La música afroamericana es un término amplio que abarca una amplia gama de géneros musicales desarrollados en gran medida por los afroamericanos y su cultura . Sus orígenes se encuentran en formas musicales que se desarrollaron como resultado de la esclavitud de los afroamericanos antes de la Guerra Civil estadounidense . [1] [2] Se ha dicho que "todo género que nace en América tiene raíces negras". [3]
Los dueños de esclavos blancos subyugaron a sus esclavos física, mental y espiritualmente mediante actos brutales y degradantes. [4] Los estadounidenses blancos consideraron a los afroamericanos separados y desiguales durante siglos, y llegaron a extremos extraordinarios para mantenerlos oprimidos. Los esclavos afroamericanos crearon un tipo de música distintivo que jugó un papel importante en la era de la esclavitud. Los cantos de esclavos, comúnmente conocidos como cantos de trabajo , se utilizaban para combatir las penurias del trabajo físico. Las canciones de trabajo también se utilizaban para comunicarse con otros esclavos sin que el dueño los escuchara. La canción " Wade in the Water " fue cantada por esclavos para advertir a otros que intentaban irse que usaran el agua para oscurecer su rastro. Después de la Guerra Civil , los afroamericanos que tocaban música europea en bandas militares desarrollaron un nuevo estilo llamado ragtime que gradualmente evolucionó hacia el jazz . El jazz incorporó la sofisticada estructura polirrítmica de la danza y la música folclórica de los pueblos del África occidental y subsahariana . Estas formas musicales tuvieron una amplia influencia en el desarrollo de la música en los Estados Unidos y en todo el mundo durante el siglo XX. [5] [6]
Analizar la música africana a través del lente de la musicología europea puede dejar de lado gran parte del uso cultural del sonido y los métodos de creación musical. Algunos métodos de creación musical africana se traducen más claramente a través de la música misma y no en forma escrita. [7]
El blues y el ragtime se desarrollaron a finales del siglo XIX mediante la fusión de vocalizaciones de África occidental , que empleaban series armónicas naturales y notas azules . "Si uno considera los cinco criterios dados por Waterman como características grupales de la música de África Occidental , encuentra que tres han sido bien documentados como característicos de la música afroamericana. Procedimientos organizativos de llamada y respuesta , predominio de un enfoque de percusión en la música. , y el fraseo poco convencional de acentos melódicos se han citado como típicos del género en prácticamente todos los estudios de cualquier tipo de música afroamericana, desde canciones de trabajo , llamadas de campo o calle, gritos y espirituales hasta blues y jazz. [8]
Las raíces de la música popular estadounidense están profundamente entrelazadas con las contribuciones y la innovación afroamericanas. Las primeras grabaciones de jazz y blues surgieron en la década de 1910, marcando el comienzo de una era transformadora en la música. Estos géneros estuvieron fuertemente influenciados por las tradiciones musicales africanas y sirvieron de base para muchos desarrollos musicales en los años venideros.
Mientras los músicos afroamericanos seguían dando forma al panorama musical, la década de 1940 fue testigo del surgimiento del ritmo y el blues (R&B) . El R&B se convirtió en un género fundamental, mezclando elementos de jazz, blues y gospel , y sentó las bases para la evolución del rock and roll en la década siguiente. [9]
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La mayoría de los esclavos llegaron a América desde la costa occidental de África. [10] Esta área abarca la actual Nigeria , Ghana , Costa de Marfil , Senegal , Gambia y partes de Sierra Leona . [10] Las características armónicas y rítmicas de estas áreas, la instrumentación musical europea y la esclavitud impuesta a los afroamericanos contribuyeron a su música. [11] [12] [13]
Muchas de las formas musicales características que definen la música afroamericana tienen precedentes históricos. Estas formas anteriores incluyen: gritos de campo , beat boxing , canción de trabajo , palabra hablada , rap , scatting , llamada y respuesta , vocalidad (o efecto vocal especial: efectos guturales, vocalidad interpolada, falsete , melisma , ritmización vocal), improvisación , notas azules. , polirritmos ( síncopa , concrescencia, tensión, improvisación, percusión, nota swing ), textura (antifonía, homofonía , polifonía , heterofonía ) y armonía ( progresiones vernáculas ; armonía compleja de varias partes , como en los espirituales , el Doo Wop y la música de barbería) . ). [14]
El compositor estadounidense Olly Wilson esboza "ideales sonoros heterogéneos" [15] que definen patrones tradicionales y comunes en la música africana , como el uso del timbre , el tono , el volumen y la duración, y la incorporación del cuerpo a la hora de hacer música. Sus hallazgos incluyen usos de llamada y respuesta y la importancia de las interjecciones de la audiencia para expresar satisfacción o insatisfacción. [16] Estos ideales sonoros heterogéneos también se encuentran en muchos otros tipos de música.
