Barton Fink es una película de suspenso psicológico de comedia negra de época estadounidense de 1991 escrita, producida, editada y dirigida por los hermanos Coen . Ambientada en 1941, está protagonizada por John Turturro en el papel principal como un joven dramaturgo de la ciudad de Nueva Yorkque es contratado para escribir guiones para un estudio de cine en Hollywood , y John Goodman como Charlie Meadows, el vendedor de seguros que vive en la casa de al lado. abajo del Hotel Earle.
Los Coen escribieron el guión de Barton Fink en tres semanas mientras experimentaban un bloqueo de escritor durante la escritura de Miller's Crossing . Comenzaron a filmar poco después de que se terminara Miller's Crossing . La película está influenciada por obras de varios directores anteriores, particularmente Repulsion (1965) y The Tenant (1976) de Roman Polanski .
Barton Fink se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en mayo de 1991. En un raro triunfo, ganó la Palma de Oro y los premios al Mejor Director y al Mejor Actor (Turturro). Aunque la película fue un fracaso de taquilla , recaudando sólo 6 millones de dólares frente a su presupuesto de 9 millones de dólares, recibió críticas positivas y fue nominada a tres premios de la Academia .
Los temas destacados de Barton Fink incluyen el proceso de escritura; esclavitud y condiciones laborales en las industrias creativas; distinciones superficiales entre alta cultura y baja cultura ; y la relación de los intelectuales con "el hombre común". Los diversos elementos de la película la han llevado a desafiar los esfuerzos de clasificación de género, y la obra se conoce como cine negro , película de terror , Künstlerroman y película de amigos . Contiene varias alusiones literarias y connotaciones religiosas, así como referencias a muchas personas y acontecimientos de la vida real, en particular a los escritores Clifford Odets y William Faulkner , cuyos personajes de Barton Fink y WP Mayhew, respectivamente, a menudo se consideran ficticios. representaciones. Varias características de la narrativa de la película, en particular una imagen de una mujer en la playa que se repite a lo largo de toda la película, han provocado muchos comentarios, y los Coen reconocieron algunos elementos simbólicos intencionales mientras negaban un intento de comunicar un solo mensaje en la película.
En 1941, el prometedor dramaturgo de Broadway Barton Fink acepta un contrato de Capitol Pictures en Hollywood para escribir guiones cinematográficos por mil dólares a la semana. Al mudarse a Los Ángeles, Fink se instala en el económico Hotel Earle. La única decoración de su habitación es un pequeño cuadro de una mujer en la playa, con el brazo levantado para protegerse del sol. Su nuevo jefe Jack Lipnick le asigna a Fink una película de lucha libre, pero le resulta difícil escribir sobre un tema desconocido. Se distrae con los sonidos que provienen de la habitación de al lado y llama a la recepción para alertarlos de los sonidos perturbadores. Su vecino, Charlie Meadows, la fuente del ruido, visita a Fink para disculparse. Durante su conversación, Fink proclama su afecto por "el hombre común" y Meadows describe su vida como vendedor de seguros.
Aún incapaz de avanzar más allá de las primeras líneas de su guión, Fink pide consejo al productor Ben Geisler. Irritado, el frenético Geisler lo lleva a almorzar y le ordena que consulte a otro escritor para que le ayude. Fink conoce por casualidad al novelista WP Mayhew en el baño. Hablan brevemente sobre la escritura de películas y organizan una segunda reunión más tarde ese mismo día. Más tarde, Fink se entera por la secretaria de Mayhew, Audrey Taylor, que Mayhew sufre de alcoholismo y que Taylor escribió algunos de sus guiones. Faltando un día para su reunión con Lipnick para hablar sobre la película, Fink llama a Taylor y le pide ayuda. Taylor lo visita en el Earle y tienen relaciones sexuales. Fink se despierta a la mañana siguiente y descubre que Taylor había sido asesinada violentamente. Horrorizado, llama a Meadows y le pide ayuda. Meadows siente repulsión, pero se deshace del cuerpo y le ordena a Fink que evite contactar a la policía.
Después de que Fink se reúne con un Lipnick que lo apoya inusualmente, Meadows le anuncia a Fink que se irá a Nueva York por varios días y le pide que vigile un paquete que está dejando atrás. Poco después, Fink recibe la visita de dos detectives de la policía, quienes le informan que el verdadero nombre de Meadows es Karl "Madman" Mundt. Mundt es un asesino en serie cuyo modus operandi consiste en decapitar a sus víctimas. Aturdido, Fink coloca la caja sobre su escritorio sin abrirla y comienza a escribir febrilmente. Fink produce el guión completo de una sola vez y sale a una noche de baile de celebración, regresando para encontrar a los detectives en su habitación, quienes le informan del asesinato de Mayhew y acusan a Fink de complicidad con Mundt.
Cuando el hotel de repente se ve envuelto en llamas, Mundt aparece y mata a los detectives con una escopeta, tras lo cual menciona que había visitado a los padres y al tío de Fink en Nueva York. Fink sale del hotel aún en llamas, llevando la caja y su guión. Poco después intenta llamar por teléfono a su familia, pero no obtiene respuesta. En una reunión final con Lipnick, quien ha sido reclutado por la Reserva del Ejército de los Estados Unidos para servir como coronel en la Segunda Guerra Mundial , el guión de Fink (que se sugiere que es una copia casi palabra por palabra de una de sus obras de Broadway ) es criticado como "una película frutal sobre el sufrimiento", y se le informa que permanecerá en Los Ángeles; Aunque Fink seguirá bajo contrato, Capitol Pictures no producirá nada de lo que escriba hasta que "crezca un poco". Aturdido, Fink deambula por la playa, todavía cargando el paquete. Conoce a una mujer que se parece a la del cuadro de su pared en el Earle y le pregunta por la caja. Él le dice que no sabe qué contiene ni quién es el propietario. Luego asume la pose de la imagen.
