Stephen Michael Reich ( / r aɪ ʃ / RYSHE ; [1] [2] nacido el 3 de octubre de 1936) es un compositor estadounidense conocido por su contribución al desarrollo de la música minimalista a mediados y finales de la década de 1960. [3] [4] [5] La obra de Reich está marcada por el uso de figuras repetitivas , ritmo armónico lento y cánones . Reich describe este concepto en su ensayo, "La música como proceso gradual", afirmando: "Estoy interesado en los procesos perceptibles. Quiero poder escuchar el proceso que ocurre a lo largo de la música que suena". Por ejemplo, sus primeros trabajos experimentan con el cambio de fase, en el que una o más frases repetidas se reproducen más lento o más rápido que las demás, lo que hace que se "desfase". Esto crea nuevos patrones musicales en un flujo perceptible. [6]
Sus innovaciones incluyen el uso de bucles de cinta para crear patrones de fase , como en las primeras composiciones It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966), y el uso de procesos simples y audibles , como en Pendulum Music (1968) y Four Organs (1970). ). La grabación de 1978 Música para 18 músicos ayudaría a consolidar el minimalismo como movimiento. [7] El trabajo de Reich adquirió un carácter más oscuro en la década de 1980 con la introducción de temas históricos así como temas de su herencia judía, en particular Different Trains (1988).
El estilo de composición de Reich ha influido en muchos compositores y grupos contemporáneos, especialmente en los Estados Unidos. Escribiendo en The Guardian , el crítico musical Andrew Clements sugirió que Reich es uno de "un puñado de compositores vivos que pueden afirmar legítimamente haber alterado la dirección de la historia musical". [8]
Reich nació en la ciudad de Nueva York de padres judíos, la letrista de Broadway June Sillman y Leonard Reich. Cuando tenía un año, sus padres se divorciaron y Reich dividió su tiempo entre Nueva York y California. Es medio hermano del escritor Jonathan Carroll . [9] Recibió lecciones de piano cuando era niño y describe haber crecido con los "favoritos de la clase media", sin tener contacto con la música escrita antes de 1750 o después de 1900. A la edad de 14 años comenzó a estudiar música en serio, después escuchar música del período barroco y anteriores, así como música del siglo XX. [10] Reich estudió batería con Roland Kohloff para poder tocar jazz . Mientras asistía a la Universidad de Cornell , se especializó en música y se graduó en 1957 con una licenciatura en Filosofía. [11] La tesis de licenciatura de Reich versaba sobre Ludwig Wittgenstein ; [12] posteriormente musicalizaría textos de aquel filósofo en Proverbio (1995) y Tú eres (variaciones) (2006).
Durante un año después de graduarse, Reich estudió composición en privado con Hall Overton antes de matricularse en Juilliard [13] para trabajar con William Bergsma y Vincent Persichetti (1958-1961). Posteriormente, asistió al Mills College en Oakland, California , donde estudió con Luciano Berio y Darius Milhaud (1961-1963) y obtuvo una maestría en composición. En Mills, Reich compuso Melodica para melódica y cinta , que apareció en 1986 en el lanzamiento de tres LP Music from Mills . [14]
Reich trabajó con el San Francisco Tape Music Center junto con Pauline Oliveros , Ramon Sender , Morton Subotnick , Phil Lesh y Terry Riley . [15] Estuvo involucrado en el estreno de In C de Riley y sugirió el uso del pulso de corchea, que ahora es estándar en la interpretación de la pieza.
