La tragedia del rey Lear , a menudo abreviada como El rey Lear , es una tragedia escrita por William Shakespeare . Está basada vagamente en el mitológico Lear de Gran Bretaña . El rey Lear, en preparación para su vejez, divide su poder y tierra entre sus hijas Goneril y Regan , quienes le rinden homenaje para ganarse el favor, fingiendo amor. A la tercera hija del rey, Cordelia , también se le ofrece un tercio de su reino, pero se niega a ser insincera en sus elogios y afecto. [1] En cambio, ofrece el respeto de una hija y es repudiada por Lear, que busca halagos. Posteriormente, Regan y Goneril rompen las promesas de hospedar a Lear y su séquito, por lo que opta por quedarse sin hogar y en la indigencia, y se vuelve loco. El rey francés casado con Cordelia invade entonces Gran Bretaña para restaurar el orden y el gobierno de Lear. En una subtrama, Edmund, el hijo ilegítimo de Gloucester, traiciona a su hermano y padre. Trágicamente, Lear, Cordelia y varios otros personajes principales mueren.
La trama y la subtrama se superponen y se entrelazan con juegos de poder político, ambición personal y supuestas intervenciones sobrenaturales y creencias paganas. La primera representación conocida de cualquier versión de la obra de Shakespeare fue el día de San Esteban en 1606. Los editores modernos derivan sus textos de tres publicaciones existentes: el cuarto de 1608 (Q1), el cuarto de 1619 (Q2, no oficial y basado en Q1) y el Primer Folio de 1623. Las versiones en cuarto difieren significativamente de la versión en folio.
La obra fue revisada a menudo después de la Restauración inglesa para el público al que no le gustaba su tono oscuro y deprimente, pero desde el siglo XIX la obra original de Shakespeare ha sido considerada como uno de sus logros supremos. Tanto el papel principal como los papeles secundarios han sido codiciados por actores consumados, y la obra ha sido ampliamente adaptada. En su obra En defensa de la poesía (1821), Percy Bysshe Shelley llamó a El rey Lear "el ejemplo más perfecto del arte dramático existente en el mundo", y la obra es citada regularmente como una de las mayores obras literarias jamás escritas. [2] [3] [4]
Repartos notables
El rey Lear de Inglaterra, ya anciano y deseoso de retirarse de los deberes de la monarquía, decide dividir su reino entre sus tres hijas y declara que ofrecerá la parte más grande a la que más lo ame. La mayor, Goneril, habla primero, declarando su amor por su padre en términos efusivos. Conmovido por sus halagos, Lear procede a concederle a Goneril su parte tan pronto como ella termina su declaración, antes de que Regan y Cordelia tengan la oportunidad de hablar. Luego le otorga a Regan su parte tan pronto como ella termina de hablar. Cuando finalmente es el turno de su hija más joven y favorita, Cordelia, al principio ella se niega a decir nada ("Nada, mi señor") y luego declara que no hay nada con qué comparar su amor, no hay palabras para expresarlo adecuadamente; dice honesta pero sin rodeos que lo ama de acuerdo con su vínculo, ni más ni menos, y que reservará la mitad de su amor para su futuro esposo. Enfurecido, Lear deshereda a Cordelia y divide su parte entre sus hermanas mayores.
El conde de Gloucester y el conde de Kent observan que, al dividir su reino entre Goneril y Regan, Lear ha otorgado su reino en partes iguales a los títulos nobiliarios del duque de Albany (el esposo de Goneril) y el duque de Cornualles (el esposo de Regan). Kent se opone al trato injusto de Lear hacia Cordelia. Enfurecido por las protestas de Kent, Lear lo destierra del país. Lear entonces convoca al duque de Borgoña y al rey de Francia, quienes han propuesto matrimonio a Cordelia. Al enterarse de que Cordelia ha sido desheredada, el duque de Borgoña retira su demanda, pero el rey de Francia queda impresionado por su honestidad y se casa con ella de todos modos. El rey de Francia está sorprendido por la decisión de Lear porque hasta ese momento Lear solo había elogiado y favorecido a Cordelia ("... ella, que ahora mismo era tu mejor objeto, / el argumento de tu alabanza, bálsamo de tu edad, ..."). [5] Mientras tanto, Gloucester ha presentado a su hijo ilegítimo Edmund en Kent.
Lear anuncia que vivirá alternativamente con Goneril y Regan y sus maridos. Se reserva un séquito de 100 caballeros, que serán mantenidos por sus hijas. Después de que Cordelia se despida de ellos y se vaya con el rey de Francia, Goneril y Regan hablan en privado, revelando que sus declaraciones de amor eran falsas y que consideran a Lear un anciano tonto.
El hijo de Gloucester, Edmund, se resiente de su condición ilegítima y planea deshacerse de su legítimo medio hermano mayor, Edgar. Engaña a su padre con una carta falsificada, haciéndole creer que Edgar planea usurpar la propiedad. El conde de Kent regresa del exilio disfrazado (haciéndose llamar Caius) y Lear lo contrata como sirviente. En Albany y en la casa de Goneril, Lear y Kent se pelean con Oswald, el mayordomo de Goneril. Lear descubre que ahora que Goneril tiene poder, ya no lo respeta. Le ordena que reduzca el número de su desordenada comitiva. Enfurecido, Lear parte hacia la casa de Regan. El bufón le reprocha a Lear su estupidez al entregar todo a Regan y Goneril y predice que Regan no lo tratará mejor.
Edmund se entera por Curan, un cortesano, de que es probable que haya una guerra entre Albany y Cornualles y que Regan y Cornualles llegarán a la casa de Gloucester esa noche. Aprovechando la llegada del duque y Regan, Edmund finge un ataque de Edgar y Gloucester cae en la trampa. Deshereda a Edgar y lo proclama proscrito.
Tras llevar el mensaje de Lear a Regana, Kent se encuentra de nuevo con Oswald en la casa de Gloucester, se pelea de nuevo con él y Regana y su marido Cornwall lo ponen en el cepo. Cuando llega Lear, protesta por el maltrato a su mensajero, pero Regana se muestra tan desdeñosa con su padre como lo era Goneril. Lear está furioso pero impotente. Goneril llega y apoya el argumento de Regana en su contra. Lear cede por completo a su ira. Se precipita en medio de una tormenta para despotricar contra sus ingratas hijas, acompañado por el bufón burlón.
Kent lo sigue más tarde para proteger a Lear. Gloucester protesta por el maltrato a Lear. Con el séquito de cien caballeros de Lear disuelto, los únicos compañeros que le quedan son su bufón y Kent. Vagando por el páramo después de la tormenta, Edgar, disfrazado de un loco llamado Tom o' Bedlam , se encuentra con Lear. Edgar balbucea como un loco mientras Lear denuncia a sus hijas. Kent los lleva a todos a un refugio.
Kent le cuenta a un caballero que un ejército francés ha desembarcado en Gran Bretaña con el objetivo de reinstaurar a Lear en el trono. Luego envía al caballero a darle un mensaje a Cordelia mientras busca al Rey Lear en el páramo. Mientras tanto, Edmund se entera de que Gloucester está al tanto de la inminente invasión de Francia y traiciona a su padre ante Cornualles, Regana y Goneril. Una vez que Edmund se va con Goneril para advertir a Albany sobre la invasión, arrestan a Gloucester y Regana y Cornualles le sacan los ojos a Gloucester . Mientras hacen esto, un sirviente se sobrepone al horror y sale en defensa de Gloucester, hiriendo mortalmente a Cornualles. Regana mata al sirviente y le dice a Gloucester que Edmund lo traicionó. Luego, como hizo con su padre en el Acto II, envía a Gloucester a vagar por el páramo.
Edgar, disfrazado de loco, se encuentra con su padre ciego en el páramo. Gloucester, ciego y sin poder reconocer la voz de Edgar, le ruega que lo conduzca a un acantilado en Dover para que pueda saltar y morir. Goneril descubre que encuentra a Edmund más atractivo que su honesto esposo Albany, a quien considera un cobarde. Albany ha desarrollado una conciencia (está disgustado por el trato que las hermanas dan a Lear y Gloucester) y denuncia a su esposa. Goneril envía a Edmund de regreso a Regan. Después de recibir noticias de la muerte de Cornwall, teme que su hermana recién viuda pueda robar a Edmund y le envía una carta a través de Oswald. Ahora, a solas con Lear, Kent lo conduce al ejército francés, que está comandado por Cordelia. Pero Lear está medio loco y terriblemente avergonzado por sus locuras anteriores. Por instigación de Regan, Albany une sus fuerzas con las de ella contra los franceses. Las sospechas de Goneril sobre los motivos de Regan se confirman y vuelven a aparecer, ya que Regan adivina correctamente el significado de su carta y le declara a Oswald que ella es una pareja más adecuada para Edmund. Edgar finge conducir a Gloucester hacia un acantilado, luego cambia su voz y le dice a Gloucester que milagrosamente ha sobrevivido a una gran caída. Lear parece, a estas alturas, completamente loco. Despotrica que el mundo entero es corrupto y se escapa.
