Carl Heinrich Maria Orff ( en alemán: [ɔʁf] ; 10 de julio de 1895 - 29 de marzo de 1982 [1] ) fue un compositor y educador musical alemán, [2] que compuso la cantata Carmina Burana (1937). [3] Los conceptos de su Schulwerk fueron influyentes para la educación musical infantil .
Carl Heinrich Maria Orff nació en Múnich el 10 de julio de 1895, hijo de Paula Orff (née Köstler, 1872-1960) y Heinrich Orff (1869-1949). Su familia era bávara y estuvo activa en el Ejército Imperial Alemán ; su padre era un oficial del ejército con fuertes intereses musicales, y su madre era una pianista entrenada. Sus abuelos, Carl von Orff (1828-1905) y Karl Köstler (1837-1924), fueron generales de división y también eruditos. [4] [5] [6] Su abuela paterna, Fanny Orff (née Kraft, 1833-1919), era católica de ascendencia judía . [7] [8] Su abuela materna fue Maria Köstler (née Aschenbrenner, 1845-1906). [1] Orff tenía una hermana, su hermana menor María ("Mia", 1898-1975), [9] quien se casó con el arquitecto Alwin Seifert (1890-1972) en 1924. [10]
A pesar de los antecedentes militares de su familia, Orff recordó en 1970: "En la casa de mi padre ciertamente había más música que ejercicios de instrucción". [11] A los cinco años, comenzó a tocar el piano, y más tarde estudió violonchelo y órgano. [4] Compuso algunas canciones y música para obras de marionetas. [2] Tuvo dos viñetas publicadas en julio de 1905 en Das gute Kind , el suplemento infantil de Die katholische Familie . [12] Comenzó a asistir a conciertos en 1903 y escuchó su primera ópera ( El holandés errante de Richard Wagner ) en 1909. Los conciertos formativos a los que asistió incluyeron el estreno mundial de Das Lied von der Erde de Gustav Mahler en 1911 y Richard Strauss dirigiendo su ópera Elektra el 4 de junio de 1914. [13]
Entre 1910 y 1912, Orff escribió varias docenas de Lieder sobre textos de poetas alemanes, incluyendo el conjunto de canciones Frühlingslieder (Opus 1, texto de Ludwig Uhland ) y el ciclo de canciones Eliland: Ein Sang von Chiemsee (Opus 12, texto de Karl Stieler ). El poeta cuya obra utilizó con más frecuencia fue Heinrich Heine ; también eligió textos de Walther von der Vogelweide , la princesa Matilde de Baviera (1877-1906) , Friedrich Hölderlin , Ludwig August Frankl , Hermann Lingg , Rudolf Baumbach , Richard Beer-Hofmann y Börries von Münchhausen , entre otros. Las canciones de Orff cayeron en el estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero con indicios de lo que se convertiría en el lenguaje musical distintivo de Orff. Algunas de sus canciones fueron publicadas en 1912. Estas incluyen Eliland , con una dedicatoria a Karl Köstler, quien financió la publicación. [14] [a] En 1911-12, Orff escribió Zarathustra (Opus 14), una gran obra para voz de barítono , tres coros de tenor-bajo, instrumentos de viento, percusión, arpas, pianos y órgano, basada en un pasaje de la novela filosófica de Friedrich Nietzsche Así habló Zarathustra . [15] [16]
Orff estudió en la Academia de Música de Múnich desde 1912 hasta 1914. [15] [17] Orff escribió más tarde que su decisión de cursar estudios de música en lugar de completar el Gymnasium fue la fuente de conflictos familiares, ya que el patriarca Orff (el hermano mayor de su padre, también llamado Karl Orff, 1863-1942 [18] ) estaba en contra de la idea. Orff tenía el apoyo de su madre, que convenció a su padre, y de su abuelo Köstler. [19] El profesor de Orff en la Akademie fue el compositor Anton Beer-Walbrunn , de quien más tarde escribió con respeto, pero dijo que encontraba la academia en general «conservadora y anticuada» ( konservativ und altväterlich ). [20] En esta época, estudió las obras de Arnold Schoenberg , y una de sus influencias más importantes en ese momento fue el compositor francés Claude Debussy . [21] Estas influencias se pueden escuchar en su primera obra escénica, el drama musical Gisei: Das Opfer ( Gisei: El sacrificio , Opus 20), escrito en 1913 pero no representado hasta 2010. El material fuente de Orff es una traducción alemana de parte de Sugawara Denju Tenarai Kagami , específicamente "Terakoya" ("La escuela del pueblo") en el acto IV. En 1914 Orff escribió Tanzende Faune: Ein Orchesterspiel (Opus 21). La obra iba a ser interpretada en la Akademie -su primera interpretación con una orquesta- pero el director Eberhard Schwickerath la eliminó del programa tras un ensayo fallido; [22] se representó por primera vez en 1995. En 1915, comenzó a estudiar piano con Hermann Zilcher . Escribiendo a su padre, llamó a los estudios con Zilcher su relación docente más productiva hasta la fecha. [23] En esa época también conoció al director de teatro Otto Falckenberg y vio obras de August Strindberg y Frank Wedekind . [24]
Orff fue obligado a alistarse en el ejército alemán en agosto de 1917, lo que supuso una gran crisis para él. [25] En una carta a su padre fechada el 3 de agosto de 1917, escribió:
