Frank Russell Capra (nacido Francesco Rosario Capra ; 18 de mayo de 1897 - 3 de septiembre de 1991) fue un director de cine, productor y guionista italoestadounidense que fue la fuerza creativa detrás de varias películas importantes y premiadas de las décadas de 1930 y 1940. Nacido en Italia y criado en Los Ángeles desde los cinco años, su historia de pobreza a riqueza ha llevado a historiadores de cine como Ian Freer a considerarlo el " sueño americano personificado". [5]
Capra se convirtió en uno de los directores más influyentes de Estados Unidos durante la década de 1930, ganando tres premios Óscar al mejor director de seis nominaciones, junto con otros tres premios Óscar de nueve nominaciones en otras categorías. Entre sus principales películas se encuentran Sucedió una noche (1934), Mr. Deeds va a la ciudad (1936), No puedes llevártelo contigo (1938) y Mr. Smith va a Washington (1939). Durante la Segunda Guerra Mundial, Capra sirvió en el Cuerpo de Señales del Ejército de los EE. UU. y produjo películas de propaganda , como la serie Por qué luchamos . [3] [4]
Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de Capra decayó ya que sus películas posteriores, como ¡Qué bello es vivir! (1946), tuvieron un mal desempeño cuando se estrenaron por primera vez. [6] A partir de 1950, su producción cinematográfica se desaceleró y se retiró del cine a mediados de la década de 1960. Sin embargo, en las décadas siguientes, ¡ Qué bello es vivir! y otras películas de Capra fueron revisadas favorablemente por los críticos. Fuera de la dirección, Capra estuvo activo en la industria cinematográfica , participando en varias actividades políticas y sociales. Se desempeñó como presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas , trabajó junto con el Sindicato de Escritores de Estados Unidos y fue director del Sindicato de Directores de Estados Unidos .
Capra nació como Francesco Rosario Capra en Bisacquino , un pueblo cerca de Palermo , Sicilia , Italia . Era el menor de siete hijos de Salvatore Capra, un fruticultor, y la ex Rosaria "Sara" Nicolosi. La familia de Capra era católica romana. Los hermanos de Frank eran Luigia, Ignazia, Benedetto, Antonino Giuseppe, Antonia y Anne. [7] El nombre "Capra", señala el biógrafo de Capra, Joseph McBride, representa la cercanía de su familia a la tierra y significa "cabra". [8] Señala que la palabra inglesa "capricious" deriva de él, "evocando el temperamento asustadizo del animal", añadiendo que "el nombre expresa claramente dos aspectos de la personalidad de Frank Capra: emocionalismo y obstinación". [8]
En 1903, cuando tenía cinco años, la familia de Capra emigró a los Estados Unidos y viajó en un compartimento de tercera clase del barco de vapor Germania , la forma más barata de hacer el viaje. Para Capra, el viaje de 13 días fue una de las peores experiencias de su vida:
Están todos juntos, no tienen privacidad. Tienen un catre. Muy pocas personas tienen baúles o algo que ocupe espacio. Tienen solo lo que pueden llevar en sus manos o en una bolsa. Nadie se quita la ropa. No hay ventilación y apesta muchísimo. Todos son miserables. Es el lugar más degradante en el que podrías estar. [9]
Capra recuerda la llegada del barco al puerto de Nueva York, donde vio "una estatua de una gran dama, más alta que el campanario de una iglesia, sosteniendo una antorcha sobre la tierra a la que estábamos a punto de entrar". Recuerda la exclamación de su padre al verla:
Cicco, mira, mira eso, es la luz más grande desde la estrella de Belén, es la luz de la libertad, acuérdate de eso, libertad . [10]
La familia se instaló en el East Side de Los Ángeles (hoy Lincoln Heights) en la Avenida 18, que Capra describió en su autobiografía como un "gueto" italiano. [11] El padre de Capra trabajaba como recolector de frutas y el joven Capra vendió periódicos después de la escuela durante diez años hasta que se graduó de la escuela secundaria. Asistió a la Manual Arts High School , con Jimmy Doolittle y Lawrence Tibbett como compañeros de clase. [12] En lugar de trabajar después de graduarse, como querían sus padres, se inscribió en la universidad. Trabajó durante la universidad en el Instituto de Tecnología de California , tocando el banjo en clubes nocturnos y aceptando trabajos ocasionales como trabajar en la lavandería del campus, sirviendo mesas y limpiando motores en una planta de energía local. Estudió ingeniería química y se graduó en la primavera de 1918. [13] Capra escribió más tarde que su educación universitaria había "cambiado por completo su punto de vista sobre la vida desde el punto de vista de una rata de callejón al punto de vista de una persona culta". [14]
Poco después de graduarse de la universidad, Capra fue comisionado en el Ejército de los Estados Unidos como segundo teniente , después de haber completado el ROTC del campus . En el ejército, enseñó matemáticas a los artilleros en Fort Point, San Francisco . Su padre murió durante la guerra en un accidente (1916). En el ejército, Capra contrajo la gripe española y fue dado de baja médica para regresar a casa a vivir con su madre. Se convirtió en ciudadano estadounidense naturalizado en 1920, tomando el nombre de Frank Russell Capra. [14] Viviendo en casa con sus hermanos y su madre, Capra era el único miembro de la familia con educación universitaria, sin embargo, era el único que permanecía crónicamente desempleado. Después de un año sin trabajo, al ver que sus hermanos tenían trabajos estables, sintió que era un fracaso, lo que le llevó a episodios de depresión. [14]
Más tarde se descubrió que los dolores abdominales crónicos se debían a una apendicitis no diagnosticada . [14] Después de recuperarse en casa, Capra se mudó y pasó los siguientes años viviendo en pensiones de mala muerte en San Francisco y viajando en trenes de carga, vagando por el oeste de los Estados Unidos. Para mantenerse, aceptó trabajos ocasionales en granjas, como extra de películas, jugando al póquer y vendiendo acciones de pozos petrolíferos locales.
Durante este tiempo, Capra, de 24 años, dirigió un documental de 32 minutos titulado La Visita dell'Incrociatore Italiano Libya a San Francisco . No solo documentó la visita del buque de guerra italiano Libya a San Francisco, sino también la recepción que recibió la tripulación del barco por parte del L'Italia Virtus Club de San Francisco, ahora conocido como San Francisco Italian Athletic Club .