Aparece Oswald, que sigue buscando a Edmund. Por orden de Regan, intenta matar a Gloucester, pero Edgar lo mata. En el bolsillo de Oswald, Edgar encuentra la carta de Goneril, en la que anima a Edmund a matar a su marido y tomarla como esposa. Kent y Cordelia se hacen cargo de Lear, cuya locura pasa rápidamente.
.jpg/1280px-Lear_and_Cordelia_(1849-54).jpg)
Regan, Goneril, Albany y Edmund se reúnen con sus fuerzas. Albany insiste en que luchen contra los invasores franceses, pero que no hagan daño a Lear ni a Cordelia. Las dos hermanas sienten lujuria por Edmund, que les ha hecho promesas a ambas. Él considera el dilema y planea la muerte de Albany, Lear y Cordelia. Edgar le entrega la carta de Goneril a Albany. Los ejércitos se enfrentan en batalla, los británicos derrotan a los franceses y Lear y Cordelia son capturados. Edmund envía a Lear y Cordelia con órdenes conjuntas secretas de él (en representación de Regan y sus fuerzas) y de Goneril (en representación de las fuerzas de su ex marido, Albany) para la ejecución de Cordelia.
Los victoriosos líderes británicos se reúnen y la recientemente viuda Regan declara que se casará con Edmund. Pero Albany expone las intrigas de Edmund y Goneril y proclama a Edmund un traidor. Regan cae enferma, después de haber sido envenenada por Goneril, y es escoltada fuera del escenario, donde muere. Edmund desafía a Albany, quien solicita un juicio por combate . Edgar aparece enmascarado y con armadura y desafía a Edmund a un duelo. Nadie sabe quién es. Edgar hiere fatalmente a Edmund, aunque Edmund no muere inmediatamente. Albany confronta a Goneril con la carta que se suponía que era su sentencia de muerte; ella huye avergonzada y furiosa. Edgar se revela e informa que Gloucester murió fuera del escenario por la conmoción y la alegría de saber que Edgar está vivo, después de que Edgar se revelara a su padre.
Fuera de escena, Goneril, con sus planes frustrados, se suicida. Edmund, moribundo, decide, aunque admite que va en contra de su propio carácter, intentar salvar a Lear y Cordelia, pero su confesión llega demasiado tarde. Poco después, Albany envía hombres para anular las órdenes de Edmund. Lear entra con el cadáver de Cordelia en sus brazos, tras haber sobrevivido matando al verdugo. Kent aparece y Lear lo reconoce. Albany insta a Lear a que recupere su trono, pero, como le ocurrió a Gloucester, las pruebas por las que ha pasado Lear finalmente lo han abrumado y muere. Albany les pide a Kent y Edgar que se hagan cargo del trono. Kent se niega, explicando que su amo lo está llamando a un viaje y que debe seguirlo.
La obra de Shakespeare se basa en varios relatos de la figura semilegendaria britónica Leir de Bretaña , cuyo nombre ha sido vinculado por algunos eruditos [¿ quién? ] al dios britónico Lir / Llŷr , aunque en realidad los nombres no están relacionados etimológicamente. [6] [7] [8] La fuente más importante de Shakespeare es probablemente la segunda edición de Las crónicas de Inglaterra, Escocia e Irlanda de Raphael Holinshed , publicada en 1587. El propio Holinshed encontró la historia en la anterior Historia Regum Britanniae de Geoffrey de Monmouth , que fue escrita en el siglo XII. La reina de las hadas de Edmund Spenser , publicada en 1590, también contiene un personaje llamado Cordelia, que también muere ahorcada, como en El rey Lear . [9]
Otras posibles fuentes son la obra anónima King Leir (publicada en 1605); The Mirror for Magistrates (1574), de John Higgins; The Malcontent (1604), de John Marston ; The London Prodigal (1605); Montaigne 's Essays , que fueron traducidos al inglés por John Florio en 1603; A Description of Elizabethan England (1577), de William Harrison ; Remains Concerning Britain (1606), de William Camden ; Albion's England (1589), de William Warner ; y A Statement of egregious Papish Impostures (1603), de Samuel Harsnett , que proporcionó parte del lenguaje utilizado por Edgar mientras finge locura. [10] El Rey Lear es también una variante literaria de un cuento popular común , " Love Like Salt ", Aarne–Thompson tipo 923, en el que un padre rechaza a su hija menor por una declaración de amor que no le agrada. [a] [11] [12]
La fuente de la subtrama que involucra a Gloucester, Edgar y Edmund es un cuento de La Arcadia de la condesa de Pembroke (1580-90) de Philip Sidney , con un rey paflagoniano ciego y sus dos hijos, Leonatus y Plexitrus. [13]
.jpg/1280px-Cordelia,_King_Lear,_Alexander_Johnston_(artist).jpg)
Además de la subtrama que involucra al conde de Gloucester y sus hijos, la principal innovación que Shakespeare introdujo en esta historia fue la muerte de Cordelia y Lear al final; en el relato de Geoffrey de Monmouth, Cordelia restaura a Lear en el trono y lo sucede como gobernante después de su muerte. Durante el siglo XVII, el final trágico de Shakespeare fue muy criticado y Nahum Tate escribió versiones alternativas , en las que los personajes principales sobrevivieron y Edgar y Cordelia se casaron (a pesar de que Cordelia había estado prometida previamente con el rey de Francia). Como afirma Harold Bloom : "La versión de Tate se mantuvo en escena durante casi 150 años, hasta que Edmund Kean restableció el final trágico de la obra en 1823". [14]
Holinshed afirma que la historia se desarrolla cuando Joás era rey de Judá ( c. 800 a. C. ), mientras que Shakespeare evita fechar el escenario, y solo sugiere que es en algún momento de la era precristiana (con numerosos anacronismos, como nombres anglosajones y títulos como duque y conde).
Los personajes del conde "Caius" de Kent y El bufón fueron creados íntegramente por Shakespeare para entablar conversaciones con Lear basadas en sus personajes. Oswald, el mayordomo, el confidente de Goneril, fue creado como un recurso expositivo similar.
El rey Lear de Shakespeare y otros personajes hacen juramentos a Júpiter , Juno y Apolo . Si bien la presencia de la religión romana en Gran Bretaña es técnicamente un anacronismo, no se sabía nada sobre ninguna religión que existiera en Gran Bretaña en la época en que supuestamente vivió Lear.
Holinshed identifica los nombres personales del duque de Albany (Maglanus), el duque de Cornualles (Henninus) y el líder galo/francés (Aganippus). Shakespeare se refiere a estos personajes solo por sus títulos, y también cambia la naturaleza de Albany de villano a héroe, reasignando las malas acciones de Albany a Cornualles. Maglanus y Henninus mueren en la batalla final, pero les sobreviven sus hijos Margan y Cunedag. En la versión de Shakespeare, Cornualles es asesinado por un sirviente que se opone a la tortura del conde de Gloucester, mientras que Albany es uno de los pocos personajes principales sobrevivientes. Isaac Asimov conjeturó que esta alteración se debió a que el título de duque de Albany lo ostentaba en 1606 el príncipe Carlos , el hijo menor del benefactor de Shakespeare, el rey Jaime . [15] Sin embargo, esta explicación es errónea, porque el hijo mayor de Jaime, el príncipe Enrique , ostentaba el título de duque de Cornualles al mismo tiempo.