A finales del siglo XVIII, los espirituales populares se originaron entre los esclavos del sur después de su conversión al cristianismo. Los esclavos reinterpretaron la práctica del cristianismo de una manera que tenía significado para ellos como africanos en América. A menudo cantaban a los espirituales en grupos mientras trabajaban en los campos de las plantaciones. Los espirituales afroamericanos ( Negro Spirituals ) se crearon en iglesias invisibles e iglesias negras regulares. Los himnos, la melodía y los ritmos eran similares a las canciones que se escuchaban en África occidental. Los negros esclavizados y libres crearon sus propias palabras y melodías. Los temas incluyen las dificultades de la esclavitud y la esperanza de libertad. [17]
Los espirituales de la era de la esclavitud se llaman Slave Shout Songs. Estas canciones de gritos las cantan hoy el pueblo Gullah Geechee y otros afroamericanos en iglesias y casas de alabanza. Durante la esclavitud, estas canciones eran mensajes codificados que hablaban de escapar de la esclavitud en el Ferrocarril Subterráneo y eran cantadas por afroamericanos esclavizados en los campos de las plantaciones para enviar mensajes codificados a otros esclavos, sin que los propietarios de esclavos lo supieran. [18]
Los esclavos también usaban tambores para comunicar mensajes de escape. En África occidental, los tambores se utilizan para comunicaciones, celebraciones y ceremonias espirituales. Los africanos occidentales esclavizados en los Estados Unidos continuaron fabricando tambores para enviar mensajes codificados a otros esclavos en las plantaciones. La fabricación y el uso de tambores por parte de africanos esclavizados fue prohibido después de la rebelión Stono en Carolina del Sur en 1739. [19] Los afroamericanos esclavizados utilizaron tambores para enviar mensajes codificados para iniciar revueltas de esclavos , y los propietarios de esclavos blancos prohibieron la creación y el uso de tambores. Después de la prohibición de los tambores, los esclavos hacían música rítmica golpeándose las rodillas, los muslos, los brazos y otras partes del cuerpo, una práctica llamada pattin Juba . [20] [21] La danza Juba fue originalmente traída por esclavos Kongo a Charleston, Carolina del Sur , y se convirtió en una danza de plantación afroamericana interpretada por esclavos durante las reuniones cuando los instrumentos rítmicos estaban prohibidos. [22] [23]
Los espirituales populares, a diferencia de muchos evangelios blancos, a menudo eran enérgicos. Los esclavos añadían al canto el baile (más tarde conocido como " el grito ") y otros movimientos corporales. También cambiaron las melodías y los ritmos de los salmos y los himnos , acelerando el tempo, añadiendo estribillos y coros repetidos y reemplazando textos por otros nuevos que a menudo combinaban palabras y frases en inglés y africano. Originalmente transmitidos oralmente, los espirituales populares han sido fundamentales en la vida de los afroamericanos durante más de tres siglos y han cumplido funciones religiosas, culturales, sociales, políticas e históricas. [24]
Los espirituales populares se crearon espontáneamente y se interpretaron en un estilo repetitivo e improvisado. Las estructuras de canciones más comunes son la llamada y respuesta ("Blow, Gabriel") y los coros repetitivos ("He Rose from the Dead"). La llamada y respuesta es un intercambio alterno entre el solista y los demás cantantes. El solista suele improvisar una línea a la que responden los demás cantantes, repitiendo la misma frase. La interpretación de canciones incorpora interjecciones de gemidos, llantos, gritos y cambios de timbres vocales, y puede ir acompañada de aplausos y pisotones.
Las grabaciones folklóricas del Instituto Smithsonian tienen muestras de canciones de gritos de esclavos afroamericanos. [25]
La influencia de los afroamericanos en la música estadounidense convencional comenzó en el siglo XIX con la llegada del juglar de cara negra . El banjo , de origen africano, se convirtió en un instrumento popular, y sus ritmos de origen africano fueron incorporados en canciones populares por Stephen Foster y otros compositores. Con el tiempo, la construcción del banjo adoptó algunas tradiciones europeas, como un diapasón plano. Algunos banjos tenían cinco cuerdas, a diferencia de la versión de tres cuerdas de África occidental. Esto resultó en la creación de varios tipos diferentes de banjos en los Estados Unidos. [26]
En la década de 1830, el Segundo Gran Despertar provocó un aumento de los avivamientos cristianos, especialmente entre los afroamericanos. Basándose en canciones de trabajo tradicionales , los afroamericanos esclavizados crearon e interpretaron una amplia variedad de música espiritual y otra música cristiana . Algunas de estas canciones eran mensajes codificados de subversión contra los propietarios de esclavos o señales para escapar. Por ejemplo, Harriet Tubman cantó mensajes codificados a su madre y a otros esclavos en el campo para hacerles saber que estaba escapando en el ferrocarril subterráneo. Tubman cantó: "Lo siento, te voy a dejar, adiós, oh adiós; pero te veré en la mañana, adiós, oh adiós, te veré en la mañana, estoy destinado a la tierra prometida, Al otro lado del Jordán, Con destino a la Tierra Prometida." [27] [28] [29]
Durante el período posterior a la Guerra Civil, continuó la difusión de la música afroamericana. Los Jubilee Singers de la Universidad Fisk realizaron una gira por primera vez en 1871. Artistas como Jack Delaney ayudaron a revolucionar la música afroamericana de la posguerra en el centro-este de los Estados Unidos. En los años siguientes, se formaron y realizaron giras tropas profesionales de "jubileo". La primera compañía negra de comedia musical, Hyers Sisters Comic Opera Co., se organizó en 1876. [30] En la segunda mitad del siglo XIX, las barberías a menudo servían como centros comunitarios, donde se reunían los hombres. Los cuartetos de barbería se originaron con hombres afroamericanos que socializaban en barberías; armonizaban mientras esperaban su turno, cantando espirituales, canciones folklóricas y canciones populares. Esto generó un nuevo estilo de canto sin acompañamiento en cuatro partes y en estrecha armonía. Más tarde, los cantantes juglares blancos se robaron el estilo y, en los primeros días de la industria discográfica, sus interpretaciones se grababan y vendían. A finales del siglo XIX, la música afroamericana era una parte integral de la cultura estadounidense dominante.
