Niki de Saint Phalle ( en francés: [niki d(ə) sɛ̃ fal] ; nacida Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle ; [1] 29 de octubre de 1930 - 21 de mayo de 2002) fue una escultora , pintora , cineasta y autora de libros ilustrados a mano de origen franco - estadounidense [5] [6] . Ampliamente reconocida como una de las pocas escultoras monumentales femeninas , [7] Saint Phalle también fue conocida por su compromiso social y su trabajo. [8] [9]
Tuvo una infancia difícil y traumática y una educación muy interrumpida, sobre la que escribió muchas décadas después. Después de un matrimonio temprano y dos hijos, comenzó a crear arte en un estilo ingenuo y experimental. Recibió atención mundial por primera vez por sus ensamblajes violentos y furiosos que habían sido disparados con armas de fuego. Estos evolucionaron hacia Nanas , esculturas alegres, extravagantes, coloridas y a gran escala de animales, monstruos y figuras femeninas. Su trabajo más completo fue el Jardín del Tarot , un gran jardín de esculturas que contiene numerosas obras que van desde creaciones del tamaño de una casa.
El estilo idiosincrásico de Saint Phalle ha sido llamado " arte marginal "; no tuvo una formación formal en arte, [3] pero se relacionó libremente con muchos otros artistas, escritores y compositores contemporáneos. [10] Sus libros y su abundante correspondencia fueron escritos y coloreados de manera brillante en un estilo infantil, pero a lo largo de su vida abordó muchos problemas globales importantes y controvertidos con la audaz forma en que los niños suelen cuestionar y denunciar el abandono inaceptable. [9]
A lo largo de su carrera creativa colaboró con otros artistas conocidos como Jasper Johns , Robert Rauschenberg , Larry Rivers , el compositor John Cage y el arquitecto Mario Botta , así como con docenas de artistas y artesanos menos conocidos. Durante varias décadas trabajó especialmente de cerca con el artista cinético suizo Jean Tinguely , quien también se convirtió en su segundo marido. En sus últimos años, sufrió múltiples problemas de salud crónicos atribuidos a la exposición repetida a fibras de vidrio en el aire y humos petroquímicos de los materiales experimentales que había utilizado en sus obras de arte pioneras, pero continuó creando prolíficamente hasta el final de su vida.
Un crítico ha observado que la "insistencia de Saint Phalle en la exuberancia, la emoción y la sensualidad, su búsqueda de lo figurativo y su uso audaz del color no la han hecho muy querida por todos en una era minimalista". [11] Era muy conocida en Europa, [11] pero su obra fue poco vista en los EE. UU., hasta sus últimos años en San Diego. Otro crítico dijo: "La artista nacida en Francia y criada en Estados Unidos es una de las artistas femeninas y feministas más importantes del siglo XX, y una de las pocas que recibió reconocimiento en el mundo del arte dominado por los hombres durante su vida". [12]
Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle nació el 29 de octubre de 1930 en Neuilly-sur-Seine , Hauts-de-Seine , cerca de París . [1] [13] Su padre era el conde André-Marie de Saint Phalle (1906-1967), un banquero francés, y su madre era una estadounidense, llamada Jeanne Jacqueline Harper (1908-1980). [14] [15] [Nota 1] Marie-Agnès fue la segunda de cinco hijos, [1] y entre sus primos se encontraba la novelista francesa Thérèse de Saint Phalle (baronesa Jehan de Drouas), [ cita requerida ] su prima doble, [16] hija del conde Alexandre de Saint Phalle (hermano del conde André-Marie) y su esposa Helene Georgia Harper (hermana de Jeanne Jacqueline). [17] [18] Otro primo fue el banquero de inversiones, abogado y ex agente de la Oficina de Servicios Estratégicos nacido en Estados Unidos, Thibaut de Saint Phalle , quien sirvió en la administración Carter como director del Banco de Exportación e Importación de los Estados Unidos (1977-1981). [16] [19]
Marie-Agnès nació un año después del Martes Negro , y la economía francesa también sufría las consecuencias del infame colapso de la bolsa que inició la Gran Depresión . [20] A los pocos meses de su nacimiento, la empresa financiera de su padre cerró y sus padres se mudaron con su hermano mayor a los suburbios de la ciudad de Nueva York ; ella se quedó con sus abuelos maternos en Nièvre , cerca del centro geográfico de Francia. [20] Alrededor de 1933, se reunió con sus padres en Greenwich, Connecticut ; su padre había encontrado trabajo como gerente de la sucursal estadounidense del banco de la familia Saint Phalle. [10] En 1937, la familia se mudó a East 88th Street y Park Avenue [21] en el afluente barrio Upper East Side de la ciudad de Nueva York. [11] [13] En ese momento, Marie-Agnès era conocida como "Niki", el nombre que usaría a partir de entonces. [13]
Niki creció en un ambiente católico estricto , contra el cual se rebeló repetidamente. [22] Su madre era temperamental y violenta, golpeaba a los niños más pequeños y los obligaba a comer incluso si no tenían hambre. [20] Sus dos hermanos menores, Elizabeth y Richard de Saint Phalle, se suicidarían más tarde como adultos. [20] [23] El ambiente en casa era tenso; el único lugar donde Niki se sentía cómoda y cálida era en la cocina, supervisada por un cocinero negro. [24] : 74 Décadas después, Niki revelaría que había sufrido años de abuso sexual por parte de su padre, comenzando a la edad de 11 años. [22] [25] [11] [24] : 74 Más tarde se referiría al entorno donde creció como enfer ("infierno"). [26]
Pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia en la ciudad de Nueva York, y los veranos en Connecticut o Long Island. [21] Con frecuencia regresaba a Francia para visitar a sus familiares, [1] llegando a hablar con fluidez tanto francés como inglés americano . [11] En 1937, asistió a la escuela en el Convento del Sagrado Corazón en la calle 91 Este en Manhattan. Después de ser expulsada en 1941, se reunió con sus abuelos maternos, que se habían mudado a Princeton, Nueva Jersey , y asistió brevemente a la escuela pública allí. [13]
Regresó al Upper East Side y estudió allí en la Brearley School de 1942 a 1944. [22] Allí conoció a Jackie Matisse , nieta del artista Henri Matisse ; se convertirían en amigas de por vida. [21] Sin embargo, Saint Phalle fue despedida por pintar de rojo las hojas de higuera de las estatuas clásicas de la escuela. [27] [20] [13] [28] A pesar de esto, más tarde diría que fue allí "[donde] me convertí en feminista. Nos inculcaron que las mujeres pueden y deben lograr grandes cosas". [22] [21] Luego se inscribió en una escuela de convento en Suffern, Nueva York , [20] pero fue expulsada. [29] Finalmente se graduó de la Oldfields School en Glencoe, Maryland en 1947. [13]
Durante sus últimos años de adolescencia, Saint Phalle se convirtió en modelo ; a la edad de 18 años, apareció en la portada de Life (26 de septiembre de 1949) [30] y, tres años más tarde, en la portada de noviembre de 1952 de la revista Vogue francesa . [30] [1] También apareció en las páginas de Elle [31] y Harper's Bazaar .
