hasta convertirse en el estilo de barra sólida que se ve en la imagen de la derecha. Aquí, el primer acorde, que se extiende dos octavas desde D 2 a D 4 , es un grupo diatónico (llamado de nota blanca), indicado por el signo natural debajo del pentagrama. El segundo es un grupo pentatónico (llamado de nota negra), indicado por el signo bemol; se requeriría un signo sostenido si las notas que muestran el límite del grupo se escribieran como sostenidos. Un grupo cromático (teclas negras y blancas juntas) se muestra en este método mediante una barra sólida sin ningún signo. [12] Al componer las grandes y densas agrupaciones de la obra para órgano solista Volumina a principios de los años 1960, György Ligeti , utilizando notación gráfica, bloqueó secciones enteras del teclado. [13]
La interpretación de grupos de tonos en teclado se considera ampliamente una " técnica extendida ": los grupos grandes requieren métodos de interpretación inusuales que a menudo involucran el puño, la palma de la mano o el antebrazo. Thelonious Monk y Karlheinz Stockhausen interpretaron grupos con los codos; Stockhausen desarrolló un método para tocar glissandi de grupos con guantes especiales. [14] Don Pullen tocaba grupos en movimiento haciendo rodar el dorso de sus manos sobre el teclado. [15] A veces se emplean tableros de varias dimensiones, como en la Sonata Concord ( c. 1904-19) de Charles Ives ; se pueden lastrar para ejecutar grupos de larga duración. [16] Varias de las partituras de Lou Harrison requieren el uso de una "barra de octava", diseñada para facilitar la interpretación de grupos de teclado a alta velocidad. [17] Diseñada por Harrison con su socio William Colvig , la barra de octava es
un dispositivo plano de madera de aproximadamente dos pulgadas de alto con un mango en la parte superior y goma esponjosa en la parte inferior, con el que el pianista golpea las teclas. Su longitud abarca una octava en un piano de cola. La base de goma esponjosa está esculpida de modo que sus extremos están ligeramente más bajos que su centro, lo que hace que los tonos externos de la octava suenen con mayor fuerza que los tonos intermedios. El pianista puede así precipitarse a través de pasajes terriblemente rápidos, abarcando con precisión una octava en cada golpe. [17]
El ejemplo más antiguo de grupos de tonos en una composición musical occidental identificado hasta ahora se encuentra en el movimiento Allegro de Battalia à 10 (1673) de Heinrich Biber para conjunto de cuerdas, que requiere varios grupos diatónicos. [18] Un grupo diatónico orquestal, que contiene todas las notas de la escala menor armónica , también aparece en la representación del caos en la apertura del ballet Les Élémens de Jean-Féry Rebel de 1737-38 . [19]
A partir del siglo y medio siguiente se han identificado algunos ejemplos más, en su mayoría no más que un ejemplo fugaz de la forma, por ejemplo en la apertura de la Cantata O Ewigkeit, du Donnerwort , BWV 60 de JS Bach .
o en los dos compases finales del "Loure" de la Suite francesa nº 5 del mismo compositor, BWV 816:
o las colisiones que resultan de la interacción de múltiples líneas "bloqueadas entre sí en suspensiones " [20] en La ofrenda musical de Bach :
En las sonatas para teclado de Domenico Scarlatti (1685-1757) encontramos un uso más atrevido e idiosincrásico de los grupos de tonos. En el siguiente pasaje de finales de la década de 1740, Scarlatti construye las disonancias a lo largo de varios compases:
Ralph Kirkpatrick dice que estos acordes "no son grupos en el sentido de que son manchas arbitrarias de disonancia, ni son necesariamente rellenos aleatorios de intervalos diatónicos o sondeos simultáneos de tonos vecinos; son expresiones lógicas del lenguaje armónico de Scarlatti y manifestaciones orgánicas de su estructura tonal". [21] Frederick Neumann describe la Sonata K175 (década de 1750) como "llena de los famosos grupos de tonos de Scarlatti". [22] También durante esta época, varias composiciones programáticas francesas para clave o piano representan disparos de cañón con racimos: obras de François Dandrieu ( Les Caractères de la guerre , 1724), Michel Corrette ( La Victoire d'un combat naval, remportée par une frégate contre plusieurs corsaires réunis , 1780), Claude-Bénigne Balbastre ( March des Marse illois , 1793), Pierre Antoine César ( La Battaille de Gemmap, ou la prise de Mons , c. 1794), Bernard Viguerie ( La Bataille de Maringo, pièce militaire et hitorique , para trío con piano, 1800), y Jacques-Marie Beauvarlet-Charpentier ( Battaille d'Austerlitz , 1805). [23]
En la canción de Franz Schubert " Erlkönig " (1815-21) se puede encontrar un uso dramático de un grupo de tonos "virtuales" . En ella, un niño aterrorizado llama a su padre cuando ve una aparición del siniestro Erl King. La sonoridad disonante del acorde de novena menor dominante utilizado aquí (C 7 ♭ 9 ) es particularmente eficaz para aumentar el dramatismo y la sensación de amenaza.