A los 25 años, Capra empezó a trabajar vendiendo libros escritos y publicados por el filósofo estadounidense Elbert Hubbard . [14] Capra recordó que "odiaba ser un campesino, ser un niño nuevo que buscaba trabajo y estaba atrapado en el gueto siciliano de Los Ángeles... Todo lo que tenía era arrogancia, y déjenme decirles que eso los lleva muy lejos". [15]
Mientras se esforzaba por vender su libro (y casi en bancarrota), Capra leyó un artículo en el periódico sobre la apertura de un nuevo estudio cinematográfico en San Francisco. Capra los llamó por teléfono diciendo que se había mudado de Hollywood y dio a entender falsamente que tenía experiencia en la incipiente industria cinematográfica. La única experiencia previa de Capra en el cine fue en 1915, cuando asistía a la Manual Arts High School. El fundador del estudio, Walter Montague, quedó impresionado por Capra y le ofreció 75 dólares para dirigir una película muda de un solo rollo. Capra, con la ayuda de un camarógrafo, hizo la película en dos días y eligió a aficionados para el reparto. [14]
Después de ese primer trabajo serio en el cine, Capra comenzó a buscar oportunidades similares en la industria cinematográfica. Aceptó un puesto en otro estudio menor de San Francisco y posteriormente recibió una oferta para trabajar con el productor Harry Cohn en su nuevo estudio en Los Ángeles. Durante este tiempo, trabajó como encargado de utilería, montador, escritor de títulos y asistente de dirección. [16]
Capra más tarde se convirtió en escritor de gags para la serie Our Gang de Hal Roach . Fue contratado dos veces como escritor para un director de comedia slapstick , Mack Sennett , en 1918 y 1924. [17] Bajo su dirección, Capra escribió guiones para el comediante Harry Langdon y producidos por Mack Sennett , el primero fue Plain Clothes en 1925. Según Capra, fue él quien inventó el personaje de Langdon, el tonto inocente que vive en un "mundo travieso"; sin embargo, Langdon ya estaba muy metido en este personaje en 1925. [16]
Cuando Langdon finalmente dejó Sennett para hacer películas más largas y de larga duración con First National Studios, se llevó a Capra como su guionista y director personal. Hicieron tres largometrajes juntos durante 1926 y 1927, todos ellos exitosos entre la crítica y el público. Las películas convirtieron a Langdon en un comediante reconocido del calibre de Charlie Chaplin y Buster Keaton . Después de la producción de Pantalones largos (1927), Capra discutió con Langdon sobre la dirección que tomaría su próximo proyecto. El otro confidente de Langdon era el guionista y director Arthur Ripley , un ex alumno de Sennett, y Langdon siguió las sugerencias de Ripley. Capra renunció, y la separación fue desastrosa para Langdon, quien tomó el asunto en sus propias manos y dirigió sus películas él mismo, con una mala recepción.
Después de que Capra se separara de Langdon, dirigió una película para First National, For the Love of Mike (1927). Se trataba de una comedia muda sobre tres padrinos que se peleaban (un alemán, un judío y un irlandés), protagonizada por una actriz en ciernes, Claudette Colbert . La película fue considerada un fracaso y es una película perdida . [16]
Capra regresó al estudio de Harry Cohn, ahora llamado Columbia Pictures , que en ese entonces producía cortometrajes y comedias de dos carretes para "relleno" entre las películas principales. Columbia fue uno de los muchos estudios de nueva creación en " Poverty Row " en Los Ángeles. Al igual que los demás, Columbia no podía competir con estudios más grandes, que a menudo tenían sus propias instalaciones de producción, distribución y salas de cine. Cohn volvió a contratar a Capra en 1928 para ayudar a su estudio a producir nuevos largometrajes, para competir con los estudios principales. Capra eventualmente dirigiría 20 películas para el estudio de Cohn, incluidos muchos de sus clásicos. [16]
Debido a su formación en ingeniería, Capra se adaptó más fácilmente a la nueva tecnología de sonido que la mayoría de los directores. Acogió con agrado la transición al sonido y recordó: "No me sentía cómodo con las películas mudas". [16] La mayoría de los estudios no estaban dispuestos a invertir en la nueva tecnología de sonido, asumiendo que era una moda pasajera. Muchos en Hollywood consideraban que el sonido era una amenaza para la industria y esperaban que pasara rápidamente; McBride señala que "Capra no era uno de ellos". Cuando vio a Al Jolson cantando en El cantante de jazz en 1927, considerada la primera película sonora, Capra recordó su reacción:
Fue un shock absoluto oír a este hombre abrir la boca y cantar de ella. Fue una de esas experiencias que se viven una vez en la vida. [18]
Pocos de los directores de los estudios o del equipo sabían que Capra tenía experiencia en ingeniería hasta que empezó a dirigir The Younger Generation en 1929. El director de fotografía que trabajó con Capra en varias películas tampoco lo sabía. Describe así este primer período del sonido para cine:
No fue algo que se presentó de repente. Para sobrevivir había que hacer un farol. Cuando el sonido llegó por primera vez, nadie sabía mucho sobre él. Todos caminábamos en la oscuridad. Ni siquiera el técnico de sonido sabía mucho sobre el tema. Frank lo sobrevivió. Pero era bastante inteligente. Era uno de los pocos directores que sabía lo que estaban haciendo. La mayoría de los directores caminaban en la niebla, no sabían dónde estaba la puerta. [19]
Durante su primer año en Columbia, Capra dirigió nueve películas, algunas de las cuales tuvieron éxito. Después de las primeras, Harry Cohn dijo: "fue el comienzo de que Columbia hiciera películas de mejor calidad". [20] Según Barson, "Capra se convirtió en el director de mayor confianza de Harry Cohn". [21] Sus películas pronto establecieron a Capra como un director "rentable" conocido en toda la industria, y Cohn aumentó el salario inicial de Capra de $1,000 por película a $25,000 por año. [16] Capra dirigió una película para MGM durante este período, pero pronto se dio cuenta de que "tenía mucha más libertad bajo la dictadura benévola de Harry Cohn", donde Cohn también puso el "nombre de Capra por encima del título" de sus películas, una novedad para la industria cinematográfica. [22] Capra escribió sobre este período y recordó la confianza que Cohn depositó en la visión y la dirección de Capra:
Le debía mucho a Cohn, le debía toda mi carrera. Por eso le tenía respeto y una cierta dosis de cariño. A pesar de su crudeza y todo lo demás, me dio una oportunidad. Se arriesgó conmigo. [23]
Capra dirigió su primera película sonora "real", The Younger Generation , en 1929. Era una comedia romántica sobre la movilidad ascendente de una familia judía en la ciudad de Nueva York, con su hijo tratando más tarde de negar sus raíces judías para mantener a su novia rica y gentil. [24] Según el biógrafo de Capra , Joseph McBride , Capra "obviamente sintió una fuerte identificación con la historia de un inmigrante judío que crece en el gueto de Nueva York... y siente que tiene que negar sus orígenes étnicos para alcanzar el éxito en Estados Unidos". Capra, sin embargo, negó cualquier conexión de la historia con su propia vida. [25]
No obstante, McBride insiste en que The Younger Generation está llena de paralelismos con la propia vida de Capra. McBride destaca la "escena culminante devastadoramente dolorosa", donde el joven hijo que intenta ascender socialmente, avergonzado cuando sus nuevos amigos ricos conocen a sus padres, hace pasar a su madre y a su padre por sirvientes de la casa. Esa escena, señala McBride, "se hace eco de la vergüenza que Capra admitió sentir hacia su propia familia a medida que ascendía en estatus social". [26]
Durante sus años en Columbia, Capra trabajó a menudo con el guionista Robert Riskin (marido de Fay Wray ) y el camarógrafo Joseph Walker . En muchas de las películas de Capra, los diálogos ingeniosos y agudos solían ser escritos por Riskin, y él y Capra se convirtieron en el "equipo de guionista-director más admirado de Hollywood". [27]