En un momento innovador en 1898, Broadway fue testigo del debut del primer musical creado por afroamericanos, cortesía de Bob Cole y Billy Johnson. El panorama musical experimentó otro hito en 1890 con la primera grabación de músicos negros, Bert Williams y George Walker , que destacaban la música de producciones de Broadway. Theodore Drury desempeñó un papel fundamental en el fomento del talento negro en la ópera y fundó la Drury Opera Company en 1900. A pesar de su corta duración hasta 1908, la compañía dejó una marca indeleble como pionera en la participación de los negros en la ópera. Avance rápido hasta 1911, donde la innovadora ópera folk ragtime de Scott Joplin , Treemonisha , ocupó un lugar central, agregando un capítulo único y vibrante a la historia de las contribuciones afroamericanas al ámbito musical. [31]
La primera parte del siglo XX vio un aumento en la popularidad del blues y el jazz . La música afroamericana en ese momento se clasificaba como "música racial". [32] Ralph Peer , director musical de Okeh Records , puso discos hechos por grupos "extranjeros" bajo ese sello. En ese momento, "raza" era un término comúnmente utilizado por la prensa afroamericana para hablar de la comunidad en su conjunto con un punto de vista empoderador, ya que una persona de "raza" era aquella involucrada en la lucha por la igualdad de derechos. [33] Los artistas de ragtime como Scott Joplin se hicieron populares y algunos se asociaron con el Renacimiento de Harlem y los primeros activistas de derechos civiles . También fueron visibles intérpretes blancos y latinos de música afroamericana. La música afroamericana a menudo se modificaba y diluía para que fuera más aceptable para el público blanco, que no habría aceptado a intérpretes negros, lo que dio lugar a géneros como la música swing .
A principios del siglo XX, los afroamericanos también se estaban convirtiendo en parte de la música clásica. Originalmente excluidos de las principales orquestas sinfónicas, los músicos negros podían estudiar en conservatorios de música fundados en la década de 1860, como la Escuela de Música de Oberlin , el Conservatorio Nacional de Música y el Conservatorio de Nueva Inglaterra . [34] Los negros también formaron orquestas sinfónicas en las principales ciudades como Chicago, Nueva Orleans y Filadelfia. Varias orquestas negras comenzaron a actuar regularmente a finales de la década de 1890 y principios del siglo XX. En 1906, se estableció en Filadelfia la primera orquesta negra incorporada. [35] A principios de la década de 1910, se fundaron en Nueva York escuelas de música exclusivamente para negros, como la Music School Settlement for Colored y la Martin-Smith School of Music. [36]
El Music School Settlement for Colored se convirtió en patrocinador de la orquesta Clef Club de Nueva York. La Orquesta Sinfónica del Clef Club atrajo a audiencias blancas y negras a conciertos en el Carnegie Hall de 1912 a 1915. Dirigida por James Reese Europe y William H. Tyers, la orquesta incluía banjos, mandolinas y trompas de barítono. Los conciertos incluyeron música escrita por compositores negros, en particular Harry T. Burleigh y Will Marion Cook . Otras series anuales de conciertos negros incluyen los conciertos "All-Colored Composers" de William Hackney en Chicago y los festivales de música de colores de Atlanta. [37]
El regreso del musical negro a Broadway se produjo en 1921 con Shuffle Along de Sissle y Eubie Blake . En 1927, se realizó un concierto sobre música negra en el Carnegie Hall que incluía jazz, música espiritual y la música sinfónica de la Orquesta de WC Handy y los Jubilee Singers. La primera película musical importante con un elenco negro fue Hallelujah de King Vidor de 1929. En el musical Show Boat (que tenía una parte escrita para Paul Robeson y un coro de Jubilee Singers) aparecieron artistas afroamericanos , y especialmente todos- óperas negras como Porgy and Bess y Four Saints in Three Acts de Virgil Thomson de 1934.
La primera sinfonía de un compositor negro interpretada por una orquesta importante fue la Sinfonía Afroamericana de William Grant Still (1930) por la Filarmónica de Nueva York . La Sinfonía en mi menor de Florence Beatrice Price fue interpretada en 1933 por la Orquesta Sinfónica de Chicago . [38] En 1934, la Orquesta de Filadelfia interpretó la Sinfonía Folklórica Negra de William Dawson . [39]
Billboard comenzó a hacer una lista separada de discos exitosos de la música afroamericana en octubre de 1942 con el "Harlem Hit Parade", que se cambió en 1945 a " Race Records ", y luego en 1949 a "Rhythm and Blues Records". [40] [41]
En la década de 1940, las versiones de canciones afroamericanas eran algo común y con frecuencia encabezaban las listas, mientras que las versiones originales no llegaban a la corriente principal. En 1955, Thurman Ruth convenció a un grupo de gospel para que cantara en el Teatro Apollo . Esta presentación de la música gospel en un entorno secular fue un éxito y organizó caravanas de gospel que viajaron por todo el país tocando en lugares que los cantantes de ritmo y blues habían popularizado. Mientras tanto, los intérpretes de jazz comenzaron a alejarse del swing hacia una música con arreglos más complejos, más improvisación y formas técnicamente desafiantes. Esto culminó con el bebop , el jazz modal de Miles Davis y el free jazz de Ornette Coleman y John Coltrane .
