Henry Dixon Cowell ( 11 de marzo de 1897 - 10 de diciembre de 1965) fue un compositor , escritor, pianista , editor, profesor estadounidense [ 1] [2] [3] y esposo de Sidney Robertson Cowell . Ganándose una reputación como un intérprete extremadamente controvertido y un compositor excéntrico , Cowell se convirtió en una figura destacada de la música de vanguardia estadounidense durante la primera mitad del siglo XX; sus escritos y su música sirvieron como una gran influencia para artistas similares de la época, incluidos Lou Harrison , George Antheil y John Cage , entre otros. [4] [5] [6] Se le considera uno de los compositores más importantes e influyentes de Estados Unidos. [2] [7]
Cowell fue en gran parte autodidacta y desarrolló un lenguaje musical único, a menudo mezclando melodías populares , contrapunto disonante , orquestación no convencional y temas del paganismo irlandés . Fue uno de los primeros defensores e innovadores de muchas técnicas y sensibilidades de composición modernistas , muchas de ellas para piano , incluido el piano de cuerdas , el piano preparado , los grupos de tonos y la notación gráfica . [1] [8] The Tides of Manaunaun , originalmente un preludio teatral, es la pieza de grupo de tonos para piano más conocida y más interpretada de Cowell.
Cowell nació el 11 de marzo de 1897 en la zona rural de Menlo Park, California , un suburbio de San Francisco . [6] Su padre, Henry Blackwood "Harry" Cowell, fue un poeta romántico e inmigrante reciente del condado de Clare , Irlanda . [9] Su madre, Clara "Clarissa" Cowell (de soltera Dixon), fue una activista política , autora y nativa de las llanuras estadounidenses , que tenía 46 años cuando dio a luz a Henry además de ser más de diez años mayor que su esposo. [9] [10] [11] [12] La ascendencia de Clarissa era igualmente escocesa e irlandesa, aunque su linaje paterno había estado en Estados Unidos durante siglos, con figuras que incluían al astrónomo Jeremiah Dixon , uno de los topógrafos detrás de la línea estadounidense Mason-Dixon . [13] Después de conocerse por primera vez, los dos se casaron rápidamente y adoptaron un estilo de vida bohemio , viviendo en una pequeña y rudimentaria cabaña (que luego fue demolida en 1936) que Harry había construido en las afueras de la ciudad, donde Henry finalmente nacería. Fue en sus primeros años cuando Henry tuvo su primer contacto con la música. [14]
Sus padres le cantaban a menudo las canciones populares de sus países de origen, y pronto pudo recitarlas antes de aprender a hablar. [15] [16] Durante las visitas ocasionales al centro de San Francisco, también recordó haber escuchado la música tradicional de Indonesia , China , Japón y otros. [12] La familia recibió pequeños instrumentos de amigos y vecinos, incluyendo un arpa mandolina y un violín de un cuarto de tamaño , por el último de los cuales el joven Henry se interesó, convirtiéndolo en su instrumento de elección durante unos años. [9] [17] Su madre finalmente decidió detener tanto las lecciones privadas como su carrera en la escuela pública después de que Cowell sufriera graves episodios de corea de Sydenham y escarlatina , de los que finalmente se recuperó. [17] [18]
Debido a un romance en curso entre Harry y una amante francesa, los Cowell se divorciaron amistosamente en 1903, cuando Henry tenía 5 años. [19] Posteriormente fue criado en Chinatown por su madre, quien lo infundió con sus fuertes creencias anarquistas y feministas . Fue durante este tiempo que exhibió un fuerte desafío a los estereotipos de género : se negó a cortarse el pelo, a menudo vestía ropa de mujer y adoraba el color rosa mientras prefería que lo llamaran "Sra. Jones". [14] También tuvo más exposición a la música cuando interactuó con sus nuevos amigos asiático-americanos y sus familias en el vecindario. [20] [21] Después del terremoto de San Francisco de 1906 , gran parte de las posesiones y recuerdos de los Cowell fueron destruidos en el incendio que siguió, después del cual Henry y su madre huyeron del estado de California . Sin un lugar permanente para vivir, Henry residió con la familia y amigos de su madre en las llanuras estadounidenses y el Medio Oeste, más tarde en la ciudad de Nueva York . Los maestros de escuela de esta época a menudo tomaban nota de su "genio musical" y personalidad excéntrica que se vio obstaculizada por la "extrema pobreza ". [22] Lewis Terman , un eventual pionero de la prueba de CI , se reunió con el joven Henry durante la breve estadía de la familia en la zona rural de Iowa . Él postularía que Cowell tenía "un lenguaje casi literario. Ningún profesor universitario de inglés podría haberlo mejorado. Y era tan natural. Su conversación respira inteligencia . Tenía la sensación de que ningún niño sin escuela que no fuera un genio de primer orden podría hablar así" [23] y, "Aunque el coeficiente intelectual es satisfactorio, lo igualan decenas de otros. [...] Pero solo hay un Henry". [24] La carrera de Clarissa como escritora feminista progresista no le generó mucho dinero, y cuando finalmente regresaron a San Francisco, había enfermado terminalmente de cáncer de mama . [11] Encontraron su casa destruida por el terremoto anterior y saqueada por vándalos después de permanecer desocupada durante tanto tiempo. Los vecinos alojaron a los dos mientras Henry, que entonces tenía trece años, restauraba la casa. Para mantenerlos económicamente a flote, aceptó pequeños trabajos, como recoger y vender bulbos de flores en la estación de tren de Menlo Park , trabajos de limpieza, agricultura y limpieza de los gallineros de un vecino. [25]