En 1989, los cineastas Joel y Ethan Coen comenzaron a escribir el guión de una película que finalmente se estrenó como Miller's Crossing . Los muchos hilos de la historia se complicaron y después de cuatro meses se encontraron perdidos en el proceso. [4] Aunque los biógrafos y críticos más tarde se refirieron a él como bloqueo del escritor , [5] [6] los hermanos Coen rechazaron esta descripción. "En realidad no es que estuviéramos sufriendo un bloqueo del escritor", dijo Joel en una entrevista en 1991, "pero nuestra velocidad de trabajo había disminuido y estábamos ansiosos por alejarnos de Miller's Crossing a cierta distancia ". [7] Fueron de Los Ángeles a Nueva York y comenzaron a trabajar en un proyecto diferente. [8]
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En tres semanas, los Coen escribieron un guión con un papel principal escrito específicamente para el actor John Turturro , con quien habían estado trabajando en Miller's Crossing . La nueva película, Barton Fink , se desarrolló en un gran hotel aparentemente abandonado. [7] Este escenario, al que llamaron Hotel Earle , fue la fuerza impulsora detrás de la historia y el ambiente del nuevo proyecto. Mientras filmaban su película Blood Simple de 1984 en Austin, Texas, los Coen habían visto un hotel que causó una impresión significativa: "Pensamos: 'Guau, Motel Hell'. Ya sabes, ser condenado a vivir en el hotel más extraño del mundo". [10]
El proceso de escritura de Barton Fink fue fluido, dijeron, sugiriendo que el alivio de estar lejos de Miller's Crossing pudo haber sido un catalizador. También se sintieron satisfechos con la forma general de la historia, lo que les ayudó a avanzar rápidamente en la composición. "Algunas películas surgen enteramente en la cabeza; simplemente hicimos eructar a Barton Fink ." [11] Mientras escribían, los Coen crearon un segundo papel principal con otro actor en mente: John Goodman, que había aparecido en su comedia de 1987 Raising Arizona . Su nuevo personaje, Charlie, era el vecino de Barton en el cavernoso hotel. [12] Incluso antes de escribir, los Coen sabían cómo terminaría la historia y escribieron el discurso final de Charlie al comienzo del proceso de escritura. [13]
El guión cumplió su propósito de distracción y los Coen lo dejaron de lado: " Barton Fink nos lavó el cerebro y pudimos regresar y terminar Miller's Crossing ". [14] Una vez terminada la producción de la primera película, los Coen comenzaron a reclutar personal para filmar a Barton Fink . Turturro esperaba con ansias desempeñar el papel principal y pasó un mes con los Coen en Los Ángeles para coordinar opiniones sobre el proyecto: "Sentí que podía aportar algo más humano a Barton. Joel y Ethan me permitieron una cierta contribución. Intenté ir un poco más lejos de lo que esperaban." [15]
Mientras diseñaban guiones gráficos detallados para Barton Fink , los Coen comenzaron a buscar un nuevo director de fotografía, ya que su socio Barry Sonnenfeld , que había filmado sus tres primeras películas, estaba ocupado con su propio debut como director, La familia Addams . Los Coen quedaron impresionados con el trabajo del director de fotografía inglés Roger Deakins , en particular las escenas interiores de la película Stormy Monday de 1988 . Después de proyectar otras películas en las que había trabajado (incluidas Sid and Nancy y Pascali's Island ), enviaron un guión a Deakins y lo invitaron a unirse al proyecto. Su agente desaconsejó trabajar con los Coen, pero Deakins se reunió con ellos en un café en Notting Hill y pronto comenzaron a trabajar juntos en Barton Fink . [16] [17]
La fotografía principal comenzó en junio de 1990 y duró ocho semanas (un tercio menos de tiempo que lo requerido por Miller's Crossing ), y el presupuesto final estimado para la película fue de 9 millones de dólares. [18] Los Coen trabajaron bien con Deakins y trasladaron fácilmente sus ideas para cada escena a la película. "Sólo hubo un momento en el que lo sorprendimos", recordó Joel Coen más tarde. Una escena extendida requería un travelling desde el dormitorio hasta el "tapón" del desagüe del lavabo en el baño adyacente como símbolo de la relación sexual. "La toma fue muy divertida y nos lo pasamos muy bien descubriendo cómo hacerlo", dijo Joel. "Después de eso, cada vez que le pedíamos a Roger que hiciera algo difícil, él levantaba una ceja y decía: 'No me hagas buscar ningún desagüe ahora'". [19]
Tres semanas de rodaje transcurrieron en el Hotel Earle, un decorado creado por el director de arte Dennis Gassner . El clímax de la película requirió un gran incendio que se extendía en el pasillo del hotel, que los Coen originalmente planearon agregar digitalmente en la posproducción. Sin embargo, cuando decidieron utilizar llamas reales, la tripulación construyó un gran escenario alternativo en un hangar de aviones abandonado en Long Beach, California. Se instalaron una serie de chorros de gas detrás del pasillo y el papel tapiz se perforó para facilitar la penetración. Mientras Goodman corría por el pasillo, un hombre en una pasarela elevada abrió cada chorro, dando la impresión de un fuego corriendo delante de Charlie. Cada toma requirió una reconstrucción del aparato, y un segundo pasillo (sin fuego) estaba listo cerca para filmar tomas entre tomas. [18] La escena final se rodó cerca de la playa de Zuma , al igual que la imagen de una ola rompiendo contra una roca. [12]
Los Coen editaron la película ellos mismos, como es su costumbre. "Preferimos un enfoque práctico", explicó Joel en 1996, "en lugar de sentarnos junto a alguien y decirle qué cortar". [20] Debido a las reglas para ser miembro de los gremios de producción cinematográfica, deben utilizar un seudónimo; A "Roderick Jaynes" se le atribuye la edición de Barton Fink . [21] Sólo unas pocas escenas filmadas fueron eliminadas del montaje final, incluida una escena de transición para mostrar el movimiento de Barton de Nueva York a Hollywood. (En la película, esto se muestra enigmáticamente con una ola rompiendo contra una roca.) También se filmaron varias escenas que representan el trabajo en los estudios de Hollywood, pero se eliminaron porque eran "demasiado convencionales". [22]
Hay un marcado contraste entre la vivienda de Fink y los impecables e inmaculados alrededores de Hollywood, especialmente la casa de Jack Lipnick. La sensación espeluznante e inexplicablemente vacía del Hotel Earle fue fundamental para la concepción de la película por parte de los Coen. "Queríamos una estilización art déco ", explicó Joel en una entrevista de 1991, "y un lugar que se estaba arruinando después de haber visto días mejores". [23] La habitación de Barton está escasamente amueblada y tiene dos grandes ventanales que dan a otro edificio. Más tarde, los Coen describieron el hotel como un "barco fantasma flotando a la deriva, donde se notan signos de la presencia de otros pasajeros, sin siquiera ver a ninguno". En la película, los zapatos de los residentes son una indicación de esta presencia invisible; Otra rara señal de que hay otros habitantes es el sonido de las habitaciones contiguas. [24] [25] Joel dijo: "Puedes imaginarlo poblado por viajeros comerciales fallidos, con vidas sexuales patéticas, que lloran solos en sus habitaciones". [23]
El calor y la humedad son otros elementos importantes del entorno. El papel tapiz de la habitación de Barton se despega y cae; Charlie experimenta el mismo problema y supone que la causa es el calor. Los Coen utilizaron generosamente colores verde y amarillo al diseñar el hotel "para sugerir un aura de putrefacción". [23]
La atmósfera del hotel estaba destinada a conectar con el personaje de Charlie. Como explicó Joel: "Nuestra intención, además, era que el hotel funcionara como una exteriorización del personaje interpretado por John Goodman. El sudor le gotea por la frente como el papel de la pared se desprende de las paredes. Al final, cuando Goodman dice que es prisionero de su propio estado mental, que esto es como una especie de infierno, era necesario que el hotel ya hubiera sugerido algo infernal". [23] El papel tapiz que se está despegando y la pasta que se filtra a través de él también reflejan la infección crónica del oído de Charlie y el pus resultante. [26]