Los músicos afroamericanos de las décadas de 1940 y 1950 estaban desarrollando el ritmo y el blues en el rock and roll , que presentaba un fuerte ritmo de fondo . Entre los exponentes destacados de este estilo se encuentran Louis Jordan y Wynonie Harris . Sin embargo, la música rock and roll tuvo éxito comercial con grabaciones de músicos blancos, como Bill Haley y Elvis Presley , que tocaban una fusión de rock and roll negro y rockabilly basada en guitarras . La música rock se asoció más con artistas blancos, aunque algunos artistas negros como Chuck Berry y Bo Diddley tuvieron éxito comercial.
En 2017, National Public Radio escribió sobre la carrera de la hermana Rosetta Tharpe y concluyó con estos comentarios: Tharpe "era una cantante de gospel de corazón que se convirtió en una celebridad al forjar un nuevo camino musicalmente... A través de su inolvidable voz y su estilo cruzado de gospel swing , Tharpe influyó en una generación de músicos, incluidos Aretha Franklin , Chuck Berry y muchos otros... Ella fue, y es, una artista inigualable". [42]
Cuando la década de 1940 llegó a su fin, otros afroamericanos intentaron concertar conciertos como músicos clásicos en un esfuerzo por trascender las barreras raciales y nacionalistas de la era de la posguerra. En 1968, Henry Lewis se convirtió en el primer instrumentista afroamericano de una importante orquesta sinfónica estadounidense, uno de los primeros "embajadores musicales" en apoyo de la diplomacia cultural en Europa y el primer director afroamericano de un importante conjunto sinfónico estadounidense en 1968. [43 ] [44] [45] [46]
El término "rock and roll" tenía una fuerte connotación sexual en el jump blues y el R&B, pero cuando el DJ Alan Freed se refirió al rock and roll en la radio convencional a mediados de los años 50, "el componente sexual se había reducido lo suficiente como para convertirse simplemente en un término aceptable para bailar". [47]
El R&B fue una fuerte influencia en el rock and roll, según muchas fuentes, incluido un artículo del Wall Street Journal de 1985 titulado "¡Rock! Sigue siendo ritmo y blues". El autor afirma que "los dos términos se utilizaron indistintamente", hasta aproximadamente 1957. [48]
Fats Domino no estaba convencido de que existiera algún género nuevo. En 1957 dijo: "Lo que ahora llaman rock 'n' roll es ritmo y blues. Llevo 15 años tocándolo en Nueva Orleans". [49] Según Rolling Stone , "esta es una afirmación válida... todos los rockeros de los años cincuenta, blancos y negros, nacidos en el campo y criados en la ciudad, fueron fundamentalmente influenciados por el R&B, la música popular negra de finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta". [50] El reconocimiento de Elvis Presley de la importancia de artistas como Fats Domino fue significativo, según un artículo de 2017: la "defensa de los músicos negros como parte de una narrativa que vio muchos aspectos positivos en el creciente interés de los jóvenes blancos por la música de origen afroamericano". estilos". [51] En un evento de prensa en 1969, Presley presentó a Fats Domino y dijo: "Ese es el verdadero Rey del Rock 'n' Roll"... una gran influencia para mí cuando comencé". [52]
A mediados de la década de 1950, artistas blancos estaban "cubriendo" muchas canciones de R&B y las grabaciones obtuvieron más difusión en las principales estaciones de radio. Por ejemplo, "Presley rápidamente versionó "Tutti Frutti"... Y lo mismo hizo Pat Boone", según New Yorker . "En 1956, el setenta y seis por ciento de las mejores canciones de R.&.B. también llegaron a las listas de pop; en 1957, el ochenta y siete por ciento llegó a las listas de pop; en 1958, fue el noventa y cuatro por ciento. El mercado se había convertido en el mercado principal y las grandes empresas habían entrado en acción". [53]
La década de 1950 marcó un aumento significativo en el atractivo del blues , cautivando al público tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido, al otro lado del charco, con reminiscencias de los estilos de principios del siglo XX. Junto a este resurgimiento del blues, el Doo-wop es el centro del escenario, encantando a los oyentes con su combinación única de armonías vocales grupales, sílabas divertidas y sin sentido, instrumentación mínima y letras sencillas. El doo-wop, que a menudo presentaba artistas solistas con grupos de acompañamiento, enfatizaba a los cantantes principales que desempeñaban un papel destacado en el arreglo musical. Simultáneamente, a mediados de la década de 1950 surgió una versión secularizada de la música gospel estadounidense , conocida como soul , liderada por pioneros como Ray Charles , [54] Jackie Wilson y Sam Cooke . [55] Esta ola conmovedora tuvo un impacto profundo, influyendo no solo en la música surf , sino que también allanó el camino para grupos de chicas que encabezaron las listas como The Angels y The Shangri-Las . En 1959, en una revolución del baile, Hank Ballard lanzó una canción adaptada a la nueva moda del baile, "The Twist", que se convertiría en una sensación que definiría los principios de los años 60. [56]
En 1959, Berry Gordy fundó Motown Records , el primer sello discográfico que presentaba principalmente artistas afroamericanos, cuyo objetivo era lograr un éxito cruzado. El sello desarrolló un estilo de música soul innovador y comercialmente exitoso con elementos pop distintivos. Su lista inicial incluía The Miracles , Martha and the Vandellas , Marvin Gaye , The Temptations y The Supremes . [57] Las divas negras como Aretha Franklin se convirtieron en estrellas cruzadas de los años 60. En el Reino Unido, el blues británico se convirtió gradualmente en un fenómeno generalizado, regresando a los Estados Unidos en la forma de British Invasion , un grupo de bandas lideradas por The Beatles y The Rolling Stones que interpretaban blues y pop inspirado en el R&B con estilos tanto tradicionales como modernos. aspectos. WGIV en Charlotte, Carolina del Norte , fue una de las pocas estaciones de radio dedicadas a la música afroamericana que comenzaron durante este período.