Aunque no recibió educación musical formal (y poca escolaridad de cualquier tipo más allá de la tutela de su madre en casa ), comenzó a componer piezas clásicas cortas a mediados de su adolescencia. Cowell ahorró el dinero que pudo de trabajos ocasionales y, a la edad de quince años, compró un piano vertical usado por $ 60 ($ 1,772 en 2022). [26] El piano ayudó significativamente a su producción compositiva: en 1914, había escrito más de 100 piezas, incluida su primera pieza sobreviviente para piano solo, la repetitiva Anger Dance (originalmente Mad Dance ). [n 1] Comenzaría a experimentar en serio, a menudo golpeando el teclado con todas sus fuerzas y haciendo rodar el huevo de zurcir de su madre a través de las cuerdas. [27] En el mismo año, a la edad de 17 años, Cowell se inscribió en la Universidad de California, Berkeley , estudiando composición con el reconocido musicólogo y compositor estadounidense Charles Seeger . Seeger más tarde hizo notar su "búsqueda simultánea pero completamente separada de la composición libre y las disciplinas académicas". Después de mostrarle a Seeger los borradores de su música, animó a Cowell a escribir sobre los métodos y la teoría detrás de sus grupos de tonos, que más tarde se convirtieron en el borrador de su libro New Musical Resources . [26]
Siendo todavía un adolescente, Cowell escribió la pieza para piano Dynamic Motion (1916), su primer trabajo importante para explorar las posibilidades del cluster de tonos ( ). Requiere que el intérprete use ambos antebrazos para tocar acordes secundarios masivos y requiere que las teclas se mantengan presionadas sin sonar para extender sus armónicos de cluster disonantes a través de resonancia simpática . Después de dos años en Berkeley, Seeger recomendó que Cowell estudiara en el Institute of Musical Art (más tarde la Juilliard School of Music ) en la ciudad de Nueva York. Cowell solo estudió allí durante tres meses (octubre de 1916 a enero de 1917) antes de abandonar, creyendo que la atmósfera musical era demasiado sofocante y poco inspiradora. [28] Sin embargo, fue en Nueva York donde conoció a su colega compositor de piano modernista Leo Ornstein . Los dos colaborarían en décadas posteriores. [28]
En febrero de 1917, Cowell se alistó en el ejército para evitar ser reclutado en la Primera Guerra Mundial y ver combate militar directo. Sirvió en el centro de entrenamiento de ambulancias en Camp Crane , Allentown, Pensilvania , donde tuvo un breve período como director asistente de banda durante unos meses. En octubre de 1918, Cowell fue transferido a Fort Ontario en Oswego , Nueva York . Fue transferido justo antes de que un brote de gripe española matara a trece hombres en Camp Crane. [29]
Cowell pronto regresó a California, donde se había involucrado con Halcyon , una comunidad teosófica en el sur de California. Cowell se unió a la comuna después de hacerse amigo del poeta irlandés-estadounidense y ex residente de Menlo Park John Osborne Varian . [30] La conexión de Cowell con la música folclórica irlandesa de su padre significó que se sintió atraído instantáneamente por Varian, el nacionalismo irlandés , las leyendas celtas y la teosofía en general. Aunque los residentes de Halcyon adoptaron un estilo de vida tolerante y de tendencia comunista , sus preferencias musicales se consideraron bastante conservadoras para la época. Varian lo describió como " raggtime [sic] sangtificado" y "música de himnos rehimnificados". Cowell logró convencer a los miembros de adoptar su música y escribió música incidental y programática para ser interpretada en Halcyon. [30] En 1917, Cowell escribió la música para la producción teatral de Varian The Building of Banba ; El preludio que compuso, The Tides of Manaunaun , con sus ricos y evocadores grupos de melodías, se convertiría en la obra más famosa y ampliamente interpretada de Cowell. [31] La simbología irlandesa más tarde se convirtió en un tema más amplio en su música, como una extensión involuntaria del movimiento de renacimiento celta del siglo XX. [32]
