Barton Fink es una película de comedia negra estadounidense de 1991escrita, producida, editada y dirigida por los hermanos Coen . Ambientada en 1941, está protagonizada por John Turturro en el papel principal, como un joven dramaturgo de la ciudad de Nueva York que es contratado para escribir guiones para un estudio de cine en Hollywood , y John Goodman como Charlie Meadows, el vendedor de seguros que vive al lado en el destartalado Hotel Earle.
Los hermanos Coen escribieron el guion de Barton Fink en tres semanas mientras sufrían un bloqueo creativo mientras escribían Miller's Crossing . Comenzaron a filmar poco después de terminar Miller's Crossing . La película está influenciada por las obras de varios directores anteriores, en particular Repulsión (1965) y El inquilino (1976) de Roman Polanski .
Barton Fink se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en mayo de 1991. En una arrasadora victoria, ganó la Palma de Oro , así como los premios a Mejor Director y Mejor Actor (Turturro). Aunque la película fue un fracaso de taquilla , recaudando solo 6 millones de dólares frente a su presupuesto de 9 millones, recibió críticas positivas y fue nominada a tres premios de la Academia .
Los temas destacados de Barton Fink incluyen el proceso de escritura; la esclavitud y las condiciones de trabajo en las industrias creativas; las distinciones superficiales entre la alta cultura y la baja cultura ; y la relación de los intelectuales con "el hombre común". Los diversos elementos de la película la han llevado a desafiar los esfuerzos de clasificación de género, y se la ha calificado de diversas formas como cine negro , película de terror , Künstlerroman , película posmodernista y película de amigos . Contiene varias alusiones literarias y connotaciones religiosas, así como referencias a muchas personas y eventos de la vida real, en particular a los escritores Clifford Odets y William Faulkner , de quienes los personajes de Barton Fink y WP Mayhew, respectivamente, a menudo se consideran representaciones ficticias. Varias características de la narrativa de la película, en particular una imagen de una mujer en la playa que se repite a lo largo de toda la película, han provocado muchos comentarios, y los hermanos Coen reconocen algunos elementos simbólicos intencionales mientras niegan un intento de comunicar un solo mensaje en la película.
En 1941, el prometedor dramaturgo de Broadway Barton Fink acepta un contrato de Capitol Pictures en Hollywood para escribir guiones cinematográficos por mil dólares a la semana. Al mudarse a Los Ángeles, Fink se instala en el económico Hotel Earle. La única decoración de su habitación es un pequeño cuadro de una mujer en la playa, con el brazo levantado para bloquear el sol. Fink recibe el encargo de su nuevo jefe, Jack Lipnick, de trabajar en una película de lucha libre, pero le resulta difícil escribir sobre un tema desconocido. Se distrae con los ruidos que vienen de la habitación de al lado y llama a la recepción para avisarles de los molestos sonidos. Su vecino, Charlie Meadows, la fuente del ruido, visita a Fink para disculparse. Durante su conversación, Fink proclama su afecto por "el hombre común" y Meadows describe su vida como vendedor de seguros.
Fink, que todavía no ha podido pasar de las primeras líneas de su guión, le pide consejo al productor Ben Geisler. Irritado, Geisler lo invita a almorzar y le ordena que consulte a otro escritor para que lo ayude. Fink se encuentra por casualidad en el baño con el novelista WP Mayhew. Hablan brevemente sobre cómo escribir una película y acuerdan una segunda reunión más tarde ese mismo día. Fink se entera más tarde, por la secretaria de Mayhew, Audrey Taylor, de que Mayhew sufre de alcoholismo y que Taylor escribió en secreto algunos de sus guiones. A falta de un día para su reunión con Lipnick para hablar sobre la película, Fink llama a Taylor y le ruega que la ayude. Taylor lo visita en el Earle y tienen relaciones sexuales. Fink se despierta a la mañana siguiente y descubre que Taylor ha sido asesinado violentamente. Horrorizado, llama a Meadows y le pide ayuda. Meadows se siente repelido, pero se deshace del cuerpo y le ordena a Fink que evite contactar con la policía.