Al escribir sobre este pasaje, Richard Taruskin comentó sobre el "nivel de disonancia sin precedentes en los gritos del niño... La voz tiene la novena, en un tono más alto, y la mano izquierda tiene la séptima, en un tono más bajo. El resultado es un 'grupo de tonos' virtual... la lógica armónica de estas progresiones, dentro de las reglas de composición que le enseñaron a Schubert, ciertamente puede demostrarse. Esa lógica, sin embargo, no es lo que atrae tan fuertemente a la imaginación del oyente; más bien es la impresión calculada (o ilusión) de desenfreno salvaje". [24]
La Arietta final de la última Sonata para piano n.° 32 , Op. 111 de Beethoven presenta un pasaje que, según Martin Cooper, “da un toque momentáneo de desenfoque por el grupo repetido de cuartas”. [25]
Las siguientes composiciones conocidas después de las de Charpentier que presentan grupos de tonos son "Une fusée" (Un cohete) Op. 55 de Charles-Valentin Alkan , publicada en 1859, y sus "Les Diablotins" (Los duendes), una miniatura de la serie de 49 Esquisses (bocetos) para piano solo, publicada en 1861. [ cita requerida ]
También está la pieza para piano solo La batalla de Manassas , escrita en 1861 por "Blind Tom" Bethune y publicada en 1866. La partitura indica al pianista que represente el fuego de cañón en varios puntos tocando "con la palma de la mano, tantas notas como sea posible, y con tanta fuerza como sea posible, en el bajo del piano". [26] En 1887, Giuseppe Verdi se convirtió en el primer compositor notable en la tradición occidental en escribir un grupo cromático inconfundible: la música de tormenta con la que se abre Otello incluye un grupo de órgano (C, C ♯ , D) que también tiene la duración anotada más larga de cualquier textura musical orquestada conocida. [27] El final coral de la Sinfonía n.º 2 de Gustav Mahler presenta un grupo de tonos de gran intensidad que surge naturalmente de la voz y que conduce a las palabras "wird, der dich rief, dir geben":
Sin embargo, no fue hasta la segunda década del siglo XX que los grupos de tonos asumieron un lugar reconocido en la práctica de la música clásica occidental.
"Alrededor de 1910", escribe Harold C. Schonberg , " Percy Grainger estaba causando revuelo con los grupos de tonos casi idénticos en obras como su Marcha de los Gumsuckers " . [28] En 1911, se publicó lo que parece ser la primera composición clásica publicada que integraba completamente grupos de tonos verdaderos: Tintamarre (El estruendo de las campanas) , del compositor canadiense J. Humfrey Anger (1862-1913). [a]
En pocos años, el compositor y pianista radical Leo Ornstein se convirtió en una de las figuras más famosas de la música clásica en ambos lados del Atlántico por sus interpretaciones de obras de vanguardia. En 1914, Ornstein estrenó varias de sus propias composiciones para piano solo: Wild Men's Dance (también conocida como Danse Sauvage ; c. 1913-14), Impressions of the Thames ( c. 1913-14) e Impressions of Notre Dame ( c. 1913-14) fueron las primeras obras que exploraron el cluster tonal en profundidad que jamás haya escuchado una audiencia sustancial. Wild Men's Dance , en particular, estaba construida casi en su totalidad a partir de clusters ( ). [b] En 1918, el crítico Charles L. Buchanan describió la innovación de Ornstein: "[Él] nos da masas de disonancias estridentes y duras, acordes que consisten en entre ocho y una docena de notas formadas por semitonos amontonados uno sobre otro". [29]
Los clusters también empezaban a aparecer en más piezas de compositores europeos. El uso de ellos por parte de Isaac Albéniz en Iberia (1905-8) puede haber influido en los escritos para piano posteriores de Gabriel Fauré . [30] Joseph Horowitz ha sugerido que los "cúmulos estelares disonantes" en sus libros tercero y cuarto fueron particularmente atractivos para Olivier Messiaen , quien llamó a Iberia "la maravilla del piano". [31] La partitura de Thomas de Hartmann para el espectáculo teatral de Wassily Kandinsky El sonido amarillo (1909) emplea un cluster cromático en dos puntos culminantes. [32] Las Cuatro piezas para clarinete y piano (1913) de Alban Berg requieren clusters junto con otras técnicas de teclado de vanguardia. [33] El Preludio para piano de Claude Debussy " La Cathédrale Engloutie " hace un uso poderoso de grupos de notas para evocar el sonido de "campanas que repican - con tantas segundas mayores añadidas que uno podría llamar a esto una armonía pandiatónica ". [34]