Cuando Barton llega por primera vez al Hotel Earle, el amable botones Chet ( Steve Buscemi ) le pregunta si es "trans o res": transitorio o residente. Barton explica que no está seguro pero que se quedará "indefinidamente". [27] La dicotomía entre habitantes permanentes y huéspedes reaparece varias veces, especialmente en el lema del hotel, "Un día o una vida", que Barton nota en el papel de la habitación. Esta idea vuelve al final de la película, cuando Charlie describe a Barton como "un turista con una máquina de escribir". La crítica Erica Rowell presenta su capacidad para dejar a Earle (mientras Charlie permanece) como evidencia de que la historia de Barton representa el proceso de escritura en sí. Barton, dice, representa a un autor que es capaz de dejar una historia, mientras que personajes como Charlie no pueden. [26]
Por el contrario, las oficinas de Capitol Pictures y la casa de Lipnick están impecables, lujosamente decoradas y extremadamente cómodas. Las habitaciones de la empresa están bañadas por la luz del sol y la oficina de Ben Geisler se enfrenta a una exuberante variedad de flora. Barton se encuentra con Lipnick en una escena junto a una enorme e impecable piscina. Esto hace eco de su posición como director del estudio, como explica: "...no siempre se puede ser honesto, no con los tiburones nadando en esta ciudad... si hubiera sido totalmente honesto, no estaría ni a un milla de esta piscina, a menos que la estuviera limpiando". [28] En su despacho, Lipnick exhibe otro trofeo de su poder: las estatuas de Atlas , el titán de la mitología griega que declaró la guerra a los dioses del Olimpo y fue severamente castigado. [29]
Barton mira los diarios de otra película de lucha libre realizada por Capitol Pictures; la fecha que figura en la claqueta es el 9 de diciembre, dos días después del ataque a Pearl Harbor . Más tarde, cuando Barton celebra el guión terminado bailando en un espectáculo de la USO , está rodeado de soldados. [30] En la siguiente aparición de Lipnick, viste un uniforme de coronel, que en realidad es un disfraz de su compañía. Lipnick en realidad no ha ingresado en el ejército, pero se declara dispuesto a luchar contra los "pequeños bastardos amarillos". [31] Originalmente, este momento histórico justo después de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial iba a tener un impacto significativo en el Hotel Earle. Como explicaron los Coen: "Estábamos pensando en un hotel donde los huéspedes fueran ancianos, locos, discapacitados físicos, porque todos los demás se habían ido a la guerra. Cuanto más se desarrollaba el guión, más se hacía este tema. quedó atrás, pero nos llevó, al principio, a conformarnos con ese período". [32]
La imagen de la habitación de Barton de una mujer en la playa es un foco central tanto para el personaje como para la cámara. Lo examina con frecuencia mientras está en su escritorio y después de encontrar el cadáver de Audrey en su cama, se para cerca de él. La imagen se repite al final de la película, cuando conoce a una mujer de aspecto idéntico en una playa de aspecto idéntico, que adopta una pose idéntica. Después de elogiar su belleza, él le pregunta: "¿Apareces en fotografías?". Ella se sonroja y responde: "No seas tonto". [35]
Los Coen decidieron desde el principio del proceso de escritura incluir la imagen como un elemento clave en la sala. "Nuestra intención", explicó Joel más tarde, "era que la habitación tuviera muy poca decoración, que las paredes estuvieran desnudas y que las ventanas no ofrecieran vistas de ningún interés particular. De hecho, queríamos la única abertura al exterior. "El mundo era esta imagen. Nos parecía importante crear una sensación de aislamiento". [36]
Más adelante en la película, Barton coloca en el marco una pequeña imagen de Charlie, vestido con un traje elegante y sosteniendo un maletín. La yuxtaposición de su vecino con uniforme de vendedor de seguros y la imagen escapista de la mujer en la playa lleva a Barton a una confusión entre realidad y fantasía. El crítico Michael Dunne señala: "Los espectadores sólo pueden preguntarse cuán 'real' es Charlie... En la toma final de la película... los espectadores deben preguntarse cuán 'real' es [la mujer]. La pregunta lleva a otras: ¿Qué tan reales son Fink? ¿Lipnick? ¿Audrey? ¿Mayhew? ¿Qué tan reales son las películas de todos modos? [37]
El significado de la imagen ha sido objeto de amplia especulación. El crítico del Washington Post, Desson Howe, dijo que a pesar de su impacto emocional, la escena final "se siente más como un remate por el remate, una coda inventada". [38] En su libro de análisis de las películas de los hermanos Coen, Rowell sugiere que la fijación de Barton en la película es irónica, considerando su bajo estatus cultural y sus propias pretensiones hacia la alta cultura (a pesar de los discursos en sentido contrario). Además, señala que la cámara enfoca tanto al propio Barton como a la imagen mientras él la mira. En un momento, la cámara pasa junto a Barton para llenar el encuadre con la mujer en la playa. Esta tensión entre los puntos de vista objetivos y subjetivos vuelve a aparecer al final de la película, cuando Barton se encuentra –en cierto sentido– dentro de la imagen. [39]
El crítico M. Keith Booker califica la escena final como un "comentario enigmático sobre la representación y la relación entre el arte y la realidad". Sugiere que las imágenes idénticas señalan lo absurdo del arte que refleja la vida directamente. La película traslada a la mujer directamente del arte a la realidad, provocando confusión en el espectador; Booker afirma que, por lo tanto, una descripción tan literal conduce inevitablemente a la incertidumbre. [40]
Muchos críticos notaron que " La ley de la no contradicción ", un episodio de la serie de televisión Fargo producida por Coen y basado en su película homónima de 1996 , presenta una referencia a la imagen, ya que Gloria, el personaje principal del episodio, se sienta en la playa en la toma y Posición similar a la de la imagen . Los temas del episodio también se compararon con los de Barton Fink . [41] [42] [43] [44]
Los Coen son conocidos por hacer películas que desafían una clasificación simple. Aunque se refieren a su primera película, Blood Simple (1984), como un ejemplo relativamente sencillo de ficción policial , los Coen escribieron su siguiente guión, Raising Arizona (1987), sin intentar encajar en un género en particular. Decidieron escribir una comedia , pero intencionalmente agregaron elementos oscuros para producir lo que Ethan llama "una película bastante salvaje". [45] Su tercera película, Miller's Crossing (1990), invirtió este orden, mezclando fragmentos de comedia en una película criminal . Sin embargo, también subvierte la identidad de un solo género al utilizar convenciones del melodrama , historias de amor y sátira política . [46]
Esta tendencia de mezclar géneros continuó y se intensificó con Barton Fink (1991); Los Coen insisten en que la película "no pertenece a ningún género". [3] Ethan la ha descrito como "una película de amigos de los años 90". [47] Contiene elementos de comedia, cine negro y terror , pero otras categorías cinematográficas están presentes. [48] El actor Turturro se refirió a ella como una historia de mayoría de edad [47] mientras que el profesor de literatura y analista de cine R. Barton Palmer la llama Künstlerroman , destacando la importancia de la evolución del personaje principal como escritor. [49] El crítico Donald Lyons describe la película como "una visión retrosurrealista ". [50]
Debido a que cruza géneros, fragmenta las experiencias de los personajes y se resiste a una resolución narrativa directa, Barton Fink a menudo se considera un ejemplo de cine posmodernista . En su libro Postmodern Hollywood, Booker dice que la película representa el pasado con una técnica impresionista , no con una precisión precisa. Esta técnica, señala, es "típica del cine posmoderno, que ve el pasado no como la prehistoria del presente sino como un almacén de imágenes que deben ser saqueadas en busca de material". [51] En su análisis de las películas de los Coen, Palmer llama a Barton Fink un "pastiche posmoderno" que examina de cerca cómo se han representado las épocas pasadas. La compara con Las horas (2002), una película sobre Virginia Woolf y dos mujeres que leen su obra. Afirma que ambas películas, lejos de rechazar la importancia del pasado, contribuyen a nuestra comprensión del mismo. Cita a la teórica literaria Linda Hutcheon : el tipo de posmodernismo exhibido en estas películas "no niega la existencia del pasado; cuestiona si alguna vez podremos conocer ese pasado más que a través de sus restos textualizantes". [52]