Después de que Fink se reúne con un Lipnick inusualmente comprensivo, Meadows le anuncia que se va a Nueva York por varios días y le pide que vigile un paquete que va a dejar atrás. Poco después, Fink recibe la visita de dos detectives de la policía, quienes le informan que el verdadero nombre de Meadows es Karl "Madman" Mundt. Mundt es un asesino en serie cuyo modus operandi es decapitar a sus víctimas. Aturdido, Fink coloca la caja en su escritorio sin abrirla y comienza a escribir febrilmente. Fink produce todo el guión en una sola sesión y sale a pasar una noche de baile de celebración. Cuando regresa, encuentra a los detectives en su habitación, quienes le informan del asesinato de Mayhew y acusan a Fink de complicidad con Mundt.
Mientras el hotel se ve envuelto de repente en llamas, Mundt aparece y mata a los detectives con una escopeta, tras lo cual menciona que había visitado a los padres y al tío de Fink en Nueva York. Fink abandona el hotel, que aún sigue en llamas, llevándose la caja y el guion. Poco después intenta llamar por teléfono a su familia, pero no hay respuesta. En una última reunión con Lipnick, que ha sido reclutado por la Reserva del Ejército de los Estados Unidos para servir como coronel en la Segunda Guerra Mundial , el guion de Fink (que se sugiere que es una copia casi palabra por palabra de una de sus obras de Broadway) es criticado como "una película afrutada sobre el sufrimiento", y se le informa de que se quedará en Los Ángeles; aunque Fink seguirá bajo contrato, Capitol Pictures no producirá nada de lo que escriba hasta que "crezca un poco". Aturdido, Fink deambula por una playa, todavía llevando el paquete. Se encuentra con una mujer que se parece mucho a la que aparece en el cuadro colgado en la pared del Earle y ella le pregunta por la caja. Él le dice que no sabe qué contiene ni quién es su dueño. Ella adopta la pose que aparece en el cuadro. Él le pregunta si alguna vez ha actuado en algo y ella responde que no, con un desinterés perceptible.
En 1989, los cineastas Joel y Ethan Coen comenzaron a escribir el guion de una película que finalmente se estrenó como Miller's Crossing . Los muchos hilos de la historia se complicaron y, después de cuatro meses, se encontraron perdidos en el proceso. [4] Aunque los biógrafos y críticos se refirieron más tarde a ello como bloqueo del escritor , [5] [6] los hermanos Coen rechazaron esta descripción. "En realidad no es el caso de que estuviéramos sufriendo un bloqueo del escritor", dijo Joel en una entrevista de 1991, "pero nuestra velocidad de trabajo se había ralentizado y estábamos ansiosos por alejarnos un poco de Miller's Crossing ". [7] Fueron de Los Ángeles a Nueva York y comenzaron a trabajar en un proyecto diferente. [8]
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En tres semanas, los Coen escribieron un guion con un papel protagonista escrito específicamente para el actor John Turturro , con quien habían estado trabajando en Miller's Crossing . La nueva película, Barton Fink , se desarrollaba en un gran hotel aparentemente abandonado. [7] Este entorno, al que llamaron Hotel Earle , fue una fuerza impulsora detrás de la historia y el estado de ánimo del nuevo proyecto. Mientras filmaban su película de 1984 Blood Simple en Austin, Texas, los Coen habían visto un hotel que les causó una gran impresión: "Pensamos, 'Wow, Motel Hell'. Ya sabes, estar condenado a vivir en el hotel más extraño del mundo". [10]
El proceso de escritura de Barton Fink fue fluido, dijeron, sugiriendo que el alivio de estar lejos de Miller's Crossing puede haber sido un catalizador. También se sintieron satisfechos con la forma general de la historia, lo que los ayudó a avanzar rápidamente en la composición. "Ciertas películas vienen completamente en la cabeza de uno; nosotros simplemente eructamos Barton Fink ". [11] Mientras escribían, los Coen crearon un segundo papel protagonista con otro actor en mente: John Goodman, que había aparecido en su comedia de 1987 Raising Arizona . Su nuevo personaje, Charlie, era el vecino de al lado de Barton en el cavernoso hotel. [12] Incluso antes de escribir, los Coen sabían cómo terminaría la historia y escribieron el discurso final de Charlie al comienzo del proceso de escritura. [13]