En su preludio para piano de 1913 "General Lavine – Excentric", una de las primeras piezas influenciadas por los estilos populares negros estadounidenses (el Cakewalk ), Debussy presenta grupos de tonos abrasivos al final del siguiente pasaje:
En su arreglo de 1915 para piano solo de sus Six Epigraphes Antiques (1914), originalmente un conjunto de duetos para piano, Debussy incluye grupos de tonos en la quinta pieza, Pour l'Egyptienne. [35]
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El compositor ruso Vladimir Rebikov los utilizó ampliamente en sus Tres idilios , Op. 50, escrito en 1913. [ cita requerida ] La Sinfonía alpina de Richard Strauss (1915) "comienza y termina con el sol poniente: un grupo de acordes en si bemol menor que se va construyendo lentamente hacia abajo". [36]
Aunque gran parte de su obra se hizo pública solo años después, Charles Ives había estado explorando las posibilidades del grupo de tonos, al que se refería como el "acorde de grupo", durante algún tiempo. En 1906-7, Ives compuso su primera pieza madura que presentaba ampliamente grupos de tonos, Scherzo: Over the Pavements . [c] Orquestada para un conjunto de nueve piezas, incluye grupos de notas blancas y negras para piano. [37] Revisada en 1913, no se grabaría y publicaría hasta la década de 1950 y tendría que esperar hasta 1963 para recibir su primera interpretación pública. Durante el mismo período en el que Ornstein estaba introduciendo los grupos de tonos en el escenario de conciertos, Ives estaba desarrollando una pieza con lo que se convertiría en el conjunto de grupos más famoso: en el segundo movimiento, "Hawthorne", de la Sonata Concord ( c. 1904-15, publ. 1920, prem. 1928, rev. 1947), los acordes de piano gigantescos requieren una barra de madera de casi quince pulgadas de largo para tocarlos. [38] Los suaves grupos producidos por la barra cubierta de fieltro o franela representan el sonido de campanas de iglesia lejanas ( ). [39] Más adelante en el movimiento, hay una serie de grupos diatónicos de cinco notas para la mano derecha. En sus notas a la partitura, Ives indica que "estos acordes grupales... pueden, si el intérprete lo desea, ser golpeados con el puño cerrado". [40] Entre 1911 y 1913, Ives también escribió piezas de conjunto con grupos de tonos como su Segundo Cuarteto de Cuerdas y las orquestales Decoration Day y Fourth of July , aunque ninguna de ellas se interpretaría públicamente antes de la década de 1930. [d]
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En junio de 1913, un californiano de dieciséis años sin formación musical formal escribió una pieza para piano solo, Adventures in Harmony , empleando "grupos de tonos primitivos". [41] Henry Cowell pronto surgiría como la figura seminal en la promoción de la técnica armónica de grupos. Ornstein abandonó el escenario de conciertos a principios de la década de 1920 y, de todos modos, los grupos le habían servido como dispositivos armónicos prácticos, no como parte de una misión teórica más amplia. En el caso de Ives, los grupos comprendían una parte relativamente pequeña de su producción compositiva, gran parte de la cual pasó desapercibida durante años. Para Cowell, intelectualmente ambicioso (que escuchó a Ornstein tocar en Nueva York en 1916), los grupos eran cruciales para el futuro de la música. Se propuso explorar sus "efectos generales, acumulativos y a menudo programáticos". [42]
Dynamic Motion (1916) para piano solo, escrita cuando Cowell tenía diecinueve años, ha sido descrita como "probablemente la primera pieza en cualquier lugar que utiliza acordes secundarios de forma independiente para la extensión y variación musical". [43] Aunque eso no es del todo exacto, parece ser la primera pieza en emplear grupos cromáticos de esa manera. Una pieza para piano solo que Cowell escribió al año siguiente, The Tides of Manaunaun (1917), resultaría ser su obra más popular y la composición más responsable de establecer el grupo de tonos como un elemento significativo en la música clásica occidental. (Las primeras obras para piano de Cowell a menudo se fechan erróneamente; en los dos casos anteriores, como 1914 y 1912, respectivamente. [44] ) Aunque algunos suponen que implica un enfoque pianístico esencialmente aleatorio, o, más amablemente, aleatorio , Cowell explicaría que se requiere precisión en la escritura e interpretación de grupos de tonos no menos que con cualquier otra característica musical:
Los grupos de tonos... en el piano [son] escalas completas de tonos que se usan como acordes, o al menos tres tonos contiguos a lo largo de una escala que se usa como acorde. Y, a veces, si estos acordes exceden el número de tonos que tienes en los dedos de tu mano, puede ser necesario tocarlos ya sea con la palma de la mano o, a veces, con todo el antebrazo. Esto no se hace con el objetivo de intentar idear una nueva técnica de piano, aunque en realidad equivale a eso, sino más bien porque este es el único método practicable para tocar acordes tan grandes. Debería ser obvio que estos acordes son exactos y que uno practica diligentemente para tocarlos con la calidad de tono deseada y para que tengan una naturaleza absolutamente precisa. [45]
El historiador y crítico Kyle Gann describe la amplia gama de formas en que Cowell construyó (y por lo tanto interpretó) sus grupos y los usó como texturas musicales, "a veces con una nota superior resaltada melódicamente, a veces acompañando una melodía de la mano izquierda en paralelo". [46]
A partir de 1921, con un artículo publicado por entregas en The Freeman , una revista cultural irlandesa, Cowell popularizó el término "cúmulo de tonos" . [47] Si bien no acuñó la frase, como a menudo se afirma, parece haber sido el primero en usarla con su significado actual. [e] Durante las décadas de 1920 y 1930, Cowell realizó giras extensas por América del Norte y Europa, tocando sus propias obras experimentales, muchas construidas alrededor de grupos de tonos. Además de The Tides of Manaunaun , Dynamic Motion y sus cinco "bises" —What 's This (1917), Amiable Conversation (1917), Advertisement (1917), Antinomy (1917, rev. 1959; frecuentemente mal escrita "Antimony") y Time Table (1917)—, se incluyen The Voice of Lir (1920), Exultation (1921), The Harp of Life (1924), Snows of Fujiyama (1924), Lilt of the Reel (1930) y Deep Color (1938). Tiger (1930) tiene un acorde de 53 notas, probablemente el más grande jamás escrito para un solo instrumento hasta 1969. [48] Junto con Ives, Cowell escribió algunas de las primeras piezas para grandes conjuntos que hicieron un uso extensivo de los clusters. Su primer trabajo de este tipo, The Birth of Motion ( c. 1920), combina clusters orquestales con glissando. [49] "Tone Cluster", el segundo movimiento del Concierto para piano y orquesta de Cowell (1928, prem. 1978), emplea una amplia variedad de clusters para el piano y cada grupo instrumental ( ). [50] Un cuarto de siglo después, su Sinfonía n.º 11 (1953) presenta un cluster cromático deslizante tocado por violines con sordina. [51]
En su obra teórica New Musical Resources (1930), que ejerció una gran influencia en la vanguardia clásica durante muchas décadas, Cowell argumentó que los grupos no deberían emplearse simplemente por el color:
En armonía, a menudo es mejor, por razones de coherencia, mantener toda una sucesión de grupos una vez que se han comenzado, ya que uno solo, o incluso dos, pueden oírse como un mero efecto, en lugar de como un procedimiento independiente y significativo, llevado con lógica musical a su inevitable conclusión. [52]
En 1922, el compositor Dane Rudhyar , amigo de Cowell, declaró con aprobación que el desarrollo del grupo de tonos "ponía en peligro [la] existencia" de "la unidad musical, la nota". [53] Si bien esa amenaza no se materializó, los grupos de tonos comenzaron a aparecer en las obras de un número cada vez mayor de compositores. Aaron Copland ya había escrito sus Three Moods (también conocido como Trois Esquisses ; 1920-21) para piano (su nombre es un aparente homenaje a una pieza de Leo Ornstein) que incluye un grupo de triple forte . [54] El compositor más famoso que se inspiró directamente en las demostraciones de Cowell de sus piezas de grupos de tonos fue Béla Bartók , quien solicitó el permiso de Cowell para emplear el método. [55] El Primer concierto para piano de Bartók , la Sonata para piano y la "Música nocturna" de la suite Al aire libre (todos de 1926), sus primeras obras significativas después de tres años en los que produjo pequeños grupos de tonos con abundantes características. [56]