Ciertos elementos en Barton Fink resaltan el barniz del posmodernismo: el escritor es incapaz de resolver su enfoque modernista en la alta cultura con el deseo del estudio de crear películas formuladas y de alto beneficio; la colisión resultante produce un arco argumental fracturado, emblemático del posmodernismo. [53] El estilo cinematográfico de los Coen es otro ejemplo; Cuando Barton y Audrey comienzan a hacer el amor, la cámara se desplaza hacia el baño, luego se mueve hacia el lavabo y baja por el desagüe. Rowell llama a esto una "actualización posmoderna" de la notoria imagen sexualmente sugerente de un tren entrando en un túnel, utilizada por el director Alfred Hitchcock en su película North by Northwest . [54]
Barton Fink utiliza varias convenciones estilísticas para acentuar el tono de la historia y dar énfasis visual a temas particulares. Por ejemplo, los créditos iniciales pasan sobre el fondo de pantalla del Hotel Earle, a medida que la cámara se mueve hacia abajo. Este movimiento se repite muchas veces en la película, especialmente de acuerdo con la afirmación de Barton de que su trabajo es "sondear las profundidades" mientras escribe. [39] Sus primeras experiencias en el Hotel Earle continúan con este tropo ; El botones Chet emerge de debajo del suelo, llevando un zapato (que presumiblemente ha estado lustrando), lo que sugiere que la verdadera actividad es bajo tierra. Aunque el piso de Barton está presumiblemente seis pisos por encima del vestíbulo, el interior del ascensor se muestra sólo mientras desciende. Estos elementos –combinados con muchas pausas dramáticas, diálogos surrealistas y amenazas implícitas de violencia– crean una atmósfera de tensión extrema. Los Coen explicaron que "se suponía que toda la película se sentiría como una fatalidad o catástrofe inminente. Y definitivamente queríamos que terminara con un sentimiento apocalíptico". [55]
El estilo de Barton Fink es evocador y representativo de las películas de los años treinta y cuarenta. Como señala el crítico Michael Dunne: "El abrigo pesado de Fink, su sombrero y sus trajes oscuros y monótonos provienen de manera realista de los años treinta, pero aún más de las películas de los años treinta". [56] El estilo del Hotel Earle y la atmósfera de varias escenas también reflejan la influencia del cine anterior a la Segunda Guerra Mundial. Incluso la ropa interior de Charlie coincide con la que usa su héroe cinematográfico Jack Oakie . Al mismo tiempo, las técnicas de cámara utilizadas por los Coen en Barton Fink representan una combinación de lo clásico con lo original. Cuidadosos travellings y primeros planos extremos distinguen la película como un producto de finales del siglo XX. [57]
Desde el principio, la película se mueve continuamente entre la visión subjetiva del mundo de Barton y una visión objetiva. Después de que aparecen los créditos iniciales, la cámara se inclina hacia Barton, observando el final de su obra. Pronto vemos al público desde su punto de vista, animándolo frenéticamente. A medida que avanza, entra en escena y el espectador regresa a un punto de vista objetivo. Esta confusión de lo subjetivo y objetivo regresa en la escena final. [58]
El cambio de punto de vista coincide con el tema de la película: la realización cinematográfica. La película comienza con el final de una obra de teatro y la historia explora el proceso de creación. Este enfoque metanarrativo se ve enfatizado por el enfoque de la cámara en la primera escena en Barton (quien pronuncia las palabras pronunciadas por los actores fuera de la pantalla), no en la obra que está viendo. Como dice Rowell: "[A]unque escuchamos una escena, miramos otra... La separación del sonido y la imagen muestra una dicotomía crucial entre dos 'visiones' del artificio: el mundo creado por el protagonista (su obra) y el mundo exterior (lo que implica crear una actuación)". [59]
La película también emplea numerosas técnicas de presagio . La palabra "cabeza", que indica el probable contenido del paquete que Charlie deja con Barton, aparece 60 veces en el guión original. [60] En un guiño sombrío a los acontecimientos posteriores, Charlie describe su actitud positiva hacia su "trabajo" de vender seguros : "Incendios, robos y siniestros no son cosas que sólo les suceden a otras personas". [61]
Mucho se ha escrito sobre los significados simbólicos de Barton Fink . Rowell propone que es "una cabeza figurativa hinchada de ideas que todas conducen al artista". [61] La proximidad de la escena de sexo al asesinato de Audrey lleva a Lyons a insistir: "El sexo en Barton Fink es muerte". [62] Otros han sugerido que la segunda mitad de la película es una secuencia de sueños extendida . [33]
Los Coen, sin embargo, han negado cualquier intento de crear una unidad sistemática a partir de los símbolos de la película. "Nunca, nunca entramos en nuestras películas con algo así en mente", dijo Joel en una entrevista de 1998. "Nunca hay nada que se acerque a ese tipo de colapso intelectual específico. Siempre hay un montón de cosas instintivas que se sienten bien, por cualquier motivo". [63] Los Coen han notado su comodidad con la ambigüedad no resuelta. Ethan dijo en 1991: " Barton Fink termina contándote lo que está sucediendo en la medida en que es importante saberlo... Lo que no está muy claro no pretende volverse muy claro, y está bien dejarlo así". ". [64] Respecto a las fantasías y secuencias de sueños, dijo:
Es correcto decir que queríamos que el espectador compartiera la vida interior de Barton Fink así como su punto de vista. Pero no había necesidad de ir demasiado lejos. Por ejemplo, habría sido incongruente que Barton Fink se despertara al final de la película y que sugiriéramos con ello que en realidad habitaba una realidad mayor que la que se representa en la película. En cualquier caso, siempre resulta artificial hablar de "realidad" respecto de un personaje de ficción. [33]
Los matices homoeróticos de la relación de Barton con Charlie no son involuntarios. Aunque un detective exige saber si tuvieron "algo sexual enfermizo", su intimidad se presenta como cualquier cosa menos desviada y envuelta en convenciones de la sexualidad dominante. La primera propuesta amistosa de Charlie hacia su vecino, por ejemplo, viene en forma de una frase estándar para ligar : "Me sentiría mejor por el maldito inconveniente si me dejaras invitarte a una bebida". [65] La escena de lucha libre entre Barton y Charlie también se cita como ejemplo de afecto homoerótico: "Consideramos que es una escena de sexo", dijo Joel Coen en 2001. [66]
Muchos de los efectos de sonido de Barton Fink están cargados de significado. Por ejemplo, Barton es llamado por una campana mientras cena en la ciudad de Nueva York; su sonido es ligero y agradable. Por el contrario, la misteriosa y sostenida campana del Hotel Earle suena sin cesar en el vestíbulo, hasta que Chet la silencia. [67] Las habitaciones cercanas del hotel emiten un coro constante de gritos guturales, gemidos y una variedad de ruidos no identificables. Estos sonidos coinciden con el estado mental confuso de Barton y marcan la afirmación de Charlie de que "escucho todo lo que sucede en este basurero". [54] Los aplausos en la primera escena presagian la tensión del movimiento de Barton hacia el oeste, mezclado con el sonido de una ola del océano rompiendo, una imagen que se muestra en pantalla poco después. [68]
Otro sonido simbólico es el zumbido de un mosquito . Aunque el productor de Fink insiste en que estos parásitos no viven en Los Ángeles (ya que "los mosquitos se reproducen en los pantanos; esto es un desierto", [70] ), su sonido distintivo se escucha claramente mientras Barton observa un insecto dando vueltas en círculos sobre su habitación de hotel. Posteriormente llega a las reuniones con picaduras de mosquitos en la cara. El insecto también ocupa un lugar destacado en la revelación de la muerte de Audrey; Barton golpea a un mosquito que se alimenta de su cadáver y de repente se da cuenta de que ha sido asesinada. El tono alto del zumbido del mosquito se refleja en las cuerdas agudas utilizadas para la música de la película. [71] Durante el rodaje, los Coen fueron contactados por un grupo de derechos de los animales que expresó su preocupación sobre cómo se trataría a los mosquitos. [69]
La música fue compuesta por Carter Burwell , quien ha trabajado con los Coen desde su primera película. Sin embargo, a diferencia de proyectos anteriores (la melodía popular irlandesa utilizada para Miller's Crossing y una canción popular estadounidense como base para Raising Arizona ), Burwell escribió la música para Barton Fink sin una inspiración específica. [72] La partitura fue lanzada en 1996 en un disco compacto, combinada con la partitura de la película Fargo de los Coen . [73]