Las películas de Capra en la década de 1930 gozaron de un inmenso éxito en los Premios Óscar . Sucedió una noche (1934) se convirtió en la primera película en ganar los cinco premios Óscar principales ( Mejor película , Mejor director , Mejor actor , Mejor actriz y Mejor guion adaptado ). Escrita por Robert Riskin , es una de las primeras comedias disparatadas y, con su estreno en la Gran Depresión , los críticos la consideraron una historia de escapismo y una celebración del sueño americano . La película estableció los nombres de Capra, Columbia Pictures y las estrellas Clark Gable y Claudette Colbert en la industria cinematográfica. La película ha sido llamada " picaresca ". Fue una de las primeras películas de carretera e inspiró variaciones sobre ese tema por parte de otros cineastas. [28]
A esta película le siguió Broadway Bill (1934), una comedia disparatada sobre las carreras de caballos. Sin embargo, la película fue un punto de inflexión para Capra, ya que comenzó a concebir una dimensión adicional para sus películas. Empezó a utilizarlas para transmitir mensajes al público. Capra explica su nueva forma de pensar:
Mis películas deben permitir que cada hombre, mujer y niño sepa que Dios los ama, que yo los amo y que la paz y la salvación se convertirán en realidad sólo cuando todos aprendan a amarse unos a otros. [28]
Esta meta adicional surgió después de reunirse con un amigo Científico Cristiano que le dijo que viera sus talentos de una manera diferente:
Los talentos que usted posee, señor Capra, no son suyos ni adquiridos por sí mismo. Dios se los dio; son dones que le dio para que los use para su propósito. [28]
Capra comenzó a plasmar mensajes en películas posteriores, muchas de las cuales transmitían "fantasías de buena voluntad". La primera de ellas fue Mr. Deeds Goes to Town (1936), por la que Capra ganó su segundo Oscar al mejor director. El crítico Alistair Cooke observó que Capra estaba "comenzando a hacer películas sobre temas en lugar de personas". [29]
En 1938, Capra ganó su tercer Oscar como director en cinco años por You Can't Take It with You , que también ganó el premio a la mejor película. Además de sus tres premios como director, Capra recibió nominaciones como director por otras tres películas ( Lady for a Day , Mr. Smith Goes to Washington y ¡Qué bello es vivir !). El 5 de mayo de 1936, Capra presentó la octava ceremonia de los Premios Óscar .
Aunque Qué bello es vivir es su película más conocida, Friedman señala que fue El señor Smith va a Washington (1939) la que más representó el "mito de Capra". Esa película expresó el patriotismo de Capra más que ninguna otra y "presentó al individuo trabajando dentro del sistema democrático para superar la corrupción política desenfrenada". [30]
Sin embargo, la película se convirtió en la más controvertida de Capra. En su investigación previa al rodaje, pudo estar cerca del presidente Franklin D. Roosevelt durante una conferencia de prensa después de los recientes actos de guerra de Alemania en Europa. Capra recuerda sus temores:
Y me entró el pánico. Japón estaba descuartizando al coloso de China pieza por pieza. Los Panzer nazis habían entrado en Austria y Checoslovaquia; su estruendo resonaba en toda Europa. Inglaterra y Francia se estremecieron. El oso ruso gruñó amenazadoramente en el Kremlin. La nube negra de la guerra se cernía sobre las cancillerías del mundo. Los funcionarios de Washington, desde el presidente hasta abajo, estaban en proceso de tomar decisiones difíciles y torturadoras. "Y ahí estaba yo, en el proceso de hacer una sátira sobre los funcionarios del gobierno; ... ¿No era éste el momento más inoportuno para hacer una película sobre Washington? [31]
Cuando se terminó el rodaje, el estudio envió copias de preestreno a Washington. Joseph P. Kennedy Sr. , embajador de Estados Unidos en el Reino Unido, escribió al director de Columbia, Harry Cohn, "Por favor, no reproduzcan esta película en Europa". [30] Los políticos estaban preocupados por el posible efecto negativo que la película podría tener en la moral de los aliados de los Estados Unidos, ya que la Segunda Guerra Mundial había comenzado. Kennedy escribió al presidente Roosevelt que, "En países extranjeros, esta película inevitablemente debe reforzar la impresión errónea de que Estados Unidos está lleno de corrupción y anarquía". [32] Muchos directores de estudios estuvieron de acuerdo, y no querían que se inculcaran sentimientos negativos sobre Hollywood en los líderes políticos. [33]
Sin embargo, la visión de Capra sobre el significado de la película era clara:
Cuanto más insegura es la gente del mundo, cuanto más se dispersan y se pierden en los vientos del azar las libertades que tanto les costó conseguir, más necesitan una declaración contundente de los ideales democráticos de Estados Unidos. El alma de nuestra película estaría anclada en Lincoln . Nuestro Jefferson Smith sería un joven Abe Lincoln, hecho a la medida de la sencillez, la compasión, los ideales, el humor y el inquebrantable coraje moral del divisor de vías bajo presión. [34]
Capra le rogó a Cohn que permitiera distribuir la película y recuerda la intensidad de su toma de decisiones:
Harry Cohn caminaba de un lado a otro, tan atónito como debió haber estado Abraham cuando el Señor le pidió que sacrificara a su amado hijo Isaac . [35]
Cohn y Capra decidieron ignorar la publicidad negativa y las demandas y estrenaron la película como estaba previsto. Más tarde fue nominada a 11 premios de la Academia, de los que sólo ganó uno (por Mejor Historia Original), en parte porque el número de películas importantes que fueron nominadas ese año fue 10, entre ellas El mago de Oz y Lo que el viento se llevó . [21] La columnista de Hollywood Louella Parsons la calificó de "un gran éxito patriótico" y la mayoría de los críticos estuvieron de acuerdo, ya que el público abandonó las salas con "un entusiasmo por la democracia" y "un resplandor de patriotismo". [32]
La importancia del mensaje de la película se estableció aún más en Francia, poco después de que comenzara la Segunda Guerra Mundial. Cuando se le pidió al público francés que seleccionara la película que más quería ver, después de que el gobierno de Vichy les dijera que pronto no se permitirían más películas estadounidenses en Francia, la abrumadora mayoría la eligió por sobre todas las demás. Para una Francia que pronto sería invadida y ocupada por las fuerzas nazis, la película expresaba mejor la "perseverancia de la democracia y el estilo de vida estadounidense ". [30]
Capra quedó encantado con una biografía cinematográfica hecha en Alemania del compositor Frédéric Chopin . Compró la película él mismo como base para su nueva producción y contrató a uno de los principales escritores de Columbia, Sidney Buchman , para que creara un guion. Capra pasó un año entero trabajando en el proyecto de Chopin y la película estaba lista para entrar en producción. Capra quería hacer la película en el costoso proceso Technicolor (una novedad para Columbia), pero la oficina de Columbia en Nueva York se opuso al gasto. Como contó el biógrafo de Cohn, Bob Thomas, "Estaban horrorizados ante la perspectiva de intentar vender una costosa película de época sobre un pianista y una novelista que vestían pantalones y fumaban puros. La oposición fue lo suficientemente fuerte como para vetar el proyecto". [36] Capra, enfurecido, abandonó Columbia. Harry Cohn intentó atraerlo de nuevo con una distribución de beneficios sin precedentes del 50/50, pero Capra aceptó una oferta en efectivo de un millón de dólares de Warner Bros. Columbia finalmente siguió adelante con la biografía de Chopin, en Technicolor, bajo la dirección de Charles Vidor : A Song to Remember (1945).