El guion cumplió su propósito de distracción, y los Coen lo dejaron de lado: « Barton Fink nos limpió el cerebro y pudimos volver atrás y terminar Miller's Crossing ». [14] Una vez que terminó la producción de la primera película, los Coen comenzaron a reclutar personal para filmar Barton Fink . Turturro esperaba interpretar el papel principal y pasó un mes con los Coen en Los Ángeles para coordinar puntos de vista sobre el proyecto: «Sentí que podía aportar algo más humano a Barton. Joel y Ethan me permitieron una cierta contribución. Traté de ir un poco más allá de lo que esperaban». [15]
Mientras diseñaban guiones gráficos detallados para Barton Fink , los Coen comenzaron a buscar un nuevo director de fotografía, ya que su socio Barry Sonnenfeld , que había filmado sus tres primeros largometrajes, estaba ocupado con su propio debut como director, La familia Addams . Los Coen habían quedado impresionados con el trabajo del director de fotografía inglés Roger Deakins , particularmente las escenas de interiores de la película de 1988 Lunes tormentoso . Después de proyectar otras películas en las que había trabajado (incluidas Sid y Nancy y La isla de Pascali ), enviaron un guion a Deakins y lo invitaron a unirse al proyecto. Su agente le desaconsejó trabajar con los Coen, pero Deakins se reunió con ellos en un café en Notting Hill y pronto comenzaron a trabajar juntos en Barton Fink . [16] [17]
La fotografía principal comenzó en junio de 1990 y duró ocho semanas (un tercio menos de lo que requirió Miller's Crossing ), y el presupuesto final estimado para la película fue de 9 millones de dólares. [18] Los Coen trabajaron bien con Deakins y trasladaron fácilmente sus ideas para cada escena a la película. "Solo hubo un momento en el que lo sorprendimos", recordó más tarde Joel Coen. Una escena extensa requirió un plano secuencia desde el dormitorio hasta el "agujero de desagüe" del desagüe del lavabo en el baño adyacente como símbolo de una relación sexual. "La toma fue muy divertida y nos lo pasamos genial pensando cómo hacerla", dijo Joel. "Después de eso, cada vez que le pedíamos a Roger que hiciera algo difícil, levantaba una ceja y decía: 'No me hagas buscar ningún desagüe ahora'". [19]
Se pasaron tres semanas de rodaje en el Hotel Earle, un decorado creado por el director artístico Dennis Gassner . El clímax de la película requirió un enorme incendio que se extendía por el pasillo del hotel, que los Coen originalmente planearon agregar digitalmente en posproducción. Sin embargo, cuando decidieron usar llamas reales, el equipo construyó un gran decorado alternativo en un hangar de aviones abandonado en Long Beach, California. Se instaló una serie de chorros de gas detrás del pasillo y se perforó el papel tapiz para facilitar la penetración. Mientras Goodman corría por el pasillo, un hombre en una pasarela elevada abría cada chorro, dando la impresión de un fuego corriendo delante de Charlie. Cada toma requirió una reconstrucción del aparato, y un segundo pasillo (sin fuego) estaba listo cerca para filmar tomas de recogida entre tomas. [18] La escena final se filmó cerca de Zuma Beach , al igual que la imagen de una ola rompiendo contra una roca. [12]
Los hermanos Coen editaron la película ellos mismos, como es su costumbre. "Preferimos un enfoque práctico", explicó Joel en 1996, "en lugar de sentarnos junto a alguien y decirle qué cortar". [20] Debido a las reglas para la membresía en los gremios de producción cinematográfica, se les exige que utilicen un seudónimo; "Roderick Jaynes" está acreditado por la edición de Barton Fink . [21] Solo se eliminaron unas pocas escenas filmadas del corte final, incluida una escena de transición para mostrar el movimiento de Barton de Nueva York a Hollywood. (En la película, esto se muestra enigmáticamente con una ola rompiendo contra una roca). También se filmaron varias escenas que representan el trabajo en los estudios de Hollywood, pero se editaron porque eran "demasiado convencionales". [22]