Mi futuro está ahora más que nunca en la oscuridad. Es absolutamente seguro que entraré en el campo de batalla. Aquí debe recaer y recaerá la decisión (ya sabéis que estoy libre de sentimentalismos): o encuentro un fin a todo lo que me ha empujado y casi me ha aplastado, o me convierto en una persona completamente nueva y comienzo en cierto sentido de una manera completamente nueva. Lo que debe venir, debe venir mucho mejor que el tiempo que fue. [26]
El otoño siguiente, resultó gravemente herido y casi murió cuando se derrumbó una trinchera, sufriendo amnesia , afasia y parálisis en su lado izquierdo. [27] Durante su difícil recuperación, le escribió a su padre:
Ciertamente, nunca pienso en algo que se parezca al futuro... Puesto que estoy en el campo de batalla, todos los hilos y conexiones del pasado se hacen trizas... Para quien ha estado aquí una vez, es mejor (sobre todo en mi profesión) que se quede aquí. Cuando escucho música me dan palpitaciones y fiebre y me siento mal; no puedo pensar en absoluto en cuándo podré volver a escuchar un concierto, y mucho menos hacer música yo mismo. [28]
Después de la muerte de Orff, su hija escribió que creía que esta experiencia "lo hizo pensar y rebelarse aún más revolucionariamente". [29]
Tras recuperarse de sus heridas de guerra, Orff ocupó varios puestos en teatros de ópera en Mannheim y Darmstadt , y más tarde regresó a Múnich para continuar sus estudios de música. Alrededor de 1920, Orff se sintió atraído por la poesía de Franz Werfel , que se convirtió en la base de numerosos Lieder y composiciones corales. A mediados de la década de 1920, comenzó a formular un concepto que llamó elementare Musik , o música elemental, que se basaba en la unidad de las artes simbolizadas por las antiguas musas griegas , e involucraba tono, danza, poesía, imagen, diseño y gesto teatral. Como muchos otros compositores de la época, recibió la influencia del emigrado ruso-francés Ígor Stravinski . Pero mientras otros siguieron las obras neoclásicas frescas y equilibradas de Stravinski, fueron obras como Les noces ( La boda ), una representación terrenal y cuasi folclórica de los ritos nupciales de los campesinos rusos, las que atrajeron a Orff. [30] [31] [32]
Orff conoció la obra de Bertolt Brecht en 1924, que tuvo una profunda influencia en él. [33] [34] [35] [36] El mismo año, él y Dorothee Günther fundaron la Günther-Schule para gimnasia, música y danza en Múnich. Desarrolló sus teorías de educación musical, teniendo contacto constante con niños y trabajando con principiantes musicales. En 1930, Orff publicó un manual titulado Schulwerk , en el que comparte su método de dirección. Estuvo involucrado con la Schulwerk y sus instituciones asociadas durante toda su vida, aunque se retiró de la Günther-Schule en 1938. [37]
Orff también comenzó a adaptar obras musicales de épocas anteriores para su presentación teatral contemporánea, incluida la ópera L'Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi y Alessandro Striggio . La versión alemana abreviada de Orff (con la traducción de Günther), Orfeo , se representó bajo su dirección en 1925 en Mannheim, utilizando algunos de los instrumentos que se habían utilizado en la representación original de 1607, aunque varios de ellos no estaban disponibles y tuvieron que ser reemplazados. [38] Orff revisó la partitura unos años más tarde; esta versión se representó por primera vez en Múnich en 1929. Las adaptaciones de música antigua de Orff le reportaron muy poco dinero. La ópera apasionadamente declamada de la era de Monteverdi era casi desconocida en la década de 1920, y la producción de Orff se encontró con reacciones que iban desde la incomprensión hasta el ridículo. Le dijo a su mentor Curt Sachs , quien lo había llevado a estudiar a Monteverdi y apoyado su Orfeo , [39] [40] [41] que la prensa de Munich estaba en contra de él: "Me hacen pasar no solo por un violador de cadáveres (ver Monteverdi), sino también por un seductor de jóvenes, que corrompe sistemáticamente a nuestra buena juventud con perversidades exóticas". [42]
La relación de Orff con el nacionalsocialismo alemán y el Partido Nazi ha sido un tema de considerable debate y análisis, [43] [44] a veces teñido de desinformación. [45] [46] [47] [48] El historiador Michael H. Kater , cuyo trabajo es crítico de Orff, escribió sin embargo que "el nombre de Carl Orff para muchos se ha convertido en sinónimo de arte y cultura fascista, frecuentemente a través de un prejuicio bastante arrogante". [49]
Orff nunca se unió al Partido, ni tuvo ninguna posición de liderazgo en el Tercer Reich. [50] Fue miembro del Reichsmusikkammer , que era obligatorio para los músicos activos en el Tercer Reich. [51]