Varias canciones utilizadas en la película están cargadas de significado. En un momento, Mayhew se aleja de Barton y Audrey, borracho. Mientras deambula, grita la canción popular " Old Black Joe ". (1853) Compuesta por Stephen Foster , cuenta la historia de un anciano esclavo que se prepara para unirse a sus amigos en "una tierra mejor". La interpretación de Mayhew de la canción coincide con su condición de empleado oprimido de Capitol Pictures, y presagia la propia situación de Barton al final de la película. [74]
Cuando termina de escribir su guión, Barton lo celebra bailando en un espectáculo de United Service Organizations (USO). La canción utilizada en esta escena es una interpretación de "Down South Camp Meeting", una melodía de swing . Su letra (inaudita en la película) dice: "Prepárate (canta) / ¡Aquí vienen! El coro está listo". Estas líneas hacen eco del título de la obra de Barton, Bare Ruined Choirs . A medida que la celebración estalla en un tumulto, la intensidad de la música aumenta y la cámara se acerca al cavernoso hueco de una trompeta. Esta secuencia refleja el zoom de la cámara hacia el desagüe del fregadero justo antes de que Audrey sea asesinada al principio de la película. [30]
La inspiración para la película provino de varias fuentes y contiene alusiones a muchas personas y eventos diferentes. Por ejemplo, el título de la obra de Barton, Bare Ruined Choirs , proviene de la cuarta línea del Soneto 73 de William Shakespeare . El enfoque del poema en el envejecimiento y la muerte se conecta con la exploración de la dificultad artística de la película. [75] [76]
Más tarde, en un momento de la escena del picnic, mientras Mayhew se aleja borracho de Barton y Audrey, grita: "¡Silencio en un pico en Darien!" Esta es la última línea del soneto de John Keats " Sobre la primera mirada al Homero de Chapman ". (1816) La referencia literaria no sólo demuestra el conocimiento del personaje de los textos clásicos, sino que la referencia del poema al Océano Pacífico coincide con el anuncio de Mayhew de que "simplemente caminará hasta el Pacífico, y desde allí... improvisaré". .” [77]
Otras alusiones académicas se presentan en otros lugares, a menudo con extrema sutileza. Por ejemplo, una breve toma de la portada de una novela de Mayhew indica la editorial de "Swain and Pappas". Probablemente se trate de una referencia a Marshall Swain y George Pappas , filósofos cuyo trabajo se ocupa de temas explorados en la película, incluidas las limitaciones del conocimiento y la naturaleza del ser. [76] Un crítico señala que la fijación de Barton en la mancha en el techo de su habitación de hotel coincide con el comportamiento del protagonista en el cuento de Flannery O'Connor " The Enduring Chill" . [78]
Los críticos han sugerido que la película hace referencia indirecta al trabajo de los escritores Dante Alighieri (mediante el uso de imágenes de la Divina Comedia ) y Johann Wolfgang von Goethe (mediante la presencia de gangas fáusticas ). [79] [80] En la película aparecen estructuras burocráticas confusas y personajes irracionales, como los de las novelas de Franz Kafka , pero los Coen insisten en que la conexión no fue intencionada. "No lo había leído desde la universidad", admitió Joel en 1991, "cuando devoraba obras como La metamorfosis . Otros han mencionado El castillo y ' En la colonia penal ', pero yo nunca las he leído". [81]
El personaje de Barton Fink está basado libremente en Clifford Odets , un dramaturgo de Nueva York que en la década de 1930 se unió al Group Theatre , un grupo de dramaturgos que incluía a Harold Clurman , Cheryl Crawford y Lee Strasberg . Su trabajo enfatizó las cuestiones sociales y empleó el sistema de actuación de Stanislavski para recrear la experiencia humana de la manera más veraz posible. Varias de las obras de Odets se representaron con éxito en Broadway, incluidas ¡ Despierta y canta! y Esperando a Lefty (ambos en 1935). Cuando los gustos del público se alejaron del teatro políticamente comprometido y se acercaron al realismo familiar de Eugene O'Neill , Odets tuvo dificultades para producir trabajos exitosos, por lo que se mudó a Hollywood y pasó 20 años escribiendo guiones cinematográficos. [82]
Los Coen escribieron pensando en Odet; imaginaban a Barton Fink como "un dramaturgo serio, honesto, políticamente comprometido y bastante ingenuo". [84] Como dijo Ethan en 1991: "Parecía natural que viniera del Group Theatre y de la década de los años treinta". [84] Al igual que Odets, Barton cree que el teatro debe celebrar las pruebas y los triunfos de la gente común; Al igual que Barton, Odets era muy egoísta. [85] En la película, una reseña de la obra de teatro Bare Ruined Choirs de Barton indica que sus personajes enfrentan una "lucha brutal por la existencia... en los rincones más sórdidos". Esta redacción es similar al comentario del biógrafo Gerald Weales de que los personajes de Odets "luchan por la vida en medio de condiciones insignificantes". [86] Las líneas de diálogo de la obra de Barton recuerdan a la obra de Odets ¡ Despierta y canta! . Por ejemplo, un personaje declara: "Ahora estoy despierto, despierto por primera vez". Otro dice: "Toma ese coro en ruinas. Hazlo cantar". [49]
Sin embargo, existen muchas diferencias importantes entre los dos hombres. Joel Coen dijo: "Ambos escritores escribieron el mismo tipo de obras con héroes proletarios, pero sus personalidades eran bastante diferentes. Odets era mucho más extrovertido; de hecho, era bastante sociable incluso en Hollywood, y este no es el caso de Barton. ¡Soplón!" [84] Aunque estaba frustrado por su decadente popularidad en Nueva York, Odets tuvo éxito durante su estancia en Hollywood. Varias de sus obras posteriores fueron adaptadas (por él y otros) al cine. Uno de ellos, El gran cuchillo (1955), coincide mucho más con la vida de Barton que con la de Odets. En él, un actor se ve abrumado por la codicia de un estudio de cine que lo contrata y finalmente se suicida. [87] Otra similitud con el trabajo de Odets es la muerte de Audrey, que refleja una escena en Deadline at Dawn , (1946), una película negra escrita por Odets. En esa película, un personaje se despierta y descubre que la mujer con la que se acostó la noche anterior ha sido asesinada inexplicablemente. [88]
Odets relató su difícil transición de Broadway a Hollywood en su diario, publicado como The Time Is Ripe: The 1940 Journal of Clifford Odets. (1988) El diario exploró las deliberaciones filosóficas de Odets sobre la escritura y el romance. A menudo invitaba a mujeres a su apartamento y muchas de sus aventuras las describe en su diario. Estas experiencias, al igual que los extensos discursos sobre la escritura, tienen eco en Barton Fink cuando Audrey visita y seduce a Barton en el Hotel Earle. [89] Turturro fue el único miembro de la producción que leyó el Diario de Odets, sin embargo, y los hermanos Coen instan al público a "tomar en cuenta la diferencia entre el personaje y el hombre". [84]
Los hermanos Coen han declarado que aunque el personaje de Fink está basado en Odets, la apariencia del personaje con "pelo erizado y gafas" está basada en la de George S. Kaufmann . [90]
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Existen algunas similitudes entre el personaje de WP Mayhew y el novelista William Faulkner . Al igual que Mayhew, Faulkner se hizo conocido como un destacado escritor de literatura sureña y luego trabajó en el negocio del cine. Al igual que Faulkner, Mayhew bebe mucho y habla con desprecio de Hollywood. [84] El nombre de Faulkner apareció en el libro de historia de Hollywood de la década de 1940 City of Nets, que los Coen leyeron mientras creaban a Barton Fink. Ethan explicó en 1998: "Leí esta historia de pasada de que a Faulkner se le asignó escribir una película de lucha libre... Eso fue parte de lo que nos impulsó a seguir con todo el asunto de Barton Fink ". [91] Faulkner trabajó en una película de lucha libre llamada Flesh (1932) , protagonizada por Wallace Beery , el actor para quien Barton escribe. [92] [56] El enfoque en la lucha libre fue fortuito para los Coen, ya que participaban en el deporte. en la escuela secundaria [91]
Sin embargo, los Coen rechazan una conexión significativa entre Faulkner y Mayhew, calificando las similitudes de "superficiales", [84] "En lo que respecta a los detalles del personaje", dijo Ethan en 1991, "Mayhew es muy diferente de Faulkner, cuyo Las experiencias en Hollywood no fueron las mismas en absoluto." [84] A diferencia de la incapacidad de Mayhew para escribir debido a la bebida y problemas personales, Faulkner continuó escribiendo novelas después de trabajar en el negocio del cine, ganando varios premios por ficción completada durante y después de su estancia en Hollywood. [93]