A principios de la década de 1920, Cowell realizó giras extensas por América del Norte y Europa como pianista, con la ayuda financiera de sus antiguos tutores, tocando sus propias obras experimentales, exploraciones seminales de la atonalidad , la politonalidad , los polirritmos y los modos no occidentales . [33] [6] Dio su recital debut en Nueva York, realizó giras por Francia y Alemania y se convirtió en el primer músico estadounidense en visitar la Unión Soviética , [2] y muchos de estos conciertos provocaron grandes alborotos y protestas. [34] Fue en una de estas giras que, en 1923, su amigo Richard Buhlig presentó a Cowell a la joven pianista Grete Sultan en Berlín. Trabajaron juntos en estrecha colaboración, un aspecto vital para el desarrollo personal y artístico de Sultan. Más tarde, Cowell causó tal impresión con su técnica de grupos de tonos que los destacados compositores europeos Béla Bartók y Alban Berg solicitaron su permiso para adoptarla. [35] [36]
En una carta dirigida a su amigo el 10 de enero de 1924, Cowell escribió: "Causé un gran revuelo en Londres y Berlín, y recibí críticas muy buenas y muy malas de ambos lugares". [37] Un nuevo método desarrollado por Cowell durante este período, en piezas como Aeolian Harp (1923) y Fairy Answer (1929), fue lo que denominó " piano de cuerdas ": en lugar de usar las teclas para tocar, el pianista llega al interior del instrumento y puntea, barre y manipula las cuerdas directamente. Los esfuerzos de Cowell con las técnicas del piano de cuerda fueron la principal inspiración para el desarrollo del piano preparado por parte de John Cage . [38] En sus primeras piezas de música de cámara, como el Cuarteto romántico (1915-17) y el Cuarteto eufómetro (1916-19 ), Cowell fue pionero en un enfoque compositivo que denominó «ritmo-armonía»: «Ambos cuartetos son polifónicos y cada hilo melódico tiene su propio ritmo», explicó. «Incluso el canon del primer movimiento del romántico tiene diferentes duraciones de notas para cada voz». [39]
En 1919, Cowell comenzó a escribir New Musical Resources , que finalmente se publicó después de una extensa revisión en 1930. En el libro, Cowell discutió la variedad de conceptos rítmicos y armónicos innovadores que utilizó en sus composiciones (y otras que todavía eran completamente especulativas). [40] Habla sobre las series armónicas y "la influencia [que] ha ejercido en la música a lo largo de su historia, cuántos materiales musicales de todas las épocas están relacionados con ellas y cómo, mediante diversos medios de aplicación de sus principios de muchas maneras diferentes, se puede ensamblar una gran paleta de materiales musicales". Tendría un poderoso efecto en la vanguardia musical estadounidense durante décadas después. John Cage copió a mano el libro y más tarde estudió a Cowell, y Conlon Nancarrow se referiría a él años después como "el que más influencia ha tenido de todo lo que he leído en música". [41]
Durante su primera gira por Europa, Cowell tocó en la famosa sala de conciertos Gewandhaus en Leipzig , Alemania , el 15 de octubre de 1923. Recibió una recepción notoriamente hostil durante este concierto, y algunos musicólogos e historiadores modernos se refieren al evento como un punto de inflexión en la carrera interpretativa de Cowell. [33] [15] A medida que avanzaba en el concierto, guardando deliberadamente las piezas más ruidosas y provocativas para el final, la recepción del público se volvió cada vez más audiblemente hostil. Se escucharon jadeos y gritos, y Cowell recordó haber escuchado a un hombre en las primeras filas amenazar con sacarlo físicamente del escenario si no paraba. Mientras tocaba el cuarto movimiento Antinomy [n.º 2] de sus Five Encores to Dynamic Motion , recordó más tarde:
[...] el público gritaba, pateaba, aplaudía y silbaba hasta tal punto que yo apenas podía oírme. Se mantuvieron de pie durante la mayor parte de la actuación y se acercaron a mí y al piano lo más que pudieron. [...] Algunos de los que desaprobaban mis métodos estaban tan excitados que casi me amenazaron con violencia física. Aquellos a quienes les gustaba la música los refrenaron. [42]
Durante esta agitación, un caballero saltó de una de las primeras filas y sacudió el puño hacia Cowell y dijo: "Halten Sie uns für Idioten in Deutschland?" ("¿Nos tomáis por idiotas en Alemania?"), mientras otros le arrojaban a la cara las notas del programa del concierto y otra parafernalia. [34] [43] Aproximadamente un minuto después, un grupo furioso de miembros de la audiencia subió al escenario, seguido por un segundo grupo más solidario. Los dos grupos comenzaron a gritarse y a enfrentarse entre sí, lo que finalmente se convirtió en una gran confrontación física y disturbios en el escenario, después de lo cual se llamó rápidamente a la policía de Leipzig. Cowell recordó más tarde el incidente: "La policía subió al escenario y arrestó a 20 jóvenes, el público estaba en un estado absoluto de histeria, ¡y yo todavía estaba tocando!" [42] Como no tenía lesiones físicas graves, las autoridades de Leipzig decidieron no admitirlo en el centro médico local. Después de que el concierto concluyó y el escenario estuvo despejado, estaba visiblemente conmocionado y nervioso cuando hizo una reverencia al resto del público y luego abandonó la sala.