"En un momento dado, [¿ cuándo? ] Gloria Steinem vio a Saint Phalle caminando por la calle Cincuenta y siete , sin bolso y con un atuendo de vaquero. En una entrevista citada por la curadora de la muestra, Ruba Katrib, en el catálogo, Steinem recuerda haber pensado: 'Esa es la primera mujer libre que he visto en la vida real. Quiero ser como ella'". [23] [32]
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A la edad de 18 años, Saint Phalle se casó con Harry Mathews , a quien había conocido por primera vez a la edad de 11 años (él tenía 12) a través de su padre. [20] [22] [24] : 91 Seis años después, se volvieron a encontrar por casualidad en un tren a Princeton, y pronto se convirtieron en pareja. [24] : 91 Inicialmente, tuvieron una ceremonia civil el 6 de junio de 1949 en el Ayuntamiento de Nueva York . [24] : 91 A instancias de la madre de Niki, también tuvieron un rito religioso en la Iglesia Francesa de Nueva York el siguiente febrero. [13] [24] : 91
Aunque sus padres aceptaron la unión, la familia de su marido se opuso a su origen católico y les cortó el acceso a la financiación, lo que les hizo recurrir a hurtos ocasionales en las tiendas . [20] Se mudaron a Cambridge, Massachusetts, para que Mathews pudiera estudiar música en la Universidad de Harvard . [20] [13] Saint Phalle empezó a pintar al óleo y al gouache, pero su objetivo era seguir una carrera como actriz. [33] [13] Su primera hija, Laura , nació en abril de 1951. En 1952, la pequeña familia se mudó a París, donde Harry continuó sus estudios de dirección en I'Ecole Normale de Musique . [13] Los nuevos padres fueron despreocupados, incluso negligentes en su cuidado, [24] : 93 [20] pero sus hijos se beneficiarían de mejores circunstancias económicas después de que Mathews recibiera una herencia. [20]
Saint Phalle rechazó los valores conservadores y sobrios de su familia, que dictaba posiciones domésticas para las esposas y reglas de conducta estrictas particulares. [22] El poeta John Ashbery recordó que las actividades artísticas de Saint Phalle fueron rechazadas a su vez por sus familiares: su tío "el banquero francés Conde Alexandre de Saint-Phalle, ... al parecer tiene una visión negativa de sus actividades artísticas", observó Ashbery. [Nota 2] Sin embargo, después de casarse joven y convertirse en madre, se encontró viviendo el mismo estilo de vida burgués del que había intentado escapar. [10]
Durante aproximadamente una década, la familia vagaría por Francia y Europa, viviendo un estilo de vida bohemio . En Niza , Saint Phalle y Mathews tendrían aventuras separadas en 1953; después de que ella atacara a la amante de su esposo, tomó una sobredosis de pastillas para dormir , pero tuvieron poco efecto porque estaba maníaca en ese momento. [20] Cuando Harry descubrió un escondite de cuchillos, navajas y tijeras debajo de un colchón, llevó a su esposa a una clínica psiquiátrica en Niza, donde fue tratada con terapia de electroshock y terapia de choque de insulina . [22] [20] Liberada del trabajo doméstico rutinario, se centró en crear obras de arte y mejoró lo suficiente como para ser dada de alta en seis semanas. [20] Casi al mismo tiempo, su esposo abandonó sus estudios de música y comenzó a escribir su primera novela, y finalmente cambió a una carrera en la escritura. [13]
En 1954, mientras estaba en París trabajando como modelo, Saint Phalle conoció al pintor franco-estadounidense Hugh Weiss , quien se convirtió en su amigo y mentor artístico. La animó a seguir pintando con su estilo autodidacta. [13] [10]
En septiembre de 1954, la pequeña familia se mudó a Deià , Mallorca , España, donde nació su hijo Philip en mayo de 1955. [24] : 93 [20] [13] Mientras estaba en España, Saint Phalle leyó las obras de Proust y visitó Madrid y Barcelona , donde quedó profundamente afectada por la obra del arquitecto Antoni Gaudí . [34] La influencia de Gaudí abrió muchas posibilidades previamente inimaginables para Saint Phalle, especialmente el uso de materiales inusuales y objets-trouvés como elementos estructurales en la escultura y la arquitectura. Saint Phalle quedó particularmente impresionada por el " Park Güell " de Gaudí, que la inspiraría a crear algún día su propia obra de arte basada en jardines que combinaría elementos artísticos y naturales .
Saint Phalle continuó pintando, particularmente después de que ella y su familia se mudaran a París a mediados de la década de 1950. Su primera exposición de arte se realizó en 1956 en Suiza, donde mostró su estilo naif de pintura al óleo. [13]
En 1956 conoció al artista suizo Jean Tinguely y a su esposa, la artista Eva Aeppli . Saint Phalle intentó su primera escultura a gran escala, contratando a Tinguely para hacer una armadura de hierro , que cubrió con yeso y pintura. [13]
A finales de la década de 1950, Saint Phalle enfermó de hipertiroidismo y taquicardia , que finalmente fueron tratados mediante una operación en 1958. [35]
En 1959, Saint Phalle conoció por primera vez múltiples obras de arte de Yves Klein , Marcel Duchamp , Daniel Spoerri , Willem de Kooning , Jackson Pollock , Robert Rauschenberg y Jasper Johns . Ver estas obras de vanguardia desencadenó su "primera gran crisis artística". [24] : 42 Pasó de la pintura al óleo a los gouaches y la pintura brillante, y comenzó a producir ensamblajes a partir de objetos domésticos y desechos. [24] : 42 En ese momento, había decidido dedicarse por completo a la creación de arte, libre de las obligaciones de la vida familiar cotidiana. [24] : 75–76
En 1960, ella y Harry se separaron de mutuo acuerdo, y su marido se mudó a otro apartamento con sus dos hijos. [24] : 93 [20] [13] En ese momento, su hija Laura tenía nueve años y su hijo Philip tenía cinco. [24] : 75 Mathews ocasionalmente compraba obras de arte a su esposa como una forma de brindarle su modesto apoyo, y ella lo visitaba a él y a los niños periódicamente. [24] : 93
Pronto se mudó con Jean Tinguely, quien para entonces se había separado de su propia esposa, Eva Aeppli. [24] : 95 [36] Se estaba volviendo muy conocido por sus esculturas cinéticas hechas con mecanismos desechados y basura. En muchos sentidos, la pareja era opuesta, y a veces tenían desacuerdos violentos y frecuentes aventuras con otras personas. [24] : 95–98 [11] Vivirían juntos de forma intermitente y colaborarían estrechamente en proyectos artísticos durante más de una década antes de casarse en 1971. [20] [7] [37] Dos años después se separaron, pero permanecieron en buenos términos y continuaron colaborando en varios proyectos hasta la muerte de Tinguely en 1991. [7] [27]
En 1960, Tinguely le presentó a Pontus Hultén , entonces director del Moderna Museet (Museo Moderno) en Estocolmo, Suecia . Durante los siguientes años, la invitaría a participar en importantes exposiciones y adquiriría sus obras de arte para el museo. [13] Más tarde se convertiría en el primer director del Centro Georges Pompidou en París (1974-1981), donde continuó siendo influyente en la promoción de un reconocimiento más amplio de la obra de arte de Saint Phalle.
Saint Phalle creó una serie de obras a principios de los años 1960 que llamó Tirs ("Disparos" o "Disparos"). La serie comenzó como "imágenes de diana", con dianas pintadas en forma de diana que se mostraban de forma destacada dentro de sus collages pintados, como Saint Sébastien (Retrato de mi amante / Retrato de mi amado / Mártir nécessaire) (1961), [30] o Assemblage (Figura con cabeza de diana) (1962). [38] Invitaba a los espectadores a lanzar dardos a las dianas incrustadas como rostros en sus ensamblajes figurativos , que estaban influenciados por las dianas pintadas por su amigo Jasper Johns . [39]
Pronto, ella comenzaría a incrustar cuchillos, hojas de afeitar, tijeras, batidores de huevos, brazos de muñecas y otros artículos domésticos en yeso que cubría una tabla grande, junto con bolsas llenas de pinturas de colores, latas de pintura en aerosol y, a veces, tomate . [20] Además, podía suspender bolsas de pintura o latas de pintura en aerosol frente al conjunto pintado de blanco. Luego disparaba repetidamente al conjunto con una pistola , un rifle o un cañón en miniatura , lo que hacía que los líquidos "sangraran" o salieran rociados. [36] [20] [24] : 44
Su primer evento público de tiro organizado fue en febrero de 1961, al que asistieron Jean Tinguely, Daniel Spoerri y Pierre Restany , entre otros. [39] Sus primeros eventos y performances artísticas tuvieron lugar en el "Impasse Ronsin", un callejón lleno de basura en el distrito de Montparnasse de París. Fue el sitio de los estudios improvisados de Constantin Brâncuși , Jean Tinguely, Yves Klein , Max Ernst , Les Lalanne y otros artistas experimentales en las décadas de 1950 y 1960. [40]
Como fundadora del movimiento Nouveau réalisme ("Nuevo Realismo"), Restany le pidió a Saint Phalle que se uniera a este grupo de artistas franceses al ver su actuación; ella se convertiría en la única mujer miembro de este grupo. [39] [20]
Las expresiones extremas de violencia atrajeron la atención de los medios, catapultando a Saint Phalle a las filas de la rebelión artística de vanguardia . [3] Los Tirs combinaron performance , arte corporal , escultura y pintura en el fermento artístico de la década de 1960. [6] Saint Phalle comenzó a presentar variaciones de este proceso en museos y galerías de arte, y reclutó a otros artistas para que se unieran a " happenings " públicos escenificados, donde algunos de sus colegas también apretarían el gatillo. En las actuaciones estadounidenses, conocería a muchos otros artistas emergentes, incluidos Robert Rauschenberg , Ad Reinhardt , Frank Stella y Ed Kienholz . [39] También organizó eventos en interiores en galerías de arte, donde invitaba a los visitantes a disparar a sus ensamblajes. [13]
Saint Phalle participó en el programa "Edition MAT" ( Multiplication d'Art Transformable ) de Spoerri de ediciones múltiples de obras de arte, proporcionando versiones más simples de sus obras de Tirs , con instrucciones detalladas sobre cómo fotografiarlas con un rifle .22 . [39] Saint Phalle documentó cuidadosamente su proceso artístico en el Tirs con escritos, fotografías y películas. [39] Ella fijaba artefactos comunes ya hechos a una tabla, pegaba bolsas de pintura colorida, encalaba todo y luego sumergía el conjunto en yeso blanco lechoso. [39] Una vez que se había secado, la colección estaba lista para que un comprador la fotografiara.