En la década de 1930, el estudiante de Cowell, Lou Harrison, utilizó grupos de teclado en varias obras, como su Preludio para piano de cola (1937). [57] Al menos ya en 1942, John Cage , que también estudió con Cowell, comenzó a escribir piezas para piano con acordes en grupos; In the Name of the Holocaust , de diciembre de ese año, incluye grupos cromáticos, diatónicos y pentatónicos. [58] Vingt regards sur l'enfant Jésus (1944) de Olivier Messiaen , a menudo descrita como la pieza para piano solo más importante de la primera mitad del siglo XX, emplea grupos en todas partes. [59] Aparecerían en numerosas obras para piano posteriores, de una variedad de compositores. El Klavierstück X (1961) de Karlheinz Stockhausen hace un uso retórico y audaz de los clusters cromáticos, escalados en siete grados de ancho, desde tres a treinta y seis semitonos, así como arpegios de cluster ascendentes y descendentes y glissandos de cluster. [60] Escrito dos décadas después, su Klavierstück XIII emplea muchas de las mismas técnicas, junto con clusters que requieren que el pianista se siente en el teclado. [61] Apparitions, Elegiac Songs, and Vocalises for Soprano and Amplified Piano (1979) de George Crumb , una versión de verso de Walt Whitman , está llena de clusters, incluido uno enorme que introduce tres de sus secciones. [62] La parte de piano del segundo movimiento del ciclo de canciones Magabunda (1983) de Joseph Schwantner tiene quizás el acorde más grande jamás escrito para un instrumento individual: las 88 notas en el teclado. [63]
Aunque los grupos de tonos se asocian convencionalmente con el piano, y en particular con el repertorio para piano solo, también han asumido papeles importantes en composiciones para grupos de cámara y conjuntos más grandes. Robert Reigle identifica la Sonata Religiosa para órgano y violín del compositor croata Josip Slavenski (1925), con sus sostenidos grupos cromáticos, como "un eslabón perdido entre Ives y [György] Ligeti ". [64] Bartók emplea grupos tanto diatónicos como cromáticos en su Cuarto Cuarteto de Cuerdas (1928). [65] La técnica de masa sonora en obras como el Cuarteto de Cuerdas de Ruth Crawford Seeger (1931) y Metastaseis de Iannis Xenakis (1955) es una elaboración del grupo de tonos. "A diferencia de la mayoría de las disonancias lineales tonales y no tonales, los grupos de tonos son esencialmente estáticos. Los tonos individuales son de importancia secundaria; es la masa sonora la que tiene prioridad". [66] En una de las piezas más famosas asociadas con la estética de masas sonoras, que contiene "uno de los grupos de tonos individuales más grandes que se han escrito", [67] Threnody to the Victims of Hiroshima (1959) de Krzysztof Penderecki , para cincuenta y dos instrumentos de cuerda, los grupos de cuartos de tono "parecen haber abstraído e intensificado las características que definen los gritos de terror y los agudos gritos de dolor". [68] Los grupos aparecen en dos secciones de la música electrónica de Kontakte (1958-60) de Stockhausen: primero como "puntos de martilleo... muy difíciles de sintetizar", según Robin Maconie, luego como glissandi. [69] En 1961, Ligeti escribió quizás el acorde de grupo más grande de la historia: en Atmosphères orquestal , cada nota en la escala cromática en un rango de cinco octavas se toca a la vez (silenciosamente). [70] Las obras para órgano de Ligeti hacen un uso extensivo de los grupos. Volumina (1961-62), anotada gráficamente, consiste en masas estáticas y móviles de grupos y requiere muchas técnicas avanzadas de interpretación de grupos. [71]