En los días siguientes, la prensa local de Leipzig fue increíblemente dura con Cowell, su actuación y su estilo musical en general. El Leipziger Abendpost calificó el suceso como "[...] un rasgueo tan sin sentido y un golpeteo tan repulsivo del teclado no sólo con las manos, sino también con los puños, los antebrazos y los codos, que uno debe calificar de grosera obscenidad -por decirlo suavemente- ofrecer semejante cacofonía al público, que al final lo tomó como una broma". [44] El Leipziger Neuste-Nachrichten se refirió además a sus técnicas como "grotescos musicales". [45]
Más tarde se hicieron comparaciones entre este evento y otras actuaciones desenfrenadas de compositores experimentales y futuristas en Europa, incluido el estreno en París de La consagración de la primavera de Stravinsky una década antes, y las actuaciones del futurista italiano Luigi Russolo . [46]
El interés de Cowell por el ritmo armónico , como se analiza en New Musical Resources , lo llevó en 1930 a encargar a Léon Theremin la invención del Rhythmicon , o polirritmofono, un instrumento de teclado transponible capaz de tocar notas en ritmos periódicos proporcionales a la serie de armónicos de un tono fundamental elegido . [12] La primera máquina de ritmo electrónica del mundo , con un sistema de producción de sonido basado en fotorreceptores propuesto por Cowell (no un sistema similar al theremin , como afirman incorrectamente algunas fuentes), podía producir hasta dieciséis patrones rítmicos diferentes simultáneamente, completos con síncopa opcional . Cowell escribió varias composiciones originales para el instrumento, incluido un concierto orquestado, y Theremin construyó dos modelos más. Pronto, sin embargo, el Rhythmicon sería prácticamente olvidado, permaneciendo así hasta la década de 1960, cuando el productor de música pop progresiva Joe Meek experimentó con su concepto rítmico.
Cowell siguió un enfoque compositivo radical hasta mediados de la década de 1930, y las piezas para piano solo siguieron siendo el centro de su producción; entre las obras importantes de esta época se incluyen The Banshee (1925) , que requería numerosos métodos de interpretación como pizzicato y barridos y raspados longitudinales de las cuerdas ( ), [47] y la maníaca y llena de grupos Tiger (1930), inspirada en el famoso poema de William Blake . [48] Gran parte de la reputación pública de Cowell siguió basándose en su técnica pianística característica: un crítico del San Francisco News , que escribió en 1932, se refirió a los "famosos 'grupos de tonos' de Cowell, probablemente la contribución más sorprendente y original que cualquier estadounidense haya contribuido hasta ahora al campo de la música". [49] Prolífico compositor de canciones (escribiría más de 180 durante su carrera), Cowell regresó en 1930-31 a Aeolian Harp , adaptándola como acompañamiento a una versión vocal de un poema de su padre, How Old Is Song?. Amplió su importante obra de música de cámara, con piezas como el Adagio para violonchelo y Thunder Stick (1924) que exploraban una instrumentación inusual y otras que eran incluso más progresivas: Six Casual Developments (1933), para clarinete y piano, suena como algo que Jimmy Giuffre compondría treinta años después. Su Ostinato Pianissimo (1934) lo colocó a la vanguardia de quienes escribieron partituras originales para ensamble de percusión. También creó piezas potentes para grandes conjuntos durante este período, como el Concierto para piano y orquesta (1928) —con sus tres movimientos, "Poliarmonía", "Clúster de tonos" y "Contraritmo" ( )— y la Sinfonietta (1928), [50] cuyo scherzo dirigió Anton Webern en Viena. [51] A principios de la década de 1930, Cowell comenzó a profundizar seriamente en los procedimientos aleatorios , creando oportunidades para que los intérpretes determinaran los elementos primarios de la realización de una partitura. [n 4] Una de sus principales piezas de cámara, el Cuarteto Mosaico (Cuarteto de cuerdas n.º 3) (1935), está escrita como una colección de cinco movimientos sin una secuencia preordenada.