El personaje de Lerner, nominado al Oscar, del magnate de los estudios Jack Lipnick, es una combinación de varios productores de Hollywood, incluidos Harry Cohn , Louis B. Mayer y Jack L. Warner , tres de los hombres más poderosos de la industria cinematográfica en la época en que Barton Fink Está establecido. [94] [5] Al igual que Mayer, Lipnick es originario de la capital bielorrusa , Minsk . Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, Warner presionó para conseguir un puesto en el ejército y ordenó a su departamento de vestuario que le creara un uniforme militar; Lipnick hace lo mismo en su escena final. Warner se refirió una vez a los escritores como "tontos de Underwood", lo que llevó a Barton a utilizar en la película una máquina de escribir Underwood . [95] [92]
Al mismo tiempo, los Coen enfatizan que el laberinto de engaños y dificultades que soporta Barton no se basa en su propia experiencia. Aunque Joel ha dicho que los artistas tienden a "encontrarse con filisteos ", añadió: " Barton Fink está bastante lejos de nuestra propia experiencia. Nuestra vida profesional en Hollywood ha sido especialmente fácil, y esto es sin duda extraordinario e injusto". [23] Ethan ha sugerido que Lipnick, al igual que los hombres en los que se basa, es en cierto modo un producto de su época. "No sé si ese tipo de personaje existe ya. Ahora Hollywood es un poco más soso y corporativo que eso". [96]
Los Coen han reconocido varias inspiraciones cinematográficas de Barton Fink. Entre ellas destacan tres películas del cineasta polaco-francés Roman Polanski : Repulsion (1965) , Cul-de-Sac (1966) y The Tenant (1976). Estas películas emplean un estado de ánimo de incertidumbre psicológica junto con entornos espeluznantes que agravan la inestabilidad mental de los personajes. El aislamiento de Barton en su habitación del Hotel Earle se compara frecuentemente con el de Trelkovsky en su apartamento de The Tenant. [47] [97] Ethan dijo con respecto al género de Barton Fink : "[E]s es una especie de película de Polanski. Está más cerca de eso que cualquier otra cosa". [68] Por coincidencia, Polanski fue el presidente del jurado en el Festival de Cine de Cannes en 1991, donde se estrenó Barton Fink . Esto creó una situación incómoda. "Obviamente", dijo Joel Coen más tarde, "nos hemos visto influenciados por sus películas, pero en ese momento dudábamos mucho en hablar con él al respecto porque no queríamos dar la impresión de que estábamos haciendo la pelota". [3]
Otras obras citadas como influencias para Barton Fink incluyen la película The Shining , (1980) producida y dirigida por Stanley Kubrick , y la comedia Sullivan's Travels , (1941) escrita y dirigida por Preston Sturges . [78] [98] Ambientada en un hotel vacío, la película de Kubrick trata sobre un escritor incapaz de continuar con su último trabajo. Aunque los Coen aprueban las comparaciones con El resplandor, Joel sugiere que la película de Kubrick "pertenece en un sentido más global al género del cine de terror". [3] Los viajes de Sullivan, estrenada el año en el que se desarrolla Barton Fink , sigue al exitoso director John Sullivan, quien decide crear una película de profunda importancia social, no muy diferente del deseo de Barton de crear entretenimiento para "el hombre común". Sullivan finalmente decide que el entretenimiento cómico es un papel clave para los cineastas, similar a la afirmación de Jack Lipnick al final de Barton Fink de que "el público quiere ver acción y aventuras". [99]
En Barton Fink abundan las alusiones adicionales a las películas y a la historia del cine . En un momento, un personaje habla de "Victor Soderberg"; el nombre es una referencia a Victor Sjöström , director sueco que trabajó en Hollywood bajo el nombre de Seastrom. [92] La frase de Charlie sobre cómo sus problemas "no equivalen a una montaña de frijoles" es un probable homenaje a la película Casablanca . (1942) Otra similitud es la escena de la playa de Barton Fink con el momento final de La Dolce Vita (1960), donde la última línea de diálogo de una joven es borrada por el ruido del océano. [100] El inquietante vacío del Hotel Earle también ha sido comparado con los espacios habitables de Key Largo (1948) y Sunset Boulevard . (1950) [68]
Dos de los temas centrales de la película –la cultura de la producción de entretenimiento y el proceso de escritura– están entrelazados y se relacionan específicamente con la naturaleza autorreferencial de la obra (así como con la obra dentro de la obra). Es una película sobre un hombre que escribe una película basada en una obra de teatro, y en el centro de toda la obra de Barton está el propio Barton. El diálogo de su obra Bare Ruined Choirs (también las primeras líneas de la película, algunas de las cuales se repiten al final de la película como líneas en el guión de Barton The Burlyman ) nos dan una idea del arte autodescriptivo de Barton. La madre de la obra se llama "Lil", que luego se revela como el nombre de la propia madre de Barton. En la obra, "The Kid" (una representación del propio Barton) se refiere a su casa "seis pisos arriba", el mismo piso donde reside Barton en el Hotel Earle. Además, los procesos de escritura de los personajes de Barton Fink reflejan diferencias importantes entre la cultura de producción de entretenimiento en el distrito de Broadway de Nueva York y Hollywood. [101]
Aunque Barton habla frecuentemente de su deseo de ayudar a crear "un teatro nuevo y vivo, de, sobre y para el hombre común", no reconoce que tal teatro ya ha sido creado: las películas. De hecho, desdeña esta forma auténticamente popular. [102] Por otro lado, el mundo del teatro de Broadway en Barton Fink es un lugar de alta cultura , donde el creador cree más plenamente que su trabajo encarna sus propios valores. Aunque finge desdeñar su propio éxito, Barton cree haber conseguido una gran victoria con Bare Ruined Choirs. Él busca elogios; Cuando su agente Garland le pregunta si ha visto la elogiosa reseña en el Herald, Barton dice "No", a pesar de que su productor se la acababa de leer. Barton se siente cercano al teatro y confía en que puede ayudarlo a crear una obra que honre al "hombre común". Los hombres y mujeres que financiaron la producción – "esa gente", como los llama Barton – demuestran que Broadway está tan preocupado por las ganancias como Hollywood; pero su intimidad y su menor escala permiten al autor sentir que su obra tiene un valor real. [48] [49]
Barton no cree que Hollywood ofrezca la misma oportunidad. En la película, Los Ángeles es un mundo de fachadas falsas y gente falsa. Esto es evidente en una de las primeras líneas del guión (filmada, pero no incluida en el estreno en cines [103] ); Mientras le informa a Barton sobre la oferta de Capitol Pictures, su agente le dice: "Sólo le pido que su decisión esté basada en un poco de realismo, si puedo usar esa palabra y Hollywood al mismo tiempo". [48] Más tarde, mientras Barton intenta explicar por qué se queda en el Earle, el director del estudio Jack Lipnick termina su frase, reconociendo que Barton quiere un lugar que sea "menos Hollywood". Se supone que Hollywood es falso y Earle es genuino. El productor Ben Geisler lleva a Barton a almorzar a un restaurante que presenta un mural del "New York Café", una señal del esfuerzo de Hollywood por replicar la autenticidad de la costa este de Estados Unidos . [30] La abrumadora exuberancia inicial de Lipnick es también una fachada. Aunque comienza diciéndole a Barton: "El escritor es el rey aquí en Capitol Pictures", en la penúltima escena insiste: "Si tu opinión importara, entonces supongo que renunciaría y te dejaría dirigir el estudio. No es así. Y no lo harás, y los locos no van a dirigir este asilo en particular". [104]
El engaño en Barton Fink es emblemático del enfoque de Hollywood en la baja cultura , su incesante deseo de producir eficientemente entretenimiento formulado con el único propósito de obtener ganancias económicas. Capitol Pictures asigna a Barton la tarea de escribir una película de lucha libre con la superestrella Wallace Beery en el papel principal . Aunque Lipnick declara lo contrario, Geisler asegura a Barton que "es sólo una película B ". Audrey intenta ayudar al escritor en apuros diciéndole: "Mira, en realidad es sólo una fórmula. No tienes que escribir tu alma en ella". [105] Esta fórmula la deja clara Lipnick, quien pregunta a Barton en su primer encuentro si el personaje principal debería tener un interés amoroso o cuidar de un niño huérfano. Barton muestra su iconoclasia respondiendo: "¿Ambos, tal vez?" [106] Al final, su incapacidad para ajustarse a las normas del estudio destruye a Barton.