La invasión británica eliminó a muchos artistas negros de las listas pop estadounidenses, aunque a algunos, como Otis Redding , Wilson Pickett , Aretha Franklin y varios artistas de Motown, les siguió yendo bien. La música soul, sin embargo, siguió siendo popular entre los negros a través de nuevas formas como el funk , desarrollado a partir de las innovaciones de James Brown . [58] En 1961, Stevland Hardaway Morris, de 11 años, hizo su primer disco bajo el sello Tamla de Motown como Stevie Wonder . [59]
En 1964, la Ley de Derechos Civiles prohibió formas importantes de discriminación hacia los afroamericanos y las mujeres. A medida que las tensiones comenzaron a disminuir, más músicos afroamericanos pasaron a la corriente principal. Algunos artistas que se cruzaron con éxito fueron Aretha Franklin , James Brown y Ella Fitzgerald en los mundos del pop y el jazz, y Leontyne Price y Kathleen Battle en la música clásica.
A finales de la década, los negros eran parte de la psicodelia y las primeras tendencias del heavy metal , particularmente a través de la influencia de los omnipresentes Beatles y las innovaciones en la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix . [60] Hendrix fue uno de los primeros guitarristas en utilizar retroalimentación de audio , fuzz y otros pedales de efectos como el pedal wah wah para crear un sonido de solo de guitarra único. El soul psicodélico , una mezcla de rock psicodélico y soul, comenzó a florecer con la cultura de los años 1960. Aún más popular entre los negros, y con más atractivo cruzado, fue el soul orientado a los álbumes a finales de los años 1960 y principios de los 1970, que revolucionó la música afroamericana. Las letras inteligentes e introspectivas del género, a menudo con un tono socialmente consciente, fueron creadas por artistas como Marvin Gaye en What's Going On y Stevie Wonder en Songs in the Key of Life .
En la década de 1970, el soul orientado a álbumes continuó su popularidad, mientras que músicos como Smokey Robinson ayudaron a convertirlo en música de Quiet Storm . El funk evolucionó en dos vertientes, una fusión pop-soul-jazz-bass iniciada por Sly & the Family Stone , y una fusión más psicodélica personificada por George Clinton y su conjunto P-Funk . La música disco evolucionó a partir de músicos negros que creaban música soul con una melodía acelerada. Isaac Hayes , Barry White , Donna Summer y otros ayudaron a popularizar la música disco, que obtuvo un gran éxito.
Algunos artistas afroamericanos, incluidos The Jackson 5 , Roberta Flack , Teddy Pendergrass , Dionne Warwick , Stevie Wonder , The O'Jays , Gladys Knight & the Pips y Earth, Wind & Fire, encontraron audiencias cruzadas, mientras que los oyentes blancos prefirieron el country rock . cantautores, rock de estadio , soft rock , glam rock y, hasta cierto punto, heavy metal y punk rock .
Durante la década de 1970, The Dozens , una tradición afroamericana urbana que utilizaba bromas ridículas y rimadas, se convirtió en jive callejero a principios de la década de 1970, que a su vez inspiró el hip-hop a finales de la década de 1970. Artistas de palabra hablada como The Watts Prophets , The Last Poets , Gil Scott-Heron y Melvin Van Peebles fueron algunos de los innovadores del hip-hop temprano. Muchos jóvenes del Bronx utilizaron este medio para comunicar la injusticia que enfrentaban las minorías en ese momento. Los DJ tocaban discos, típicamente funk, mientras que los MC presentaban las pistas al público que bailaba. Con el tiempo, los DJ comenzaron a aislar y repetir los descansos de percusión, produciendo un ritmo constante y eminentemente bailable, sobre el cual los MC comenzaron a rapear, usando rimas y letras sostenidas. [61] El hip-hop se convertiría en un movimiento multicultural en una América negra juvenil, liderado por artistas como Kurtis Blow y Run-DMC .