Varios de los amigos y asociados de Orff se exiliaron entre 1933 y 1939, incluidos Sachs y Leo Kestenberg , este último defensor de su Schulwerk. [52] [53] Orff se reconectó con varios de estos colegas exiliados después de la guerra y en algunos casos mantuvo amistades de por vida, como con el cantante y compositor Karel Salmon , quien emigró en los primeros meses de la toma del poder nazi. [54] [55] Otra figura similar es el historiador de arte Albin von Prybram-Gladona (1890-1974), [56] [57] cuyos padres se habían convertido del judaísmo antes de su nacimiento y que sobrevivió a múltiples encarcelamientos en campos de concentración después de que él huyera a Francia. [58] Prybram-Gladona testificó sobre el carácter de Orff durante el proceso de desnazificación. [59] Otro amigo importante de Orff fue el musicólogo y compositor judío-alemán Erich Katz (1900-1973), quien huyó en 1939 después de un encarcelamiento temporal en Dachau . Orff restableció contacto con Katz en 1952, y Katz consideró a Orff un amigo valioso. [60] [61] Orff escribió un homenaje tras la muerte de Katz en forma de una carta dirigida al fallecido. [62]
El estreno de Carmina Burana de Orff en Frankfurt fue el 8 de junio de 1937. Se hizo muy popular en la Alemania nazi durante los siguientes años. El historiador Michael H. Kater escribió que "en 1945" "se destacó como la única obra de importancia universal producida durante todo el período del Tercer Reich". [63] Sin embargo, Oliver Rathkolb ha señalado que la percepción popular posterior ha exagerado el grado de su importancia para la cultura del Tercer Reich, ya que muchas otras obras recibieron más representaciones. [64] [65] Dada la falta de éxito comercial anterior de Orff, las ganancias monetarias de la aclamación de Carmina Burana , incluido un premio de 500 RM de la ciudad de Frankfurt , [66] [67] fueron significativas para él, pero la composición, con sus ritmos desconocidos, también fue denunciada con burlas racistas. [68]
Orff fue uno de los numerosos compositores alemanes [69] bajo el régimen nazi que escribieron nueva música incidental para El sueño de una noche de verano de William Shakespeare —en alemán Ein Sommernachtstraum— después de que la música de Felix Mendelssohn para esa obra hubiera sido prohibida. La versión de Orff se estrenó el 14 de octubre de 1939 en Frankfurt como resultado de un encargo de esa ciudad. [70] [71] Según su informe, ya había compuesto música para la obra en 1917 y 1927, mucho antes del encargo de Frankfurt; no existen materiales de estas versiones anteriores (presumiblemente incompletas). [72] [73] El editor de Orff tenía serias reservas sobre el proyecto, y la comisión de Orff no pudo cumplir con el plazo original del encargo, lo que resultó en la reducción de su pago de 5000 RM a 3000 RM. [74] Más tarde, se refirió a la versión de 1939 como "una versión comprometida (desafortunadamente impresa). En lugar del pequeño conjunto en escena, había de nuevo una pequeña orquesta de ópera normal, sin más percusión mágica, concesiones inexcusables". [75] El descontento del compositor, junto con sus dificultades iniciales en la composición, a veces se ha interpretado, al menos en parte, como debido a remordimientos de conciencia. [76] [77] [78] Thomas Rösch ha escrito sobre este proyecto: "La autonomía del arte, que Orff siempre tuvo en alta estima, no era más que una ilusión más dentro de la dictadura, y la insistencia del compositor en un punto de vista puramente artístico y estético inevitablemente se transformó bajo esta condición en un error trascendental". [79]
Orff reelaboró su partitura de Ein Sommernachtstraum tres veces. La siguiente versión se estrenó el 10 de septiembre de 1944, pero el cierre de todos los teatros en las terribles condiciones de la guerra impidió que ocurriera. [80] En diciembre de 1945, Orff expresó su esperanza de una presentación en Stuttgart, pero cuando Gottfried von Einem le preguntó en 1946 sobre un estreno de esta versión en el Festival de Salzburgo , se mostró reacio y respondió a la defensiva cuando Einem le preguntó si la obra había sido un encargo del Tercer Reich. [81] [82] Orff hizo más revisiones aún, y esta versión se estrenó el 30 de octubre de 1952 en Darmstadt. También tuvo una interpretación estadounidense a cargo de Leopold Stokowski en el Empire State Music Festival el 19 de julio de 1956. Orff revisó la partitura una vez más en 1962; esta versión final tuvo su primera presentación en Stuttgart el 12 de marzo de 1964. [83]
Orff era amigo de Kurt Huber (1893-1943), profesor de la Universidad Ludwig Maximilian , con quien trabajó desde 1934 en música folclórica bávara. [84] Junto con Hans Bergese (1910-2000), asociado de Schulwerk de Orff , [85] publicaron dos volúmenes de música folclórica como Musik der Landschaft: Volksmusik in neuen Sätzen en 1942. [86]