En junio de 1961, Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely se unieron a Jasper Johns y Robert Rauschenberg en un concierto-happening llamado Variations II , orquestado por el compositor estadounidense de vanguardia John Cage , y celebrado en la Embajada de Estados Unidos en París. Mientras David Tudor tocaba composiciones de Cage al piano, los artistas creaban sus obras de arte en el escenario mientras el público observaba el procedimiento. [39] [13]
En agosto de 1961, Marcel Duchamp presentó a Saint Phalle y Tinguely a Salvador Dalí , quien los invitó a crear un toro explosivo de tamaño natural con fuegos artificiales ( Toro de Fuego ). Este Homenage a Dalí ("Homenaje a Dalí") fue exhibido después del final de una corrida de toros tradicional española , en Figueras , Cataluña , España, y explotó frente al público. [24] : 27 [36] [27] [13]
En 1962, realizó su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York, en la galería dirigida por Alexander Iolas . [21] [41] Incluía Homenaje a Le Facteur Cheval , una galería de tiro donde los visitantes podían disparar a una de sus instalaciones Tirs . [21] [41] Esto inició su larga relación de trabajo con el galerista, que eventualmente comprendió al menos 17 exposiciones de su trabajo. [21]
En 1962, en Malibu Hills , sobre Los Ángeles, asistieron celebridades de Hollywood, entre ellas Jane Fonda y John Houseman . [42] Entre los asistentes del mundo del arte se encontraban John Cage, Ed Ruscha y Leo Castelli , mientras que Ed Kienholz ayudó a gestionar las armas de fuego. [43]
En la mayoría de estas actuaciones públicas, Saint Phalle estaba impecablemente vestido con un elegante traje pantalón blanco . [24] : 45
En 1963, había llevado la serie a galerías de la ciudad de Nueva York y Los Ángeles, invitando al público a participar en las sesiones fotográficas. En Los Ángeles, fotografió un ensamblaje de King Kong a gran escala que había construido, salpicando con pintura las caras esculpidas incrustadas de políticos como John F. Kennedy , Fidel Castro y Charles De Gaulle , con Santa Claus y el Pato Donald también. [42] Esta obra sería adquirida más tarde por el Moderna Museet de Estocolmo, [30] y marcaría su transición a una nueva serie de monstruos fantásticos, animales y figuras femeninas. [13] [24] : 47 A lo largo de su carrera, las serpientes, los pájaros y los dragones se convertirían en símbolos recurrentes en sus obras de arte. [12] [44]
Mientras estaban en la ciudad de Nueva York, Saint Phalle y Tinguely se alojaron en el Hotel Chelsea en 1962, y nuevamente en 1964-1965. [21] En 1963, la pareja compró un antiguo hotel, llamado Auberge au Cheval Blanc ("Posada del Caballo Blanco"), en Soisy-sur-Ecole , a 44 kilómetros (27 millas) al sureste de París. [11] [13] Anteriormente había sido un hotel, una cafetería, un cine e incluso un burdel , [11] pero los nuevos propietarios lo convirtieron en estudios artísticos que compartirían durante las décadas siguientes.
Saint Phalle exploró luego los diversos roles de las mujeres, en lo que se convertiría en su serie de esculturas más conocida y prolífica. [3] Comenzó a hacer muñecas de tamaño natural de mujeres, como novias y madres dando a luz, monstruos y cabezas grandes. Inicialmente, estaban hechas de materiales suaves, como lana, tela y papel maché , pero pronto evolucionaron hacia yeso sobre un marco de alambre y juguetes de plástico, algunos pintados completamente de blanco. [13] [6]
A medida que la serie se convirtió en obras monumentales más grandes, Saint Phalle utilizó plástico compuesto de poliéster reforzado con fibra de vidrio (también conocido como FRP o GRP) decorado con múltiples pinturas acrílicas o de poliéster de colores brillantes . También utilizó espuma de poliuretano en muchas de sus primeras esculturas. [45] Estos materiales innovadores permitieron la construcción de esculturas coloridas a gran escala con una nueva facilidad y fluidez de forma. Saint Phalle utilizó sin saberlo procesos de fabricación y pintura peligrosos que liberaban fibras de vidrio y productos químicos en el aire, incluidos estireno , epoxi y disolventes tóxicos . [46] [24] : 57
Entre 1963 y 1964, creó una serie de esculturas que protestaban contra los roles sociales estereotipados de las mujeres, como madres gestantes , madres devoradoras, brujas y prostitutas . [13] Algunas de sus primeras obras de arte de este período de la Novia mostraban novias fantasmales y esqueléticas vestidas de blanco, [47] que han sido comparadas con la señorita Havisham , un personaje etéreo de la novela Grandes esperanzas de Charles Dickens . [48]
Con el tiempo, estas figuras se volvieron más alegres, extravagantes, coloridas y de mayor escala. [26] Inspirado por un dibujo colaborativo con el artista estadounidense Larry Rivers de su esposa, su amiga embarazada Clarice Price Rivers (1936-2024), [49] Saint Phalle comenzó a retratar figuras femeninas arquetípicas con una visión más optimista de la posición de la mujer en la sociedad. [50] [28] [20] Gwendoline (1965) fue la primera escultura importante de lo que se convertiría en una serie de toda una vida de estas obras. [51]
Las figuras más nuevas adoptaron poses de danza extática [51] e incluso posiciones acrobáticas, como paradas de manos y volteretas . Las figuras alegres de Saint Phalle han sido comparadas con las alegres bailarinas de Matisse y las robustas figuras femeninas de Gaston Lachaise , Aristide Maillol y Rodin . [22]
En 1965, llamaba a sus expresiones artísticas de la proverbial mujer común Nanas , en honor a una palabra del argot francés que equivale aproximadamente a "ancha", [28] o "chica". [3] [34] El término también recuerda a la infantil burla francesa nananère . [52] : 37
La primera de estas formas de pose libre, hecha de papel maché, hilo y tela, se exhibió en la Galería Alexander Iolas de París en septiembre de 1965. Durante esta muestra, se unió a una especie de rifa de tómbola organizada por el Club de Artistas de Nueva York, mediante la cual las obras de arte se dejaban al azar en casilleros de equipaje que funcionaban con monedas en la estación de Pensilvania , y las llaves se ofrecían por $ 10 cada una. [53]
Para esta muestra, Iolas también publicó el primer libro de artista de Saint Phalle [51] que incluía su texto escrito a mano en combinación con sus dibujos de Bananas . [53] Alentada por Iolas, comenzó una producción altamente productiva de trabajo gráfico que acompañó sus exposiciones, que incluían serigrafías , carteles, libros y escritos. [13] En los años siguientes, publicaría múltiples libros escritos a mano, profusamente ilustrados con dibujos y diagramas coloridos, sobre temas como la prevención del SIDA y varios períodos de la historia de su vida. [13]
En 1966, Saint Phalle colaboró con Jean Tinguely y Per Olof Ultvedt en una instalación escultórica temporal en interiores, Hon – en katedral (que significa "Ella-a- Catedral " en sueco), [52] : 30 que llenaba una gran galería temporal en el Moderna Museet , en Estocolmo , Suecia. Durante la construcción, Saint Phalle reclutó al estudiante de arte suizo Rico Weber , que había estado trabajando como lavaplatos en el restaurante del museo [54] (en los años siguientes, se convertiría en un asistente y colaborador vital tanto para Saint Phalle como para Tinguely). [54] Un equipo de 8 personas trabajó arduamente durante 40 días, primero construyendo un marco usando varillas de metal , cubriéndolo con alambre de gallinero , cubriéndolo con tela adherida con pegamento animal maloliente , y luego pintando el interior del recinto de negro y pintando el exterior con colores brillantes. [54] La estructura final tenía 25 m de largo y 9,1 m de ancho, y pesaba alrededor de 6 toneladas. En el catálogo impreso en papel sensacionalista publicado para la muestra, Saint Phalle incluyó un diagrama que mostraba las influencias artísticas en su diseño, que incluían las Torres Watts de Simon Rodia , Le Palais Idéal de Ferdinand Cheval y la arquitectura de Antoni Gaudí . [52] : 32
La forma exterior era una escultura gigante y reclinada de una mujer embarazada (una Nana ), a cuyo voluminoso interior se podía ingresar a través de una abertura vaginal del tamaño de una puerta entre sus piernas. [55] Escrito en uno de los enormes muslos de Hon estaba el lema Honi soit qui mal y pense ("Que se avergüence quien piense mal de ello"). [24] : 59 [52] : 37 Dentro de la enorme escultura había un cine de 12 asientos, una barra de leche dentro de un pecho, un estanque de peces y un cerebro construido por Tinguely, con partes mecánicas móviles. [20] [27] Además, la extensa Nana contenía un teléfono de monedas , un sofá de dos plazas , un museo de pinturas falsas, una máquina expendedora de sándwiches , una instalación de arte de Ultvedt y un tobogán de juegos para niños. [54]