Hay un marcado contraste entre la vivienda de Fink y el entorno refinado e inmaculado de Hollywood, especialmente la casa de Jack Lipnick. La sensación fantasmal e inexplicablemente vacía del Hotel Earle fue central para la concepción de la película por parte de los Coen. "Queríamos una estilización art déco ", explicó Joel en una entrevista de 1991, "y un lugar que se estaba derrumbando después de haber visto días mejores". [23] La habitación de Barton está escasamente amueblada con dos grandes ventanas que dan a otro edificio. Los Coen describieron más tarde el hotel como un "barco fantasma que flota a la deriva, donde notas señales de la presencia de otros pasajeros, sin siquiera ver a ninguno". En la película, los zapatos de los residentes son una indicación de esta presencia invisible; otra señal poco frecuente de otros habitantes es el sonido de las habitaciones adyacentes. [24] [25] Joel dijo: "Puedes imaginarlo poblado por viajeros de comercio fracasados, con vidas sexuales patéticas, que lloran solos en sus habitaciones". [23]
El calor y la humedad son otros elementos importantes de la ambientación. El papel de la pared de la habitación de Barton se descascara y se cae; Charlie experimenta el mismo problema y supone que el calor es la causa. Los hermanos Coen utilizaron colores verdes y amarillos con liberalidad en el diseño del hotel "para sugerir un aura de putrefacción". [23]
La atmósfera del hotel debía conectar con el personaje de Charlie. Como explicó Joel: "Nuestra intención, además, era que el hotel funcionara como una exteriorización del personaje interpretado por John Goodman. El sudor gotea de su frente como el papel pintado se despega de las paredes. Al final, cuando Goodman dice que es prisionero de su propio estado mental, que esto es como una especie de infierno, era necesario que el hotel ya hubiera sugerido algo infernal". [23] El papel pintado descascarado y la pasta que se filtra a través de él también reflejan la infección crónica de oído de Charlie y el pus resultante. [26]
Cuando Barton llega por primera vez al Hotel Earle, el amable botones Chet ( Steve Buscemi ) le pregunta si es "un trans o un res" (un transeúnte o un residente). Barton le explica que no está seguro, pero que se quedará "indefinidamente". [27] La dicotomía entre habitantes permanentes y huéspedes reaparece varias veces, en particular en el lema del hotel, "Un día o una vida", que Barton nota en el membrete de la habitación. Esta idea regresa al final de la película, cuando Charlie describe a Barton como "un turista con una máquina de escribir". Su capacidad para dejar el Earle (mientras Charlie se queda) es presentada por la crítica Erica Rowell como evidencia de que la historia de Barton representa el proceso de escritura en sí. Barton, dice, representa a un autor que es capaz de dejar una historia, mientras que personajes como Charlie no pueden. [26]
En contraste, las oficinas de Capitol Pictures y la casa de Lipnick están impecables, lujosamente decoradas y son extremadamente cómodas. Las habitaciones de la compañía están bañadas por la luz del sol y la oficina de Ben Geisler está frente a una exuberante variedad de flora. Barton se encuentra con Lipnick en una escena junto a una enorme e inmaculada piscina. Esto refleja su posición como director del estudio, como explica: "... no siempre puedes ser honesto, no con los tiburones que nadan alrededor de esta ciudad... si hubiera sido totalmente honesto, no estaría a una milla de esta piscina, a menos que la estuviera limpiando". [28] En su oficina, Lipnick exhibe otro trofeo de su poder: estatuas de Atlas , el titán de la mitología griega que declaró la guerra a los dioses del Monte Olimpo y fue severamente castigado. [29]
Barton ve los diarios de otra película de lucha libre que está haciendo Capitol Pictures; la fecha en la claqueta es el 9 de diciembre, dos días después del ataque a Pearl Harbor . Más tarde, cuando Barton celebra el guión completo bailando en un espectáculo de la USO , está rodeado de soldados. [30] En la siguiente aparición de Lipnick, viste un uniforme de coronel, que en realidad es un disfraz de su compañía. Lipnick en realidad no ha ingresado en el ejército, pero se declara listo para luchar contra los "pequeños bastardos amarillos". [31] Originalmente, este momento histórico justo después de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial iba a tener un impacto significativo en el Hotel Earle. Como explicaron los Coen: "Estábamos pensando en un hotel donde los huéspedes fueran personas mayores, locos, discapacitados físicos, porque todos los demás se habían ido a la guerra. Cuanto más se desarrollaba el guión, más se dejaba atrás este tema, pero nos había llevado, al principio, a quedarnos con ese período". [32]