Una descripción similar de Hollywood aparece en la novela de Nathanael West El día de la langosta (1939), que muchos críticos ven como un importante precursor de Barton Fink. [107] [108] [94] Ambientado en un complejo de apartamentos en ruinas, el libro describe a un pintor reducido a decorar decorados de películas. Retrata a Hollywood como grosero y explotador, devorando individuos talentosos en su interminable búsqueda de ganancias. Tanto en la novela de West como en Barton Fink, los protagonistas sufren bajo la opresiva máquina industrial del estudio cinematográfico. [109]
La película contiene más material autorreferencial, como una película sobre un escritor que tiene dificultades para escribir (escrita por los hermanos Coen mientras tenían dificultades para escribir Miller's Crossing ). Barton está atrapado entre su propio deseo de crear arte significativo y la necesidad de Capitol Pictures de utilizar sus convenciones estándar para obtener ganancias. [106] El consejo de Audrey sobre seguir la fórmula habría salvado a Barton, pero él no le presta atención. Sin embargo, cuando él pone el misterioso paquete (que podría haber contenido su cabeza) en su escritorio, ella podría haberlo estado ayudando póstumamente, de otras maneras. [110] La película en sí juega con fórmulas de guión estándar. Al igual que con los guiones de Mayhew, Barton Fink contiene un "buen luchador" (Barton, al parecer) y un "mal luchador" (Charlie) que se "enfrentan" al final. Pero al estilo típico de Coen, las líneas entre el bien y el mal se desdibujan, y el supuesto héroe, de hecho, se revela sordo a las súplicas de su vecino "hombre común". Al desdibujar las líneas entre la realidad y la experiencia surrealista, la película subvierte los "cuentos morales simples" y las "hojas de ruta" que se ofrecen a Barton como caminos fáciles a seguir para el escritor. [111]
Sin embargo, los realizadores señalan que Barton Fink no pretende representar a los Coen. "Nuestra vida en Hollywood ha sido particularmente fácil", dijeron una vez. "La película no es un comentario personal". [15] Aún así, a lo largo de la película se exploran temas universales del proceso creativo. Durante la escena del picnic, por ejemplo, Mayhew le pregunta a Barton: "¿No estás escribiendo la paz?" Barton hace una pausa y luego dice: "No, siempre he descubierto que escribir surge de un gran dolor interior". [112] Tales intercambios llevaron al crítico William Rodney Allen a llamar a Barton Fink "una autobiografía de la vida de las mentes de los Coen, no de hecho literal". El comentario de Allen es en sí mismo una referencia a la frase "vida de la mente", utilizada repetidamente en la película en contextos muy diferentes. [78]
Varios de los elementos de la película, incluido el escenario al comienzo de la Segunda Guerra Mundial , han llevado a algunos críticos a resaltar paralelismos con el ascenso del fascismo en ese momento. Por ejemplo, los detectives que visitan a Barton en el Hotel Earle se llaman "Mastrionatti" y "Deutsch” [113] – nombres italianos y alemanes, que evocan los regímenes de Benito Mussolini y Adolf Hitler . Su desprecio por Barton es claro: "Fink . Ése es un nombre judío, ¿no? ... No pensé que este vertedero estuviera restringido”. [114] Más tarde, justo antes de matar a su última víctima, Charlie dice: " Heil Hitler ". [115] Jack Lipnick es originario de la capital bielorrusa, Minsk , que fue ocupada desde el verano de 1941 por la Alemania nazi , tras la Operación Barbarroja . [116 ]
"No es forzar la cuestión sugerir que el Holocausto se cierne sobre Barton Fink ", escribe el biógrafo Ronald Bergan . [55] Otros ven un mensaje más específico en la película, particularmente el olvido de Barton ante las tendencias homicidas de Charlie. El crítico Roger Ebert escribió en su reseña de 1991 que los Coen tenían la intención de crear una alegoría del ascenso del nazismo . "Pintan a Fink como un intelectual de izquierda ineficaz e impotente, que se vende mientras se dice a sí mismo que está haciendo lo correcto, que cree comprender al 'hombre común' pero no comprende que, para muchos hombres comunes, el fascismo tenía un atractivo seductor." Sin embargo, continúa diciendo: "Sería un error insistir demasiado en este aspecto de la película..." [117]
Otros críticos son más exigentes. M. Keith Booker escribe:
El hecho de que Fink no "escuchara" parece querer decirnos que muchos intelectuales de izquierda como él estaban demasiado ocupados persiguiendo sus propios intereses egoístas para oponerse efectivamente al ascenso del fascismo, un punto que es históricamente completamente inexacto... Que los Coen elegirían nivelar una acusación de irresponsabilidad contra el único grupo en Estados Unidos que buscó activamente oponerse al ascenso del fascismo es en sí mismo altamente irresponsable y muestra una completa ignorancia (o tal vez falta de interés) de la realidad histórica. Tal ignorancia y apatía, por supuesto, son típicas del cine posmoderno... [51]
Por su parte, los Coen niegan cualquier intención de presentar un mensaje alegórico . Eligieron los nombres de los detectives deliberadamente, pero "sólo queríamos que fueran representativos de las potencias mundiales del Eje en ese momento. Parecía algo divertido. Es una provocación. Todo eso con Charlie: el asunto de "¡Heil Hitler!" – Claro, está todo ahí, pero es una especie de provocación". [63] En 2001, Joel respondió a una pregunta sobre los críticos que ofrecen un análisis exhaustivo y extenso: "Así es como los han entrenado para ver películas. En Barton Fink, es posible que lo hayamos fomentado, como burlarse de los animales en el zoológico. La película es intencionalmente ambiguo en formas que quizás no estén acostumbrados a ver”. [118]
Aunque tenue en diálogos e imágenes, el tema de la esclavitud aparece varias veces en la película. El canturreo de Mayhew de la canción de salón "Old Black Joe" lo describe como esclavizado en el estudio de cine, no muy diferente del narrador de la canción que añora a "mis amigos de los campos de algodón". [119] Una breve toma de la puerta del espacio de trabajo de Mayhew muestra el título de la película que supuestamente está escribiendo: Slave Ship. Esta es una referencia a una película de 1937 escrita por la inspiración de Mayhew, William Faulkner, y protagonizada por Wallace Beery, para quien Barton está componiendo un guión para la película. [119]
El símbolo del barco de esclavos se ve reforzado por escenografías específicas, incluida la ventana redonda de la oficina de Ben Geisler que se asemeja a un ojo de buey , así como la pasarela que conduce al bungalow de Mayhew, que se asemeja a la rampa de embarque de una embarcación. [119] Varias líneas de diálogo dejan claro al final de la película que Barton se ha convertido en un esclavo del estudio: "[E]l contenido de tu cabeza", le dice el asistente de Lipnick, "es propiedad de Capitol Pictures". [120] Después de que Barton entrega su guión, Lipnick ofrece un castigo aún más brutal: "Todo lo que escribas será propiedad de Capitol Pictures. Y Capitol Pictures no producirá nada de lo que escribas". [121] Este desprecio y control es representativo de las opiniones expresadas por muchos escritores en Hollywood en ese momento. [119] [122] Como dijo Arthur Miller en su reseña de Barton Fink : "Lo único de lo que estoy seguro acerca de Hollywood es que su masticación de los escritores nunca puede ser demasiado exagerada." [123]
Durante el primer tercio de la película, Barton habla constantemente de su deseo de escribir una obra que se centre y atraiga al "hombre común". En un discurso declara: "Las esperanzas y los sueños del hombre común son tan nobles como los de cualquier rey. Es la materia de la vida. ¿Por qué no debería ser la materia del teatro? Maldita sea, ¿por qué debería ser eso un ¿Una pastilla difícil de tragar? No lo llames teatro nuevo , Charlie; llámalo teatro real . Llámalo nuestro teatro. [124] Sin embargo, a pesar de su retórica, Barton es totalmente incapaz (o no quiere) apreciar la humanidad del "hombre común" que vive al lado de él. [124] Más adelante en la película, Charlie explica que le ha provocado varios horrores porque "¡no escuchas! " [125] En su primera conversación con Charlie, Barton interrumpe constantemente a Charlie justo cuando dice: "Me di cuenta algunas historias", demostrando que a pesar de sus bellas palabras realmente no está interesado en las experiencias de Charlie; En otra escena, Barton demuestra simbólicamente su sordera al mundo tapándose los oídos con algodón para bloquear el sonido del timbre de su teléfono. [126]
La posición de Barton como guionista tiene consecuencias particulares para su relación con "el hombre común". Al negarse a escuchar a su vecino, Barton no puede validar la existencia de Charlie en sus escritos, con resultados desastrosos. Charlie no sólo está atrapado en un trabajo que lo degrada, sino que no puede (al menos en el caso de Barton) que le cuenten su historia. [127] Más centralmente, la película rastrea la evolución de la comprensión de Barton sobre "el hombre común": al principio es una abstracción que debe ser elogiada desde una vaga distancia. Luego se convierte en un individuo complejo, con miedos y deseos. Finalmente, se muestra como un individuo poderoso por derecho propio, capaz de formas extremas de destrucción y, por tanto, temido y/o respetado. [128]