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Michael Jackson tuvo un éxito récord con sus álbumes de la década de 1980 Off the Wall , Bad y el álbum más vendido de todos los tiempos, Thriller . Jackson allanó el camino para otros solistas negros exitosos como Prince , Lionel Richie , Luther Vandross , Tina Turner , Whitney Houston y Janet Jackson (hermana de Michael). El pop y el dance-soul de esta época inspiraron el nuevo jack swing a finales de la década. [ cita necesaria ]
El hip-hop se extendió por todo el país y se diversificó. Techno , dance, bajo de Miami , post-disco , house de Chicago , hardcore de Los Ángeles y go-go de Washington, DC se desarrollaron durante este período, y solo el bajo de Miami logró el éxito general. En poco tiempo, el bass de Miami quedó relegado principalmente al sureste de Estados Unidos , mientras que el house de Chicago había hecho grandes avances en los campus universitarios y los estadios de baile (es decir, el sonido de almacén, el rave ). El Go-go de Washington atrajo una modesta atención nacional con canciones como Da Butt (1988) de EU , pero resultó ser un fenómeno principalmente regional. El sonido house de Chicago se había expandido al ambiente musical de Detroit y comenzó a utilizar sonidos más electrónicos e industriales, creando el techno , el acid y el Jungle de Detroit . La combinación de estos sonidos experimentales, generalmente orientados a DJ, con el sonido disco multiétnico de Nueva York de las décadas de 1970 y 1980 creó una marca de música que fue más apreciada en las grandes discotecas de las grandes ciudades. El público europeo adoptó este tipo de música electrónica de baile con más entusiasmo que sus homólogos norteamericanos. [ cita necesaria ]
Aproximadamente desde 1986, el rap entró en la corriente principal con Raising Hell de Run-DMC y Licensed to Ill de Beastie Boys . Licensed to Ill fue el primer álbum de rap que entró en el puesto número uno del Billboard 200 y abrió la puerta a los raperos blancos. Ambos grupos mezclaron rap y rock, atrayendo a ambos públicos. El hip-hop despegó desde sus raíces y la edad de oro del hip hop floreció, con artistas como Eric B. & Rakim , Public Enemy , LL Cool J , Queen Latifah , Big Daddy Kane y Salt-N-Pepa . El hip-hop se hizo popular en los Estados Unidos y se convirtió en un fenómeno mundial a finales de los años 1990. La escena de la edad de oro terminaría a principios de la década de 1990 cuando el gangsta rap y el G-funk tomaron el control, con los artistas de la costa oeste Dr. Dre , Snoop Dogg , Warren G y Ice Cube , los artistas de la costa este Notorious BIG , Wu-Tang Clan y Mobb. Deep y los sonidos de la bravuconería, la compasión y la conciencia social de los hombres negros urbanos. [ cita necesaria ]
Si bien la música heavy metal fue creada casi exclusivamente por intérpretes blancos en las décadas de 1970 y 1980, hubo algunas excepciones. En 1988, la banda de heavy metal totalmente negra Living Color logró un gran éxito con su álbum debut Vivid , alcanzando el puesto número 6 en el Billboard 200 , gracias a su sencillo Top 20 " Cult of Personality ". La música de la banda contenía letras que atacaban lo que percibían como eurocentrismo y racismo en Estados Unidos. Una década más tarde, más artistas negros como Lenny Kravitz , Body Count , Ben Harper y muchos otros empezarían a tocar rock nuevamente. [ cita necesaria ]
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El R&B contemporáneo , la versión post-disco de la música soul , siguió siendo popular durante las décadas de 1980 y 1990. Grupos vocales masculinos como The Temptations y The O'Jays fueron especialmente populares, así como New Edition , Boyz II Men , Jodeci , Dru Hill , Blackstreet y Jagged Edge . Los grupos de chicas, incluidos TLC , Destiny's Child , SWV y En Vogue , también tuvieron mucho éxito. [ cita necesaria ]
Cantautores como R. Kelly , Mariah Carey , Montell Jordan , D'Angelo , Aaliyah y Raphael Saadiq de Tony! ¡Toñi! ¡Tono! También fueron populares durante la década de 1990. Mary J. Blige , Faith Evans y BLACKstreet popularizaron una mezcla de fusión conocida como hip-hop soul . El movimiento neo soul de la década de 1990, con influencias del soul clásico, fue popularizado a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000 por artistas como D'Angelo , Erykah Badu , Maxwell , Lauryn Hill , India . Arie , Alicia Keys , Jill Scott , Angie Stone. , Bilal y Musiq Soulchild . Una reseña discográfica afirmó que el álbum Voodoo (2000) de D'Angelo, aclamado por la crítica, "representa la música afroamericana en una encrucijada... Llamarla simplemente alma neoclásica... sería ignorar los elementos del jazz de vodevil ". , trompas de Memphis , blues ragtime , funk y ritmos de bajo, sin mencionar el hip-hop, que se escapa de cada poro de estas canciones embrujadas." [62] El soul de ojos azules es música soul interpretada por artistas blancos, incluidos Michael McDonald , Christina Aguilera , Amy Winehouse , Robin Thicke , Michael Bolton , Jon B. , Lisa Stansfield , Teena Marie , Justin Timberlake , Joss Stone , George Michael , y Anastacia . [ cita necesaria ]
Junto con la influencia del cantautor en el hip-hop y el R&B, hubo un aumento en la creatividad y expresión a través de la música Rap . Tupac , The Notorious BIG ("Biggie"), NWA , Lil' Kim , Snoop Dogg y Nas irrumpieron en la industria musical. El rap de los 90 introdujo muchos otros subgéneros, incluido el gangsta rap , el rap consciente y el rap pop . [63] Gangsta rap se centró en la violencia de las pandillas, el tráfico de drogas y la pobreza. [63] También fue un actor importante en la rivalidad entre el hip hop entre la costa este y la costa oeste . Los principales actores de esta rivalidad fueron Tupac y Suge Knight en la costa oeste y The Notorious BIG y Diddy en la costa este.