Tras un silencio inicial de sorpresa, la instalación provocó numerosos comentarios públicos en revistas y periódicos de todo el mundo, aumentando el conocimiento del Moderna Museet. [54] Más de 100.000 visitantes se agolparon para experimentar el entorno inmersivo, incluidos muchos niños. [24] : 26, 59 [54] Al cabo de 3 meses, se demolió y retiró toda la instalación temporal, a excepción de la cabeza, que fue preservada por el museo en su colección permanente. [54] Algunos fragmentos pequeños se adjuntaron a catálogos de exposiciones de edición limitada y se vendieron como recuerdos. [54]
En esa época, Saint Phalle también diseñó escenografías y vestuario para producciones teatrales: Éloge de La Folie ("Elogio de la locura", 1966), un ballet de Roland Petit ; una adaptación de la obra de Aristófanes Lysistrata (1966); y una obra en alemán que coescribió con Rainer von Diez titulada ICH (Todo sobre mí) (1968). [56] [53] [13] Las grandes figuras fijas o móviles de Nana fueron prominentes en varias de estas producciones. [24] : 59
En 1967, Saint Phalle comenzó a trabajar con resina de poliéster , [55] un material que se podía moldear fácilmente pero que se transformaba en una superficie dura, lisa y resistente a la intemperie. Esta nueva tecnología le permitió construir figuras fantásticas de gran tamaño para exhibirlas al aire libre en espacios públicos y parques. [24] : 57 El material es razonablemente duradero al aire libre (se utilizan materiales similares para barcos y carrocerías de automóviles), aunque décadas de exposición a la intemperie pueden acabar provocando deterioro, lo que requiere medidas especializadas de conservación de obras de arte . [57]
En agosto de 1967, el Stedelijk Museum de Ámsterdam inauguró la primera exposición retrospectiva de Saint Phalle, Les Nanas au pouvoir (El poder de las Nanas). Para la muestra, Niki creó su primera «Casa de los sueños de las Nanas» y su primera «Fuente de las Nanas», y también mostró los planos de su primera «Ciudad de las Nanas». [13]
En 1967, exhibió Le Paradis Fantastique ("El paraíso fantástico"), una agrupación colaborativa de nueve de sus esculturas con seis máquinas construidas por Tinguely, en la terraza de la azotea del Pabellón Francés de 8 niveles en la Expo 67 en Montreal . [58] [59] La composición fue concebida originalmente como un ataque de las oscuras construcciones mecánicas de Tinguely a los animales y figuras femeninas de colores brillantes de Saint Phalle, una especie de "guerra amorosa". [60] [24] : 100
Aunque el Pabellón Francés en sí era popular, la mayoría de los visitantes no vieron la terraza de la azotea donde se instalaron las esculturas. [61] En 1968, las esculturas se volvieron a exhibir en la Galería Albright-Knox en Buffalo, Nueva York , y luego durante un año en el Central Park de la ciudad de Nueva York . [58] [53] [61] En 1971, algunas de las obras de arte fueron compradas por el Moderna Museet e instaladas permanentemente cerca en un jardín de esculturas al aire libre en Skeppsholmen , una isla en el centro de Estocolmo. [61] [53] [62]
En 1968, reveló por primera vez que había desarrollado problemas respiratorios por la exposición al polvo y los humos al realizar sus obras de arte. [13] [53]
A partir de 1968, Saint Phalle vendió juguetes inflables para piscinas Nana , que aparecieron en la edición de abril de 1968 de la revista Vogue . [21] Ignoró las quejas de los críticos de arte y se concentró en recaudar dinero para sus futuros proyectos monumentales. [20] [13] En los años siguientes, se enfrentaría a más críticas por comercializar y popularizar en exceso sus obras de arte, pero recaudó una financiación significativa que le permitió financiar varios proyectos ambiciosos por su cuenta. [42] Su producción de objetos más pequeños y de menor costo también puso su arte al alcance de más partidarios de sus causas. [9] Durante su carrera, produjo ropa, joyas, perfumes, figuras de vidrio o porcelana, muebles y artículos de artesanía, muchos de ellos con un tema de Nana . [24] : 110
Entre 1969 y 1971 trabajó en su primer proyecto arquitectónico a gran escala, tres pequeñas casas escultóricas encargadas por Rainer von Diez en el sur de Francia, [53] [52] : 27 a las que llamó Le Rêve de l'oiseau ("El sueño del pájaro"). El proyecto fue una colaboración con él y Jean Tinguely, y un precursor de su proyecto posterior Tarot Garden .
En 1969, se unió a otros artistas bajo la dirección de Tinguely y comenzó a trabajar en Le Cyclop ("Cíclope", también conocido como La Tête , "La cabeza", o le Monstre dans la forêt , "El monstruo en el bosque"), en Milly-la-Forêt , cerca de París. [13] Entre sus colaboradores se encontraban Daniel Spoerri, Bernhard Luginbuhl y Eva Aeppli. Finalmente, 15 personas diferentes trabajaron en el proyecto, que no se consideraría terminado hasta 1994. [63]
En 1969, en una entrevista televisiva en su estudio, compartió sus puntos de vista sobre el lugar de las mujeres en la política y dijo: "Creo que las mujeres podrían administrar este mundo mucho mejor. Si el poder negro y el poder de las mujeres se unieran, se apoderarían de todo. Esa es la solución. Un nuevo mundo de alegría". [64] [65]
En noviembre de 1970, en el marco de una reunión de artistas para celebrar el décimo aniversario de la fundación de los Nouveaux Réalistes, Saint Phalle disparó contra un altar . [53]
El 13 de julio de 1971, Saint Phalle y Tinguely se casaron legalmente, [13] [37] tal vez para ahorrar impuestos, ya que Saint Phalle se convirtió así en ciudadano suizo . [20] Su matrimonio les dio a los dos artistas el control mutuo sobre el patrimonio artístico de cada uno si uno de ellos falleciera. [20] Ese mismo año, ella diseñó sus primeras piezas de joyería . [13]
En 1972, instaló Golem , encargado por el entonces alcalde Teddy Kollek , en un parque infantil en el barrio de Kiryat Hayovel de Jerusalén . Es un monstruo gigante con tres lenguas rojas que sobresalen de su boca, que sirven como toboganes de juegos . [66] [67] Este proyecto fue la primera vez que utilizó el método de hormigón proyectado de rociar hormigón sobre un marco de metal para producir grandes estructuras; este método se utilizaría en sus siguientes proyectos importantes. [67]
En 1972 contrató a Robert Haligon (" Fabricante de plásticos de arte ") para que le ayudara a fabricar sus esculturas a gran escala, así como varias ediciones de obras de arte. Esta colaboración continuaría durante 25 años, incluidos sus cuatro hijos, en particular Gérard, que tomaría la iniciativa en años posteriores. [53] [13] La colaboración produciría aproximadamente 3000 esculturas, que iban desde piezas monumentales al aire libre hasta pequeñas ediciones múltiples. [68] Saint Phalle entrenó personalmente a su hija Marie Haligon para pintar sus esculturas de edición múltiple, siguiendo el prototipo de un artista maestro. [68] Inicialmente, la artista prefería un acabado de pintura mate, evitando las superficies brillantes. Sin embargo, se vio obligada a adoptar acabados de superficie brillantes para lograr una mayor durabilidad de las pinturas en sus esculturas al aire libre. Con el tiempo, adoptó este efecto visual brillante y comenzó a usar espejos y piedras pulidas para revestir sus obras de arte. [68]
En 1972, Saint Phalle filmó imágenes para su película de terror surrealista Daddy , sobre una relación de amor-odio entre padre e hija profundamente problemática . [69] [70] La filmación se realizó en un castillo alquilado cerca de Grasse en el sureste de Francia en asociación con el cineasta Peter Whitehead . En noviembre, la película se mostró en Londres. El siguiente enero, produjo una nueva versión de la película, con escenas adicionales en Soisy y Nueva York, y un elenco ampliado. La versión revisada se estrenó en el Lincoln Center para el 11.º Festival de Cine de Nueva York en abril. También se le encargó que diseñara la portada del programa del festival. [53] [13]
En 1973, Saint Phalle trabajó con Tinguely y Rico Weber por encargo de Roger y Fabienne Nellens para construir una casa de juegos en el jardín de su casa en la costa de Knokke-le-Zoute , Bélgica. El Le Dragon que construyeron era una estructura sustancial, de 21 pies (6,4 m) de alto y 110 pies (34 m) de largo, hecha con técnicas derivadas de los proyectos anteriores Le Rêve de l'oiseau y Golem . El fantástico edificio eventualmente incluiría una cocina, baño, inodoro, sistema de calefacción y dormitorio, con un costo estimado de $ 30,000 a $ 40,000. El exterior estaba decorado con pinturas brillantes, incluidas las realizadas por Roger Nellens y el piloto de carreras de Fórmula 1 Jacky Ickx . Similar al proyecto Golem del año anterior, una larga lengua formaba un tobogán exterior desde el nivel superior. [67]
En 1987, el artista de graffitis Keith Haring viviría en Le Dragon mientras trabajaba en un mural encargado por Roger Nellens en el cercano Casino Knokke , y regresaría durante al menos tres veranos. [71] [72] : 176–177 Con el consentimiento entusiasta de Saint Phalle, pintaría un fresco largo a lo largo de la pared interior de una escalera. [73] [67] Finalmente, el edificio sería designado Monumento Histórico de Bélgica, aunque seguiría siendo propiedad privada. [67]
Saint Phalle continuó creando Nanas durante el resto de su vida, pero pronto centraría su atención en un proyecto integral en Italia.