No hay evidencia directa que indique cuándo se escribió o representó por primera vez El rey Lear . Se cree que se compuso en algún momento entre 1603 y 1606. Una entrada del Stationers' Register señala una representación ante Jacobo I el 26 de diciembre de 1606. La fecha de 1603 se origina a partir de palabras en los discursos de Edgar que pueden derivar de la Declaración de egregias imposturas papistas de Samuel Harsnett (1603). [16] Una cuestión importante en la datación de la obra es la relación de El rey Lear con la obra titulada La verdadera historia crónica de la vida y muerte del rey Lear y sus tres hijas , que se publicó por primera vez después de su entrada en el Stationers' Register del 8 de mayo de 1605. Esta obra tuvo un efecto significativo en Shakespeare, y su estudio minucioso de la misma sugiere que estaba usando una copia impresa, lo que sugiere una fecha de composición de 1605-06. [17] Por el contrario, Frank Kermode, en Riverside Shakespeare , considera que la publicación de Leir fue una respuesta a las representaciones de la obra ya escrita de Shakespeare; al señalar un soneto de William Strachey que puede tener semejanzas verbales con Lear , Kermode concluye que "1604-05 parece el mejor compromiso". [18]
Una línea de la obra que se refiere a "Estos últimos eclipses de sol y luna" [19] parece referirse a un fenómeno de dos eclipses que ocurrieron sobre Londres con pocos días de diferencia: el eclipse lunar del 27 de septiembre de 1605 y el eclipse solar del 12 de octubre de 1605. Este notable par de eventos provocó mucha discusión entre los astrólogos. La línea de Edmund "Una predicción que leí este otro día..." [20] aparentemente se refiere a los pronósticos publicados de los astrólogos, que siguieron a los eclipses. Esto sugiere que esas líneas del Acto I fueron escritas algún tiempo después de los eclipses y de los comentarios publicados. [21]
El texto moderno de El rey Lear se deriva de tres fuentes: dos quartos, uno publicado en 1608 (Q 1 ) y el otro en 1619 (Q 2 ), [b] y la versión en el Primer Folio de 1623 (F 1 ). Q1 tiene "muchos errores y confusiones". [22] Q2 se basó en Q1. Introdujo correcciones y nuevos errores. [22] Q2 también informó el texto del Folio. [23] Los textos en cuarto y folio difieren significativamente. Q 1 contiene 285 líneas que no están en F 1 ; F 1 contiene alrededor de 100 líneas que no están en Q 1 . Además, al menos mil palabras individuales se cambian entre los dos textos, cada texto tiene diferentes estilos de puntuación y aproximadamente la mitad de las líneas de verso en F 1 están impresas como prosa o divididas de manera diferente en Q 1 . Los primeros editores, empezando por Alexander Pope , fusionaron los dos textos, creando la versión moderna que se ha utilizado comúnmente desde entonces. La versión fusionada se originó con las suposiciones de que las diferencias en las versiones no indican ninguna reescritura por parte del autor; que Shakespeare escribió solo un manuscrito original, que ahora está perdido; y que las versiones en cuarto y folio contienen varias distorsiones de ese original perdido. En 2021, Duncan Salkeld respaldó esta opinión, sugiriendo que Q1 fue compuesta por un lector que le dictaba al compositor, lo que provocó muchos errores causados por una mala escucha. [24] Otros editores, como Nuttall y Bloom, han sugerido que el propio Shakespeare tal vez participó en la reelaboración de pasajes de la obra para adaptarse a las representaciones y otros requisitos textuales de la obra. [25]
Ya en 1931, Madeleine Doran sugirió que los dos textos tenían historias independientes y que estas diferencias entre ellos eran de un interés crítico. Sin embargo, este argumento no fue ampliamente discutido hasta fines de la década de 1970, cuando fue revivido, principalmente por Michael Warren y Gary Taylor , quienes discutieron una variedad de teorías, incluida la idea de Doran de que el Quarto puede haber sido impreso a partir de los papeles sucios de Shakespeare y que el Folio puede haber sido impreso a partir de un libro de sugerencias preparado para una producción. [26]
La New Cambridge Shakespeare ha publicado ediciones separadas de Q y F; la edición más reciente de Pelican Shakespeare contiene tanto el texto en Quarto de 1608 como el texto en Folio de 1623, así como una versión combinada; la edición de New Arden editada por RA Foakes ofrece un texto combinado que indica aquellos pasajes que se encuentran solo en Q o F. Tanto Anthony Nuttall de la Universidad de Oxford como Harold Bloom de la Universidad de Yale han respaldado la opinión de que Shakespeare revisó la tragedia al menos una vez durante su vida. [25] Como indica Bloom: "Al final de la versión revisada de El rey Lear de Shakespeare , un Edgar reacio se convierte en rey de Gran Bretaña, aceptando su destino pero con acentos de desesperación. Nuttall especula que Edgar, como el propio Shakespeare, usurpa el poder de manipular a la audiencia engañando al pobre Gloucester". [25]
Lo que sabemos de la amplia capacidad de lectura de Shakespeare y de su capacidad de asimilación parece mostrar que hizo uso de todo tipo de material, absorbiendo puntos de vista contradictorios, positivos y negativos, religiosos y seculares, como para asegurar que El Rey Lear no ofreciera una única perspectiva dominante, sino que estuviera abierto a, e incluso exigiera, múltiples interpretaciones.
R. A. Foakes [27]
John F. Danby, en su obra Shakespeare's Doctrine of Nature – A Study of King Lear (1949), sostiene que Lear dramatiza, entre otras cosas, los significados actuales de la "naturaleza". Las palabras "naturaleza", "natural" y "antinatural" aparecen más de cuarenta veces en la obra, lo que refleja un debate en la época de Shakespeare sobre cómo era realmente la naturaleza; este debate impregna la obra y encuentra expresión simbólica en la actitud cambiante de Lear ante el trueno. Hay dos puntos de vista fuertemente contrastantes sobre la naturaleza humana en la obra: el del grupo de Lear (Lear, Gloucester, Albany, Kent), que ejemplifica la filosofía de Bacon y Hooker , y el del grupo de Edmund (Edmund, Cornualles, Goneril, Regan), similar a los puntos de vista formulados posteriormente por Hobbes , aunque este último aún no había comenzado su carrera filosófica cuando se representó por primera vez Lear . Junto con las dos visiones de la Naturaleza, la obra contiene dos visiones de la Razón, que se ponen de manifiesto en los discursos de Gloucester y Edmund sobre astrología (1.2). La racionalidad del grupo de Edmund es una con la que el público moderno se identifica más fácilmente. Pero el grupo de Edmund lleva el racionalismo audaz a tales extremos que se convierte en locura: una locura en la razón, la contraparte irónica de la "razón en la locura" de Lear (IV.6.190) y la sabiduría en la locura del Bufón. Esta traición a la razón se encuentra detrás del énfasis posterior de la obra en el sentimiento . [ cita requerida ]
Las dos Naturalezas y las dos Razones implican dos sociedades. Edmund es el Hombre Nuevo, miembro de una era de competencia, sospecha, gloria, en contraste con la sociedad más antigua que ha descendido de la Edad Media, con su creencia en la cooperación, la decencia razonable y el respeto por el todo como superior a la parte. El Rey Lear es, pues, una alegoría. La sociedad más antigua, la de la visión medieval, con su rey enamorado, cae en el error y se ve amenazada por el nuevo maquiavelismo ; se regenera y se salva gracias a una visión de un nuevo orden, encarnado en la hija rechazada del rey. Cordelia, en el esquema alegórico, es triple: una persona; un principio ético (el amor); y una comunidad. Sin embargo, la comprensión que Shakespeare tiene del Hombre Nuevo es tan amplia que casi equivale a la simpatía. Edmund es la última gran expresión en Shakespeare de ese lado del individualismo renacentista —la energía, la emancipación, el coraje— que ha hecho una contribución positiva a la herencia de Occidente. "Él encarna algo vital que una síntesis final debe reafirmar. Pero hace una afirmación absoluta que Shakespeare no apoyará. Es correcto que el hombre sienta, como Edmund, que la sociedad existe para el hombre, no el hombre para la sociedad. No es correcto afirmar el tipo de hombre que Edmund elevaría a esta supremacía". [28]
La obra ofrece una alternativa a la polaridad feudal-maquiavélica, una alternativa prefigurada en el discurso de Francia (I.1.245-256), en las oraciones de Lear y Gloucester (III.4.28-36; IV.1.61-66), y en la figura de Cordelia. Hasta que se alcance la sociedad decente, se supone que debemos tomar como modelo a seguir (aunque calificado por las ironías shakespearianas) a Edgar, "el Maquiavelo de la bondad", [29] resistencia, coraje y "madurez". [28]
La obra también contiene referencias a disputas entre el rey Jaime I y el Parlamento. En las elecciones de 1604 a la Cámara de los Comunes, Sir John Fortescue , el Ministro de Hacienda, fue derrotado por un miembro de la nobleza de Buckinghamshire, Sir Francis Goodwin . [30] Disgustado con el resultado, Jaime declaró inválido el resultado de la elección de Buckinghamshire y juró a Fortescue como diputado por Buckinghamshire mientras que la Cámara de los Comunes insistió en jurar a Goodwin, lo que llevó a un enfrentamiento entre el rey y el Parlamento sobre quién tenía el derecho a decidir quién se sentaba en la Cámara de los Comunes. [30] El diputado Thomas Wentworth , hijo de otro diputado, Peter Wentworth —a menudo encarcelado bajo el reinado de Isabel por plantear la cuestión de la sucesión en la Cámara de los Comunes— fue el más enérgico en sus protestas contra los intentos de Jacobo de reducir los poderes de la Cámara de los Comunes, diciendo que el Rey no podía simplemente declarar inválidos los resultados de una elección si no le gustaba quién había ganado el escaño, como él insistía en que podía hacerlo. [31] El carácter de Kent se asemeja a Peter Wentworth en la forma en que aconseja a Lear sin tacto y bruscamente, pero su punto es válido en el sentido de que Lear debería ser más cuidadoso con sus amigos y asesores. [31]