A principios de la década de 2000, el R&B comenzó a centrarse en artistas solistas con atractivo pop, incluidos Usher , Beyoncé y Rihanna , nacida en el Caribe . Esta música estuvo acompañada de videos musicales creativos y únicos como "Crazy in Love" de Beyoncé, "Pon de Replay" de Rihanna y "Caught Up" de Usher. Estos vídeos ayudaron al R&B a ser más rentable y más popular de lo que había sido en los años 1990. La línea entre hip-hop, R&B y pop fue desdibujada por productores como Timbaland y Lil Jon , y por artistas como Missy Elliott , T-Pain , Nelly , Akon y OutKast . [ cita necesaria ]
El hip-hop sigue siendo un género creado y dominado por afroamericanos. En sus primeros años, las letras trataban sobre las dificultades de ser negro en los Estados Unidos. Los sellos discográficos de propiedad blanca controlaron cómo se comercializaba el hip-hop, lo que resultó en cambios en las letras y la cultura del hip-hop para adaptarse al público blanco. Los académicos y creadores de hip-hop afroamericanos notaron este cambio. El hip-hop se utiliza para vender automóviles, teléfonos móviles y otras mercancías. [64] [65]
El movimiento hip-hop se ha vuelto cada vez más común a medida que la industria musical ha tomado el control de él. Esencialmente, "desde el momento en que 'Rapper's Delight' se convirtió en platino, el hiphop, la cultura popular, se convirtió en el espectáculo secundario de la industria del entretenimiento estadounidense". [66]
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A principios de la década de 2000, 50 Cent era uno de los artistas afroamericanos más populares. En 2005, su álbum The Massacre vendió más de un millón de álbumes en su primera semana. En 2008, el álbum Tha Carter III de Lil Wayne también vendió más de un millón de copias en su primera semana. [67]
Un año después de la inesperada muerte de Michael Jackson en 2009, su patrimonio generó 1.400 millones de dólares en ingresos. Un documental que contiene imágenes de ensayo de la gira This Is It programada de Jackson , titulado Michael Jackson's This Is It , fue lanzado el 28 de octubre de 2009 y se convirtió en la película de concierto más taquillera de la historia. [68]
En 2013, ningún músico afroamericano ocupó el número uno del Billboard Hot 100, el primer año en el que no hubo un récord número uno de un afroamericano en los 55 años de historia de la lista. [69] J. Cole , Beyoncé , Jay Z y el medio canadiense Drake fueron todos los artistas musicales más vendidos este año, pero ninguno llegó al número uno del Billboard Hot 100 , lo que generó mucho debate. [70]
La música de protesta negra se generalizó en la década de 2010. [71] Beyoncé, su hermana Solange , Kanye West , Frank Ocean y Rihanna lanzaron álbumes de protesta negra. Beyoncé lanzó su primer álbum de "protesta negra", Lemonade , en 2016.
A finales de la década de 2010, el rap murmurado que se originó en el inglés vernáculo afroamericano se hizo popular entre artistas como Playboi Carti , Young Thug y Lil Baby . [72] [ se necesita una mejor fuente ] [73] [ se necesita una mejor fuente ] Mumble rap se centra en la melodía de la canción más que en la letra, y tiene una gran base instrumental. En una conversación con el conocido rapero HipHopDx, Future dijo: "Cuando hago estilo libre, sé que hay partes que realmente no entiendes, pero eso es lo que te gusta; de eso se trata para mí, eso es arte". [74]
A principios de la década de 2020, hubo una forma de música afroamericana que irrumpió en escena. Este género ha ganado fuerza recientemente, pero existe desde principios de la década de 2010 y se originó en Chicago. Este género se llama Drill Music . Hay artistas como Lil Durk , B-Lovee , Ice Spice y muchos más que entraron en escena expresándose y contando historias a través de un estilo de música único y agresivo. A menudo, el artista incorporaba ritmos de fondo antiguos y conocidos de muchas canciones populares del pasado y le agregaba su toque.
A través de la hibridación de elementos culturales africanos, europeos y nativos americanos, la música afroamericana se ha convertido en "un fenómeno distintivamente americano". [75]
La música creada durante la era de Jim Crow y los derechos civiles despertó "la pasión y la determinación del Movimiento de Derechos Civiles del Sur" que "proporcionó un acompañamiento musical conmovedor a la campaña por la justicia y la igualdad racial". [76] Hombres, mujeres y niños afroamericanos de todo el país se reunieron en entornos sociales como marchas, reuniones masivas, iglesias e incluso cárceles y "transmitieron la urgencia moral de la lucha por la libertad". [76] La música afroamericana sirvió para elevar el espíritu y el corazón de quienes luchaban por los derechos civiles. [76] Guy Carawan se refirió al Movimiento por los Derechos Civiles como "el mayor movimiento de canto que este país ha experimentado". [77]
A menudo llamado "el himno del Movimiento por los Derechos Civiles", " We Shall Overcome " fue un himno del siglo XIX que se utilizó como canción de protesta laboral en una huelga contra American Tobacco en Charleston, Carolina del Sur, en 1945-1946. [77] [78] Zilhpia Horton lo escuchó en un campo de tabaco de Tennessee en un piquete en 1946, y un trabajador llamado Lucille Simmons cambió la redacción original de "Venceré" por "Venceremos". lo que lo hizo más poderoso para el Movimiento de Derechos Civiles. [77]
En 1947, Horton añadió algunos versos a la canción y le enseñó a Pete Seeger su versión. [77] Seeger revisó la canción de "We will" a "We will". [78] En abril de 1960 en Raleigh, Carolina del Norte, el cantante folk Guy Carawan cantó la nueva versión en la convención fundacional del Comité Coordinador Estudiantil No Violento (SNCC) , iniciando su rápida difusión por todo el Movimiento por los Derechos Civiles. [77] Seeger, Carawan y Frank Hamilton registraron los derechos de autor de la canción para evitar que se convirtiera en una "canción pop comercializada". [77]