La imagen de una mujer en la playa que aparece en la habitación de Barton es un punto central tanto para el personaje como para la cámara. Barton la examina con frecuencia mientras está en su escritorio y, después de encontrar el cadáver de Audrey en su cama, se acerca a él. La imagen se repite al final de la película, cuando se encuentra con una mujer de aspecto idéntico en una playa de aspecto idéntico, que adopta una pose idéntica. Después de elogiar su belleza, le pregunta: "¿Apareces en las fotos?". Ella se sonroja y responde: "No seas tonta". [35]
Los hermanos Coen decidieron al principio del proceso de escritura incluir el cuadro como elemento clave de la habitación. «Nuestra intención», explicó Joel más tarde, «era que la habitación tuviera muy poca decoración, que las paredes estuvieran vacías y que las ventanas no ofrecieran ninguna vista de particular interés. De hecho, queríamos que la única abertura al mundo exterior fuera este cuadro. Nos parecía importante crear una sensación de aislamiento». [36]
Más adelante en la película, Barton coloca en el marco una pequeña fotografía de Charlie, vestido con un traje elegante y sosteniendo un maletín. La yuxtaposición de su vecino con el uniforme de un vendedor de seguros y la imagen escapista de la mujer en la playa conduce a una confusión de realidad y fantasía para Barton. El crítico Michael Dunne señala: "Los espectadores sólo pueden preguntarse cuán 'real' es Charlie... En la toma final de la película... los espectadores deben preguntarse cuán 'real' es [la mujer]. La pregunta lleva a otras: ¿Cuán real es Fink? ¿Lipnick? ¿Audrey? ¿Mayhew? ¿Cuán reales son las películas de todos modos?" [37]
La importancia de la imagen ha sido objeto de amplias especulaciones. Desson Howe, crítica del Washington Post, dijo que a pesar de su impacto emocional, la escena final "parece más un chiste por el mero chiste, una coda inventada". [38] En su análisis de las películas de los hermanos Coen, que ocupa todo un libro, Rowell sugiere que la fijación de Barton con la imagen es irónica, considerando su estatus de baja cultura y sus propias pretensiones de alta cultura (a pesar de los discursos en contra). Además, señala que la cámara se centra en Barton tanto como en la imagen mientras la mira. En un momento dado, la cámara se mueve más allá de Barton para llenar el encuadre con la mujer en la playa. Esta tensión entre los puntos de vista objetivo y subjetivo aparece de nuevo al final de la película, cuando Barton se encuentra -en cierto sentido- dentro de la imagen. [39]
El crítico M. Keith Booker califica la escena final como un "comentario enigmático sobre la representación y la relación entre el arte y la realidad". Sugiere que las imágenes idénticas apuntan a lo absurdo del arte que refleja la vida directamente. La película traslada a la mujer directamente del arte a la realidad, lo que provoca confusión en el espectador; Booker afirma que una representación tan literal conduce inevitablemente a la incertidumbre. [40]
Los Coen son conocidos por hacer películas que desafían la clasificación simple. Aunque se refieren a su primera película, Blood Simple (1984), como un ejemplo relativamente sencillo de ficción detectivesca , los Coen escribieron su siguiente guion, Raising Arizona (1987), sin intentar encajar en un género en particular. Decidieron escribir una comedia pero añadieron intencionalmente elementos oscuros para producir lo que Ethan llama "una película bastante salvaje". [41] Su tercera película, Miller's Crossing (1990), invirtió este orden, mezclando fragmentos de comedia en una película policial . Sin embargo, también subvierte la identidad de un solo género al utilizar convenciones del melodrama , las historias de amor y la sátira política . [42]
Esta tendencia de mezclar géneros continuó y se intensificó con Barton Fink (1991); los Coen insisten en que la película "no pertenece a ningún género". [3] Ethan la ha descrito como "una película de amigos para los años 90". [43] Contiene elementos de comedia, cine negro y terror , pero otras categorías cinematográficas están presentes. [44] El actor Turturro se refirió a ella como una historia de mayoría de edad [43] mientras que el profesor de literatura y analista de cine R. Barton Palmer la llama Künstlerroman , destacando la importancia de la evolución del personaje principal como escritor. [45] El crítico Donald Lyons describe la película como "una visión retro- surrealista ". [46]