Las primeras incursiones de Reich en la composición implicaron la experimentación con la composición dodecafónica , pero encontró los aspectos rítmicos del número doce más interesantes que los aspectos tonales. [16] Reich también compuso bandas sonoras de películas para Plastic Haircut (1963), Oh Dem Watermelons (1965) y Thick Pucker (1965), tres películas de Robert Nelson . La banda sonora de Plastic Haircut , compuesta en 1963, era un breve collage en cinta, posiblemente el primero de Reich. La banda sonora de Watermelons utilizó dos melodías de juglar del siglo XIX como base y utilizó frases repetidas juntas en un gran canon de cinco partes . La música de Thick Pucker surgió de grabaciones callejeras que Reich hizo caminando por San Francisco con Nelson, quien filmó en blanco y negro en 16 mm. Esta película ya no sobrevive. Nelson montó una cuarta película de 1965, de unos 25 minutos de duración y titulada provisionalmente "Thick Pucker II", a partir de tomas descartadas de ese rodaje y más del audio sin procesar que Reich había grabado. Nelson no estaba contento con la película resultante y nunca la mostró.
Reich fue influenciado por su compañero minimalista Terry Riley , cuyo trabajo In C combina patrones musicales simples, desplazados en el tiempo, para crear un todo cohesivo y que cambia lentamente. Reich adoptó este enfoque para componer su primera obra importante, It's Gonna Rain . Compuesta en 1965, la pieza utilizó un fragmento de un sermón sobre el fin del mundo pronunciado por un predicador callejero pentecostal negro conocido como el hermano Walter. Reich se basó en sus primeros trabajos en cinta, transfiriendo las últimas tres palabras del fragmento, "¡va a llover!", a múltiples bucles de cinta que gradualmente se desfasan entre sí. [17]
Come Out (1966), de 13 minutos , utiliza grabaciones manipuladas de manera similar de una sola línea hablada por Daniel Hamm, uno de los Harlem Six acusados falsamente , que fue gravemente herido por la policía. [18] El superviviente, que había sido golpeado, se hizo un hematoma en el cuerpo para convencer a la policía de la paliza. La línea hablada incluye la frase "dejar que salga la sangre del hematoma para mostrarlos". Reich volvió a grabar el fragmento "Salgan a mostrarles" en dos canales, que inicialmente se reproducen al unísono. Rápidamente pierden la sincronización; gradualmente la discrepancia se amplía y se convierte en una reverberación. Luego, las dos voces se dividen en cuatro, se repiten continuamente, luego en ocho, y continúan dividiéndose hasta que las palabras reales son ininteligibles, dejando al oyente sólo con los patrones rítmicos y tonales del discurso.
Melodica (1966) toma la idea del bucle de fase de sus trabajos anteriores y la aplica a la música instrumental. Steve Reich tomó una melodía simple, la tocó en una melódica y luego la grabó. Luego configura la melodía en dos canales separados y lentamente los desfasa, creando una intrincada melodía entrelazada. Esta pieza es muy similar a Come Out en estructura rítmica y es un ejemplo de cómo un proceso rítmico se puede realizar en diferentes sonidos para crear dos piezas musicales diferentes. Reich se inspiró para componer esta pieza en un sueño que tuvo el 22 de mayo de 1966 y la armó en un día. Melodica fue la última pieza que Reich compuso únicamente para cinta, y la considera su transición de la música en cinta a la música instrumental. [19]
El primer intento de Reich de trasladar esta técnica de puesta en fase de una cinta grabada a una interpretación en vivo fue Piano Phase de 1967 , para dos pianos. En Piano Phase, los intérpretes repiten una rápida figura melódica de doce notas , inicialmente al unísono. Mientras un intérprete mantiene el tempo con precisión robótica, el otro acelera muy ligeramente hasta que las dos partes se alinean nuevamente, pero con una semicorchea de separación. Luego, el segundo jugador reanuda el tempo anterior. Este ciclo de acelerar y luego bloquear continúa a lo largo de la pieza; el ciclo completa el círculo tres veces, el segundo y tercer ciclo utilizan versiones más cortas de la figura inicial. Violin Phase , escrita también en 1967, se construye en estas mismas líneas. Piano Phase y Violin Phase se estrenaron en una serie de conciertos ofrecidos en galerías de arte de Nueva York.