Cowell fue la figura central de un círculo de compositores de vanguardia que incluía a sus buenos amigos Carl Ruggles y Dane Rudhyar , así como a Leo Ornstein, John Becker, Colin McPhee , el expatriado francés Edgard Varèse , Ruth Crawford , a quien convenció a Charles Seeger para que la aceptara como estudiante (Crawford y Seeger finalmente se casarían), y Johanna Beyer . En la prensa a veces se hacía referencia a Cowell y su círculo como "ultramodernistas", una etiqueta cuya definición es flexible y cuyo origen no está claro (también se ha aplicado a algunos compositores fuera del círculo inmediato, como George Antheil , y a algunos de sus discípulos, como Nancarrow); Virgil Thomson los llamó los "becarios de investigación rítmica". [52] En 1925, Cowell organizó la New Music Society, una de cuyas principales actividades era organizar conciertos de sus obras, junto con las de aliados artísticos como Wallingford Riegger y Arnold Schoenberg , este último más tarde le pediría a Cowell que tocara para su clase de composición durante una de sus giras europeas. Menos de dos años después, Cowell fundó la revista New Music Quarterly , que publicaría muchas nuevas partituras importantes bajo su dirección, tanto de los ultramodernistas como de muchos otros compositores, incluidos Ernst Bacon, Otto Luening , Paul Bowles y Aaron Copland . Antes de la publicación del primer número, solicitó contribuciones de un compositor entonces oscuro que se convirtió en uno de sus amigos más cercanos, Charles Ives . [53] Las principales partituras de Ives, incluida la Comedia de su cuarta sinfonía , Fourth of July , 34 Songs y 19 Songs , recibirían su primera publicación en New Music ; A su vez, Ives brindó apoyo financiero a varios proyectos de Cowell (incluido, años después, el propio New Music ). Muchas de las partituras publicadas en el diario de Cowell se hicieron aún más accesibles cuando se editaron interpretaciones de ellas a través del sello discográfico que fundó en 1934, New Music Recordings.
El movimiento ultramodernista había expandido su alcance en 1928, cuando Cowell lideró un grupo que incluía a Ruggles, Varèse, su compañero expatriado Carlos Salzedo, el compositor estadounidense Emerson Whithorne y el compositor mexicano Carlos Chávez en la fundación de la Asociación Panamericana de Compositores, dedicada a promover a compositores de todo el hemisferio occidental y crear una comunidad entre ellos que trascendiera las líneas nacionales. Su concierto inaugural, celebrado en la ciudad de Nueva York en marzo de 1929, presentó exclusivamente música latinoamericana, incluidas obras de Chávez, el compositor brasileño Heitor Villa-Lobos , el compositor cubano Alejandro García Caturla y el cubano nacido en Francia Amadeo Roldán . Su siguiente concierto, en abril de 1930, se centró en los ultramodernistas estadounidenses, con obras de Cowell, Crawford, Ives, Rudhyar y otros como Antheil, Henry Brant y Vivian Fine . [54] Durante los siguientes cuatro años, Nicolas Slonimsky dirigió conciertos patrocinados por la asociación en Nueva York, por toda Europa y, en 1933, en Cuba. [55] El propio Cowell había actuado allí en 1930 y se reunió con Caturla, a quien estaba publicando en New Music . [56] Cowell continuó trabajando tanto en su nombre como en el de Roldán, cuya Rítmica No. 5 (1930) fue la primera pieza independiente de música clásica occidental escrita específicamente para ensamble de percusión. [57] [n 5] Durante esta era, Cowell también difundió el credo experimental de los ultramodernistas como un profesor de composición y teoría muy respetado: entre sus muchos estudiantes se encontraban George Gershwin , Lou Harrison , quien dijo que pensaba en Cowell como "el mentor de mentores", [58] y John Cage, quien proclamó a Cowell "el ábrete sésamo para la nueva música en Estados Unidos". [59]