En diciembre de 1942, Huber se convirtió en miembro del movimiento de resistencia estudiantil Weiße Rose ( Rosa Blanca ). [87] [88] [89] Fue arrestado el 27 de febrero de 1943, condenado a muerte por el Volksgerichtshof y ejecutado por los nazis el 13 de julio de 1943. Por casualidad, Orff llamó a la casa de Huber al día siguiente de su arresto. La angustiada esposa de Huber, Clara (née Schlickenrieder, 1908-1998 [90] ), esperaba que Orff usara su influencia para ayudar a su esposo, pero Orff entró en pánico al enterarse del arresto de Kurt Huber, temiendo que estuviera "arruinado" ( ruiniert ). [91] [92] Clara Huber dijo más tarde que nunca volvió a ver a Orff, [93] pero hay evidencia documental de que tuvieron más contacto. [94] [95] En al menos una ocasión, recordó que Orff había intentado ayudar a su marido a través de Baldur von Schirach [96] (el funcionario nazi de más alto rango con el que entró en contacto, y con quien se reunió al menos dos veces [97] [98] ), para lo cual no se han encontrado más pruebas. En junio de 1949, Orff transfirió sus derechos a Musik der Landschaft a la familia de Huber. [99] [100] Poco después de la guerra, Clara Huber le pidió a Orff que contribuyera a un volumen conmemorativo para su marido; él contribuyó con una emotiva carta escrita directamente a Kurt Huber, [101] [102] similar a lo que hizo para Katz años después. Die Bernauerin de Orff , un proyecto que completó en 1946 y que había discutido con Huber antes de la ejecución de este último, está dedicado a la memoria de Huber. La escena final de esta obra, que trata sobre la ejecución injusta de Agnes Bernauer , muestra a un coro lleno de culpa que ruega no verse implicado en la muerte del personaje principal. [103]
A finales de marzo de 1946, Orff se sometió a un proceso de desnazificación en Bad Homburg en un centro de detección psicológica de la División de Control de Información (ICD), un departamento de la Oficina de Gobierno Militar de los Estados Unidos (OMGUS). Orff recibió la calificación "Grey C, aceptable", que su evaluador Bertram Schaffner (1912-2010) definió como para aquellos "comprometidos por sus acciones durante el período nazi pero que no son partidarios de la doctrina nazi". [104] [b]
Algunas fuentes informan que Orff había sido incluido en la lista negra antes de la evaluación, [105] [106] lo que le habría impedido cobrar regalías por sus composiciones. [107] Según una investigación más reciente de Oliver Rathkolb, no hay evidencia que respalde esto. [108] En enero de 1946, el oficial estadounidense Newell Jenkins (1915-1996) - ex alumno de Orff (con quien utilizó el informal du ), que luego tuvo una carrera como director de orquesta [109] - le informó que no necesitaba una licencia como compositor si no buscaba dirigir, enseñar o aparecer en público de otra manera. [110] [111] Sin embargo, Jenkins esperaba que Orff aceptara un puesto de intendente en Stuttgart, que Orff estaba considerando después de decir inicialmente que no. Esto requeriría una evaluación y, por lo tanto, Jenkins alentó a Orff a pensar en cómo podría probar que había resistido activamente al nazismo, ya que esas personas eran las más valoradas. [112] [113] Orff rechazó el puesto en Stuttgart a principios de marzo de 1946, pero Jenkins insistió en que Orff se sometiera a una evaluación a finales de ese mes. [114] El informe de Schaffner señala: "Orff no desea una licencia como 'intendente' de un teatro de ópera, y afirma que ya ha rechazado tal oferta, porque el trabajo sería principalmente administrativo y no musical. Desea tener permiso para aparecer como director invitado". [115] A Orff se le concedió una licencia sin ninguna restricción a pesar de su calificación de "'C gris', aceptable", pero no hay evidencia de que haya dirigido en público después de la guerra. [116]
Schaffner creía que las causas fundamentales del nazismo incluían una rigidez social subyacente y un autoritarismo en Alemania, especialmente en lo que se refería a los padres en la vida familiar y a instituciones como la escuela y el ejército. Sus teorías sirvieron de base para sus evaluaciones de desnazificación y las de sus colegas. [117] [118] [119] En su informe sobre Orff, Schaffner escribió:
Las actitudes de O[rff] no son nazis. Uno de sus mejores amigos, el profesor Carl [sic] Huber, con quien publicó "Musik der Landschaft", una colección de canciones populares, fue asesinado por los nazis en Munich en 1943. Sin embargo, era un "Nutzniesser" [es decir, beneficiario] de los nazis y en la actualidad sólo se lo puede clasificar como "Grey C", aceptable. En vista de su punto de vista antinazi, su deliberada evasión de posiciones y honores que podría haber tenido si hubiera cooperado con los nazis, es posible que en el futuro se lo reclasifique a una categoría superior. [120]
No hay evidencia de que Orff haya sido reclasificado alguna vez, pero como su licencia no tenía restricciones, esto no fue necesario. [121] Sobre la evaluación psicológica de Orff, Schaffner escribió:
1. Un individuo muy talentoso y creativo que obtuvo altas puntuaciones en las pruebas de inteligencia... Orff es diplomático, zalamero e ingenioso. Retraído y discreto, acostumbrado a la independencia y la soledad desde la infancia, ha seguido con firmeza su carrera como compositor independiente. Tiene poca necesidad personal de "pertenecer" a un grupo, de honor público o reconocimiento, y prefiere trabajar solo en lugar de en organizaciones. Es emocionalmente equilibrado, decidido y egocéntrico.