Un ejemplo similar, aunque menos conocido, de esta llamada música de proceso es Pendulum Music (1968), que consiste en el sonido de varios micrófonos balanceándose sobre los altavoces a los que están conectados, produciendo retroalimentación al hacerlo. "Pendulum Music" nunca ha sido grabada por el propio Reich, pero Sonic Youth la presentó al público del rock a finales de la década de 1990.
Reich también intentó crear el efecto de fase en una pieza "que no necesitaría ningún instrumento más allá del cuerpo humano". Descubrió que la idea de la puesta en fase era inapropiada para las formas simples que estaba experimentando para producir sonido. En cambio, compuso Clapping Music (1972), en el que los intérpretes no entran y salen entre sí, sino que un intérprete mantiene una línea de una frase de 12 corcheas (12 corcheas) y la otro intérprete cambia un ritmo de corchea cada 12 compases, hasta que ambos intérpretes vuelven al unísono 144 compases después. [20]
La pieza prototipo de 1967 Slow Motion Sound no se interpretó, aunque Chris Hughes la interpretó 27 años después como Slow Motion Blackbird en su álbum Shift de 1994, influenciado por Reich . Introdujo la idea de ralentizar un sonido grabado hasta muchas veces su duración original sin cambiar el tono o el timbre, lo que Reich aplicó a Four Organs (1970), que trata específicamente del aumento. La pieza tiene maracas que tocan un pulso rápido de corchea , mientras que los cuatro órganos acentúan ciertas corcheas usando un acorde de undécima. Por tanto, este trabajo abordó la repetición y el cambio rítmico sutil. En contraste con la estructura cíclica típica de Reich, Four Organs es único entre sus trabajos al utilizar una estructura lineal: Phase Patterns , superficialmente similar , también para cuatro órganos pero sin maracas, es (como su nombre indica) una pieza de fase cíclica similar a otras compuestas. durante el periodo. Four Organs se interpretó como parte de un programa de la Orquesta Sinfónica de Boston y fue la primera composición de Reich interpretada en un gran escenario tradicional.
En 1970, Reich se embarcó en un viaje de cinco semanas para estudiar música en Ghana, durante el cual aprendió del maestro baterista Gideon Alorwoyie. Reich también estudió gamelan balinés en Seattle en 1973 y 1974. [21] [ ¿ cuándo? ] De su experiencia africana, así como de los Estudios de música africana de AM Jones sobre la música del pueblo Ewe, Reich se inspiró para su pieza Drumming de 90 minutos , que compuso poco después de su regreso. Compuesto para un conjunto de percusión de nueve integrantes con voces femeninas y flautín , Drumming marcó el comienzo de una nueva etapa en su carrera, pues por esta época formó su conjunto, Steve Reich and Musicians , y se concentró cada vez más en la composición y la interpretación con ellos. Steve Reich and Musicians, que durante muchos años sería el único conjunto que interpretaría sus obras, sigue activo con muchos de sus miembros originales. [ cita necesaria ]
Después de tocar la batería , Reich dejó la técnica del "cambio de fase" en la que había sido pionero y comenzó a escribir piezas más elaboradas. Investigó otros procesos musicales como el aumento (el alargamiento temporal de frases y fragmentos melódicos). Fue durante este período que escribió obras como Música para instrumentos de mazo, voces y órgano (1973) y Seis pianos (1973).
En 1974, Reich comenzó a escribir Música para 18 músicos . Esta pieza incluía muchas ideas nuevas, aunque también recordaba piezas anteriores. Se basa en un ciclo de once acordes introducidos al principio (llamados "Pulsos"), seguido de una pequeña sección de música basada en cada acorde ("Secciones I-XI"), y finalmente una vuelta al ciclo original ("Secciones I-XI"). Pulsos"). Este fue el primer intento de Reich de escribir para conjuntos más grandes . El mayor número de intérpretes dio lugar a más posibilidades para los efectos psicoacústicos, lo que fascinó a Reich, y señaló que le gustaría "explorar más a fondo esta idea". Reich comentó que esta obra contenía más movimiento armónico en los primeros cinco minutos que cualquier otra obra que hubiera escrito. Steve Reich and Musicians hicieron la primera grabación de este trabajo en ECM Records .