Debido a que cruza géneros, fragmenta las experiencias de los personajes y se resiste a una resolución narrativa directa, Barton Fink a menudo se considera un ejemplo de cine posmodernista . En su libro Postmodern Hollywood, Booker dice que la película representa el pasado con una técnica impresionista , no con una precisión precisa. Esta técnica, señala, es "típica del cine posmoderno, que ve el pasado no como la prehistoria del presente sino como un almacén de imágenes para ser saqueado en busca de material". [47] En su análisis de las películas de los Coen, Palmer llama a Barton Fink un "pastiche posmoderno" que examina de cerca cómo se han representado a sí mismas las eras pasadas. La compara con Las horas (2002), una película sobre Virginia Woolf y dos mujeres que leyeron su obra. Afirma que ambas películas, lejos de rechazar la importancia del pasado, contribuyen a nuestra comprensión de él. Cita a la teórica literaria Linda Hutcheon : el tipo de posmodernismo exhibido en estas películas "no niega la existencia del pasado; cuestiona si alguna vez podemos conocer ese pasado de otra manera que a través de sus restos textualizados". [48]
Ciertos elementos de Barton Fink resaltan el barniz del posmodernismo: el escritor es incapaz de resolver su enfoque modernista en la alta cultura con el deseo del estudio de crear películas estereotipadas de alto beneficio; la colisión resultante produce un arco narrativo fracturado emblemático del posmodernismo. [49] El estilo cinematográfico de los Coen es otro ejemplo; cuando Barton y Audrey comienzan a hacer el amor, la cámara se aleja hacia el baño, luego se mueve hacia el lavabo y baja por el desagüe. Rowell llama a esto una "actualización posmoderna" de la notoria imagen sexualmente sugerente de un tren entrando en un túnel, utilizada por el director Alfred Hitchcock en su película Con la muerte en los talones . [50]
Barton Fink utiliza varias convenciones estilísticas para acentuar el estado de ánimo de la historia y dar énfasis visual a temas particulares. Por ejemplo, los créditos iniciales se muestran sobre el papel tapiz del Hotel Earle, mientras la cámara se mueve hacia abajo. Este movimiento se repite muchas veces en la película, especialmente de acuerdo con la afirmación de Barton de que su trabajo es "sondear las profundidades" mientras escribe. [39] Sus primeras experiencias en el Hotel Earle continúan con este tropo ; el botones Chet emerge de debajo del piso, llevando un zapato (que presumiblemente ha estado lustrando), lo que sugiere que la actividad real es subterránea. Aunque el piso de Barton presumiblemente está seis pisos por encima del vestíbulo, el interior del ascensor se muestra solo mientras desciende. Estos elementos, combinados con muchas pausas dramáticas, diálogo surrealista y amenazas implícitas de violencia, crean una atmósfera de tensión extrema. Los Coen explicaron que "se suponía que toda la película se sentiría como una fatalidad o catástrofe inminente. Y definitivamente queríamos que terminara con una sensación apocalíptica". [51]
El estilo de Barton Fink es evocador y representativo de las películas de los años 30 y 40. Como señala el crítico Michael Dunne: "El pesado abrigo de Fink, su sombrero, sus trajes oscuros y monótonos parecen sacados de los años treinta, pero aún más de las películas de esa época". [52] El estilo del Hotel Earle y la atmósfera de varias escenas también reflejan la influencia de la cinematografía anterior a la Segunda Guerra Mundial. Incluso la ropa interior de Charlie coincide con la que llevaba su héroe cinematográfico Jack Oakie . Al mismo tiempo, las técnicas de cámara utilizadas por los hermanos Coen en Barton Fink representan una combinación de lo clásico con lo original. Los cuidadosos planos de seguimiento y los primeros planos extremos distinguen a la película como un producto de finales del siglo XX. [53]
Desde el principio, la película se mueve continuamente entre la visión subjetiva del mundo de Barton y una visión objetiva. Después de que aparecen los créditos iniciales, la cámara se inclina hacia abajo y Barton está viendo el final de su obra. Pronto vemos al público desde su punto de vista, aplaudiendo frenéticamente por él. A medida que avanza, entra en escena y el espectador vuelve a un punto de vista objetivo. Esta confusión entre lo subjetivo y lo objetivo regresa en la escena final. [54]