El primer proyecto de Capra para Warner fue Meet John Doe (1941). El nombre de Capra era tan importante que Warner Bros. quitó su propio nombre del título principal. En lugar del habitual "Warner Bros. Pictures presenta", Meet John Doe comienza con "Presentando".
Algunos consideran que Meet John Doe es la película más controvertida de Capra. El héroe de la película, interpretado por Gary Cooper , es un ex jugador de béisbol que ahora está vagando sin rumbo y sin metas. Un periodista lo elige para representar al " hombre común " y capturar la imaginación de los estadounidenses comunes. La película se estrenó poco antes de que Estados Unidos se involucrara en la Segunda Guerra Mundial y los ciudadanos todavía estaban en un estado de ánimo aislacionista . Según algunos historiadores, la película se hizo para transmitir una "reafirmación deliberada de los valores estadounidenses", aunque parecían inciertos con respecto al futuro.
El autor de películas Richard Glazer especula que la película puede haber sido autobiográfica, "reflejando las propias incertidumbres de Capra". Glazer describe cómo, "la transformación accidental de John de vagabundo a figura nacional es paralela a la propia experiencia de vagabundo temprana de Capra y su posterior participación en la realización de películas... Meet John Doe , entonces, fue un intento de resolver sus propios miedos y preguntas". [37]
Cuatro días después del ataque japonés a Pearl Harbor , el 7 de diciembre de 1941, Capra abandonó su exitosa carrera como director en Hollywood y recibió un nombramiento como mayor en el ejército de los Estados Unidos . También renunció a su presidencia del Screen Directors Guild . Al tener 44 años, no le pidieron que se alistara, pero, como señala Friedman, "Capra tenía un intenso deseo de demostrar su patriotismo a su tierra adoptiva". [30]
Capra recuerda algunas razones personales para alistarse:
Tenía la conciencia culpable. En mis películas defendía la causa de los apacibles, los pobres, los oprimidos. Sin embargo, había empezado a vivir como el Aga Khan . La maldición de Hollywood es el dinero en abundancia. Llega tan rápido que genera e impone sus propias costumbres, no de riqueza, sino de ostentación y falso estatus. [38]
Durante los cuatro años siguientes de la Segunda Guerra Mundial , el trabajo de Capra fue dirigir una sección especial sobre moral para explicar a los soldados "por qué demonios llevan uniforme", escribe Capra, y no eran películas de "propaganda" como las creadas por los nazis y Japón. Capra dirigió o codirigió siete películas documentales de información bélica.
Capra fue asignado para trabajar directamente bajo las órdenes del Jefe de Estado Mayor George C. Marshall , el oficial de mayor rango al mando del Ejército, quien más tarde creó el Plan Marshall y recibió el Premio Nobel de la Paz . Marshall decidió pasar por alto el departamento habitual de realización de documentales, Signal Corps , porque sentía que no eran capaces de producir "películas de información de tropas sensibles y objetivas". Un coronel le explicó a Capra la importancia de estas futuras películas:
Tú fuiste la respuesta a la plegaria del General... Verás, Frank, esta idea de las películas para explicar "por qué" los chicos visten uniforme es una idea del propio General Marshall, y él quiere que la guardería esté justo al lado de la oficina de su Jefe de Estado Mayor. [39]
Durante su primer encuentro con el general Marshall, a Capra le comunicaron su misión:
Ahora, Capra, quiero concretar contigo un plan para hacer una serie de películas documentadas y basadas en hechos —las primeras de nuestra historia— que explicarán a nuestros muchachos del ejército por qué luchamos y los principios por los que luchamos... Tienes la oportunidad de contribuir enormemente a tu país y a la causa de la libertad. ¿Eres consciente de eso, señor? [40]
Capra terminó dirigiendo una serie de siete episodios de Por qué luchamos : Preludio a la guerra (1942), [41] Los nazis atacan (1942), [42] Divide y vencerás (1943), La batalla de Gran Bretaña (1943), La batalla de Rusia (1943), La batalla de China (1944) y La guerra llega a América (1945). Además, Capra dirigió o codirigió las películas de propaganda Victoria tunecina (1945), Conozca a su enemigo: Japón (1945), Aquí está Alemania (1945) y Dos abajo y uno para ir (1945), que no llevan el estandarte de Por qué luchamos . Capra también produjo la aclamada El soldado negro (1944), que fue dirigida por Stuart Heisler . [43] Capra también dirigió, sin acreditar, la película de 13 minutos Your Job in Germany (1945), que estaba destinada a las tropas estadounidenses que se dirigían a la Alemania ocupada por los Aliados .