Reich exploró más a fondo estas ideas en sus piezas frecuentemente grabadas Música para un gran conjunto (1978) y Octeto (1979). En estas dos obras, Reich experimentó con "la respiración humana como medida de la duración musical... los acordes tocados por las trompetas están escritos para tomar una respiración cómoda para tocar". [22] Las voces humanas son parte de la paleta musical en Música para un gran conjunto , pero las partes vocales sin palabras simplemente forman parte de la textura (como lo hacen en Drumming ). Con Octeto y su primera pieza orquestal Variaciones para vientos, cuerdas y teclados (también 1979), la música de Reich mostró la influencia de la cantilación bíblica , que había estudiado en Israel desde el verano de 1977. Después de esto, la voz humana cantando un texto volvería a aparecer. desempeñan un papel cada vez más importante en la música de Reich.
La técnica... consiste en tomar patrones melódicos preexistentes y unirlos para formar una melodía más larga al servicio de un texto sagrado. Si quitas el texto, te quedas con la idea de juntar pequeños motivos para crear melodías más largas, una técnica que no había encontrado antes. [23]
En 1974, Reich publicó el libro Writings About Music , que contiene ensayos sobre su filosofía, estética y proyectos musicales escritos entre 1963 y 1974. En 2002 se publicó una colección actualizada y mucho más extensa, Writings On Music (1965-2000) .
El trabajo de Reich adquirió un carácter más oscuro en la década de 1980 con la introducción de temas históricos así como temas de su herencia judía. Tehillim (1981), salmos en hebreo , es la primera obra de Reich que se basa explícitamente en su origen judío. La obra consta de cuatro partes y está compuesta por un conjunto de cuatro voces femeninas (una soprano alta , dos sopranos líricas y una contralto ), flautín , flauta, oboe , corno inglés , dos clarinetes , seis percusiones (tocando pequeñas panderetas afinadas sin jingles, palmas, maracas , marimba , vibráfono y crotales ), dos órganos electrónicos , dos violines, viola , violonchelo y contrabajo, con voces amplificadas, cuerdas y vientos. Una selección de textos de Salmos 19:2–5 (19:1–4 en las traducciones cristianas), 34:13–15 (34:12–14), 18:26–27 (18:25–26) y 150 :4–6, Tehillim se aparta de otros trabajos de Reich en su estructura formal; la configuración de textos de varias líneas en lugar de los fragmentos utilizados en trabajos anteriores hace de la melodía un elemento sustantivo. El uso del contrapunto formal y la armonía funcional también contrasta con las obras minimalistas de estructura vaga escritas anteriormente.
Different Trains (1988), para cuarteto de cuerdas y cinta, utiliza discursos grabados, como en sus trabajos anteriores, pero esta vez como un elemento melódico más que rítmico. En Different Trains , Reich compara y contrasta los recuerdos de su infancia de sus viajes en tren entre Nueva York y California en 1939-1941 con los muy diferentes trenes que se utilizaban para transportar a los niños europeos contemporáneos a su muerte bajo el dominio nazi . Lagrabación del Kronos Quartet de Different Trains recibió el premio Grammy a la mejor composición clásica contemporánea en 1990. La composición fue descrita por Richard Taruskin como "la única respuesta musical adecuada, una de las pocas respuestas artísticas adecuadas en cualquier medio, al Holocausto ", y atribuyó a la pieza el mérito de haberle ganado a Reich un lugar entre los grandes compositores del siglo XX. [24]
En 1993, Reich colaboró con su esposa, la videoartista Beryl Korot , en una ópera, The Cave , que explora las raíces del judaísmo, el cristianismo y el Islam a través de las palabras de israelíes, palestinos y estadounidenses, de las que el conjunto se hace eco musicalmente. La obra, para percusión, voces y cuerdas, es un documental musical, llamado así por la Cueva de Macpela en Hebrón , donde ahora se encuentra una mezquita y se dice que Abraham fue enterrado.