El cambio de punto de vista coincide con el tema de la película: la realización cinematográfica. La película comienza con el final de una obra de teatro y la historia explora el proceso de creación. Este enfoque metanarrativo se ve enfatizado por el enfoque de la cámara en la primera escena sobre Barton (que está articulando las palabras pronunciadas por actores fuera de la pantalla), no sobre la obra que está viendo. Como dice Rowell: "Aunque escuchamos una escena, vemos otra... La separación del sonido y la imagen muestra una dicotomía crucial entre dos 'visiones' del artificio: el mundo creado por el protagonista (su obra) y el mundo fuera de ella (lo que implica crear una actuación)". [55]
La película también emplea numerosas técnicas de premonición . Para indicar el probable contenido del paquete que Charlie le deja a Barton, la palabra "cabeza" aparece 60 veces en el guión original. [56] En un sombrío guiño a los acontecimientos posteriores, Charlie describe su actitud positiva hacia su "trabajo" de vendedor de seguros : "Los incendios, los robos y los accidentes no son cosas que sólo les suceden a otras personas". [57]
Se ha escrito mucho sobre los significados simbólicos de Barton Fink . Rowell propone que se trata de "una oleada figurativa de ideas que conducen todas de vuelta al artista". [57] La proximidad de la escena de sexo con el asesinato de Audrey lleva a Lyons a insistir: "El sexo en Barton Fink es muerte". [58] Otros han sugerido que la segunda mitad de la película es una secuencia de sueños extendida . [33]
Los Coen, sin embargo, han negado cualquier intención de crear una unidad sistemática a partir de símbolos en la película. "Nunca, jamás, abordamos nuestras películas con algo así en mente", dijo Joel en una entrevista de 1998. "Nunca hay nada que se acerque a ese tipo de colapso intelectual específico. Siempre se trata de un montón de cosas instintivas que parecen correctas, por la razón que sea". [59] Los Coen han señalado su comodidad con la ambigüedad no resuelta. Ethan dijo en 1991: " Barton Fink termina diciéndote lo que está sucediendo en la medida en que es importante saberlo... Lo que no está del todo claro no está destinado a volverse del todo claro, y está bien dejarlo así". [60] Con respecto a las fantasías y las secuencias de sueños, dijo:
Es cierto que queríamos que el espectador compartiera la vida interior de Barton Fink y su punto de vista, pero no hacía falta ir demasiado lejos. Por ejemplo, habría sido incongruente que Barton Fink se despertara al final de la película y que nosotros sugiriéramos con ello que en realidad habitaba en una realidad mayor que la que se muestra en la película. En cualquier caso, siempre es artificial hablar de "realidad" en relación con un personaje de ficción. [33]
La relación de Barton con Charlie tiene matices homoeróticos . Un detective le pregunta si tuvieron "algo sexual enfermizo" y la primera insinuación amistosa de Charlie hacia su vecino es una típica frase de ligue : "Me sentiría mejor por la maldita molestia si me dejaras invitarte a una copa". [61] La escena de lucha libre entre Barton y Charlie también es homoerótica. "Consideramos que es una escena de sexo", dijo Joel Coen en 2001. [62]
Muchos de los efectos de sonido en Barton Fink están cargados de significado. Por ejemplo, Barton es convocado por una campana mientras cena en la ciudad de Nueva York; su sonido es ligero y agradable. En contraste, la inquietante campana sostenida del Hotel Earle suena sin cesar en el vestíbulo, hasta que Chet la silencia. [63] Las habitaciones cercanas del hotel emiten un coro constante de gritos guturales, gemidos y ruidos variados no identificables. Estos sonidos coinciden con el estado mental confuso de Barton y acentúan la afirmación de Charlie de que "oigo todo lo que sucede en este basurero". [50] Los aplausos en la primera escena presagian la tensión del traslado de Barton al oeste, mezclados como están con el sonido de una ola del océano rompiéndose, una imagen que se muestra en pantalla poco después. [64]