"Venceremos" continuó difundiéndose rápidamente a medida que el Movimiento de Derechos Civiles ganaba apoyo e impulso. [78] Manifestantes de todo el país cantaron la canción mientras marchaban por los derechos, fueron golpeados, atacados por perros policía y enviados a prisión por violar las leyes de segregación. [78] "We Shall Overcome" y muchas otras canciones de protesta durante el movimiento por los derechos civiles se convirtieron en su banda sonora. [78] Fuera de los EE. UU., la canción se ha utilizado en movimientos por la libertad en todo el mundo. [78] En la India, la canción se conoce como " Hum Honge Kaamyaab ", que es una canción que la mayoría de los niños en edad escolar en la India se saben de memoria. [78]
El Festival Cultural de Harlem fue una serie de conciertos de música celebrados en el parque Mount Morris de Harlem en la ciudad de Nueva York. Este festival "celebró la música y la cultura afroamericanas y promovió la política continua del orgullo negro". [79] A las 3 de la tarde los domingos del 29 de junio de 1969 al 24 de agosto de 1969, los artistas actuaban ante una audiencia de decenas de miles de personas. [79] Los artistas que actuaron fueron Stevie Wonder , Nina Simone , BB King , Sly and the Family Stone , The 5th Dimension , Gladys Knight & the Pips , Mahalia Jackson y muchos otros. [79]
Las tiendas de discos desempeñaron un papel vital en las comunidades afroamericanas durante muchas décadas. En las décadas de 1960 y 1970 , operaban entre 500 y 1.000 tiendas de discos de propiedad negra en el sur de Estados Unidos, y probablemente el doble en todo Estados Unidos. Según The Political Economy of Black Music de Norman Kelley , "la música negra existe en una relación neocolonial con la industria musical de 12 mil millones de dólares, que consta de seis compañías discográficas". Los empresarios afroamericanos adoptaron las tiendas de discos como vehículos clave para el empoderamiento económico y espacios públicos críticos para los consumidores negros en un momento en que muchas empresas de propiedad de negros estaban cerrando en medio de la desegregación . [80] Innumerables afroamericanos han trabajado como intérpretes musicales, propietarios de clubes, disc jockeys de radio , promotores de conciertos y propietarios de sellos discográficos. Muchas empresas utilizan música afroamericana para vender sus productos. Empresas como Coca-Cola , Nike y Pepsi han utilizado música afroamericana en publicidad. [81]
El jazz y el hip-hop viajaron a África y Asia e influyeron en otros géneros de la música africana y asiática. [82] Muchos afirman que sin la música afroamericana, no habría música estadounidense. [83] Las canciones que los africanos trajeron a Estados Unidos crearon una base para la música estadounidense. [83] Los estilos de textura, la jerga y el inglés vernáculo afroamericano influyeron en la cultura pop estadounidense y la cultura global. La forma en que los afroamericanos se visten en los videos de hip-hop y cómo hablan los afroamericanos se copia en el mercado estadounidense y en el mercado global. [84] [85]
Afrobeat es un género musical nigeriano creado por el artista nigeriano Fela Kuti . El afrobeat comenzó a principios del siglo XX en Nigeria con una combinación de Highlife , música yoruba y jazz . [86] Los años entre guerras (1918-1939) fueron una época particularmente fértil para la formación de tradiciones musicales urbanas pan-occidentales. [87] Kuti fusionó la música tradicional de África occidental con la música afroamericana de jazz, R&B y otros géneros de música de África occidental y afroamericana. [88] La música funk, el estilo de baile y la percusión afroamericana de James Brown influyeron en el Afrobeat. [89] En Londres , Kuti se unió a bandas de jazz y rock, y regresó a Nigeria, creando Afrobeat fusionando la música afroamericana y tradicional yoruba con la música Highlife . En 1969, Kuti realizó una gira por los Estados Unidos y se inspiró en el activismo político de los afroamericanos. Estudió la vida de Malcolm X y se inspiró en sus discursos a favor de los negros. Esto resultó en un cambio en el mensaje de Kuti cuando comenzó a discutir las cuestiones políticas en África y Nigeria. [90] Por el contrario, "Afrobeats" es un término aplicado a una amplia gama de géneros populares en toda África. La música denominada Afrobeats, a diferencia de Kuti, suele ser alegre, generada digitalmente y cantada en inglés, África occidental y lenguas pidgin. La música de Kuti se caracterizó por su contenido político y estilo orquestal, mientras que Afrobeats tomó influencia de muchos temas musicales que se encuentran en el R&B y el Hip-Hop/Rap (amor, sexo, drogas, dinero, tiempos difíciles, fama). [91]
El hip-hop llegó a Corea en la década de 1990 y se convirtió en hip-hop coreano y música K-pop coreana . [92] Algunos artistas coreanos se han apropiado de la lengua vernácula afroamericana y otros aspectos de la cultura negra. [93] [94] Se sabe que grupos como el grupo de chicas MAMAMOO se visten con la cara negra, y otros hablan en "blaccents" y usan su cabello en estilos étnicos. El artista Zico ha utilizado la palabra n en su música y ha afirmado que tiene un "alma negra". [95] A partir de 2020, dentro del "K-pop, la cara negra, pronunciar o decir insultos raciales y los usos puramente estéticos de la cultura y los peinados negros" todavía eran comunes, [96] sin necesariamente comprender, honrar o acreditar sus raíces afroamericanas. . [95] Según fuentes citadas en un artículo de The Guardian de 2020, muchos artistas de K-pop no muestran apoyo a las cuestiones de justicia social afroamericana. "[M]uchos fanáticos internacionales están esperando que la industria desarrolle una comprensión más sensible y globalizada de la raza". [96] En coreano hay frases que se han malinterpretado y suenan como un insulto racial. Estos incluyen la frase "debido a" (니까), pronunciada 'nikka' y la palabra "tú" o "tú eres" (니가), pronunciada 'neega'. [97]
pop, country-and-western y (un nuevo término que reemplaza a "música racial") Rhythm and Blues.
su significado abarca tanto el sexo como el baile
Pero el rock 'n' roll estuvo aquí mucho antes de que yo apareciera.
Seamos realistas: no puedo cantar como Fats Domino.
Yo sé eso."
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