Reich y Korot colaboraron en la ópera Tres cuentos , que trata sobre el desastre de Hindenburg , las pruebas de armas nucleares en el atolón Bikini y otras preocupaciones más modernas, específicamente la oveja Dolly , la clonación y la singularidad tecnológica .
Reich utilizó técnicas de muestreo para piezas como Three Tales y City Life de 1994. Reich volvió a componer obras puramente instrumentales para salas de conciertos, comenzando con Triple Quartet en 1998 escrito para el Kronos Quartet que puede ser interpretado por cuarteto de cuerdas y cinta, tres cuartetos de cuerda u orquesta de cuerda de 36 músicos. Según Reich, la pieza está influenciada por los cuartetos de cuerda de Bartók y Alfred Schnittke , y por Yo Shakespeare de Michael Gordon . [25]
La serie instrumental para sala de conciertos continuó con Dance Patterns (2002), Cello Counterpoint (2003) y múltiples trabajos centrados en variaciones: You Are (Variations) (2004), Variations for Vibes, Pianos, and Strings (2005) y las Variaciones de Daniel (2006). You Are se remonta a la escritura vocal de Tehillim y The Desert Music , mientras que las Variaciones de Daniel , que Reich llamó "mucho más oscuras, para nada por lo que soy conocido", están inspiradas en parte en la muerte de Daniel Pearl . [26]
En 2002, Walter Fink invitó a Reich al Komponistenporträt anual del Festival de Música de Rheingau , como el duodécimo compositor presentado.
Diciembre de 2010 Nonesuch Records e Indaba Music llevaron a cabo un concurso comunitario de remezclas en el que se recibieron más de 250 presentaciones, y Steve Reich y Christian Carey fueron jueces de la final. Reich habló en una entrevista relacionada con la BBC que una vez que compuso una pieza no la volvería a alterar él mismo; "Cuando esté hecho, estará hecho", dijo. Por otro lado, reconoció que los remixes tienen una vieja tradición, por ejemplo, piezas famosas de música religiosa donde las melodías se desarrollan aún más en nuevas canciones. [27]
Reich estrenó una pieza, WTC 9/11 , escrita para String Quartet y Tape (una instrumentación similar a la de Different Trains ) en marzo de 2011. Fue interpretada por el Kronos Quartet , en la Universidad de Duke , Carolina del Norte, Estados Unidos. [28]
El 5 de marzo de 2013, la London Sinfonietta, dirigida por Brad Lubman, en el Royal Festival Hall de Londres dio el estreno mundial de Radio Rewrite , obra de Reich inspirada en la banda Radiohead . El programa también incluyó Double Sextet , Clapping Music , con el propio Reich junto al percusionista Colin Currie , Electric Counterpoint , con guitarra eléctrica de Mats Bergström , así como dos de las piezas de conjunto de Reich. [29]
Música para conjunto y orquesta fue estrenada el 4 de noviembre de 2018 por la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de Susanna Mälkki en el Walt Disney Concert Hall , lo que marcó el regreso de Reich a escribir para orquesta después de un intervalo de más de treinta años. [30] [31]
Reich ha vivido con su esposa Beryl Korot en una casa en el norte del estado de Nueva York desde 2006. [32] [33]
En 2005, Reich recibió la medalla Edward MacDowell. [34] [35]
Reich recibió el premio Praemium Imperiale de Música en octubre de 2006. [36]
El 25 de enero de 2007, Reich recibió el Premio de Música Polar 2007 con el saxofonista de jazz Sonny Rollins . [37]
El 20 de abril de 2009, Reich recibió el Premio Pulitzer de Música 2009 , en reconocimiento al Doble Sexteto , presentado por primera vez en Richmond el 26 de marzo de 2008. La mención lo calificó como "una obra importante que muestra la capacidad de canalizar un estallido inicial de energía en un evento musical de gran escala, construido con un control magistral y consistentemente intrigante para el oído". [38] [39]
En mayo de 2011, Steve Reich recibió un doctorado honorario del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra . [40]