Después de que completó los primeros documentales, los funcionarios del gobierno y el personal del ejército de los EE. UU. sintieron que eran mensajes poderosos y excelentes presentaciones de por qué era necesario que Estados Unidos luchara en la guerra. Todo el material de archivo provenía de fuentes militares y gubernamentales, mientras que durante los años anteriores, muchos noticieros usaban en secreto material de fuentes enemigas. Walt Disney y sus animadores crearon gráficos animados. Varios compositores de Hollywood escribieron la música de fondo, incluidos Alfred Newman y el compositor nacido en Rusia Dimitri Tiomkin . Después de que el general Marshall vio la primera película completa junto con el personal del ejército de los EE. UU. y Franklin Roosevelt, Marshall se acercó a Capra: "Coronel Capra, ¿cómo lo hizo? Eso es algo maravilloso". [44]
FDR se mostró efusivo: "Quiero que todos los estadounidenses vean esta película. General, por favor, haga todos los arreglos necesarios". Preludio a la guerra fue distribuida por 20th Century-Fox y fue aclamada a nivel nacional. Fox también estrenó la obra de Capra Por qué luchamos , La batalla de Rusia . Estrenada para el público en dos partes para dar cabida a períodos de una hora durante el entrenamiento de inducción, la epopeya de nueve rollos (casi 90 minutos) detallaba la historia rusa utilizando extractos de las películas de Sergei Eisenstein , para luego pasar a la historia reciente a través de noticieros nazis capturados y los proporcionados a regañadientes por Stalin. Cuando le mostraron la película en Moscú, Stalin se mostró efusivo y encargó mil copias de 35 mm. Estaba tan ansioso de que su gente viera la película que no se molestó en crear una banda sonora rusa. Años después, Capra se reía asombrado al contar la historia: «Stalin tenía intérpretes al costado del escenario en todos los teatros. Simplemente traducían la película sobre la marcha, gritando como locos para hacerse oír por encima de la música y los efectos de sonido». La serie se vio en cines de todo Estados Unidos. También se tradujo al francés, español, portugués y chino para su exhibición en otros países, bajo la égida de Robert Riskin. Winston Churchill ordenó que todas ellas se exhibieran al público británico en los cines. [45]
Tras un cambio de alianzas al final de la Segunda Guerra Mundial, algunas de las películas de Why We Fight fueron prohibidas. La batalla de Rusia , debido a su positividad hacia la Unión Soviética , estuvo esencialmente prohibida hasta la década de 1980. [ cita requerida ] Por el contrario, algunas de las otras películas, que hablaban negativamente de los alemanes y los japoneses, fueron retiradas de circulación, ya que estos países ahora eran aliados. Know Your Enemy: Japan , que apenas se estrenó porque su fecha de estreno fue solo unos días antes de la rendición japonesa, también se mantuvo en secreto después: Capra señaló que Estados Unidos "de repente necesitaba relaciones amistosas con los japoneses y la película, junto con varias otras, fue bloqueada". [30]
La serie Why We Fight es considerada una obra maestra de los documentales de información bélica. Preludio a la guerra , el primero de la serie, ganó el Premio de la Academia de 1942 al Mejor Largometraje Documental . Cuando terminó su carrera, Capra consideró estas películas como sus trabajos más importantes. Fue dado de baja del servicio en 1945 como coronel , habiendo sido galardonado con la Legión del Mérito en 1943, la Medalla de Servicio Distinguido en 1945, la Medalla de la Victoria de la Primera Guerra Mundial (por su servicio en la Primera Guerra Mundial ), la Medalla del Servicio de Defensa Estadounidense , la Medalla de la Campaña Estadounidense y la Medalla de la Victoria de la Segunda Guerra Mundial . [2]
Después de que la guerra terminó, junto con los directores William Wyler y George Stevens , Capra fundó Liberty Films . Su estudio se convirtió en la primera compañía independiente de directores desde United Artists en 1919, cuyo objetivo era hacer películas sin interferencias de los jefes de los estudios. Sin embargo, las únicas películas completadas por el estudio fueron ¡ Qué bello es vivir! (1946) y Estado de la Unión (1948). [15] La primera de estas fue una decepción de taquilla, pero fue nominada a cinco premios Óscar .
El estado de los derechos de autor de ¡Qué bello es vivir! sigue siendo un tema de debate . En 1998, el American Film Institute (AFI) la nombró una de las mejores películas jamás realizadas, ubicándola en el puesto 11 de la lista 100 Years...100 Movies del AFI de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos. En 2006, el AFI colocó la película en lo más alto de su lista AFI's 100 Years...100 Cheers , clasificando lo que el AFI considera las películas estadounidenses más inspiradoras de todos los tiempos. Se convertiría en la última película de Capra en obtener un gran reconocimiento: sus años de éxito ya habían quedado atrás, aunque dirigió cinco películas más en los siguientes 14 años. [15]
Para State the Union (1948), Capra cambió de estudio. Sería la única vez que trabajaría para la Metro-Goldwyn-Mayer . Aunque el proyecto tenía un excelente pedigrí con las estrellas Spencer Tracy y Katharine Hepburn , la película no fue un éxito, y la declaración de Capra, "Creo que State the Union fue mi película más perfecta en el manejo de personas e ideas" tiene pocos adeptos en la actualidad. [46]
En enero de 1952, el embajador de Estados Unidos en la India le pidió a Capra que representara a la industria cinematográfica estadounidense en un Festival Internacional de Cine que se celebraría en la India. Un amigo de Capra en el Departamento de Estado le preguntó y le explicó por qué su viaje sería importante:
[El embajador] Bowles cree que el Festival es una especie de artimaña comunista, pero no sabe qué... Bowles ha pedido que lo hagas . "Quiero un tipo que se desenvuelva por sí solo para cuidar de nuestros intereses. Quiero a Capra. Su nombre es muy conocido aquí y he oído que es rápido en una pelea callejera". [47]