El octavo movimiento del oratorio de Messiaen La Transfiguration de Notre Seigneur Jésus-Christ (1965-69) presenta "un halo brillante de glissandi de grupos de tonos" en las cuerdas, evocando la "nube brillante" a la que se refiere la narrativa ( ). [72] Los grupos orquestales se emplean en Fresco (1969) y Trans (1971) de Stockhausen. [73] En Rothko Chapel (1971) de Morton Feldman , "los grupos de tonos vocales sin palabras se filtran a través de los arreglos esqueléticos de viola, celesta y percusión". [74] La pieza de conjunto de cámara de Aldo Clementi Ceremonial (1973) evoca tanto a Verdi como a Ives, combinando los conceptos originales de duración extendida y grupo de masas: una tabla de madera con peso colocada sobre un armonio eléctrico mantiene un grupo de tonos a lo largo de la obra. [16] La obra de Judith Bingham, Prague (1995), ofrece a una banda de metales la oportunidad de crear grupos de tonos. [75] Los grupos de teclados se contraponen a fuerzas orquestales en conciertos para piano como el primero de Einojuhani Rautavaara (1969) y el de Esa-Pekka Salonen (2007), este último sugerente de Messiaen. [76] Las composiciones corales de Eric Whitacre emplean a menudo grupos, como marca registrada de su estilo. [77] [78] Los grupos de acordes de Whitacre se basan fundamentalmente en la conducción de voces y no son fácilmente interpretables mediante el análisis armónico tradicional. [79]
Tres compositores que hicieron uso frecuente de los grupos de tonos para una amplia variedad de conjuntos son Giacinto Scelsi , Alfred Schnittke —quienes trabajaron a menudo con ellos en contextos microtonales— y Lou Harrison. Scelsi los empleó durante gran parte de su carrera, incluso en su última obra a gran escala, Pfhat (1974), que se estrenó en 1986. [80] Se encuentran en obras de Schnittke que van desde el Quinteto para piano y cuerdas (1972-76), donde "las cuerdas microtonales encuentran grupos de tonos entre las grietas de las teclas del piano", [81] hasta los Salmos corales del arrepentimiento (1988). Las numerosas piezas de Harrison que incluyen grupos incluyen Pacifika Rondo (1963), Concierto para órgano con percusión (1973), Concierto para piano (1983-1985), Tres canciones para coro masculino (1985), Gran dúo (1988) y Rhymes with Silver (1996). [82]
Los grupos de tonos han sido utilizados por los artistas de jazz en una variedad de estilos, desde el comienzo mismo de la forma. Alrededor de principios del siglo XX, el pianista de Storyville Jelly Roll Morton comenzó a interpretar una adaptación ragtime de una cuadrilla francesa , introduciendo grandes grupos de tonos cromáticos tocados con su antebrazo izquierdo. El efecto de gruñido llevó a Morton a bautizar la pieza como su "Tiger Rag" ( ). [83] En 1909, el "Wall Street Rag" deliberadamente experimental de Scott Joplin incluyó una sección que presentaba de manera destacada grupos de tonos notados. [84]
El cuarto de los Pastime Rags (1913-20) de Artie Matthews presenta clusters disonantes de mano derecha. [85] Thelonious Monk , en piezas como "Bright Mississippi" (1962), "Introspection" (1946) y "Off Minor" (1947), usa clusters como figuras dramáticas dentro de la improvisación central y para acentuar la tensión en su conclusión. [86] Se escuchan en "Mr. Freddy Blues" (1950) de Art Tatum , apuntalando los ritmos cruzados . [87] Para 1953, Dave Brubeck estaba empleando clusters de tonos de piano y disonancia de una manera que anticipaba el estilo que pronto desarrollaría el pionero del free jazz Cecil Taylor . [88] El enfoque del pianista de hard bop Horace Silver es un antecedente aún más claro del uso de clusters de Taylor. [89] Durante la misma era, los clusters aparecen como signos de puntuación en las líneas principales de Herbie Nichols . [90] En "The Gig" (1955), descrita por Francis Davis como la obra maestra de Nichols, "notas discordantes y clusters de tonos retratan a una banda de rap en desacuerdo consigo misma sobre qué tocar". [91] Ejemplos grabados del trabajo de cluster de piano de Duke Ellington incluyen "Summertime" (1961) y ...And His Mother Called Him Bill (1967) y This One's for Blanton!, su tributo a un ex bajista, grabado en 1972 con el bajista Ray Brown . [92] La interpretación de Bill Evans de " Come Rain or Come Shine " del álbum Portrait in Jazz (1960), comienza con un sorprendente cluster de 5 tonos. [93]