Así como la Cámara de los Comunes había argumentado a James que su lealtad era hacia la constitución de Inglaterra, no hacia el Rey personalmente, Kent insiste en que su lealtad es institucional, no personal, ya que es leal al reino del cual el rey es cabeza, no al propio Lear, y le dice a Lear que se comporte mejor por el bien del reino. [31] Por el contrario, Lear presenta un argumento similar al de James de que, como rey, tiene poder absoluto y podría ignorar las opiniones de sus súbditos si le desagradan cuando quisiera. [31] En la obra, los personajes como el Bufón, Kent y Cordelia, cuyas lealtades son institucionales, viendo su primera lealtad al reino, son retratados de manera más favorable que aquellos como Regan y Goneril, quienes insisten en que solo son leales al rey, viendo sus lealtades como personales. [31] Asimismo, Jacobo era conocido por su estilo de vida desenfrenado y libertino y su preferencia por cortesanos aduladores que siempre cantaban sus alabanzas con la esperanza de ascender, aspectos de su corte que se parecen mucho a la corte del Rey Lear, que comienza en la obra con una corte desenfrenada y libertina de cortesanos aduladores. [32] Kent critica a Oswald como un hombre indigno de su cargo que solo ha sido ascendido por su adulación, y le dice a Lear que debería ser leal a aquellos que están dispuestos a decirle la verdad, una declaración que muchos en Inglaterra deseaban que Jacobo escuchara. [32]
Además, Jacobo VI de Escocia heredó el trono de Inglaterra tras la muerte de Isabel I en 1603, uniendo así los reinos de la isla de Gran Bretaña en uno solo, y un tema importante de su reinado fue el intento de forjar una identidad británica común. [33] Jacobo había dado a sus hijos Enrique y Carlos los títulos de duque de Cornualles y duque de Albany, los mismos títulos que llevaban los hombres casados con Regan y Goneril. [34] La obra comienza con Lear gobernando toda Gran Bretaña y termina con él destruyendo su reino; el crítico Andrew Hadfield argumentó que la división de Gran Bretaña por parte de Lear fue una inversión de la unificación de Gran Bretaña por parte de Jacobo, que creía que sus políticas darían como resultado un reino unificado bien gobernado y próspero que pasaría a su heredero. [34] Hadfield argumentó que la obra estaba destinada a ser una advertencia para Jacobo, ya que en la obra un monarca lo pierde todo al ceder ante sus cortesanos aduladores que solo buscan usarlo mientras descuidan a quienes realmente lo amaban. [34] Hadfield también argumentó que el mundo de la corte de Lear es "infantil", ya que Lear se presenta como el padre de la nación y exige que todos sus súbditos, no solo sus hijos, se dirijan a él en términos paternales, lo que infantiliza a la mayoría de las personas que lo rodean, lo que hace referencia directa a la declaración de James en su libro de 1598 The Trew Law of Free Monarchies de que el rey es el "padre de la nación", para quien todos sus súbditos son sus hijos. [35]
El Rey Lear proporciona una base para "la principal representación del colapso psíquico en la historia literaria inglesa". [36] La obra comienza con el "narcisismo casi de cuento de hadas" de Lear. [37]
Dada la ausencia de madres legítimas en El rey Lear , Coppélia Kahn [38] ofrece una interpretación psicoanalítica del "subtexto maternal" que se encuentra en la obra. Según Kahn, la vejez de Lear lo obliga a retroceder a una disposición infantil, y ahora busca un amor que tradicionalmente se satisface con una mujer maternal, pero en ausencia de una madre real, sus hijas se convierten en las figuras maternas. La contienda amorosa de Lear entre Goneril, Regan y Cordelia sirve como acuerdo vinculante; sus hijas recibirán su herencia siempre que cuiden de él, especialmente de Cordelia, de cuya "amable guardería" dependerá en gran medida. [ cita requerida ]
La negativa de Cordelia a dedicarse a él y amarlo como algo más que un padre ha sido interpretada por algunos como una resistencia al incesto, pero Kahn también inserta la imagen de una madre que rechaza. La situación es ahora una inversión de los roles padre-hijo, en la que la locura de Lear es una rabia infantil debido a su privación del cuidado filial/maternal. Incluso cuando Lear y Cordelia son capturados juntos, su locura persiste mientras Lear imagina una guardería en prisión, donde la única existencia de Cordelia es para él. Es solo con la muerte de Cordelia que su fantasía de una hija-madre finalmente disminuye, ya que El rey Lear concluye con solo personajes masculinos vivos. [ cita requerida ]
Sigmund Freud afirmó que Cordelia simboliza la muerte. Por lo tanto, cuando la obra comienza con Lear rechazando a su hija, se puede interpretar como que él rechaza la muerte; Lear no está dispuesto a enfrentar la finitud de su ser. La conmovedora escena final de la obra, en la que Lear lleva el cuerpo de su amada Cordelia, fue de gran importancia para Freud. En esta escena, Cordelia obliga a Freud a darse cuenta de su finitud o, como dijo Freud, hace que "se haga amigo de la necesidad de morir". [39]
Alternativamente, un análisis basado en la teoría adleriana sugiere que la disputa del Rey entre sus hijas en el Acto I tiene más que ver con su control sobre la soltera Cordelia. [40] Esta teoría indica que el "destronamiento" del Rey [41] podría haberlo llevado a buscar el control que perdió después de dividir su tierra. [ cita requerida ]
En su estudio sobre la caracterización de Edmund, Harold Bloom se refiere a él como «el personaje más original de Shakespeare». [42] «Como señaló Hazlitt», escribe Bloom, «Edmund no comparte la hipocresía de Goneril y Regan: su maquiavelismo es absolutamente puro y carece de un motivo edípico. La visión de Freud de los romances familiares simplemente no se aplica a Edmund. Yago es libre de reinventarse a sí mismo a cada minuto, pero tiene fuertes pasiones, por negativas que sean. Edmund no tiene pasiones de ningún tipo; nunca ha amado a nadie y nunca lo hará. En ese sentido, es el personaje más original de Shakespeare». [42]
La tragedia de la falta de comprensión de Lear de las consecuencias de sus demandas y acciones se suele comparar con la de un niño malcriado, pero también se ha observado que es igualmente probable que su comportamiento se observe en padres que nunca se han adaptado a que sus hijos hayan crecido. [43]
.jpg/1280px-King_Lear_and_Cordelia_(West,_1793).jpg)
Los críticos están divididos sobre la cuestión de si El rey Lear representa una afirmación de una doctrina cristiana particular. [44] Aquellos que piensan que sí lo es plantean diferentes argumentos, que incluyen la importancia del despojo de sí mismo de Lear. [45] Para algunos críticos, esto refleja los conceptos cristianos de la caída de los poderosos y la inevitable pérdida de las posesiones mundanas. En 1569, los sermones pronunciados en la corte, como los de Windsor, declaraban que "los hombres ricos son polvo de riqueza, los hombres sabios polvo de sabiduría... Desde el que viste de púrpura y lleva la corona hasta el que viste con la ropa más humilde, no hay nada más que gorgoteo, y volantes, y alzamiento, e ira persistente, y miedo a la muerte y a la muerte misma, y hambre, y muchos látigos de Dios". [45] Algunos ven esto en Cordelia y lo que ella simbolizaba: que el cuerpo material son meras cáscaras que eventualmente serían descartadas para poder alcanzar el fruto. [44]
Entre quienes sostienen que Lear es redimido en el sentido cristiano a través del sufrimiento están AC Bradley [46] y John Reibetanz, quien ha escrito: "a través de sus sufrimientos, Lear ha ganado un alma iluminada". [47] Otros críticos que no encuentran evidencia de redención y enfatizan los horrores del acto final incluyen a John Holloway [48] [ página requerida ] y Marvin Rosenberg. [49] [ página requerida ] William R. Elton enfatiza el escenario precristiano de la obra, escribiendo que "Lear cumple con los criterios de comportamiento pagano en la vida", cayendo "en la blasfemia total en el momento de su pérdida irredimible". [50] Esto está relacionado con la forma en que algunas fuentes citan que al final de la narrativa, el Rey Lear se enfureció contra el cielo antes de finalmente morir en la desesperación con la muerte de Cordelia. [51]
Harold Bloom sostiene que El rey Lear trasciende por completo el sistema moral y, por lo tanto, constituye uno de los mayores triunfos de la obra. Bloom escribe que en la obra no hay "... teología, ni metafísica, ni ética". [52]
El Rey Lear ha sido interpretado por actores respetados desde el siglo XVII, cuando los hombres interpretaban todos los papeles. Desde el siglo XX, varias mujeres han interpretado papeles masculinos en la obra; el más común es el del Loco, que ha sido interpretado (entre otros) por Judy Davis , Emma Thompson y Robyn Nevin . El propio Lear ha sido interpretado por Marianne Hoppe en 1990, [53] por Janet Wright en 1995, [54] por Kathryn Hunter en 1996-97, [55] y por Glenda Jackson en 2016 y 2019. [56]