Para Cowell fue natural que se sintiera alentado por la música de Caturla y Roldán, con sus ritmos orgullosamente basados en África, y por Chávez, cuyo trabajo a menudo involucraba instrumentos y temas de los pueblos indígenas de México . Al haber crecido en la Costa Oeste, había estado expuesto a una gran cantidad de lo que ahora se conoce como " música del mundo "; junto con aires y bailes irlandeses, conoció música de China, Japón y Tahití. Estas primeras experiencias ayudaron a formar su perspectiva musical inusualmente ecléctica, ejemplificada por su famosa declaración: "Quiero vivir en todo el mundo de la música". [60] Continuó investigando la música clásica india y, a fines de la década de 1920, comenzó a enseñar un curso, "Música de los pueblos del mundo", en la New School for Social Research en Nueva York y en otros lugares; la tutela de Harrison bajo Cowell comenzaría cuando se inscribió en una versión del curso en San Francisco . En 1931, una beca Guggenheim le permitió a Cowell viajar a Berlín para estudiar musicología comparada (la predecesora de la etnomusicología ) con Erich von Hornbostel . Estudió también teoría carnática y gamelan con instructores destacados del sur de la India (P. Sambamoorthy), Java (Raden Mas Jodjhana) y Bali (Ramaleislan). [61] [62] [n 6]
El 23 de mayo de 1936, Cowell fue arrestado en Menlo Park, California, acusado de "moral" por supuestamente haber tenido sexo oral con un joven de diecisiete años. [2] [3] [8] [n 7] Después de negar inicialmente la acusación, bajo más preguntas admitió no solo el acto sino también otros actos sexuales con el adolescente y otros jóvenes de la zona, incluso durante su estancia en Halcyon más de una década antes. [63] Las autoridades nunca lo acusaron de pedofilia o abuso sexual, pero como en esa época a los jóvenes se los solía llamar "muchachos", los periódicos sensacionalistas y muchos en el público hicieron suposiciones incorrectas, [3] [64] dañando gravemente la reputación pública que tenía junto con la revelación de sus actividades homosexuales. [65] Mientras estaba encarcelado y a la espera de una audiencia judicial, escribió una confesión completa acompañada de una solicitud de clemencia sobre la base de que "no era exclusivamente homosexual, sino que de hecho estaba enamorado de una mujer con la que esperaba casarse". [66] [67] Se recibieron cartas sugerentes y otros artefactos tanto de Cowell como de los jóvenes que hablaron con la policía, que luego fueron utilizados por la fiscalía en su juicio. [65] Cowell finalmente decidió desestimar a sus abogados y declararse culpable, por razones desconocidas. El juez Maxwell McNutt le denegó la libertad condicional y Cowell recibió la sentencia estándar de uno a quince años. [68] En agosto de 1937, después de una audiencia de libertad condicional, la Junta de Indultos fijó su período de encarcelamiento en la pena máxima posible, una década y media. [69]
Cowell pasó cuatro años en la prisión estatal de San Quintín , [12] [70] durante una época tumultuosa en la historia de la prisión. [71] El exdirector Clinton Duffy diría que "tenía reputación de ser una de las penitenciarías más primitivas del mundo". [72] El abuso físico por parte de directores y funcionarios era común por el llamado "mal comportamiento", a menudo mediante azotes y hambre . [73] Durante su encarcelamiento, varios psicólogos destacados evaluaron al compositor de acuerdo con teorías ahora descartadas de la homosexualidad, y más tarde expresaron su fe en la idea de posiblemente "rehabilitar" al compositor. A pesar de este tiempo, Cowell enseñó música a sus compañeros de prisión, dirigió la banda de la prisión y continuó escribiendo a su ritmo prolífico habitual, produciendo alrededor de sesenta composiciones. [74] Estas incluyeron dos piezas importantes para conjunto de percusión: Pulse (1939) de tono oriental y Return (1939) , memorablemente sepulcral . Cowell también continuó sus experimentos con la música aleatoria: para los tres movimientos de la Suite Amerind (1939), escribió cinco versiones, cada una más difícil que la anterior. Se invita a los intérpretes de la pieza a interpretar simultáneamente dos o incluso tres versiones del mismo movimiento en varios pianos. En la Ritournelle (Larghetto y Trio) (1939) para la pieza de danza Marriage at the Eiffel Tower , exploró lo que llamó una forma "elástica". Los veinticuatro compases del Larghetto y los ocho del Trío son modulares; aunque Cowell ofrece algunas sugerencias, hipotéticamente se puede incluir o no y tocar una o varias veces, lo que permite que la pieza se estire o contraiga a voluntad de los intérpretes; el objetivo práctico es dar al coreógrafo la libertad de ajustar la duración y el carácter de una pieza de danza sin las restricciones habituales impuestas por una composición musical preescrita. [75]