Después de dos semanas en la India, Capra descubrió que los temores de Bowles estaban justificados, ya que muchas de las sesiones de cine fueron utilizadas por representantes rusos y chinos para pronunciar largos discursos políticos. En un almuerzo con 15 directores y productores indios, recalcó que "deben preservar la libertad como artistas, y que cualquier control gubernamental obstaculizaría esa libertad. Un sistema totalitario... y se convertirían en meros publicistas del partido en el poder". Sin embargo, a Capra le resultó difícil comunicar esto, como anotó en su diario:
Todos creen que un supergobierno o un superconjunto de individuos dicta todas las imágenes de Estados Unidos. La libre empresa es un misterio para ellos. Alguien debe controlar, ya sea visible o invisible... Ni siquiera los intelectuales tienen una gran comprensión de la libertad... La democracia es sólo una teoría para ellos. No tienen idea de lo que es servir a los demás, de servir a los pobres. En cierto sentido, los pobres son despreciados. [48]
Cuando regresó a Washington para presentar su informe, el Secretario de Estado Dean Acheson felicitó a Capra por "evitar prácticamente sin ayuda de nadie una posible toma de control comunista de las películas indias". El embajador Bowles también expresó su gratitud a Capra por "un trabajo extraordinario". [49]
Después de ¡Qué bello es vivir! y El estado de la Unión , que se realizaron poco después de que terminara la guerra, los temas de Capra se estaban volviendo fuera de sintonía con los cambios en la industria cinematográfica y el estado de ánimo del público. Friedman descubre que, si bien las ideas de Capra fueron populares entre el público de la era de la depresión y de antes de la guerra, se volvieron menos relevantes para una próspera América de posguerra. Capra no ayudó a su propia causa cuando consultó viejos guiones de la década de 1930 para sus últimas producciones. Capra se había "desconectado de una cultura estadounidense que había cambiado" durante la década anterior. [30] El biógrafo Joseph McBride sostiene que la desilusión de Capra estaba más relacionada con el efecto negativo que el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (HUAC) tuvo en la industria cinematográfica en general. Los interrogatorios del HUAC a principios de la década de 1950 terminaron con muchas carreras de Hollywood. El propio Capra no fue llamado a testificar, aunque fue un objetivo principal del comité debido a sus asociaciones pasadas con muchos guionistas incluidos en la lista negra de Hollywood . [30]
Capra atribuyó su retiro prematuro del cine al poder creciente de las estrellas, que lo obligó a comprometer continuamente su visión artística. También afirmó que las crecientes exigencias presupuestarias y de programación habían limitado sus habilidades creativas. [30] El historiador de cine Michael Medved estuvo de acuerdo con Capra, señalando que se alejó del negocio del cine porque "se negó a adaptarse al cinismo del nuevo orden". [50] En su autobiografía, escrita en 1971, Capra expresó sus sentimientos sobre la cambiante industria cinematográfica: [51]
Los vientos del cambio soplaron a través de las fábricas de sueños de la fantasía, desgarraron sus jirones de crinolina... Los hedonistas, los homosexuales, los hemofílicos de corazón sangrante, los que odian a Dios, los artistas que buscan dinero fácil y que sustituyen el talento por el shock, todos gritaron: "¡Sacúdanlos! ¡Hagan que tiemblen! Dios ha muerto. ¡Viva el placer! ¿Desnudez? ¡Sí! ¿Intercambio de esposas? ¡Sí! ¡Liberen al mundo de la mojigatería. Emancipen nuestras películas de la moralidad!"... ¡Maten por la emoción! ¡Shock! ¡Shock! ¡Al diablo con el bien en el hombre, saquen a la luz su maldad! ¡Shock! ¡Shock! [50]
Capra añadió que, en su opinión, "prácticamente todo el cine de Hollywood de hoy en día se rebaja a la pornografía barata y lasciva en una loca bastardización de un gran arte para competir por el 'patrocinio' de desviados y masturbadores". [52] [Nota 1]
Capra siguió siendo empleable en Hollywood durante y después de las audiencias del HUAC, pero decidió demostrar su lealtad al intentar volver a alistarse en el ejército al estallar la Guerra de Corea , en 1950. Fue rechazado debido a su edad. [53] Más tarde fue invitado a unirse al proyecto Think Tank recién formado del Departamento de Defensa, VISTA, pero se le negó la autorización necesaria. Según Friedman, "estos dos rechazos fueron devastadores para el hombre que había hecho una carrera demostrando los ideales estadounidenses en el cine", junto con su dirección de documentales premiados para el ejército.
Capra dirigió dos películas en Paramount Pictures protagonizadas por Bing Crosby , Riding High (1950, una nueva versión de Broadway Bill de 1934 ) y Here Comes the Groom (1951). En 1952, a la edad de 55 años, Capra se retiró efectivamente del cine de Hollywood; pasó a trabajar con el Instituto de Tecnología de California, su alma mater, para producir películas educativas sobre temas científicos. [30]
De 1952 a 1956, Capra produjo cuatro especiales de televisión relacionados con la ciencia en color para The Bell System Science Series : Our Mr. Sun (1956), Hemo the Magnificent (1957), The Strange Case of the Cosmic Rays (1957) y Meteora: The Unchained Goddess (1958). Estos documentales científicos educativos fueron los favoritos populares para las aulas de ciencias de las escuelas durante unos 30 años. [54] Pasaron ocho años antes de que dirigiera otra película teatral, A Hole in the Head (1959) con Frank Sinatra y Edward G. Robinson , su primer largometraje en color. Su última película teatral fue con Glenn Ford y Bette Davis , llamada Pocketful of Miracles (1961), una nueva versión de su película de 1933 Lady for a Day . A mediados de la década de 1960 trabajó en la preproducción de una adaptación de la novela Marooned de Martin Caidin , pero sintió que no podía hacer la película con el presupuesto de 3 millones de dólares que le dieron y abandonó el proyecto. [55] ( Finalmente se hizo una adaptación cinematográfica en 1969, dirigida por John Sturges con un presupuesto de 8 millones de dólares).
La última película de Capra, Rendezvous in Space (1964), fue una película industrial realizada para la Martin Marietta Company y exhibida en la Feria Mundial de Nueva York de 1964. Se exhibió en el Salón de la Ciencia de Nueva York después de que terminó la Feria.