En el jazz, al igual que en la música clásica, los grupos de tonos no se han restringido al teclado. En la década de 1930, la "Stratosphere" de la Orquesta de Jimmie Lunceford incluyó grupos de ensamble entre una variedad de elementos progresivos. [94] La grabación de abril de 1947 de la Orquesta Stan Kenton de "If I Could Be With You One Hour Tonight", arreglada por Pete Rugolo , presenta un dramático grupo de trombón de cuatro notas al final del segundo coro. [95] Como lo describe el crítico Fred Kaplan , una interpretación de 1950 de la Orquesta de Duke Ellington presenta arreglos con el colectivo "soplando grupos de tonos ricos y oscuros que evocan a Ravel". [96] Los grupos de acordes también aparecen en las partituras del arreglista Gil Evans . En su característico arreglo imaginativo de "There's a boat that's leaving soon for New York" de George Gershwin del álbum Porgy and Bess , Evans contribuye con grupos de acordes orquestados con flautas, saxofón alto y trompetas con sordina como fondo para acompañar la improvisación solista de Miles Davis . A principios de los años 1960, los arreglos de Bob Brookmeyer y Gerry Mulligan para Mulligan's Concert Jazz Band emplearon grupos de tonos en un estilo denso que recordaba tanto a Ellington como a Ravel. [97] Los solos de clarinete bajo de Eric Dolphy a menudo presentaban "grupos microtonales convocados por un frenético overblowing". [98] El crítico Robert Palmer llamó al "grupo de tonos ácido" que "atraviesa las superficies de una canción y penetra hasta su corazón" una especialidad del guitarrista Jim Hall . [99]
Los clusters son especialmente frecuentes en el ámbito del free jazz. Cecil Taylor los ha utilizado ampliamente como parte de su método de improvisación desde mediados de los años 50. [100] Como gran parte de su vocabulario musical, sus clusters operan "en un continuo en algún lugar entre la melodía y la percusión". [101] Uno de los propósitos principales de Taylor al adoptar clusters era evitar el predominio de cualquier tono específico. [102] El destacado compositor, director de orquesta y pianista de free jazz Sun Ra los utilizaba a menudo para reorganizar el mobiliario musical, como describe el erudito John F. Szwed :
Cuando percibía que una pieza necesitaba una introducción o un final, una nueva dirección o material nuevo, pedía un acorde espacial, un conjunto de tonos improvisados colectivamente a un volumen alto que "sugeriría una nueva melodía, tal vez un ritmo". Era un recurso concebido pianísticamente que creaba otro contexto para la música, un nuevo estado de ánimo, abriendo nuevas áreas tonales. [103]
A medida que el free jazz se difundió en los años 1960, también lo hizo el uso de grupos de tonos. En comparación con lo que John Litweiler describe como las "formas y contrastes infinitos" de Taylor, los solos de Muhal Richard Abrams emplean grupos de tonos en un contexto igualmente libre, pero más lírico y fluido. [104] El guitarrista Sonny Sharrock los convirtió en una parte central de sus improvisaciones; en la descripción de Palmer, ejecutó "grupos de tonos que rompían cristales y sonaban como si alguien estuviera arrancando las pastillas de la guitarra sin haberse molestado en desenchufarla de su amplificador saturado". [105] La pianista Marilyn Crispell ha sido otra gran defensora del grupo de tonos en el free jazz, frecuentemente en colaboración con Anthony Braxton , quien tocó con Abrams al principio de su carrera. [106] Desde los años 1990, Matthew Shipp se ha basado en las innovaciones de Taylor con la forma. [107] Los pianistas europeos de free jazz que han contribuido al desarrollo de la paleta de grupos tonales incluyen a Gunter Hampel y Alexander von Schlippenbach . [108]
Don Pullen , que hizo de puente entre el jazz libre y el jazz convencional, "tenía una técnica de hacer girar las muñecas mientras improvisaba (los bordes exteriores de sus manos se marcaban con cicatrices) para crear grupos de tonos en movimiento", escribe el crítico Ben Ratliff. "A partir de arpegios , podía crear remolinos de ruido en el teclado... como estallidos concisos de Cecil Taylor". [15] En la descripción de Joachim Berendt , Pullen "melodía de manera única la interpretación de grupos y la hacía tonal. Fraseaba grupos impulsivamente crudos con su mano derecha y, sin embargo, los incrustaba en acordes tonales claros y armónicamente funcionales tocados simultáneamente con la mano izquierda". [109] John Medeski emplea grupos de tonos como teclista de Medeski Martin & Wood , que mezcla elementos de free jazz en su estilo de jazz soul / jam band . [110]