Shakespeare escribió el papel de Lear para el trágico jefe de su compañía, Richard Burbage , para quien Shakespeare fue escribiendo personajes cada vez más viejos a medida que progresaban sus carreras. [57] Se ha especulado que el papel del Loco fue escrito para el payaso de la compañía, Robert Armin , o que fue escrito para que lo interpretara uno de los muchachos de la compañía , duplicando el papel de Cordelia. [58] [59] Solo se conoce una representación específica de la obra durante la vida de Shakespeare: ante la corte del rey Jacobo I en Whitehall el 26 de diciembre de 1606. [60] [61] Sus representaciones originales habrían sido en The Globe , donde no había decorados en el sentido moderno, y los personajes habrían significado sus roles visualmente con accesorios y vestuario: el vestuario de Lear, por ejemplo, habría cambiado en el transcurso de la obra a medida que su estatus disminuía: comenzando con corona y atuendos; luego como cazador; furioso con la cabeza descubierta en la escena de la tormenta; y finalmente coronado con flores en parodia de su estatus original. [62]
El gobierno puritano cerró todos los teatros el 6 de septiembre de 1642. Tras la restauración de la monarquía en 1660, se establecieron dos compañías patentadas (la Compañía del Rey y la Compañía del Duque ), y el repertorio teatral existente se dividió entre ellas. [63] Y desde la restauración hasta mediados del siglo XIX, la historia de la representación de El rey Lear no es la historia de la versión de Shakespeare, sino la de La historia del rey Lear , una adaptación popular de Nahum Tate . Sus desviaciones más significativas con respecto a Shakespeare fueron omitir por completo al Loco, introducir un final feliz en el que Lear y Cordelia sobreviven y desarrollar una historia de amor entre Cordelia y Edgar (dos personajes que nunca interactúan en Shakespeare) que termina con su matrimonio. [64] Como la mayoría de los adaptadores de Shakespeare de la Restauración, Tate admiraba el genio natural de Shakespeare, pero consideró adecuado aumentar su obra con los estándares contemporáneos del arte (que se guiaban en gran medida por las unidades neoclásicas de tiempo, lugar y acción). [65] La lucha de Tate por lograr un equilibrio entre la naturaleza cruda y el arte refinado es evidente en su descripción de la tragedia: "un montón de joyas, sin ensartar ni pulir; pero tan deslumbrantes en su desorden, que pronto percibí que había encontrado un tesoro". [66] [67] Otros cambios incluyeron darle a Cordelia un confidente llamado Arante, acercando la obra a las nociones contemporáneas de justicia poética y agregando material excitante como encuentros amorosos entre Edmund y Regan y Goneril, una escena en la que Edgar rescata a Cordelia del intento de secuestro y violación de Edmund, [68] [69] y una escena en la que Cordelia usa pantalones de hombre que revelarían los tobillos de la actriz. [70] La obra termina con una celebración de "la bendita Restauración del Rey", una obvia referencia a Carlos II . [c]
A principios del siglo XVIII, algunos escritores comenzaron a expresar objeciones a esta (y otras) adaptaciones de Shakespeare realizadas por la Restauración. Por ejemplo, en The Spectator del 16 de abril de 1711, Joseph Addison escribió: " El rey Lear es una tragedia admirable... tal como la escribió Shakespeare ; pero, al ser reformada según la noción quimérica de justicia poética, en mi humilde opinión ha perdido la mitad de su belleza". Sin embargo, en el escenario, la versión de Tate prevaleció. [d]
David Garrick fue el primer actor y director que comenzó a recortar elementos de la adaptación de Tate en favor del original de Shakespeare: mantuvo los principales cambios de Tate, incluido el final feliz, pero eliminó muchas de las líneas de Tate, incluido el discurso de cierre de Edgar. [72] También redujo la importancia de la historia de amor entre Edgar y Cordelia, para centrarse más en la relación entre Lear y sus hijas. [73] Su versión tuvo un poderoso impacto emocional: Lear llevado a la locura por sus hijas fue (en palabras de un espectador, Arthur Murphy) "la mayor angustia trágica jamás vista en un escenario" y, en contraste, la devoción mostrada a Lear por Cordelia (una mezcla de las contribuciones de Shakespeare, Tate y Garrick al papel) conmovió al público hasta las lágrimas. [e]
Es probable que las primeras representaciones profesionales de El Rey Lear en América del Norte hayan sido las de la Hallam Company (más tarde la American Company), que llegó a Virginia en 1752 y que contaba con la obra entre su repertorio en el momento de su partida a Jamaica en 1774. [74]
Charles Lamb estableció la actitud de los románticos hacia El rey Lear en su ensayo de 1811 "Sobre las tragedias de Shakespeare, consideradas en relación con su aptitud para la representación escénica", donde dice que la obra "es esencialmente imposible de ser representada en el escenario", prefiriendo experimentarla en el estudio. En el teatro, sostiene, "ver a Lear representado, ver a un anciano tambaleándose por el escenario con un bastón, echado a la calle por sus hijas en una noche lluviosa, no tiene nada más que doloroso y repugnante"; sin embargo, "mientras lo leemos, no vemos a Lear sino que somos Lear, estamos en su mente, nos sostiene una grandeza que desconcierta la malicia de las hijas y las tormentas". [75] [76] La crítica literaria Janet Ruth Heller profundiza en la hostilidad de Lamb, Samuel Taylor Coleridge y William Hazlitt hacia las representaciones de tragedias, especialmente las tragedias shakespearianas. Creían que tales puestas en escena apelaban más a los sentidos que a la imaginación. Sin embargo, la lectura estimula la imaginación. Además, Heller rastrea la historia de la idea de que la tragedia debe leerse, no representarse, hasta Platón y las lecturas erróneas de la Poética de Aristóteles . Véase Coleridge, Lamb, Hazlitt y el lector de drama , University of Missouri Press, 1990). [ cita requerida ]
El rey Lear fue políticamente controvertido durante el período de la locura de Jorge III y, como resultado, no se representó en absoluto en los dos teatros profesionales de Londres entre 1811 y 1820, pero luego fue objeto de importantes producciones en ambos, dentro de los tres meses posteriores a su muerte. [77] El siglo XIX vio la reintroducción gradual del texto de Shakespeare para desplazar la versión de Tate. Al igual que Garrick antes que él, John Philip Kemble había introducido más texto de Shakespeare, al tiempo que conservaba los tres elementos principales de la versión de Tate: la historia de amor, la omisión del Loco y el final feliz. Edmund Kean representó El rey Lear con su final trágico en 1823, pero fracasó y volvió a la obra de Tate que complació al público después de solo tres representaciones. [78] [79] Por fin, en 1838, William Macready en Covent Garden representó la versión de Shakespeare, liberada de las adaptaciones de Tate. [78] El personaje restaurado del Loco fue interpretado por una actriz, Priscilla Horton , como, en palabras de un espectador, "un niño frágil, frenético, de rostro hermoso y aspecto medio idiota". [80] Y la aparición final de Helen Faucit como Cordelia, muerta en los brazos de su padre, se convirtió en una de las imágenes victorianas más icónicas. [81] John Forster , escribiendo en el Examiner el 14 de febrero de 1838, expresó la esperanza de que "el éxito del Sr. Macready haya desterrado esa desgracia [la versión de Tate] del escenario para siempre". [82] Pero incluso esta versión no se acercaba a la de Shakespeare: los actores-gerentes del siglo XIX recortaron en gran medida los guiones de Shakespeare: terminando las escenas con grandes "efectos de telón" y reduciendo o eliminando los papeles secundarios para dar mayor prominencia a la estrella. [83] Una de las innovaciones de Macready —el uso de estructuras similares a Stonehenge en el escenario para indicar un entorno antiguo— resultó duradera en el escenario hasta el siglo XX y se puede ver en la versión televisiva de 1983 protagonizada por Laurence Olivier . [84]
En 1843 entró en vigor la Ley de Regulación de los Teatros , que puso fin a los monopolios de las dos compañías existentes y, con ello, aumentó el número de teatros en Londres. [80] Al mismo tiempo, la moda en el teatro era "pictórica": valoraba el espectáculo visual por encima de la trama o la caracterización y a menudo requería cambios de escena largos (y que consumían mucho tiempo). [85] Por ejemplo, El rey Lear de Henry Irving de 1892 ofrecía espectáculos como la muerte de Lear bajo un acantilado en Dover, con el rostro iluminado por el resplandor rojo de un sol poniente; a costa de cortar el 46% del texto, incluido el cegamiento de Gloucester. [86] Pero la producción de Irving claramente evocaba fuertes emociones: un espectador, Gordon Crosse, escribió sobre la primera entrada de Lear: "una figura llamativa con masas de pelo blanco. Está apoyado en una enorme espada envainada que levanta con un grito salvaje en respuesta al saludo de sus guardias. Su andar, su mirada, sus gestos, todo revela la mente noble e imperiosa que ya está degenerando en irritabilidad senil bajo los golpes venideros del dolor y la edad". [87]