El estilo de dirección de Capra dependía en gran medida de la improvisación. Era conocido por ir al set con sólo las escenas maestras escritas. Explicó su razonamiento:
Lo que necesitas es de qué trata la escena, quién le hace qué a quién y a quién le importa quién... Todo lo que quiero es una escena maestra y me encargaré del resto: cómo filmarla, cómo mantener la maquinaria fuera del camino y cómo centrar la atención en los actores en todo momento. [56]
Según algunos expertos, Capra utilizó una gran destreza y discreción al dirigir, y consideró que era una mala dirección distraer al público con trucos técnicos sofisticados. El historiador de cine y autor William S. Pechter describió el estilo de Capra como "de pureza casi clásica". Añade que su estilo dependía del montaje para ayudar a que sus películas mantuvieran una "secuencia de movimiento rítmico". Pechter describe su efecto:
El montaje de Capra tiene el efecto de imponer orden a imágenes en constante movimiento, de imponer orden al caos. El resultado de todo esto es, en efecto, una especie de belleza, una belleza de movimiento controlado, más parecida a la danza que a la pintura... Sus películas se mueven a un ritmo impresionante: dinámicas, impulsivas, tensas, en su extremo incluso histéricas; la aceleración implacable y frenética del ritmo parece surgir de la liberación de una tremenda acumulación de presión. [56]
El crítico de cine John Raeburn analiza una de las primeras películas de Capra, American Madness (1932), como ejemplo de cómo dominaba el medio cinematográfico y expresaba un estilo único:
El ritmo de la película, por ejemplo, está perfectamente sincronizado con la acción... a medida que aumenta la intensidad del pánico, Capra reduce la duración de cada toma y utiliza cada vez más cortes transversales y tomas con saltos para enfatizar la "locura" de lo que está sucediendo... Capra añadió a la calidad naturalista del diálogo haciendo que los hablantes se superpusieran unos a otros, como suele ocurrir en la vida cotidiana; esta fue una innovación que ayudó a alejar al cine sonoro del ejemplo del escenario legítimo. [27]
En cuanto al tema de Capra, el autor de cine Richard Griffith intenta resumir el tema común de Capra:
[U]n inocente mesiánico... se enfrenta a las fuerzas de la codicia arraigada. Su inexperiencia lo derrota estratégicamente, pero su integridad valiente frente a la tentación exige la buena voluntad de la "gente común" y, gracias a la protesta conjunta de todos ellos, triunfa. [56]
La personalidad de Capra al dirigir le dio una reputación de "feroz independencia" en su trato con los jefes de los estudios. En el plató se decía que era amable y considerado, "un director que no muestra absolutamente ningún exhibicionismo". [57] Como las películas de Capra suelen transmitir un mensaje sobre la bondad básica de la naturaleza humana y muestran el valor del altruismo y el trabajo duro, sus temas saludables y reconfortantes han llevado a algunos cínicos a calificar su estilo de "Capra-corn". Sin embargo, aquellos que tienen su visión en mayor estima prefieren el término "Capraesco". [30]
Los temas básicos de Capra de defender al hombre común, así como su uso de diálogos espontáneos y de ritmo rápido y personajes principales y secundarios divertidos y memorables, lo convirtieron en uno de los cineastas más populares y respetados del siglo XX. Su influencia se puede rastrear en las obras de muchos directores, incluidos Robert Altman , [58] Ron Howard , [58] Masaki Kobayashi , [59] Akira Kurosawa , [60] John Lasseter , [61] David Lynch , [62] John Milius , [58] Martin Scorsese , [58] Steven Spielberg , [63] Oliver Stone [58] y François Truffaut . [64]
Capra se casó con la actriz Helen Howell en 1923. Se divorciaron en 1928. Se casó con Lucille Warner en 1932, con quien tuvo una hija y tres hijos, uno de los cuales, Johnny, murió a los 3 años después de una amigdalectomía. [65]
Capra fue cuatro veces presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y tres veces presidente del Sindicato de Directores de Estados Unidos , que ayudó a fundar. Bajo su presidencia, trabajó para dar a los directores un mayor control artístico de sus películas. Durante su carrera como director, mantuvo una ambición temprana de enseñar ciencias y, después de que su carrera decayera en la década de 1950, realizó películas de televisión educativas relacionadas con temas científicos. [57]
Físicamente, Capra era bajo, robusto y vigoroso, y disfrutaba de actividades al aire libre, como la caza, la pesca y la escalada. En sus últimos años, dedicó tiempo a escribir cuentos y canciones, además de tocar la guitarra. [57] Coleccionó libros finos y raros durante las décadas de 1930 y 1940. Seiscientos cuarenta artículos de su "distinguida biblioteca" fueron vendidos por Parke-Bernet Galleries en una subasta en Nueva York en abril de 1949, por 68.000 dólares (870.800 dólares actuales). [66]
Su hijo, Frank Capra Jr. , fue presidente de EUE Screen Gems Studios en Wilmington, Carolina del Norte , hasta su muerte el 19 de diciembre de 2007. Sus nietos, los hermanos Frank Capra III y Jonathan Capra, han trabajado como asistentes de dirección; Frank III trabajó en la película de 1995 The American President , que se refería a Frank Capra en el diálogo de la película. [67]
Las opiniones políticas de Capra se fusionaron en algunas de sus películas, que promovían y celebraban el espíritu del individualismo estadounidense. Republicano conservador , Capra criticó duramente a Franklin D. Roosevelt durante su mandato como gobernador de Nueva York y se opuso a su presidencia durante los años de la Depresión. Capra se opuso a la intervención gubernamental durante la crisis económica nacional. [1] Sin embargo, en mayo de 1947, el capítulo del FBI de Los Ángeles consideró que la película de Capra Qué bello es vivir glorificaba “valores o instituciones juzgados como particularmente antiamericanos o procomunistas”. [68]
En sus últimos años, Capra se convirtió en un autodenominado pacifista y fue muy crítico de la guerra de Vietnam . [69] [65]
Capra escribió en su juventud que era un "católico de Navidad". En sus últimos años, Capra volvió a la Iglesia Católica y se describió a sí mismo como "un católico de espíritu; alguien que cree firmemente que los antimorales, los fanáticos intelectuales y las mafias de mala voluntad pueden destruir la religión, pero nunca conquistarán la cruz". [70]
En 1985, a los 88 años, Capra sufrió el primero de una serie de accidentes cerebrovasculares. [71] El 3 de septiembre de 1991, murió de un ataque cardíaco mientras dormía en su casa de La Quinta, California , a la edad de 94 años. Fue enterrado en el Cementerio Público del Valle de Coachella en Coachella, California . [72]
Dejó parte de su rancho de 1100 acres (445 ha) en Fallbrook, California , al Instituto de Tecnología de California, para que se utilizara como centro de retiro. [73] Los documentos personales de Capra y algunos materiales relacionados con el cine están contenidos en los Archivos de Cine de la Universidad Wesleyana , que permiten a los académicos y expertos en medios acceso completo. [74]
Durante la época dorada de Hollywood, las "fantasías de buena voluntad" de Capra lo convirtieron en uno de los dos o tres directores más famosos y exitosos del mundo. [57] El historiador de cine Ian Freer señala que en el momento de su muerte en 1991, su legado permaneció intacto:
Había creado entretenimientos que hacían sentir bien antes de que se inventara la frase, y su influencia en la cultura (desde Steven Spielberg hasta David Lynch, y desde las telenovelas hasta los sentimientos de las tarjetas de felicitación) es simplemente demasiado grande para calcularla. [5]