Cowell había contribuido al proyecto de la Torre Eiffel a instancias de Cage, quien no estaba solo en brindar apoyo a su amigo y antiguo profesor. Él y otros compositores homosexuales como Aaron Copland y su protegido Lou Harrison empatizaron fácilmente con su persecución. Harrison dijo en 1937, "[la] falta prevaleciente de percepción equilibrada en la gran masa nunca me había resultado tan evidente antes". [76] La causa de Cowell había sido asumida por compositores y músicos de todo el país, uno de los más vocales de los cuales fue su antiguo profesor y colaborador Charles Seeger. Sin embargo, algunos, incluido Ives, rompieron temporalmente el contacto con él. [n 8] Cowell finalmente fue puesto en libertad condicional en 1940; se mudó al condado de Westchester, Nueva York , mientras estaba bajo supervisión, y residió con el compositor y amigo australiano expatriado Percy Grainger y su esposa en White Plains . [70] Al año siguiente, Cowell se casó con Sidney Hawkins Robertson , un destacado erudito de la música folclórica que había sido fundamental para ganar su libertad. [77] [78] Cowell recibió un indulto del gobernador de California Culbert Olson el 28 de diciembre de 1942. [8] [79]
A pesar del indulto —que le permitió trabajar en la Oficina de Información de Guerra, creando programas de radio para su difusión en el extranjero— su arresto, encarcelamiento y la notoriedad que le siguió tuvieron un efecto devastador en Cowell. [80] Conlon Nancarrow , al conocerlo por primera vez en 1947, informó: "La impresión que tuve fue que era una persona aterrorizada, con la sensación de que 'van a atraparlo'". [81] Los periodistas a menudo lo molestaban para que comentara sobre las circunstancias de sus crímenes y su arresto, pero a menudo se negaba a hacerlo. [82] La experiencia tuvo un efecto duradero en su música: [ dudoso – discutir ] La producción compositiva de Cowell se volvió sorprendentemente más conservadora poco después de su liberación de San Quentin, con ritmos más simples y un lenguaje armónico más tradicional. [83]
Muchas de sus obras posteriores están basadas en la música folclórica estadounidense , como la serie de dieciocho himnos y melodías fugaces (1943-1964); la música folclórica había desempeñado un papel sin duda en varias de las composiciones de Cowell antes de la guerra, pero las transformaciones provocadoras que habían sido su sello distintivo habían sido abandonadas en gran medida. Y, como observó Nancarrow, el encarcelamiento de Cowell tuvo otras consecuencias: "Por supuesto, después de eso, políticamente, mantuvo la boca completamente cerrada. También había sido radical políticamente antes". [81]
Aunque Cowell ya no era un radical artístico, mantuvo una inclinación progresista y continuó siendo un líder (junto con Harrison y McPhee) en la incorporación de modismos musicales no occidentales, como en Ongaku (1957), de influencia japonesa, Sinfonía n.º 13, " Madras " (1956-58) y Homenaje a Irán (1959). Sus canciones más convincentes y conmovedoras datan de esta época, incluyendo Music I Heard (sobre un poema de Conrad Aiken ; 1961) y Firelight and Lamp (sobre un poema de Gene Baro; 1962). Cowell fue elegido miembro del Instituto Americano de Artes y Letras en 1951. Habiendo revivido su amistad con Ives, Cowell, en colaboración con su esposa, escribió el primer estudio importante de la música de Ives y proporcionó un apoyo crucial a Harrison mientras su ex alumno defendía el redescubrimiento de Ives. Cowell reanudó su labor docente ( entre sus alumnos de posguerra se encontraban Burt Bacharach , Dominick Argento , JH Kwabena Nketia e Irwin Swack [84]) y trabajó como consultor de Folkways Records durante más de una década, a principios de los años 50, escribiendo notas de portada y editando colecciones como Music of the World's Peoples (1951-61) (también presentó un programa de radio del mismo nombre) [85] y Primitive Music of the World (1962). En 1963 grabó interpretaciones intensas y vívidas de veinte de sus piezas seminales para piano para un álbum de Folkways. Tal vez liberado por el paso del tiempo y su propia antigüedad, en sus últimos años Cowell volvió a producir una serie de obras individualistas, como Thesis (Sinfonía n.º 15; 1960) y 26 Simultaneous Mosaics (1963).