La importancia del pictorialismo para Irving y para otros profesionales del teatro de la era victoriana se ejemplifica con el hecho de que Irving había usado la pintura Cordelia's Portion de Ford Madox Brown como inspiración para el aspecto de su producción, y que el propio artista fue contratado para proporcionar bocetos para los escenarios de otras escenas. [88] Una reacción contra el pictorialismo llegó con el surgimiento del movimiento reconstructivo, creyentes en un estilo simple de puesta en escena más similar al que habría pertenecido a los teatros renacentistas, cuyo principal exponente temprano fue el actor y director William Poel . Poel fue influenciado por una representación de El rey Lear dirigida por Jocza Savits en el Hoftheater de Múnich en 1890, ambientada en un escenario de plataforma con un teatro de reconstrucción de tres niveles como telón de fondo. Poel usaría esta misma configuración para sus propias actuaciones shakespearianas en 1893. [89]
A mediados de siglo, la tradición actor-director había declinado, para ser reemplazada por una estructura en la que las principales compañías de teatro empleaban a directores profesionales como autores. El último de los grandes actores-directores, Donald Wolfit , interpretó a Lear en 1944 en un decorado parecido a Stonehenge y fue elogiado por James Agate como "la mayor obra de teatro shakespeariana desde que tuve el privilegio de escribir para el Sunday Times ". [f] [91] Se supone que Wolfit bebió ocho botellas de Guinness en el transcurso de cada actuación. [g]
El personaje de Lear en el siglo XIX era a menudo el de un anciano frágil desde la escena inicial, pero los Lear del siglo XX a menudo comenzaban la obra como hombres fuertes que mostraban autoridad real, incluidos John Gielgud , Donald Wolfit y Donald Sinden . [93] Cordelia, también, evolucionó en el siglo XX: los Cordelias anteriores a menudo habían sido elogiados por ser dulces, inocentes y modestos, pero los Cordelias del siglo XX a menudo eran retratados como líderes de guerra. Por ejemplo, Peggy Ashcroft , en la RST en 1950, interpretó el papel con una coraza y portando una espada. [94] De manera similar, el Loco evolucionó a lo largo del siglo, con representaciones que a menudo derivaban de la tradición del music hall o del circo . [95]
En Stratford-upon-Avon, en 1962, Peter Brook (que más tarde filmaría la obra con el mismo actor, Paul Scofield , en el papel de Lear) situó la acción de forma sencilla, en un enorme escenario blanco vacío. El erudito Roger Warren dijo que el efecto de la escena en la que Lear y Gloucester se encuentran, dos pequeñas figuras vestidas con harapos en medio de este vacío, captaba "tanto el patetismo humano... como la escala universal... de la escena". [96] Los Beatles utilizaron algunas de las líneas de la emisión de radio para añadirlas a la mezcla grabada de la canción " I Am the Walrus ". John Lennon se topó con la obra en el tercer programa de la BBC mientras jugaba con la radio mientras trabajaba en la canción. Las voces de los actores Mark Dignam , Philip Guard y John Bryning de la obra se escuchan en la canción. [97] [98]
Al igual que otras tragedias shakespearianas, El rey Lear ha demostrado ser susceptible de conversión a otras tradiciones teatrales. En 1989, David McRuvie e Iyyamkode Sreedharan adaptaron la obra y luego la tradujeron al malabar para su representación en Kerala según la tradición Kathakali , que se desarrolló alrededor de 1600, contemporánea con la escritura de Shakespeare. El espectáculo luego salió de gira y en 2000 se representó en el Shakespeare's Globe , completando, según Anthony Dawson, "una especie de círculo simbólico". [99] Quizás aún más radical fue la adaptación de El rey Lear de Ong Keng Sen de 1997 , que contó con seis actores, cada uno actuando en una tradición de actuación asiática separada y en sus propios idiomas separados. Un momento crucial ocurrió cuando la intérprete de Jingju que interpretaba a la Hija Mayor (una combinación de Goneril y Regan) apuñaló a Lear, interpretado en Noh , cuyo "pino que cae" muerto, directamente de cara al escenario, asombró a la audiencia, en lo que Yong Li Lan describe como un "triunfo a través del poder conmovedor de la interpretación de Noh en el momento mismo de la derrota de su personaje". [100] [101]
En 1974, Buzz Goodbody dirigió Lear , un título deliberadamente abreviado para el texto de Shakespeare, como la producción inaugural del teatro de estudio de la RSC The Other Place . La actuación fue concebida como una pieza de cámara, el pequeño espacio íntimo y la proximidad a la audiencia permitieron una actuación psicológica detallada, que se realizó con decorados simples y vestimenta moderna. [102] Peter Holland ha especulado que esta decisión de la compañía/director (es decir, elegir presentar a Shakespeare en un lugar pequeño por razones artísticas cuando había un lugar más grande disponible) puede haber sido sin precedentes en ese momento. [102]
La visión previa de Brook de la obra resultó influyente, y los directores han ido más allá al presentar a Lear como (en palabras de RA Foakes ) "un patético anciano atrapado en un entorno violento y hostil". Cuando John Wood asumió el papel en 1990, interpretó las escenas posteriores con ropa que parecía usada, lo que invitaba a paralelismos deliberados con los desatendidos en las sociedades occidentales modernas. [103] De hecho, las producciones modernas de las obras de Shakespeare a menudo reflejan el mundo en el que se representan tanto como el mundo para el que fueron escritas: y la escena teatral de Moscú en 1994 proporcionó un ejemplo, cuando dos producciones muy diferentes de la obra (las de Sergei Zhonovach y Alexei Borodin), muy diferentes entre sí en su estilo y perspectiva, fueron ambas reflexiones sobre la desintegración de la Unión Soviética. [104]
En 2002 y 2010, la Hudson Shakespeare Company de Nueva Jersey presentó producciones separadas como parte de sus respectivas temporadas de Shakespeare en los parques . La versión de 2002 fue dirigida por Michael Collins y transpuso la acción a un entorno náutico de las Indias Occidentales. Los actores aparecieron con atuendos indicativos de apariencias de varias islas del Caribe. La producción de 2010 dirigida por Jon Ciccarelli se diseñó a partir de la atmósfera de la película Batman: el caballero de la noche con una paleta de rojos y negros y ambientó la acción en un entorno urbano. Lear (Tom Cox) apareció como el jefe de un conglomerado multinacional que dividió su fortuna entre su hija de la alta sociedad Goneril (Brenda Scott), su oficiosa hija del medio Regan (Noelle Fair) y su hija universitaria Cordelia (Emily Best). [105]
En 2012, el reconocido director canadiense Peter Hinton dirigió una producción de El rey Lear exclusivamente para las Primeras Naciones en el Centro Nacional de las Artes de Ottawa, Ontario, con el escenario cambiado a una nación algonquina en el siglo XVII. [106] El elenco incluyó a August Schellenberg como Lear, Billy Merasty como Gloucester, Tantoo Cardinal como Regan, Kevin Loring como Edmund, Jani Lauzon en un papel doble como Cordelia y el Loco, y Craig Lauzon como Kent. [106]
En 2015, el Theatre Passe Muraille de Toronto presentó una producción ambientada en el Alto Canadá con el telón de fondo de la Rebelión del Alto Canadá de 1837. Esta producción fue protagonizada por David Fox como Lear. [107]
En el verano de 2015-2016, la Sydney Theatre Company puso en escena El rey Lear , dirigida por Neil Armfield con Geoffrey Rush en el papel principal y Robyn Nevin como el Loco. Sobre la locura en el corazón de la obra, Rush dijo que para él "se trata de encontrar el impacto dramático en los momentos de su manía. Lo que parece funcionar mejor es encontrar una vulnerabilidad o un punto de empatía, donde un público puede mirar a Lear y pensar lo impactante que debe ser ser tan viejo y ser desterrado de su familia al aire libre en una tormenta. Ese es un nivel de empobrecimiento que nunca querrías ver en ningún otro ser humano, nunca". [108]
En 2016, Talawa Theatre Company y Royal Exchange Manchester coprodujeron una producción de El rey Lear con Don Warrington en el papel principal. [109] La producción, con un elenco mayoritariamente negro, fue descrita en The Guardian como "lo más cercano a lo definitivo que puede ser". [110] El Daily Telegraph escribió que "El rey Lear de Don Warrington es un tour de force desgarrador". [111] El rey Lear fue puesta en escena por la Royal Shakespeare Company , con Antony Sher en el papel principal. La actuación fue dirigida por Gregory Doran y fue descrita como de "fuerza y profundidad". [112]
En 2017, el Teatro Guthrie produjo una producción de El rey Lear con Stephen Yoakam en el papel principal. Armin Shimerman apareció como el bufón, interpretándolo con "una severidad inusual, pero funciona", [113] en una producción que fue aclamada como "una pieza de teatro devastadora y una producción que le hace justicia". [113]
El Rey Lear formó parte de la temporada 2023 del Festival de Stratford , con Paul Gross interpretando el papel principal. La producción fue dirigida por Kimberley Rampersad y se ambientó en "Un futuro cercano. Un reino al borde del precipicio". [114]
En octubre de 2023, una nueva producción dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh , ambientada en la Gran Bretaña neolítica, comenzó una presentación estrictamente limitada en el West End de Londres y se trasladó a The Shed en la ciudad de Nueva York en octubre de 2024. [115] Una versión con vestimenta moderna se montó en febrero de 2024 en el Teatro Almeida , dirigida por Yaël Farber . La producción contó con un Lear mucho más joven, interpretado por Danny Sapani , junto a Clarke Peters como el Loco, Fra Fee como Edmund, Gloria Obianyo como Cordelia, Matthew Tennyson como Edgar y Alec Newman como Kent.