La complejidad del "hombre común" también se explora a través de la tan mencionada "vida de la mente". Mientras explica su deber como escritor, Barton dice: "Tengo que decirles que la vida de la mente... No existe una hoja de ruta para ese territorio... y explorarlo puede ser doloroso. El tipo de dolor que la mayoría de la gente no siente". No sé nada al respecto." [129] Barton supone que está al tanto de consideraciones creativas reflexivas, mientras que Charlie no. Esta ilusión comparte el clímax de la película, cuando Charlie corre por el pasillo del Earle, dispara a los detectives con una escopeta y grita: "¡¡ Mírenme! ¡¡Les mostraré la vida de la mente!! " [130] La "vida" de Charlie de la mente" no es menos complejo que el de Barton; de hecho, algunos críticos lo consideran más. [131] [132]
La comprensión de Charlie del mundo se describe como omnisciente, como cuando le pregunta a Barton sobre "los dos tortolitos de al lado", a pesar de que están a varias puertas de distancia. Cuando Barton le pregunta cómo sabe sobre ellos, Charlie responde: "Parece que escucho todo lo que sucede en este basurero. Tuberías o algo así". [133] Su total conocimiento de los acontecimientos en el Earle demuestra el tipo de comprensión necesaria para mostrar empatía real, como lo describe Audrey. Este tema regresa cuando Charlie explica en su escena final: "Simplemente siento pena por la mayoría de los chicos. Sí. Me desgarra por dentro pensar en lo que están pasando. Lo atrapados que están. Lo entiendo. Lo siento". 'ellos. Así que trato de ayudarlos ". [132] [134]
Los temas de salvación religiosa y alusiones a la Biblia aparecen sólo brevemente en Barton Fink, pero su presencia impregna la historia. Mientras Barton vive su momento más desesperado de confusión y desesperación, abre el cajón de su escritorio y encuentra una Biblia de Gideon . Lo abre "al azar" en Daniel 2 , y lee en él: "Y el rey Nabucodonosor respondió y dijo a los caldeos: No recuerdo mi sueño; si no me hacéis saber mi sueño y su interpretación, seréis despedazados, y vuestras tiendas serán convertidas en muladar”. [135] Este pasaje refleja la incapacidad de Barton para darle sentido a sus propias experiencias (en las que Audrey ha sido "cortada en pedazos"), así como a las "esperanzas y sueños" del "hombre común". [76] Nabucodonosor es también el título de una novela que Mayhew le da a Barton como un "pequeño entretenimiento" para "divertirte en tu estancia entre los filisteos". [136]
Mayhew alude a "la historia de la madre de Salomón", una referencia a Betsabé , quien dio a luz a Salomón después de que su amante David hiciera matar a su marido Urías . Aunque Audrey interrumpe a Mayhew elogiando su libro (que la propia Audrey pudo haber escrito), la referencia presagia el triángulo amoroso que se desarrolla entre los tres personajes de Barton Fink. Rowell señala que Mayhew es asesinado (presumiblemente por Charlie) poco después de que Barton y Audrey tengan relaciones sexuales. [137] Otra referencia bíblica se produce cuando Barton pasa la Biblia al frente en el cajón de su escritorio y ve sus propias palabras transpuestas al Libro del Génesis . Esto se ve como una representación de su arrogancia como un maestro omnipotente de la creación autoconcebido o, alternativamente, como una yuxtaposición lúdica que demuestra el estado mental alucinatorio de Barton. [137]
La película se estrenó en los Estados Unidos en once pantallas el 23 de agosto de 1991 y recaudó 268.561 dólares durante su primer fin de semana. Durante su estreno en cines, Barton Fink recaudó 6.153.939 dólares en Estados Unidos. [138] Que la película no lograra recuperar los gastos de producción divirtió al productor de cine Joel Silver , con quien los Coen trabajarían más tarde en The Hudsucker Proxy (1994): "No creo que haya recaudado 5 millones de dólares, y costó 9 millones de dólares". [Los hermanos Coen tienen] reputación de ser extraños, descentrados e inaccesibles. [139]
En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 89% según 65 reseñas, con una calificación promedio de 7,9/10. El consenso crítico del sitio dice: "Retorcida e inquietante, la historia satírica de los hermanos Coen sobre un dramaturgo de la década de 1940 que lucha contra el bloqueo del escritor está repleta de su característico sentido del humor y excelentes actuaciones de su elenco". [140] En Metacritic , la película tiene una puntuación promedio ponderada de 69 sobre 100, basada en 19 críticas, lo que indica "críticas generalmente favorables". [141] El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación promedio de "B" en una escala de A+ a F. [142]
La crítica del Washington Post, Rita Kempley, describió a Barton Fink como "sin duda una de las mejores y más intrigantes películas del año". [6] El crítico del New York Times Vincent Canby la llamó "un ganador incondicional" y "una fina comedia negra de estilo extravagante y técnica inmensa aunque aparentemente sencilla". [143] El crítico Jim Emerson llamó a Barton Fink "la imagen más deliciosa y provocativamente indescriptible de los hermanos Coen hasta ahora". [144]
A algunos críticos no les gustó la trama enigmática y el final ambiguo. El crítico de Chicago Reader, Jonathan Rosenbaum, advirtió sobre la "sabiduría adolescente y el cinismo de los cómics" de los Coen, y describió a Barton Fink como "un asqueroso de película de medianoche con ropa de autor de domingo por la tarde". [145] John Simon de The National Review describió a Barton Fink como "estúpido e insoportable". [146]
En una entrevista de 1994, Joel desestimó las críticas sobre elementos poco claros en sus películas: "La gente tiene problemas para lidiar con el hecho de que nuestras películas no son directas. Preferirían que la última mitad de Barton Fink tratara solo de la escritura de un guionista. bloquear los problemas y cómo se resuelven en el mundo real". [147] El presentador del programa de entrevistas Larry King expresó su aprobación de la película, a pesar de su conclusión incierta. Escribió en USA Today : "El final es algo en lo que todavía estoy pensando y si lo lograron, supongo que funcionó". [5] En una entrevista de 2016, el guionista Charlie Kaufman dijo después de que le preguntaran qué película le gustaría con él en una isla desierta: "Una película que realmente amo es Barton Fink. No sé si esa es la película que llevaría a una isla desierta, pero siento que hay tantas cosas allí que podrías verla una y otra vez. Eso es importante para mí, especialmente si esa fuera la única película que tendría conmigo por el resto de mi vida". [148]
Barton Fink fue clasificado por Greg Cwik de IndieWire como la quinta mejor película de los Coen. [149] Fue votada como la undécima mejor película de la década de 1990 en una encuesta de los colaboradores de The AV Club , y fue descrita como "una de las obras [de los Coen] más profundas y dolorosas". [150]
Ganar tres premios importantes en el Festival de Cine de Cannes fue extremadamente raro y algunos críticos sintieron que el jurado fue demasiado generoso al excluir otras entradas valiosas. [5] [151] Preocupado de que la triple victoria pudiera sentar un precedente que subestimaría otras películas, Cannes decidió después del festival de 1991 limitar cada película a un máximo de dos premios. [5] [151]
La película se estrenó en formato de vídeo doméstico VHS el 5 de marzo de 1992, [161] y una edición en DVD estuvo disponible el 20 de mayo de 2003. El DVD contiene una galería de fotografías, avances teatrales y ocho escenas eliminadas. [162] La película también está disponible en Blu-ray Disc , en el Reino Unido, en un formato sin región que funcionará en cualquier reproductor de Blu-ray. [163]
Los hermanos Coen han manifestado interés en realizar una secuela de Barton Fink llamada Old Fink , que tendría lugar en los años 1960. "Es el verano del amor y [Fink está] enseñando en Berkeley . Delató a muchos de sus amigos ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes ", dijo Joel Coen. Los hermanos han declarado que han tenido conversaciones con John Turturro sobre la posibilidad de retomar su papel de Fink, pero estaban esperando "hasta que tuviera la edad suficiente para interpretar el papel". [164]
En declaraciones a The AV Club en junio de 2011, Turturro sugirió que la secuela se desarrollaría en la década de 1970 y que Fink sería un hippie con un gran afro judío . Dijo que "habrá que esperar otros 10 años para eso, al menos". [165]
La introducción al libro de guiones de
Barton Fink
fue escrita por "Roderick Jaynes";
en un avance satírico, califica la trama de "terriblemente tediosa"