El Jardín del Tarot no es sólo mi jardín. Es también el jardín de todos aquellos que me ayudaron a realizarlo. Yo soy el arquitecto del jardín. Impuse mi visión porque no podía hacer otra cosa.
El jardín se hizo con esfuerzo, entusiasmo desenfrenado, obsesión y, sobre todo, fe. Nada podría haberme detenido.
Como en todos los cuentos de hadas, antes de encontrar el tesoro, me encontré en mi camino con dragones, hechiceros, magos y el Ángel de la Templanza.
—Niki de Saint Phalle [74]
En 1955, Saint Phalle había visitado el Parc Güell de Antoni Gaudí en Barcelona, España , que la inspiró a utilizar diversos materiales y objetos encontrados como elementos esenciales en su arte. [75] Otra influencia fue el Parco dei Mostri en Bomarzo , en la región de Lazio en Italia. [76] A fines de la década de 1950, ella y Jean Tinguely habían visitado Le Palais Idéal construido por Ferdinand Cheval (conocido como Le Facteur Cheval ) en Hauterives , Francia, así como las Watts Towers de Simon Rodia en Los Ángeles a principios de la década de 1960. [13] Estos dos últimos lugares eran ejemplos de arte y arquitectura marginales fantásticos construidos por hombres trabajadores comunes de medios modestos pero con una visión expansiva. Saint Phalle decidió que quería hacer algo similar: un magnífico jardín de esculturas , pero creado por una mujer.
Los patrocinadores fundadores de su ambicioso proyecto fueron miembros de la familia italiana Agnelli . En 1974, Saint Phalle enfermó de un absceso pulmonar por su trabajo con poliéster y fue hospitalizada en Arizona. [24] : 76 Luego se recuperó en St. Moritz, Suiza . [53] [13] Se reconectó con Marella Agnelli , una amiga de la década de 1950 en Nueva York, [37] y le contó a Agnelli sobre sus ideas para un jardín de fantasía. [24] : 76 En 1978, los hermanos de Agnelli, Carlo y Nicola Caracciolo, ofrecieron una parcela de su tierra en Toscana para el sitio del jardín. [75]
En 1974, Saint Phalle creó un trío de Nanas monumentales instaladas junto al río Leine en Hannover, Alemania . Los líderes de la ciudad inicialmente se vieron inundados con más de 20.000 cartas de queja, [77] pero finalmente las figuras fueron apodadas cariñosamente " Sophie ", " Charlotte " y " Caroline " en honor a tres de las mujeres históricas de la ciudad. [78] [51] La disputa entre partidarios y oponentes de las estatuas se resolvió mediante un concurso de tira y afloja . [78]
En 1975, Saint Phalle escribió el guion de Un rêve plus long que la nuit ("Un sueño más largo que la noche", más tarde también llamada Camélia et le Dragon ), y reclutó a muchos de sus amigos artistas para que la ayudaran a convertirlo en una película, un cuento fantasmagórico de dragones, monstruos y adolescencia. Una niña es cautiva de un dragón, logra escapar y debe explorar Sept Portes du Mystère ("Siete puertas del misterio") para encontrar el amor. La hija de Saint Phalle, Laura, fue el personaje principal de la película, apareciendo con Saint Phalle, Jean Tinguely y otros amigos artistas; Peter Whitehead compuso la música. [79] Para el rodaje, diseñó varios muebles, que luego se exhibieron en la fachada del Palacio de Bellas Artes de Bruselas . [13] De 1968 a 1988, también trabajó en Last Night I Had a Dream , una pintura en relieve escultórico que incluía muchos elementos de su vida anterior y sus sueños. [80]
En 1976 se retiró a los Alpes suizos para perfeccionar sus planes para el parque de esculturas. [53] En 1977, Ricardo Menon, un argentino, se convirtió en su asistente; trabajaría estrechamente con ella hasta 1986. [13] [81]
En 1977, trabajó con el escritor inglés Constantin Mulgrave para diseñar los decorados de The Travelling Companion , basada en un cuento de hadas de Hans Christian Andersen , pero el proyecto nunca se completó. [53] Ella y Mulgrave vivieron juntos durante unos cuatro años, pero Tinguely siguió siendo una presencia que reaparecía continuamente en su vida. [24] : 101–103
En 1977, también visitó México y Nuevo México , en busca de inspiraciones artísticas más amplias. [53]
En 1978, Saint Phalle comenzó a diseñar su jardín de esculturas en una cantera abandonada en Garavicchio, Toscana , a unos 100 kilómetros (62 millas) al noroeste de Roma, cerca de la costa oeste de la península italiana. Al año siguiente, se limpiaron los terrenos y se establecieron los cimientos. [75]
En 1979, produjo la primera de lo que se convertiría en una nueva serie de esculturas, las Skinnys . Se trataba de contornos planos, planos y transparentes de cabezas y figuras, resaltados por manchas de color. En cierto modo, se parecían a sus coloridos bocetos y dibujos, pero ampliados a un tamaño monumental. La serie también simbolizaba las luchas de Saint Phalle contra el enfisema y la enfermedad. [82] Continuó produciendo sus Nanas además de su nuevo estilo de escultura, [13] y ambos estilos de figuras aparecerían en su proyecto Tarot Garden .