La primera adaptación cinematográfica de El rey Lear fue una versión alemana de cinco minutos realizada alrededor de 1905, que no ha sobrevivido. [116] La versión existente más antigua es una versión de estudio de diez minutos de 1909 de Vitagraph, que, según Luke McKernan, tomó la "desaconsejada" decisión de intentar abarcar la mayor parte posible de la trama. [117] Dos versiones mudas, ambas tituladas Re Lear , se hicieron en Italia en 1910. De estas, la versión del director Gerolamo Lo Savio se filmó en el lugar, y eliminó la subtrama de Edgar y usó intertítulos frecuentes para hacer que la trama fuera más fácil de seguir que su predecesora de Vitagraph. [h] Se utilizó un entorno contemporáneo para la adaptación francesa de 1911 de Louis Feuillade Le Roi Lear Au Village , y en 1914 en Estados Unidos, Ernest Warde amplió la historia a una hora, incluyendo espectáculos como una escena de batalla final. [119]
La Casa de los extraños (1949) de Joseph Mankiewicz suele considerarse una adaptación de Lear , pero los paralelismos son más sorprendentes en Broken Lance (1954), en la que un barón ganadero interpretado por Spencer Tracy tiraniza a sus tres hijos, y solo el más joven, Joe, interpretado por Robert Wagner , permanece leal. [120]
La serie antológica televisiva Omnibus (1952-1961) presentó una versión de 73 minutos de El rey Lear el 18 de octubre de 1953. Fue adaptada por Peter Brook y protagonizada por Orson Welles en su debut televisivo estadounidense. [122]
Dos versiones cinematográficas de El rey Lear datan de principios de la década de 1970: Korol Lir de Grigori Kozintsev , [i] y la película de Peter Brook de El rey Lear , protagonizada por Paul Scofield . [125] La película de Brook dividió marcadamente a los críticos: Pauline Kael dijo: "No solo no me gustó esta producción, ¡la odié!" y sugirió el título alternativo La noche de los muertos vivientes . [j] Sin embargo, Robert Hatch en The Nation pensó que era "una excelente filmación de la obra como uno puede esperar" y Vincent Canby en The New York Times lo llamó "un Lear exaltante , lleno de terror exquisito". [k] La película se basó en las ideas de Jan Kott , en particular su observación de que El rey Lear fue el precursor del teatro absurdista , y que tiene paralelos con Final de juego de Beckett . [127] Los críticos a los que no les gusta la película llaman especialmente la atención sobre su naturaleza sombría desde el principio: se quejan de que el mundo de la obra no se deteriora con el sufrimiento de Lear, sino que comienza oscuro, descolorido e invernal, dejando, según Douglas Brode, "a Lear, a la tierra y a nosotros sin ningún lugar al que ir". [128] La crueldad impregna la película, que no distingue entre la violencia de personajes aparentemente buenos y malvados, presentando a ambos de forma salvaje. [129] Paul Scofield, como Lear, evita el sentimentalismo: este anciano exigente con una camarilla de caballeros rebeldes provoca simpatía en la audiencia por las hijas en las primeras escenas, y su presentación rechaza explícitamente la tradición de representar a Lear como "pobre patriarca de pelo blanco". [130]
El crítico Alexander Anikst ha elogiado a Korol Lir por el "enfoque serio, profundamente reflexivo" e incluso "filosófico" del director Grigori Kozintsev y el escritor Boris Pasternak . Al hacer una crítica apenas velada de Brook en el proceso, Anikst elogió el hecho de que no hubo "intentos de sensacionalismo, ningún esfuerzo por 'modernizar' a Shakespeare introduciendo temas freudianos, ideas existencialistas, erotismo o perversión sexual. [Kozintsev] ... simplemente ha hecho una película de la tragedia de Shakespeare". [l] Dmitri Shostakovich proporcionó una banda sonora épica, cuyos motivos incluyen una fanfarria de trompeta (cada vez más irónica) para Lear y un "Llamado a la muerte" de cinco compases que marca la desaparición de cada personaje. [132] Kozintzev describió su visión de la película como una pieza de conjunto: con Lear, interpretado por un dinámico Jüri Järvet , como el primero entre iguales en un elenco de personajes completamente desarrollados. [133] La película destaca el papel de Lear como rey al incluir a su pueblo a lo largo de la película en una escala que ninguna producción teatral podría emular, trazando el declive del personaje central desde su dios hasta su igual indefenso; su descenso final a la locura marcado por su comprensión de que ha descuidado a los "pobres desgraciados desnudos". [134] [135] A medida que avanza la película, los personajes despiadados (Goneril, Regan, Edmund) aparecen cada vez más aislados en las tomas, en contraste con el enfoque del director, a lo largo de la película, en las masas de seres humanos. [136]
Jonathan Miller dirigió dos veces a Michael Hordern en el papel principal para la televisión inglesa, la primera para Play of the Month de la BBC en 1975 y la segunda para BBC Television Shakespeare en 1982. Hordern recibió críticas mixtas y fue considerado una elección audaz debido a su historial de aceptar papeles mucho más ligeros. [137] También para la televisión inglesa, Laurence Olivier asumió el papel en una producción televisiva de 1983 para Granada Television. Fue su última aparición en pantalla en un papel shakespeariano. [138]
En 1985, apareció una importante adaptación cinematográfica de la obra: Ran , dirigida por Akira Kurosawa . En su momento, la película japonesa más cara jamás realizada, cuenta la historia de Hidetora, un señor de la guerra japonés ficticio del siglo XVI, cuyo intento de dividir su reino entre sus tres hijos conduce a un distanciamiento con el más joven, y en última instancia el más leal, de ellos, y finalmente a una guerra civil. [139] En contraste con los grises fríos y monótonos de Brook y Kozintsev, la película de Kurosawa está llena de colores vibrantes: escenas externas en amarillos, azules y verdes, interiores en marrones y ámbar, y los trajes codificados por colores ganadores del Oscar de Emi Wada para los soldados de cada miembro de la familia. [140] [139] Hidetora tiene una historia de fondo: un ascenso violento y despiadado al poder, y la película retrata víctimas contrastantes: los personajes virtuosos Sue y Tsurumaru que pueden perdonar, y la vengativa Kaede ( Mieko Harada ), la nuera de Hidetora y la villana de la película similar a Lady Macbeth . [141] [142]
Una escena en la que un personaje es amenazado con quedar ciego a la manera de Gloucester forma el clímax de la parodia de terror de 1973 Theatre of Blood . [143] Se hace un uso cómico de la incapacidad de Sir para llevar físicamente a cualquier actriz elegida como Cordelia frente a su Lear en la película de 1983 de la obra de teatro The Dresser . [144] Where the Heart Is de John Boorman de 1990 presenta a un padre que deshereda a sus tres hijos malcriados. [145] Francis Ford Coppola incorporó deliberadamente elementos de Lear en su secuela de 1990 El Padrino Parte III , incluido el intento de Michael Corleone de retirarse del crimen arrojando su dominio a la anarquía, y más obviamente la muerte de su hija en sus brazos. También se han establecido paralelismos entre el personaje de Andy García, Vincent, y Edgar y Edmund, y entre el personaje de Talia Shire, Connie, y Kaede en Ran . [146]
En 1997, Jocelyn Moorhouse dirigió A Thousand Acres , basada en la novela homónima de Jane Smiley ganadora del premio Pulitzer , ambientada en Iowa en los años 1990. [147] La película es descrita, por el académico Tony Howard, como la primera adaptación que enfrenta las inquietantes dimensiones sexuales de la obra. [146] La historia se cuenta desde el punto de vista de las dos hijas mayores, Ginny interpretada por Jessica Lange y Rose interpretada por Michelle Pfeiffer , quienes fueron abusadas sexualmente por su padre cuando eran adolescentes. Su hermana menor, Caroline, interpretada por Jennifer Jason Leigh , había escapado a este destino y, en última instancia, es la única que permanece leal. [148] [149]