2. Orff obtuvo la puntuación más alta de su grupo en la prueba de actitudes políticas. Los estudios psiquiátricos de su entorno y desarrollo son consistentes con una actitud antinazi. Desde el punto de vista psicológico, el nazismo le resultaba desagradable; también desde el punto de vista psicológico, siguió siendo un antinazi pasivo y trató de evitar el contacto oficial y personal tanto con el movimiento nazi como con la guerra. [115]
Algunos académicos han mantenido que Orff engañó a sus evaluadores hasta cierto punto. [122] [123] El contrapunto es que Orff se representó mal en algunos casos, pero los estadounidenses tenían suficiente información para evaluarlo fundamentalmente correctamente y calificarlo en consecuencia. [124] [125] El informe señala parte del apoyo financiero de Orff de las ciudades de Frankfurt y Viena, su participación en los Juegos Olímpicos de Verano de 1936 , [126] y la música para El sueño de una noche de verano (aunque se subestimó el número de sus interpretaciones [127] ), que Orff dijo que escribió "desde su propio punto de vista musical privado" pero "admitió que eligió un momento desafortunado en la historia para escribirla". [120]
Orff dijo "que nunca recibió una crítica favorable de un crítico musical nazi"; [120] sin embargo, su trabajo había sido recibido con entusiasmo por el público y muchos críticos. [128] [129] [130] También dijo que "[s]u gran éxito" fue en 1942 con una actuación de Carmina Burana en La Scala de Milán , "no bajo los auspicios del Ministerio de Propaganda". [120] [131] De hecho, Orff más tarde caracterizó públicamente la segunda puesta en escena de Carmina Burana , que tuvo lugar en Dresde el 4 de octubre de 1940, como el comienzo de su gran éxito. [132] Los evaluadores estadounidenses no creyeron el relato de Orff sobre su recepción en el Tercer Reich: "El hecho de que fuera postergado ... durante la guerra es contradictorio con su afirmación de que no era bien considerado en el Ministerio de Propaganda. ... No da una muy buena [e]xplicación". [120] El informe también señala el marcado aumento de los ingresos de Orff en la última parte del Tercer Reich. [133] [134]
Sorprendentemente, en el informe no se mencionan varios factores que Orff podría haber utilizado a su favor, en particular sus asociaciones con colegas judíos [135] así como su propia ascendencia parcialmente judía, [136] [65] la última de las cuales nunca se conoció públicamente mientras estaba vivo. [137] Tampoco hay ninguna mención de los textos potencialmente subversivos y antiautoritarios en sus obras, [138] [139] en particular los pasajes de Die Kluge (estreno en 1943) que han sido identificados como tales, a veces incluso durante la vida de Orff (incluso por Carl Dahlhaus ). [140] [141] [142] [143] [144] [44]
Según Michael Kater , Orff limpió su nombre durante el período de desnazificación al afirmar que había ayudado a establecer el movimiento de resistencia Rosa Blanca en Alemania. [145] [146] Kater también presentó un caso particularmente sólido de que Orff colaboró con las autoridades alemanas nazis . La fuente de la afirmación de la Rosa Blanca fue una entrevista de 1993 con Jenkins. [147] Kater describió su hallazgo como "nada menos que sensacional" ( nichts weniger als sensationell ). [148] El episodio fue la fuente de un conflicto considerable. [149] [150] La controversia provocó objeciones de dos personas que habían conocido a Orff en su juventud durante el Tercer Reich, una de las cuales recordó que Jenkins había estado tratando de retratar a Orff como un "luchador de la resistencia" ( Widerstandskämpfer ) y, por lo tanto, creía que Jenkins había sido la fuente de la supuesta leyenda. [151]
Unos años más tarde, el historiador vienés Oliver Rathkolb descubrió el expediente de desnazificación de Orff, que se distribuyó a los periodistas en una conferencia de prensa en el Orff-Zentrum München el 10 de febrero de 1999. En este documento no se hace ninguna afirmación sobre su pertenencia a la Rosa Blanca. [152] [136] Sin embargo, hay una referencia a la relación de Orff con Huber (véase el pasaje citado en "Desnazificación"). Orff le dijo a Fred K. Prieberg en 1963 que tenía miedo de ser arrestado como asociado de Huber, pero no afirmó haber estado involucrado en la Rosa Blanca. [153] En 1960, Orff había descrito temores similares a un entrevistador, pero dijo explícitamente que él mismo no formaba parte de la resistencia. [154]
La acusación de Kater, como él la denominó, [155] con respecto a la Rosa Blanca coloreó gran parte del discurso sobre Carl Orff en los años siguientes. [156] [157] [158] En algunos casos, el debate se centró más en la acritud entre los involucrados. [159] [160] [161] En Composers of the Nazi Era: Eight Portraits (2000) Kater matizó sus acusaciones anteriores hasta cierto punto después de revisar los documentos que descubrió Rathkolb. [162] Posteriormente, sin embargo, Kater reiteró su afirmación inicial sobre Orff y la Rosa Blanca sin ninguna referencia al archivo de desnazificación. [163]