En 1980, Saint Phalle y su equipo comenzaron a construir la primera escultura arquitectónica en el jardín. A medida que avanzaba el proyecto, Saint Phalle comenzó a tomar lecciones de italiano para comunicarse mejor con los trabajadores locales. [20] El segundo miembro del equipo que contrató fue Ugo Celletti, un repartidor de correos de 50 años que trabajaba a tiempo parcial y descubrió su amor por el trabajo en mosaico en el proyecto. [20] [83] Trabajaría en el proyecto durante 36 años y reclutaría a sus sobrinos para que se unieran; algunos miembros de la familia todavía participan en el mantenimiento del sitio. [84] [83]
Invitó a amigos artistas de Argentina, Escocia, Holanda y Francia para que la ayudaran a trabajar en las esculturas. [20] Con el tiempo, Saint Phalle trabajó con docenas de personas, incluidos arquitectos, ceramistas, herreros, albañiles, pintores y artistas del mosaico. [85] Los materiales utilizados en el proyecto del Jardín del Tarot incluirían acero, hierro, cemento, poliéster, cerámica, vidrio en mosaico, espejos y piedras pulidas (a las que ella llamaba " M&M's "). [12]
La estructura de las esculturas más grandes era muy similar a la instalación temporal Hon en el Moderna Museet en 1966, pero esta vez las obras de arte estaban al aire libre y necesitaban soportar los efectos de la intemperie a largo plazo del sol y la lluvia. La forma básica de las esculturas se estableció con marcos hechos de varillas de acero soldadas . Se agregó una segunda capa de barras de refuerzo de acero de calibre más ligero, seguida de dos capas de metal expandido . Luego se contrató a una empresa especializada para rociar hormigón proyectado sobre la estructura. Una capa de alquitrán para impermeabilizar y una capa final de cemento blanco produjeron una estructura hueca y resistente lista para la decoración. [75]
En 1980, también comenzó a vender una serie de sillas, jarrones y lámparas de serpiente de poliéster. [13] Ese año, registró su primer ataque de artritis reumatoide , una dolorosa enfermedad que afecta las articulaciones del esqueleto. [13]
En 1980-1981, diseñó un esquema de pintura colorido para un avión bimotor Piper Aerostar 602 P, que participó en la primera carrera transatlántica patrocinada por la Fundación Peter Stuyvesant de Ámsterdam. [13] Como un acto de rebelión lúdica contra el patrocinador fabricante de cigarrillos, agregó un cartel de " No fumar " visible en la panza del avión (era alérgica al humo del tabaco ). [86]
En 1981, Saint Phalle alquiló una pequeña casa cerca del Jardín del Tarot y contrató a jóvenes de Garavicchio para que le ayudaran con la construcción del jardín. Jean Tinguely dirigió un equipo suizo, formado por Seppi Imhoff y Rico Weber, y comenzó a soldar los marcos de las esculturas. [53] Al año siguiente, el artista holandés Doc Winsen (también llamado "Dok van Winsen") se hizo cargo de las operaciones de soldadura. [13]
En 1982, Saint Phalle desarrolló y comercializó un perfume homónimo , utilizando las ganancias para ayudar a financiar su proyecto. [28] [27] [13] [87] La tapa del frasco de perfume presentaba una pequeña escultura de dos serpientes entrelazadas, una dorada y la otra de brillantes colores. [88] Este fue uno de los primeros de lo que se denominó perfumes de celebridades , que usaban la fama y el reconocimiento del nombre para vender productos perfumados. [2] Es posible que haya recaudado hasta un tercio de los fondos que necesitaba para el jardín de esta manera. [20] Solicitó activamente financiación a amigos y conocidos, así como vendiendo sus obras de arte. [20]
En agosto de 1982, Saint Phalle fue homenajeado en el Street Festival of the Arts de la ciudad de Nueva York. [89] Más tarde ese año, Saint Phalle colaboró con Tinguely para producir la Fuente Stravinsky , una fuente escultórica de 15 piezas para la plaza Igor Stravinsky, ubicada junto al Centro Georges Pompidou en París. Debido a su ubicación destacada en París, se convertiría en una de las colaboraciones más conocidas entre los dos artistas.
Desde 1983 hasta 1988, cuando se encontraba en el lugar, [75] Saint Phalle vivió en un pequeño apartamento construido dentro de La Emperatriz , una escultura con forma de esfinge del tamaño de una casa en el jardín. En el segundo nivel, su dormitorio estaba dentro de un seno y su cocina estaba dentro del otro. [20] [87] Cada una de estas dos habitaciones tenía una sola ventana circular empotrada, que parecía un pezón invertido cuando se veía desde el exterior. [90] En 2000, recordaría: "Por fin, mi deseo de toda la vida de vivir dentro de una escultura se iba a cumplir: un espacio hecho completamente de curvas onduladas... Quería inventar una nueva madre, una diosa madre, y renacer dentro de su forma... Dormiría en un seno. En el otro, pondría mi cocina". [48]
La planta baja contenía un gran espacio con espejos y una mesa de comedor con espejos donde ella servía el almuerzo a los trabajadores y artistas, debajo de una lámpara de araña que Tinguely había hecho con un cráneo de vaca. [20] Ella utilizó este papel maternal para ayudar a reforzar su autoridad al dirigir al equipo de hombres que necesitaba para ayudar a construir su proyecto. [20] Con el tiempo, se cansó del espacio reducido "en el vientre de su madre", y después de 1988 se mudó a un estudio estilo loft de Nueva York que había construido para sí misma bajo tierra en el sitio. [75] Su asistente Ricardo Menon viviría en la estructura de la Torre de Babel mientras estaba en el sitio, trabajando en estrecha colaboración con Saint Phalle y cuidándola durante los brotes de artritis paralizantes. [81]
Alrededor de 1983, Saint Phalle decidió cubrir sus esculturas del Jardín del Tarot principalmente con baldosas de cerámica duraderas de colores, agregando fragmentos de espejos y vidrio, y piedras pulidas. [13] Menon la ayudó a reclutar a Venera Finocchiaro, una profesora de cerámica de Roma; ella enseñó a las mujeres locales nuevas técnicas para moldear piezas de cerámica en superficies curvas e instaló hornos en el lugar para terminar las piezas. [13] [75] [20] A partir de 1985, Jean Tinguely agregó esculturas y fuentes de acero motorizadas y estacionarias al proyecto. [75] Robert Haligon y sus hijos hicieron gran parte del trabajo que involucró resinas de poliéster. [75] [68] Saint Phalle le pidió a Pierre Marie Lejeune que creara un camino de cemento, que inscribió con jeroglíficos , otros signos y símbolos, y texto. [75] Durante este período, Saint Phalle dedicó casi todo su tiempo a vivir y trabajar en el jardín. [13]
En 1986, Menon se fue a asistir a una escuela de teatro en París, [13] pero le ocultó a Saint Phalle que había contraído SIDA . [81] Mientras estaba allí, reclutó a su compatriota argentino Marcelo Zitelli para trabajar para Saint Phalle como jardinero, pero él a su vez se convirtió en su asistente para otros trabajos también, ayudándola a fabricar esculturas durante al menos la siguiente década. [13]
Ese mismo año, Saint Phalle se tomó un tiempo para colaborar con Silvio Barandun (un profesor de medicina alemán de inmunología ) en la redacción e ilustración de su libro AIDS: You Can't Catch It Holding Hands (SIDA: no puedes contagiarte de la mano) , destinado a estudiantes de secundaria o preparatoria . Se publicó primero en San Francisco en inglés, y luego se tradujo a cinco idiomas diferentes; se vendieron o donaron 70.000 copias a instituciones médicas y escuelas. [13] [91] [90] El libro se consideró influyente en los primeros esfuerzos de apoyo a la educación de salud pública sobre la enfermedad. [92]
Entre 1987 y 1993, Saint Phalle pasó la mayor parte de su tiempo en París, donde desarrolló muchas de las esculturas más pequeñas para el jardín. [75] De vez en cuando, organizaba exposiciones de su arte en galerías, incluidas maquetas de sus obras más significativas, para recaudar fondos para el proyecto del jardín. [75] Saint Phalle también trabajó en el establecimiento de una estructura legal permanente para la preservación y el mantenimiento del jardín. [75]
En 1988, Saint Phalle participó en una exposición itinerante mundial de cometas . Su contribución fue una cometa gigante inspirada en su serie de esculturas Oiseau amoreux ("pájaro amoroso"). [51]
Entre 1992 y 1993 se realizó un mantenimiento correctivo de las esculturas del Jardín del Tarot , utilizando nuevos pegamentos y siliconas para fijar los espejos y los elementos de vidrio de forma más segura, para soportar la intemperie y el tacto de las manos de muchos visitantes. [75] A partir de 2021, se llevó a cabo un proceso de restauración similar de reinstalación de espejos en Le Cyclop , ubicado en Milly-la-Forêt , cerca de París. [93]
El Jardín del Tarot estuvo en desarrollo durante casi 30 años, y se gastaron 5 millones de dólares (aproximadamente 11 millones de dólares en dólares de 2016 [20] ) para construirlo. [94] La Fundación del Jardín del Tarot se constituyó en 1997 (y alcanzaría estatus jurídico oficial en 2002), y el jardín se abrió oficialmente al público el 15 de mayo de 1998. [75] El jardín terminado (llamado il Giardino dei Tarocchi en italiano y le Jardin des Tarots en francés) ahora contiene esculturas y esculturas arquitectónicas que representan las 22 cartas de los Arcanos Mayores que se encuentran en la baraja de cartas del Tarot , además de otras obras de arte más pequeñas. [95] El sitio cubre alrededor de 2 hectáreas (4,9 acres) en la ladera sur de la colina de Garavicchio, en Capalbio. [96] Las esculturas más altas tienen unos 15 metros (49 pies) de altura. [96]
El amigo de Saint Phalle, el arquitecto Mario Botta , construyó un muro protector parecido a una fortaleza y una puerta con forma de ojo de buey en la entrada del jardín, marcando una separación distintiva del mundo exterior. [75] La estructura de entrada también alberga una taquilla, una tienda de regalos y baños para los visitantes. [95] Dentro del parque, hay fuentes, patios, una torre de varios niveles y muchas criaturas míticas más grandes que la vida. [75] Saint Phalle diseñó un folleto que contiene un mapa y otra información para los visitantes del jardín, que está abierto estacionalmente. [74]
En sus últimos años, Saint Phalle sufrió enfisema , [7] asma , [7] y artritis severa , [10] [20] que ella [82] y muchos comentaristas atribuyeron a la exposición a fibras de vidrio en el aire, humos y petroquímicos de los materiales utilizados en sus obras de arte. [7] [27] [10] [20] [97] [42] A pesar de estas discapacidades, se lanzó a explorar nuevos lugares, nuevas tecnologías y nuevos medios artísticos.