El director y actor John Cassavetes, al reflexionar sobre la contribución de Capra al cine, bromeó: "Tal vez no existió realmente una América, sino sólo Frank Capra". [75] Las películas de Capra eran sus cartas de amor a una América idealizada, un paisaje cinematográfico de su propia invención. Las actuaciones de sus actores eran retratos invariables de personalidades que se habían convertido en imágenes reconocibles de la cultura popular, "su actuación tiene la audaz simplicidad de un icono..." [76]
Al igual que su contemporáneo, el director John Ford , Capra definió y amplió los tropos de la América mítica, donde el coraje individual triunfa invariablemente sobre el mal colectivo. El historiador de cine Richard Griffith habla de la "... confianza de Capra en la conversación sentimental y la benevolencia suprema de la América común para resolver todos los conflictos profundos". [77] La "América promedio" se visualiza como "... una calle bordeada de árboles, casas de madera sin distinción rodeadas de modestas áreas de césped, unos pocos automóviles. Para ciertos propósitos, se asumió que todos los estadounidenses reales viven en pueblos como este, y es tan grande el poder del mito, que incluso el habitante de la ciudad por nacimiento es probable que crea vagamente que él también vive en esta calle sombría, o proviene de ella, o va a vivir allí". [78]
El profesor de la Universidad de Nueva York, Leonard Quart, escribe:
No habría conflictos duraderos: la armonía, por artificial y engañosa que fuera, triunfaría en última instancia en el último fotograma... Al más puro estilo de Hollywood, ninguna película de Capra sugeriría jamás que el cambio social fuera un acto complejo y doloroso. Para Capra, habría dolor y pérdida, pero no se permitiría que una sensación duradera de tragedia se entrometiera en su mundo fabulista. [77]
Aunque la estatura de Capra como director había declinado en la década de 1950, sus películas experimentaron un renacimiento en la década de 1960:
Diez años después, estaba claro que esta tendencia se había revertido. Los críticos postautoristas volvieron a aclamar a Capra como un maestro cinematográfico y, lo que quizá fue más sorprendente, los jóvenes abarrotaron los festivales y reposiciones de películas de Capra en todo Estados Unidos. [57]
El historiador de cine francés John Raeburn, editor de Cahiers du cinéma , señaló que las películas de Capra eran desconocidas en Francia, pero también allí sus películas sufrieron un nuevo descubrimiento por parte del público. Cree que la razón de su renovada popularidad tuvo que ver con sus temas, que hizo creíbles "una concepción ideal de un carácter nacional americano":
En las películas de Capra hay una fuerte vena libertaria, una desconfianza hacia el poder dondequiera que éste se produzca y en quienquiera que se ejerza. Los jóvenes se sienten atraídos por el hecho de que sus héroes no están interesados en la riqueza y se caracterizan por un vigoroso... individualismo, un gusto por la experiencia y un agudo sentido de la justicia política y social... Los héroes de Capra, en resumen, son tipos ideales, creados a imagen de un poderoso mito nacional. [57]
En 1982, el American Film Institute honró a Capra otorgándole su premio AFI Life Achievement Award . El evento se utilizó para crear la película para televisión The American Film Institute Salute to Frank Capra , presentada por James Stewart . En 1986, Capra recibió la Medalla Nacional de las Artes . Durante su discurso de aceptación del premio AFI, Capra destacó sus valores más importantes:
El arte de Frank Capra es muy, muy simple: es el amor a la gente. Si a ese amor a la gente le sumamos dos ideales sencillos: la libertad de cada individuo y la importancia igualitaria de cada individuo, tenemos el principio en el que baso todas mis películas.
Capra amplió sus visiones en su autobiografía de 1971, El nombre sobre el título :
Entre los vociferantes se olvidaron los trabajadores que volvían a casa demasiado cansados para gritar o manifestarse en las calles... y rezaban para que les quedara suficiente dinero para que sus hijos pudieran ir a la universidad, a pesar de saber que algunos eran fumadores de marihuana y parásitos que odiaban a sus padres. ¿
Quién haría películas sobre y para estos engranajes que no se quejan ni chirrían y que engrasan a los que chirrían? Yo no. Mi Hollywood de "un hombre, una película" había dejado de existir. Los actores lo habían dividido en ganancias de capital. Y, sin embargo, la humanidad necesitaba dramatizaciones de la verdad de que el hombre es esencialmente bueno, un átomo viviente de divinidad; de que la compasión por los demás, amigos o enemigos, es la más noble de todas las virtudes. Hay que hacer películas que digan estas cosas, que contrarresten la violencia y la mezquindad, que ganen tiempo para desmovilizar los odios. [79]
La serie Por qué luchamos le valió a Capra la Legión del Mérito en 1943 y la Medalla al Servicio Distinguido en 1945. [80] [81]
En 1957, Capra recibió el premio George Eastman, otorgado por George Eastman House por su destacada contribución al arte del cine. [82]
El alcalde de Los Ángeles, Sam Yorty , por votación del consejo municipal, declaró el 12 de mayo de 1962 como el «Día de Frank Capra». George Sidney , presidente del Gremio de Directores, declaró que «esta es la primera vez en la historia de Hollywood que la ciudad de Los Ángeles ha reconocido oficialmente un talento creativo». En la ceremonia del evento, el director John Ford anunció que Capra también había recibido una Orden del Imperio Británico (OBE) honoraria por recomendación de Winston Churchill . [83] Ford le sugirió públicamente a Capra:
Hagan esas comedias dramáticas humanas, del tipo que sólo ustedes pueden hacer, el tipo de películas que Estados Unidos se enorgullece de mostrar aquí, detrás de la Cortina de Hierro , la Cortina de Bambú y detrás de la cortina de encaje . [83]
En 1966, Capra recibió el premio Distinguished Alumni Award de su alma mater, Caltech. [84] (ver sección "Vida temprana", supra)
En 1972, Capra recibió el premio Golden Plate de la Academia Estadounidense de Logros . [85]
En 1974, Capra recibió el premio Inkpot . [86]
En 1975, Capra recibió el premio Golden Anchor Award del Combat Camera Group de la Reserva Naval de los EE. UU. por su contribución a la fotografía naval de la Segunda Guerra Mundial y la producción de la serie "Why We Fight". La ceremonia de entrega de premios incluyó un saludo en video del presidente Ford. Asistieron muchos de los actores favoritos de Capra, entre ellos Jimmy Stewart, Donna Reed, Pat O'Brien, Jean Arthur y otros. [87]
En 1981, Capra asistió a una celebración anual de ¡Qué bello es vivir!, durante la cual dijo: "Este es uno de los momentos de mayor orgullo de mi vida", según se relata en The New Yorker . [88]
Fue nominado seis veces a Mejor Director y siete veces a Mejor Producción/Mejor Película. De seis nominaciones a Mejor Director, Capra recibió el premio tres veces. Ostentó brevemente el récord de ganar la mayor cantidad de Oscars a Mejor Director cuando ganó por tercera vez en 1938, hasta que este récord fue igualado por John Ford en 1941, y luego superado por Ford en 1952. William Wyler también igualó este récord al ganar su tercer Oscar en 1959. [89]
El Archivo de Cine de la Academia ha conservado dos películas de Capra, The Matinee Idol (1928) y Two Down and One to Go (1945). [90]
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