Aunque el relato de Kater ha sido aceptado por algunos académicos que han investigado el asunto más a fondo, [164] Rathkolb y otros han examinado la teoría de que Orff mintió sobre ser miembro de la resistencia y no encontraron pruebas suficientes para creerlo, señalando que no hay una corroboración sólida fuera de la entrevista de Kater con Jenkins. [165] [166] Escribiendo en 2021, Siegfried Göllner no estaba convencido de que la acusación sobre la mentira de la Rosa Blanca hubiera sido refutada de manera tan inequívoca como creía que habían afirmado Rathkolb y Thomas Rösch, pero "dado que el episodio sobre la Rosa Blanca nunca estuvo registrado ni fue publicado abiertamente por Orff, en última instancia es irrelevante si el episodio informado por Jenkins a Kater realmente tuvo lugar o fue una cuestión de malentendido. ... Kater, en cualquier caso, le dio demasiada importancia a la declaración de Jenkins". [167] En 1999, en el apogeo de la controversia, el musicólogo Reinhard Schulz describió el asunto como una "pelea de gallos entre eruditos" ( wissenschaftlichen Hahnenkampfes ), añadiendo: "Mucho más importante que un solo hecho sería una comprensión de [la] conexión" con la vida y la creatividad de Orff. [168]
Carl Orff era muy reservado en lo que respecta a su vida personal. Cuando el estudioso del teatro Carl Niessen le pidió que proporcionara una entrada manuscrita para una colección de autobiografías de compositores alemanes de la época, para la que algunos de sus colegas escribieron hasta tres páginas, envió solamente: "Carl Orff[,] nació en 1895 en Munich[,] vivió allí" (Carl Orff[,] geboren 1895 in München[,] lebt daselbst). [169]
Orff se casó cuatro veces y se divorció tres veces. Su primer matrimonio fue en 1920 con la cantante Alice Solscher (1891-1970). La única hija de Orff, Godela Orff (más tarde Orff-Büchtemann, 1921-2013) nació el 21 de febrero de 1921. La pareja se separó unos seis meses después del nacimiento de Godela y se divorciaron oficialmente en 1927. [170] Godela permaneció con su padre cuando su madre se mudó a Melbourne para seguir su carrera alrededor de 1930. [171] [172] En 1939, Orff se casó con Gertrud Willert (1914-2000), que había sido su alumna [173] y que fundó un método de musicoterapia utilizando el Orff-Schulwerk; En 1953 se divorciaron. [174] En 1952, comenzó una relación con la autora Luise Rinser (1911-2002), con quien se casó en 1954. En 1955, se mudaron de Múnich a Dießen am Ammersee . [175] Su matrimonio tuvo problemas y terminó en divorcio en 1959, momento en el que Orff vivía con la persona que se convertiría en su próxima esposa. [176] El último matrimonio de Orff, que duró hasta el final de su vida, fue con Liselotte Schmitz (1930-2012), que había sido su secretaria y que después de su muerte continuó su legado en su calidad de directora de la Carl-Orff Stiftung. [177] Se casaron en Andechs el 10 de mayo de 1960. [178]
Orff, que nació en el seno de una familia católica devota , rompió con el dogma religioso a temprana edad. Su hija relacionó su ruptura con la Iglesia con el suicidio de una compañera de clase, y contó que no la había bautizado. [179] [180] [181] Gertrud Orff dijo que "nunca fue a la iglesia, al contrario. Probablemente fue la época de rebelión interior contra cosas así... Era una persona religiosa, sí, pero no una persona de la Iglesia". Sin embargo, quería ser enterrado en la iglesia barroca del priorato benedictino cervecero de Andechs , al suroeste de Múnich; podía ver este monasterio desde su casa en Dießen. [182]
Orff no tenía ningún deseo de seguir la tradición militar de su familia, ni siquiera cuando era niño. Más tarde escribió: "Mi padre [Heinrich Orff] sabía que todo lo militar estaba lejos de mí y que no podía simpatizar con ello". [183] Según Godela Orff, los padres del compositor "no obstante siempre se mostraron cariñosos hacia él, incluso cuando su forma de vida no satisfacía sus expectativas", y Orff y su hermana "fueron vigilados y apoyados con amorosa tolerancia". [184] También escribió que la madre de su padre, Paula Orff, siempre fomentó la creatividad de su hijo y le dio "el don de la inspiración". [185] El propio Orff escribió sobre su madre: "Desde tiempos inmemoriales fui un verdadero niño de madre. En las situaciones más serias y difíciles de la vida ella me comprendía profundamente con su corazón, incluso si sus ideas, firmemente arraigadas en la tradición, se interponían en el camino". [186] Paula Orff murió el 22 de julio de 1960, [178] después de lo cual el colega de Orff, Karl Amadeus Hartmann, le escribió: "Sé cuán íntimamente unido estaba usted a su madre, similar a mí a la mía, y por lo tanto puedo simpatizar especialmente con toda la gravedad de la pérdida". [187]
Godela Orff describió su relación con su padre como difícil en ocasiones. [188] "Él tenía su vida y eso era todo", le dice a Tony Palmer en el documental O Fortuna . [189] [190] Su relación se volvió especialmente tensa a fines de la década de 1940; se reconciliaron a principios de la década de 1970. [191] [192]
Orff murió de cáncer en Múnich el 29 de marzo de 1982, a la edad de 86 años. [3] Está enterrado en el monasterio de Andechs. En su lápida se puede leer la inscripción en latín Summus Finis (El fin último), tomada del final de su última obra, De temporum fine comoedia .