En 1989, Ricardo Menon, antiguo asistente de Saint Phalle, murió de SIDA ; [13] su pérdida sumió a Saint Phalle en una depresión. [81] Creó una gran escultura de mosaico de un gato, Chat de Ricardo , para que sirviera como lápida en su cementerio de Montparnasse , París, Francia. [98] [81] Colocó una segunda copia de la escultura conmemorativa en su Jardín del Tarot en Toscana, donde había trabajado estrechamente con ella durante casi una década. [95] [81]
En 1990, Saint Phalle completó Skull (Meditation Room) , un recinto en forma de calavera del tamaño de una habitación de 5 metros (16 pies) de alto revestido de mosaicos coloridos y revestido en su interior con espejos de mosaico, para conmemorar la crisis del SIDA . [30] [13] También utilizó bronce por primera vez, en una serie de dioses y diosas egipcios . [13]
En 1991, produjo una maqueta para Le Temple Idéal ("El Templo Ideal"), un lugar de culto que acoge a todas las religiones, en respuesta a la intolerancia religiosa que vio mientras trabajaba en Jerusalén. [53] La ciudad de Nîmes (Francia) le encargó que construyera la escultura arquitectónica, pero el proyecto nunca se construyó debido a la política. [53] Con los años, se había interesado en mitos y tradiciones religiosas más allá de su educación católica romana infantil, incluidas las creencias judías, hindúes, budistas y del antiguo Egipto.
En agosto de 1991, Jean Tinguely murió repentinamente de un ataque cardíaco en Berna, Suiza . Durante sus dos años anteriores de salud en declive, había dejado de tomar medicamentos y comenzó a prepararse para la muerte. [81] La pareja se había separado años antes, pero seguían siendo muy unidos; la pérdida de su colaborador de toda la vida y amigo íntimo afectó profundamente a Saint Phalle. Estaba escribiendo una carta de memorias sobre su primer encuentro cuando le llegó la noticia de su muerte. [24] : 103
En su memoria, Saint Phalle creó sus primeras esculturas cinéticas , a las que llamó Méta-Tinguelys . [99] [51] Con la ayuda inicial de su amigo artista Larry Rivers , creó una serie de relieves cinéticos o pinturas en movimiento, llamadas Tableaux Éclatés ("Pinturas destrozadas"), en homenaje a su difunto esposo y colega. [11] [53] [100] Cuando un visitante se acercaba, una fotocélula activaba motores que hacían que los elementos de las pinturas se separaran. [11]
Saint Phalle perdió a muchos amigos y asociados a causa del SIDA, incluido Jean-Jacques Goetzman, quien murió en 1992. Lo conmemoró con Oiseau pour Jean-Jacques ("Pájaro para Jean-Jacques"), una gran escultura abstracta de un pájaro reflexivo en el cementerio de Montparnasse. [81]
A medida que su salud se deterioraba, trabajó en la creación del Museo Tinguely en Basilea, Suiza , así como en la continuación de su trabajo en su Jardín del Tarot . Durante este tiempo, se hizo buena amiga del arquitecto del museo Mario Botta , y también lo contrató para diseñar la pared y la entrada a su Jardín del Tarot . [75]
En 1994, Saint Phalle publicó sus memorias ilustradas y coloreadas a mano Mon Secret ("Mi secreto") en francés y reveló su historia infantil de abuso sexual. [22] [20] [101] En 1999, publicó Traces , una autobiografía en inglés, que también ilustró. En 2006, se publicó Harry and Me: The Family Years; 1950–1960 (póstumamente), que consiste en sus memorias autoilustradas de la década en la que estuvo casada con Harry Mathews .
Saint Phalle se mudó de París a La Jolla, California en 1994 por razones de salud. [99] [27] [75] [28] [24] : 79 Fundó un nuevo estudio y produjo esculturas que estaban cubiertas con espejos, vidrio y piedras pulidas, en lugar de pinturas. [99] [75] En su nuevo espacio de trabajo, comenzó a explorar nuevas tecnologías para diseñar y crear obras de arte. [13] También se convirtió en un miembro activo de la escena artística de San Diego, participando en recaudaciones de fondos y exposiciones allí. [7]
En 1994 diseñó un sello para Swiss Post , con el mensaje «Stop AIDS/Stop SIDA», por el que recibió el Prix Caran d'Ache. [102] [13] También comenzó una serie de obras serigrafiadas, a las que llamó California Diary , que presentaban la fauna local. [24] : 64 Comenzó una nueva serie de pilares tótem de figuras humanas o animales apiladas y fragmentos anatómicos . [24] : 64
En 1994, finalmente declaró terminada la escultura colaborativa Le Cyclop , iniciada en 1969 por Tinguely y en la que trabajaron 15 artistas. [63] El presidente de Francia, François Mitterrand , abrió la obra al público en general en mayo. [63] Para controlar el vandalismo, la instalación fue donada al estado francés, que se hizo responsable de su salvaguarda y mantenimiento. [63] La enorme estructura tiene 22,5 metros (74 pies) de altura, pesa 350 toneladas (350.000 kg) y está llena de obras de arte hechas a medida, incluida una escultura gigante de bola rodante . [63] Muchas de las obras de arte son cinéticas , lo que dota a la instalación de un movimiento constante y produce fuertes gemidos y otros ruidos mecánicos. [63]
En octubre de 1994 se inauguró en Nasu (Japón) el Museo Niki, dedicado a contar la historia de su vida y sus obras de arte. [13] Sin embargo, el Museo Niki se vio obligado a cerrar en 2011. [103] [104]
En 1994, Saint Phalle trabajó con Peter Schamoni en la realización de un documental sobre la historia de su vida, Niki de Saint Phalle: Wer ist das Monster – Du oder ich? ("¿Quién es el monstruo, tú o yo?"). [13] [105] En 1995, la película recibió el Premio de Cine de Baviera al mejor documental. [24] : 110
En 1996, comenzó a construir Gila , una gran casa de juegos para niños con forma de dragón para una residencia privada de San Diego. Este proyecto fue su primer uso de técnicas digitales para ampliar dibujos y convertirlos en una construcción a escala real. [13]
En 1996, apoyó la apertura del Museo Tinguely en Basilea, donando 55 esculturas importantes y más de 100 obras gráficas de Tinguely, que constituían gran parte de la colección principal. [53] [13] También donó algunas de las obras de arte de ella y de su marido para crear L'Espace Jean Tinguely and Niki de Saint Phalle en el Musée d'art et d'histoire en Friburgo, Suiza . [13]
En 1997, diseñó sillas de serpiente de madera con incrustaciones de mosaico, realizadas por Del Cover y Dave Carr. [53]
En 1998, creó una serie de esculturas de Héroes Negros en honor a los afroamericanos que hicieron contribuciones importantes a los deportes o al jazz , incluidos Miles Davis , Louis Armstrong y Josephine Baker . [24] : 65 Dedicó la serie a sus bisnietos , que son de raza mixta . [13] También completó su serie de 23 animales grandes para el parque escultórico del Arca de Noé en el Zoológico Bíblico de Jerusalén con la ayuda de su equipo internacional de artesanos y en colaboración con el arquitecto Mario Botta. [106] [13]
En 1999, estrenó una estatua monumental de Buda , una figura contemplativa tuerta sentada en la posición del loto . La figura está cubierta con mosaicos brillantes, vidrio, espejos y piedras pulidas.