En 2012, Steve Reich recibió la Medalla de Oro en Música de la Academia Estadounidense de Artes y Letras. [41]
En 2013, Reich recibió el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en música contemporánea , dotado con 400.000 dólares , por aportar una nueva concepción de la música, basada en el uso de elementos realistas del ámbito de la vida cotidiana y otros extraídos de la música tradicional de África y Asia. [42]
En septiembre de 2014, Reich recibió el "Leone d'Oro" (León de Oro a la trayectoria musical) de la Bienal de Venecia . [43]
En marzo de 2016, Reich recibió un Doctorado Honoris Causa por el Royal College of Music de Londres. [44]
El compositor y crítico estadounidense Kyle Gann ha dicho que Reich "puede... ser considerado, por aclamación general, el compositor vivo más grande de Estados Unidos". [45] El estilo de composición de Reich ha influido en muchos otros compositores y grupos musicales, incluidos John Adams , la banda de rock progresivo King Crimson , el guitarrista new-age Michael Hedges , el músico art-pop y electrónico Brian Eno , el arte/música experimental el grupo Residents , el grupo electrónico Underworld , los compositores asociados con el festival Bang on a Can (incluidos David Lang , Michael Gordon y Julia Wolfe ) y numerosos músicos de indie rock , incluidos los compositores Sufjan Stevens [46] [47] y Matthew Healy. de 1975 , [48] y los conjuntos instrumentales Tortoise , [49] [50] [51] The Mercury Program , [52] y Godspeed You! Black Emperor (que tituló una canción inédita "Steve Reich"). [53]
John Adams comentó: "No reinventó la rueda sino que nos mostró una nueva forma de montar". [54] También ha influido en artistas visuales como Bruce Nauman , y muchos coreógrafos notables han realizado bailes con su música, Eliot Feld , Jiří Kylián , Douglas Lee y Jerome Robbins , entre otros; Ha expresado especial admiración por el trabajo de Anne Teresa De Keersmaeker en sus piezas.
Al presentar una muestra de Electric Counterpoint de Reich (1987) en el tema de 1990 Little Fluffy Clouds, el grupo de techno ambiental británico The Orb expuso a una nueva generación de oyentes a su música. [55] En 1999, el álbum Reich Remixed incluía remezclas de varias obras de Reich realizadas por varios productores de música electrónica de baile, como DJ Spooky , Kurtis Mantronik , Ken Ishii y Coldcut , entre otros. [55] [56]
Cello Counterpoint de Reich (2003) fue la inspiración para una serie de encargos para violonchelo solo con violonchelos pregrabados realizados por Ashley Bathgate en 2017, que incluyen nuevas obras de Emily Cooley y Alex Weiser . [57]
Reich cita a menudo a Pérotin , JS Bach , Debussy , Bartók y Stravinsky como compositores a quienes admira y que influyeron mucho en él cuando era joven. [58] El jazz es una parte importante de la formación del estilo musical de Reich, y dos de las primeras influencias en su trabajo fueron los vocalistas Ella Fitzgerald y Alfred Deller , cuyo énfasis en las capacidades artísticas de la voz sola con poco vibrato u otra alteración fue una inspiración para sus primeras obras. El estilo de John Coltrane , que Reich ha descrito como "tocar muchas notas con muy pocas armonías", también tuvo un impacto; De particular interés fue el álbum Africa/Brass , que "duraba básicamente media hora en Mi". [59] [ verificación fallida ] La influencia de Reich del jazz incluye sus raíces, también, de la música de África Occidental que estudió en sus lecturas y visita a Ghana. Otras influencias importantes son Kenny Clarke y Miles Davis , y amigos artistas visuales como Sol LeWitt y Richard Serra . Reich también ha declarado que admira la música de la banda Radiohead , lo que le llevó a su composición Radio Rewrite . [60]
De hecho, escribí una tesis criticando
a Gilbert Ryle
por criticar a Wittgenstein.
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