Orff es más conocido por Carmina Burana (1936), una " cantata escénica ". Es la primera parte de una trilogía que también incluye Catulli Carmina y Trionfo di Afrodite . Carmina Burana refleja su interés por la poesía medieval alemana . La trilogía en su conjunto se llama Trionfi , o "Triunfos". La obra se basa en poesía del siglo XIII encontrada en un manuscrito denominado Codex latinus monacensis encontrado en el monasterio benedictino de Benediktbeuern en 1803 y escrito por los goliardos ; esta colección también se conoce como Carmina Burana . Si bien es "moderno" en algunas de sus técnicas de composición, Orff pudo capturar el espíritu del período medieval en esta trilogía. Los poemas medievales, escritos en latín y una forma temprana de alemán, son un lamento sobre la cruel indiferencia del destino (las breves secciones de apertura y cierre de la obra de Orff se titulan "Fortuna Imperatrix Mundi", es decir, "Fortuna, Gobernante del Mundo"). El coro que abre y concluye Carmina Burana , " O Fortuna ", se usa a menudo para denotar fuerzas primarias, por ejemplo en la película de Oliver Stone The Doors . [193] La asociación de la obra con el fascismo también llevó a Pier Paolo Pasolini a usar el movimiento "Veris leta facies" para acompañar las escenas finales de tortura y asesinato en su película final Saló o los 120 días de Sodoma . [194] A Pasolini le preocupaba la cuestión de la apropiación del arte por parte del poder cuando hizo la película, lo que tiene relevancia para la situación de Orff. [195]
Orff solía decir que, tras un ensayo general para Carmina Burana , le dijo a su editor lo siguiente: «Todo lo que he escrito hasta ahora y que tú, desgraciadamente, has impreso, lo puedes convertir en pulpa. Con Carmina Burana empiezan mis obras completas». [196] [c] Michael H. Kater ha puesto en duda esta afirmación, citando la falta de pruebas documentales y la continuación de las representaciones de las obras anteriores de Orff tras el estreno de Carmina Burana , [197] aunque, de hecho, la mayoría de estas representaciones utilizaron versiones revisadas. [198] [199] Orff acabó matizando su repetida afirmación: «Así que había dicho esto sin pensar, con leggerezza [es decir, "a la ligera"]: una observación que, como bien sabía, era cierta y también falsa. Sólo quería acentuar con ella el significado que Carmina Burana tenía en mis creaciones hasta ese momento, como me quedó claro a mí mismo». [200] Cuando se le preguntó sobre la cita en 1975, Orff respondió: "Por primera vez había hecho exactamente lo que quería, y también sabía que lo había hecho bien. Realmente no hay nada más que decir". [201] Orff revisó muchas de sus obras anteriores y, más adelante en su carrera, reeditó algunas de sus composiciones anteriores a Carmina Burana con revisiones mínimas. Una de sus últimas publicaciones fue un volumen de canciones que había compuesto entre 1911 y 1920. [202]
La mayoría de las obras posteriores de Orff –Antígona (1949), Edipo tirano ( 1959), Prometeo encadenado ( 1968 ) y De temporum fine comoedia ( Obra sobre el fin de los tiempos , 1973)– se basaban textos o temas de la antigüedad. Amplían el lenguaje de Carmina Burana de maneras interesantes, pero son caras de poner en escena y (según la propia caracterización de Orff) no son óperas en el sentido convencional. [203] Las representaciones en vivo de ellas han sido pocas, incluso en Alemania. [204]
En una carta fechada el 8 de enero de 1947 a su alumno Heinrich Sutermeister , Orff llamó a Die Bernauerin «la última pieza de la serie de mi obra anterior; Antígonas comienza una nueva fase». [205] Antígonas es una versión de la traducción de Friedrich Hölderlin de la obra de Sófocles . Orff se interesó por primera vez en este material de origen poco después de su trauma en la Primera Guerra Mundial y comenzó a planificar su obra a finales de 1940. [206] El estreno tuvo lugar el 9 de agosto de 1949 en el Festival de Salzburgo . Orff siguió a Antígonas con Edipo del tirano , también utilizando la traducción de Hölderlin de la obra de Sófocles , y Prometeo, utilizando el idioma original de la obra griega atribuida a Esquilo . Sus estrenos tuvieron lugar en Stuttgart, respectivamente en 1959 y 1968, dirigidos por Ferdinand Leitner . Las tres tragedias griegas no hacen cortes ni alteraciones en los textos. [207]
Las tragedias griegas están orquestadas para conjuntos muy inusuales centrados en grandes conjuntos de percusión, que incluyen instrumentos no occidentales y numerosos instrumentos de mazo (incluido el litófono ), y varios pianos (cuatro en Prometeo y seis en los otros dos); se prescinde de la sección de cuerdas tradicional, a excepción de nueve contrabajos. También tienen seis flautas y seis oboes (con varios dobletes auxiliares de flautín, flauta alto y corno inglés), así como trompetas (seis en Antígona y Prometeo ; ocho en Edipo del tirano , detrás del escenario). Edipo del tirano y Prometeo también tienen seis trombones y órgano. Las tres obras también tienen cuatro arpas; hay además mandolina en Edipo del tirano y cuatro banjos tenores en Prometeo .