El 17 de noviembre de 2000, se convirtió en ciudadana honoraria de Hannover, Alemania , y donó 300 piezas de su arte al Museo Sprengel ubicado allí. En 2000, la artista recibió el premio Praemium Imperiale de escultura, otorgado por la Asociación de Arte de Japón . [107] El premio se considera el equivalente al Premio Nobel en el mundo del arte. [53]
En 2001, donó 170 piezas al Museo de Arte Moderno y de Arte Contemporáneo (MAMAC) de Niza, Francia , y donó otras obras al Museo de Artes Decorativas de París. [53]
También diseñó y construyó para el puerto de San Diego una escultura de 12 metros de alto y 10 toneladas, Coming Together . La obra de arte, la más grande de su serie Skinnys , consiste en una colorida mitad mujer y mitad hombre en blanco y negro unidas, cubiertas con mosaicos y piedras. [53] La ceremonia de dedicación se retrasó hasta el 25 de octubre de 2001 debido a los ataques del 11 de septiembre del mes anterior; la artista no pudo asistir debido al deterioro de su salud. [82] La obra de arte significaba su interpretación del yin y el yang , la enfermedad y la salud, y la integración de aspectos duales en un todo unificado. [82]
Saint Phalle estuvo hospitalizada en cuidados intensivos durante seis meses [10] antes de morir de insuficiencia respiratoria (causada por enfisema) en el Scripps Memorial Hospital en La Jolla, el 21 de mayo de 2002. [7] [28] Fue atendida por su primer marido, Harry Mathews, y sus hijos. [24] : 79 [20]
Hasta el final, continuó diseñando nuevos desarrollos para su Jardín del Tarot en Italia, incluido un laberinto , para el cual se limpió el terreno y se instalaron varillas de metal. [75] Tras su muerte, se detuvieron todos los nuevos desarrollos en su jardín, como había especificado previamente. [75] [83] Desde entonces, se han implementado algunos cambios modestos, principalmente para dar cabida a un número cada vez mayor de visitantes. [83] También se ha construido un café en el jardín diseñado por Mario Botta. [83] Una excepción destacada es la figura del Tarot de Le Fou ("El Loco"), que Saint Phalle reubicó dentro del Jardín del Tarot al menos dos veces durante su vida. [44] : 54 Se espera que esta tradición migratoria simbólica continúe de vez en cuando. [83]
Póstumamente, la Gruta (2001-2003) se completó según las instrucciones detalladas dejadas por Saint Phalle. La instalación permanente, en el Grosser Garten , Jardines Herrenhausen , Hannover, constaba de tres habitaciones que estaban decoradas en cada superficie con espejos, vidrio, cerámica y piedras de colores. [108]
Póstumamente, el Círculo Mágico de la Reina Califia (2000-2003), un jardín de esculturas bañado por el sol de 120 pies (37 m) de diámetro diseñado por Saint Phalle, se inauguró en Escondido, California, en octubre de 2002. Está encerrado en un muro ondulado de 400 pies (120 m) coronado por grandes serpientes similares a pitones , e incluye un laberinto y 10 grandes esculturas que ella diseñó, lo que comprende la colección pública más extensa de su trabajo en los EE. UU. [109] [10] [110] Las obras de arte se inspiraron en la cultura nativa americana, [51] y las decoraciones también incluían símbolos y placas que hacían referencia a su anterior Jardín del Tarot .
A lo largo de su carrera, Saint Phalle se pronunció abiertamente sobre importantes conflictos religiosos, políticos, salud pandémica, raza, género, derechos reproductivos, seguridad alimentaria, cambio climático y cuestiones culturales de la época. [111] [12] [30] [82] [9] Su serie Tirs y sus ensamblajes reflejaron la violencia de la Guerra de Argelia de principios de los años 1960 por la independencia de Francia [43] [9] y afirmaron su rebelión como parte del feminismo de segunda ola . [26] [3] [39] Su estilo personal de vestir a mediados de los años sesenta también inspiró al diseñador Yves Saint Laurent a crear sus trajes de pantalón " le Smoking " en 1966. [112] [113] A pesar del uso espectacular de armas de fuego en su serie Tirs de trabajos tempranos, apoyó el control de armas . [70] [114]
Sus enormes y curvilíneas Nanas celebraban la fecunda forma femenina, con grandes pechos y nalgas, miembros extendidos, alegres posturas de baile y, a menudo, piel negra. [70] [115] Fue una de las primeras defensoras artísticas de la concienciación sobre el SIDA , [70] creando obras de arte y un libro educativo de amplia distribución. [91] [92] Poco antes de su muerte, expuso dibujos críticos de la administración de George W. Bush . [70] [116] Además de sus obras de arte, escribió extensamente tanto en francés como en inglés y concedió numerosas entrevistas; gran parte de este material se recoge en sus archivos. [117]
Wayne Coyne de The Flaming Lips citó la escultura Firebird de Saint Phalle como inspiración directa para la portada de su exitoso álbum de 2002 Yoshimi Battles the Pink Robots . [118]
Muchas de las esculturas de Saint Phalle son de gran tamaño y se exhiben en lugares públicos. La Niki Charitable Art Foundation mantiene un mapa y un catálogo en línea de todas sus obras de arte públicas existentes, incluido un horno de pizza en La Jolla, California . [126] [127] [110]
En Friburgo (Suiza) existe un “ Museo Jean Tinguely -Niki de Saint Phalle” enteramente dedicado a las obras de ella y de su marido.
El Museo Sprengel posee la mayor colección de obras de Niki de Saint Phalle, [7] y otras colecciones importantes se encuentran en el MAMAC . [141]
El Museo de Arte Moderno Bechtler en Charlotte, Carolina del Norte, tiene varias obras de Niki de Saint Phalle en su colección permanente, así como el Grand Oiseau de Feu sur l'arche ("Gran pájaro de fuego en el arco", 1991) que se encuentra en una acera fuera del museo.[3]
Los archivos y los derechos artísticos de Saint Phalle están en manos de la Niki Charitable Art Foundation (NCAF) en Santee, California , cerca de San Diego, que comenzó a funcionar tras su fallecimiento. [117] [20] La NCAF mantiene un catálogo en línea de obras de arte en museos y colecciones importantes. [141]
Una bibliografía breve y anotada está disponible en el sitio web de la Niki Charitable Art Foundation. [142]
A partir de febrero de 2022 [actualizar], se publicará un catálogo razonado en línea de las "Nanas" del artista. [143]
Una lista completa se encuentra en el sitio web de la Niki Charitable Art Foundation. [145]
Mayo/junio de 2011
J'ai écrit ce livre d'abord pour moi-même, pour tenter de me délivrer enfin de ce viol qui a joué un rôle si determinante dans ma vie. Je suis une rescapée de la mort, j'avais besoin de laisser la petite fille en moi parler enfin... J'ai longtemps pensé que j'étais una excepción, ce qui m'isolait encore plus; aujourd'hui j'ai pu parler à d'autres vistimes d'un viol: les effets calamiteux sont tous les mêmes: désespoir, honte, humillation, angoisse, suicide, maladie, folie, etc. Le escándalo a enfin éclaté; todos los días de revelaciones jaillissent sur ce secret si jalousement gardé colgante des siècles: le viol d'une crowd d'enfants, filles ou garçons, par un père, un grand-père, un voisin, un professeur, un prêtre, etc. Après le Secret j'ai l'intention d'écrire un autre livre aux enfants, afin de leur apprendre à se protéger: parce que l'education qu'on leur donne les laisse sans défense contra l'adulte...
Niki de Saint-Phalle, una artista estadounidense que vive en [Francia], ha tenido la mejor influencia de todas en Saint Laurent... La señorita Saint-Phalle... siempre lleva trajes de pantalón con... botas.... Ahora Saint Laurent ha copiado su traje de pantalón de "corbata negra" en terciopelo y en lana.... En lana, tiene una camisa blanca con muchos volantes, un gran lazo negro en el cuello, una amplia faja de satén y rayas de satén a lo largo de los pantalones bastante anchos. Se lleva con... botas de satén.
su colección Otoño-Invierno 1966, Yves Saint Laurent presentó su pieza más icónica: el esmoquin....[L]a versión Rive Gauche de Saint Laurent fue un éxito. La clientela más joven de la marca no tardó en adquirirlo, convirtiendo el esmoquin en un clásico. Saint Laurent lo incluiría en cada una de sus colecciones hasta 2002.