Al igual que el jazz, el rock and roll ha hecho uso de grupos de tonos desde su nacimiento, aunque característicamente de una manera menos deliberada; la más famosa es la técnica de piano en vivo de Jerry Lee Lewis de la década de 1950, que involucraba puños, pies y trasero. [111] Desde la década de 1960, mucha música drone , que cruza las líneas entre el rock, la música electrónica y la música experimental , se ha basado en grupos de tonos. En " Sister Ray " de The Velvet Underground , grabada en septiembre de 1967, el organista John Cale usa grupos de tonos dentro del contexto de un drone ; la canción es aparentemente la aproximación más cercana registrada del sonido en vivo temprano de la banda. [112] Casi al mismo tiempo, el tecladista de The Doors, Ray Manzarek, comenzó a introducir grupos en sus solos durante las presentaciones en vivo del éxito de la banda " Light My Fire ". [113]
El álbum debut homónimo de Kraftwerk de 1970 emplea grupos de órganos para agregar variedad a sus secuencias de cinta repetidas. [114] En 1971, el crítico Ed Ward elogió las "armonías vocales de grupos de tonos" creadas por los tres cantantes principales de Jefferson Airplane , Grace Slick , Marty Balin y Paul Kantner . [115] El álbum doble de Tangerine Dream de 1972, Zeit, está repleto de grupos interpretados en sintetizador. [116] La canción de The Beatles de 1965 " We Can Work It Out " presenta un grupo de tonos momentáneamente chirriante con voces cantando La sostenido y Do sostenido contra el teclado que acompaña tocando un acorde sostenido en Si hasta la palabra "tiempo". [117] La canción de The Band de 1968 " The Weight " de su álbum debut Music from Big Pink presenta un estribillo vocal disonante con suspensiones que culminan en un grupo de 3 notas hasta las palabras "you put the load right on me".
El sonido de los grupos de tonos tocados en el órgano se convirtió en una convención en el radioteatro para los sueños. [73] Los grupos se utilizan a menudo en la banda sonora de películas de terror y ciencia ficción. [f] Para una producción de 2004 de la obra Tone Clusters de Joyce Carol Oates , el compositor Jay Clarke —miembro de las bandas de rock independiente Dolorean y The Standard— empleó grupos para "construir sutilmente la tensión", en contraste con lo que percibió en las piezas de grupos de Cowell e Ives sugeridas por Oates: "Algo de eso era como música para asesinar a alguien; era como música de película de terror". [118]
En el gagaku japonés tradicional , la música de la corte imperial, generalmente se emplea un grupo de tonos interpretado en shō (un tipo de órgano de boca ) como matriz armónica . [119] Yoritsune Matsudaira , activo desde finales de la década de 1920 hasta principios de la década de 2000, fusionó las armonías y tonalidades del gagaku con técnicas occidentales de vanguardia. Gran parte de su trabajo se basa en las diez formaciones de grupos tradicionales del shō . [120] El Pacifika Rondo de Lou Harrison , que mezcla instrumentación y estilos orientales y occidentales, refleja el enfoque del gagaku : los grupos de órganos sostenidos emulan el sonido y la función del shō . [121] El shō también inspiró a Benjamin Britten a crear la textura instrumental de su dramática parábola de iglesia de 1964 Curlew River . Su sonido impregna los acordes de grupo sostenidos característicos tocados en un órgano de cámara. [122] La música tradicional cortesana y aristocrática coreana emplea pasajes de ornamentación simultánea en múltiples instrumentos, creando grupos disonantes; esta técnica se refleja en la obra del compositor coreano alemán del siglo XX Isang Yun . [123]
Varios instrumentos de lengüeta libre del este de Asia , incluido el shō , se inspiraron en el sheng , un antiguo instrumento popular chino que luego se incorporó a contextos musicales más formales. Wubaduhesheng , una de las formaciones de acordes tradicionales tocadas en el sheng , implica un grupo de tres tonos. [124] Los músicos folclóricos malayos emplean un órgano de boca indígena que, como el shō y el sheng , produce grupos de tonos. [125] La forma musical característica tocada en el bin-baja , un arpa rasgueada del pueblo pardhan de la India central , ha sido descrita como un " ostinato rítmico en un grupo de tonos". [126]
Entre los asante , en la región que hoy abarca Ghana, se utilizan grupos de tonos en la música tradicional de trompeta. Una distintiva "técnica de traqueteo de la lengua" otorga una mayor vitalidad a... grupos de tonos ya disonantes... La disonancia intencional disipa los malos espíritus, y cuanto mayor es el estruendo, mayor es el aluvión de sonidos. [127]