Tras el estreno de Prometeo , Everett Helm escribió:
Orff no le pone las cosas fáciles ni a los cantantes ni al público, pero la conservación del texto original sin duda evoca un estado de ánimo que no podría haberse creado con un lenguaje moderno.
"Prometeo" no es una ópera en el sentido habitual. Como otras obras de Orff, es teatro musical en el que la música forma parte del conjunto dramático y está subordinada a él. Las voces declaman casi constantemente, ya sea con ritmo hablado o en una especie de recitativo salmódico. Sólo ocasionalmente (y con gran eficacia) la austera salmodia da paso a melismas que recuerdan los pasajes más floridos del canto gregoriano. No hay nada parecido a arias o números concertados.
... Los breves interludios de la orquesta tienen el carácter de interjecciones. No hay desarrollo, ni musical ni psicológico. Los enormes bloques de sonido producen una forma y una atmósfera estáticas e inmóviles... La composición de la orquesta... produce sonidos duros y metálicos, impulsados sin piedad por ritmos ostinatos primitivos. El efecto general es elemental hasta cierto punto, pero en ningún sentido ingenuo. El primitivismo estilizado de Orff enmascara un alto grado de sofisticación. [208]
La última obra de Orff para el escenario, De temporum fine comoedia ( Obra sobre el fin de los tiempos ), se estrenó en el Festival de Salzburgo el 20 de agosto de 1973, interpretada por Herbert von Karajan y la Orquesta Sinfónica y Coro de Colonia de la WDR. Tiene un elenco numeroso y una partitura similar a las tragedias griegas con algunas excepciones, en particular clarinetistas (todos con clarinetes en mi bemol) en lugar de oboístas y la adición de contrafagot, trompas y tuba. Thomas Rösch ha llamado a esta obra "en muchos aspectos la suma de toda la obra [de Orff]". [209] No hay evidencia de que Orff considerara escribir otra obra para el escenario después de De temporum fine comoedia , y en 1979 le dijo a un entrevistador que estaba seguro de que era el final ( Schluß ) de su composición. [210] En esta obra sumamente personal, Orff presentó una obra de misterio , cantada en griego, alemán y latín, en la que resumió su visión del fin de los tiempos. Su filosofía se nutre de muchas tradiciones religiosas, principalmente de la idea de Orígenes de la apocatástasis . De temporum fine comoedia también hace numerosas referencias a composiciones anteriores de Orff, en particular Die Bernauerin . [211] [212] [213] En la época del estreno, dijo que sus obras son "como una cebolla: una capa sigue a las otras". En la misma ocasión, dijo de De temporum fine comoedia : "Es todo un sueño, sólo una fantasía. Pesimista, optimista, como cualquiera quiera". [214]
En los círculos pedagógicos, probablemente se le recuerde más por su Schulwerk ("Trabajo escolar"). Originalmente un conjunto de piezas compuestas y publicadas para la Güntherschule (que tenía estudiantes de entre 12 y 22 años), [215] este título también se utilizó para sus libros basados en transmisiones de radio en Baviera en 1949. Estas piezas se denominan colectivamente Musik für Kinder ( "Música para niños "), y también utilizan el término Schulwerk , y fueron escritas en colaboración con su antiguo alumno, compositor y educador Gunild Keetman (1904-1990), quien en realidad escribió la mayoría de las configuraciones y arreglos en los volúmenes "Musik für Kinder" ("Música para niños").
Las ideas de Orff se desarrollaron, junto con Gunild Keetman, en un enfoque muy innovador de la educación musical para niños, conocido como Orff Schulwerk. La música es elemental y combina movimiento, canto, interpretación e improvisación.
Gassenhauer , Hexeneinmaleins y Passion , que Orff compuso con Keetman, se utilizaron como tema musical para la película Badlands (1973) de Terrence Malick .
El editor de Carl Orff es Schott Music . [216]
I. Obras de concierto y de teatro [d]
Obras escénicas
Obras vocales
Instrumental
II. Trabajos pedagógicos
{{cite journal}}: Mantenimiento de CS1: varios nombres: lista de editores ( enlace ){{cite book}}: Mantenimiento de CS1: varios nombres: lista de editores ( enlace )Da die Episodio über die 'Weiße Rose' nie aktenkundig und von Orff nicht öffentlich aufgestellt wurde, ist letztlich irrelevante, ob sich die von Jenkins gegenüber Kater berichtete Episodio so zugetragen hat oder ob es sich um ein Missverständnis handelte. ... Kater hat jedenfalls der Aussage von Jenkins eine zu hohe Relevanz beigemessen.En: "Die Stadt Salzburg im Nationalsozialismus. Biografische Recherchen zu NS-belasteten Straßennamen der Stadt Salzburg" (en alemán) . Consultado el 18 de noviembre de 2022 .
{{cite journal}}: Mantenimiento de CS1: varios nombres: lista de editores ( enlace )