En octubre de 1964, a Cowell le diagnosticaron cáncer colorrectal después de que un médico descubriera una gran cantidad de pólipos en su sistema durante un examen. Se decidió que no se podía operar, ya que no se diagnosticó durante demasiado tiempo y casi envolvió por completo su intestino grueso . [86] Cowell murió el 10 de diciembre de 1965, en su casa de Shady , Woodstock, Nueva York , después de una serie de accidentes cerebrovasculares y sucumbiendo a la enfermedad. [87]
En una carrera que abarcó más de medio siglo, Cowell escribió en una amplia gama de estilos con su propio toque idiosincrásico , incluyendo el serialismo , el jazz , el romanticismo , el neoclasicismo , la vanguardia , la música noise , el minimalismo , etc. Se cree que escribió más de 940 composiciones en total, [88] la mayoría para piano solo, aunque algunas se han perdido o destruido desde entonces. Su amplio catálogo musical se divide típicamente en tres períodos: un período temprano experimental y salvaje, un período medio más refinado y técnico, y un período tardío neorromántico.
La música de Henry Cowell abarca un espectro más amplio, tanto en expresión como en técnica, que la de cualquier otro compositor vivo. Sus experimentos, iniciados hace tres décadas, en el ritmo, la armonía y las sonoridades instrumentales, fueron considerados por muchos como descabellados. Hoy son la Biblia de los jóvenes y, para los conservadores, todavía "avanzados"... Ningún otro compositor de nuestro tiempo ha producido un conjunto de obras tan radicales y tan normales, tan penetrantes y tan completas. Si a esta enorme producción se añade su larga e influyente carrera como pedagogo, el logro de Henry Cowell resulta realmente impresionante. No hay otro que se le parezca. Ser fecundo y correcto es algo que sólo unos pocos pueden lograr. [89] — Virgil Thomson , 1953 [n 9]
Cowell sigue siendo una figura un tanto oscura en la historia de la música estadounidense y de la música experimental en general. En su época, las opiniones sobre su música y sus interpretaciones eran increíblemente variadas. Algunos críticos musicales de la época lo llamaron un "genio creativo", que tocaba "fantásticamente bien", [90] mientras que otros se refirieron a sus composiciones como "sin ley, sin rastro de contrapunto " y la "cumbre del pensamiento atonal ", esta última característica que Cowell utilizó sarcásticamente como promoción en una gira posterior. [91]
Algunos de los puntos de vista más realistas fueron ofrecidos por críticos como Evelyn Wells de The San Francisco Call and Post : "Las composiciones de Cowell son como el mejor orden de las pinturas, uno debe permanecer lejos, a distancias respetuosas, antes de que el orden resulte del caos, y las motas coloridas del sonido se resuelvan en un tema". [92] La intención de la prensa internacional era más bien enfatizar sus tendencias interpretativas poco convencionales y violentas, con titulares como los de The Daily Mail : "Piano tocado con el codo. Dedos demasiado limitados para el Sr. Cowell. Resultado como una guardería en rebelión" y The Daily Express : "Pianista de codo. Una maravillosa prueba para el instrumento". [93]
Fue considerado un educador y promotor de la música clásica muy respetado en Estados Unidos durante el período de la Nueva Música de su vida. En noviembre de 2009, Other Minds celebró un evento de dos días en el área de la Bahía de San Francisco, cerca de su lugar de nacimiento, Menlo Park, para celebrar la música de Cowell . [94]
Muchas de las técnicas que Cowell inventó o fue pionero siguen siendo relevantes para la música actual. Los grupos de tonos en la música han sido utilizados desde entonces por destacados compositores clásicos como Béla Bartók , [12] George Crumb , [95] Olivier Messiaen , Karlheinz Stockhausen , [96] Iannis Xenakis , Einojuhani Rautavaara , [97] y Krzysztof Penderecki , entre otros. Los teclistas de rock experimental y progresivo como Keith Emerson , [98] Rick Wright y John Cale [99] emplearon de manera similar técnicas y grupos de piano de cuerdas en sus interpretaciones, al igual que los pianistas de free jazz Dave Burrell , [100] Cecil Taylor , [101] Sun Ra , etc.
Su libro de 1930, Nuevos recursos musicales , todavía se considera un recurso útil para los compositores, noventa años después de su publicación, habiendo sido defendido por sus colegas y estudiantes posteriores. [12] [41]