En 1998, la BBC produjo una versión televisiva, [150] dirigida por Richard Eyre , de su premiada producción del Royal National Theatre de 1997, protagonizada por Ian Holm como Lear. En marzo de 2001, en una reseña publicada originalmente en culturevulture.net, el crítico Bob Wake observó que la producción era "particularmente notable por preservar la celebrada actuación teatral de Ian Holm en el papel principal. Los intérpretes estelares de Lear no siempre han sido tan afortunados". [151] Wake agregó que otras actuaciones habían sido mal documentadas porque sufrieron problemas tecnológicos ( Orson Welles ), producciones televisivas excéntricas ( Paul Scofield ) o fueron filmadas cuando el actor que interpretaba a Lear no se encontraba bien ( Laurence Olivier ). [152]
La obra fue adaptada al mundo de los gánsteres en My Kingdom (Mi reino) de Don Boyd en 2001 , una versión que se diferencia de todas las demás al comenzar con el personaje de Lear, Sandeman, interpretado por Richard Harris , en una relación amorosa con su esposa. Pero su muerte violenta marca el comienzo de una cadena de eventos cada vez más sombría y violenta (influenciada por el libro documental Dark Heart del coguionista Nick Davies ) que, a pesar de la negación del director de que la película tuviera "paralelismos serios" con la obra de Shakespeare, en realidad refleja de cerca aspectos de su trama. [153] [154]
A diferencia de Lear de Shakespeare, pero al igual que Hidetora y Sandeman, el personaje central de la adaptación televisiva estadounidense de 2002 de Uli Edel , King of Texas , John Lear interpretado por Patrick Stewart , tiene una historia de fondo centrada en su violento ascenso al poder como el terrateniente más rico (metafóricamente un "rey") en el Texas independiente del general Sam Houston a principios de la década de 1840. Daniel Rosenthal comenta que la película pudo, por haber sido encargada por el canal de cable TNT, incluir un final más sombrío y violento del que hubiera sido posible en las redes nacionales. [155] La película de dos partes de 2003, Second Generation, encargada por Channel 4, ambienta la historia en el mundo de la manufactura y la música asiáticas en Inglaterra. [156]
La serie de televisión canadiense de comedia dramática Slings & Arrows (2003-2006), que sigue un festival de teatro shakespeariano ficticio inspirado en el Festival de Stratford de la vida real en Ontario, dedica su tercera temporada a una producción problemática de El rey Lear . El actor ficticio que protagoniza como Lear (interpretado por William Hutt , quien en la vida real interpretó a Lear en el escenario de Stratford tres veces con gran éxito [157] ) recibe el papel a pesar de las preocupaciones sobre su avanzada edad y mala salud, además de una adicción secreta a la heroína descubierta por el director del teatro. Finalmente, el estado mental del actor se deteriora hasta que parece creer que es el propio Lear, deambulando en una tormenta y luego recitando sus líneas sin control. El propio William Hutt tenía mala salud cuando filmó el papel de televisión y murió menos de un año después del estreno de la tercera temporada. [158]
En 2008, se estrenó una versión de El Rey Lear producida por la Royal Shakespeare Company con Ian McKellen en el papel del Rey Lear. [159]
En la comedia romántica de 2012 Si yo fuera tú , hay una referencia a la obra cuando los personajes principales son elegidos para una versión femenina de El rey Lear ambientada en tiempos modernos, con Marcia Gay Harden elegida para el papel de Lear y Leonor Watling como "la tonta". Lear es una ejecutiva en un imperio corporativo en lugar de uno literal, siendo eliminada gradualmente de su puesto. La obra poco convencional (y su elenco) es un elemento importante de la trama de la película. [ cita requerida ] La serie de televisión de drama musical estadounidense Empire está parcialmente inspirada en El rey Lear . [160] [161] [162]
Carl Bessai escribió y dirigió una adaptación moderna de El rey Lear titulada The Lears . Estrenada en 2017, la película fue protagonizada por Bruce Dern , Anthony Michael Hall y Sean Astin . [163]
El 28 de mayo de 2018, BBC Two emitió El rey Lear, protagonizada por Anthony Hopkins en el papel principal y Emma Thompson como Goneril. Dirigida por Richard Eyre , la obra presentaba un entorno del siglo XXI. Hopkins, a la edad de 80 años, fue considerado ideal para el papel y "como en casa con la piel de Lear" por el crítico Sam Wollaston. [164]
La primera grabación de Argo Shakespeare para Argo Records fue El rey Lear en 1957, dirigida y producida por George Rylands con William Devlin en el papel principal, Jill Balcon como Goneril y Prunella Scales como Cordelia. [165]
La Shakespeare Recording Society grabó una producción de audio completa y sin abreviar en LP en 1965 (SRS-M-232) dirigida por Howard Sackler , con Paul Scofield como Lear, Cyril Cusack como Gloucester, Robert Stephens como Edmund, Rachel Roberts , Pamela Brown y John Stride .
El Rey Lear fue transmitido en vivo en el Tercer Programa de la BBC el 29 de septiembre de 1967, protagonizado por John Gielgud , Barbara Jefford , Barbara Bolton y Virginia McKenna como Lear y sus hijas. [166] En los estudios Abbey Road , John Lennon usó un micrófono conectado a una radio para sobregrabar fragmentos de la obra (Acto IV, Escena 6) [167] en la canción " I Am the Walrus ", que The Beatles estaban grabando esa noche. Las voces grabadas fueron las de Mark Dignam (Gloucester), Philip Guard (Edgar) y John Bryning (Oswald). [97] [98]
El 10 de abril de 1994, la Renaissance Theatre Company de Kenneth Branagh presentó una adaptación radiofónica dirigida por Glyn Dearman , protagonizada por Gielgud como Lear, con Keith Michell como Kent, Richard Briers como Gloucester, Dame Judi Dench como Goneril, Emma Thompson como Cordelia, Eileen Atkins como Regan, Kenneth Branagh como Edmund, John Shrapnel como Albany, Robert Stephens como Cornwall, Denis Quilley como Burgundy, Sir Derek Jacobi como France, Iain Glen como Edgar y Michael Williams como The Fool. [168]
Naxos AudioBooks lanzó una producción de audio en 2002 con Paul Scofield como Lear, Alec McCowen como Gloucester, Kenneth Branagh como The Fool y un elenco completo. [169] Fue nominada a un premio Audie de drama de audio en 2003.
En octubre de 2017, Big Finish Productions lanzó una adaptación en audio de un drama con un elenco completo. Adaptado por Nicholas Pegg . El elenco completo estaba protagonizado por David Warner como el Rey Lear titular, Lisa Bowerman como Regan, Louise Jameson como Goneril, Trevor Cooper como Oswald / Caballero de Lear / Tercer Mensajero, Raymond Coulthard (Edmund / Sirviente de Cornualles / Segundo Mensajero / Segundo Caballero), Barnaby Edwards (El Rey de Francia / Viejo / Heraldo), Ray Fearon (El Duque de Cornualles), Mike Grady (El Loco), Gwilym Lee (Edgar / el Duque de Borgoña), Tony Millan (El Conde de Gloucester / Primer Mensajero), Nicholas Pegg (El Duque de Albany / Sirviente de Gloucester / Curan) y Paul Shelley (El Conde de Kent) [170]
Giuseppe Verdi encargó un libreto para una ópera propuesta, Re Lear , pero nunca se compuso música.
La ópera Lear del compositor alemán Aribert Reimann se estrenó el 9 de julio de 1978.
La ópera La visión de Lear del compositor japonés Toshio Hosokawa se estrenó el 19 de abril de 1998 en la Bienal de Múnich .
La ópera Kuningas Lear del compositor finlandés Aulis Sallinen se estrenó el 15 de septiembre de 2000. [171]
La novela de Jane Smiley de 1991 , Mil acres , ganadora del Premio Pulitzer de ficción , está basada en El rey Lear , pero ambientada en una granja en Iowa en 1979 y contada desde la perspectiva de la hija mayor. [172]
La novela Fool de 2009 de Christopher Moore es un relato cómico del Rey Lear desde la perspectiva del bufón de la corte. [173]
La novela Dunbar de Edward St Aubyn de 2017 es un relato moderno del Rey Lear , encargado como parte de la serie Hogarth Shakespeare . [174]
El 27 de marzo de 2018, Tessa Gratton publicó una adaptación de alta fantasía del Rey Lear titulada The Queens of Innis Lear con Tor Books. [175]
La novela de Preti Taneja de 2018, We That Are Young, está basada en El rey Lear y ambientada en la India. [176]
La novela Learwife de 2021 de JR Thorpe imagina la historia de la esposa de Lear y la madre de sus hijos, que no está presente en la obra. [177]
Medios relacionados con El rey Lear en Wikimedia Commons
Audiolibro de dominio público El rey Lear en LibriVox