Otro sonido simbólico es el zumbido de un mosquito . Aunque el productor de Fink insiste en que estos parásitos no viven en Los Ángeles (ya que "los mosquitos se reproducen en los pantanos; esto es un desierto", [66] ), su sonido distintivo se escucha claramente cuando Barton observa un insecto dando vueltas en su habitación de hotel. Más tarde, llega a las reuniones con picaduras de mosquitos en la cara. El insecto también ocupa un lugar destacado en la revelación de la muerte de Audrey; Barton golpea a un mosquito que se alimenta de su cadáver y de repente se da cuenta de que ha sido asesinada. El tono agudo del zumbido del mosquito se repite en las cuerdas agudas utilizadas para la banda sonora de la película. [67] Durante el rodaje, los Coen fueron contactados por un grupo de derechos de los animales que expresó su preocupación por cómo serían tratados los mosquitos. [65]
La banda sonora fue compuesta por Carter Burwell , quien ha trabajado con los Coen desde su primera película. Sin embargo, a diferencia de proyectos anteriores (la melodía folclórica irlandesa utilizada para Miller's Crossing y una canción folclórica estadounidense como base para Raising Arizona ), Burwell escribió la música para Barton Fink sin una inspiración específica. [68] La banda sonora fue lanzada en 1996 en un disco compacto, junto con la banda sonora de la película Fargo de los Coen . [69]
Varias canciones utilizadas en la película están cargadas de significado. En un momento dado, Mayhew se aleja tambaleándose de Barton y Audrey, borracho. Mientras deambula, grita la canción popular " Old Black Joe ". (1853) Compuesta por Stephen Foster , cuenta la historia de un esclavo anciano que se prepara para unirse a sus amigos en "una tierra mejor". La interpretación de la canción por parte de Mayhew coincide con su condición de empleado oprimido de Capitol Pictures, y presagia la propia situación de Barton al final de la película. [70]
Cuando termina de escribir su guion, Barton celebra bailando en un espectáculo de United Service Organizations (USO). La canción que se utiliza en esta escena es una versión de "Down South Camp Meeting", una melodía de swing . Su letra (que no se escucha en la película) dice: "Prepárense (canten) / ¡Aquí vienen! El coro está listo". Estas líneas hacen eco del título de la obra de Barton, Bare Ruined Choirs . A medida que la celebración estalla en una pelea, la intensidad de la música aumenta y la cámara se acerca al hueco cavernoso de una trompeta. Esta secuencia refleja el zoom de la cámara en el desagüe de un fregadero justo antes de que Audrey sea asesinada anteriormente en la película. [30]
La película se inspiró en varias fuentes y contiene alusiones a muchas personas y acontecimientos diferentes. Por ejemplo, el título de la obra de Barton, Bare Ruined Choirs , proviene del cuarto verso del Soneto 73 de William Shakespeare . El enfoque del poema sobre el envejecimiento y la muerte se conecta con la exploración de la dificultad artística en la película. [71] [72]
Más tarde, en un momento de la escena del picnic, mientras Mayhew se aleja borracho de Barton y Audrey, grita: "¡Silencioso sobre un pico en Darien!". Esta es la última línea del soneto de John Keats " On First Looking into Chapman's Homer " (1816). La referencia literaria no solo demuestra el conocimiento del personaje de los textos clásicos, sino que la referencia del poema al Océano Pacífico coincide con el anuncio de Mayhew de que "simplemente caminará hasta el Pacífico, y desde allí ... improvisaré". [73]
En otros lugares se presentan otras alusiones académicas, a menudo con extrema sutileza. Por ejemplo, una breve toma de la página del título en una novela de Mayhew indica la editorial de "Swain y Pappas". Es probable que se trate de una referencia a Marshall Swain y George Pappas , filósofos cuyo trabajo se ocupa de temas explorados en la película, incluidas las limitaciones del conocimiento y la naturaleza del ser. [72] Un crítico señala que la fijación de Barton en la mancha que cruza el techo de su habitación de hotel coincide con el comportamiento del protagonista en el cuento de Flannery O'Connor " The Enduring Chill" . [74]
Los críticos han sugerido que la película hace referencia indirecta a la obra de los escritores Dante Alighieri (a través del uso de imágenes de la Divina Comedia ) y Johann Wolfgang von Goethe (a través de la presencia de pactos fáusticos ). [75] [76] En la película aparecen estructuras burocráticas confusas y personajes irracionales, como los de las novelas de Franz Kafka , pero los Coen insisten en que la conexión no fue intencionada. "No lo he leído desde la universidad", admitió Joel en 1991, "cuando devoré obras como La metamorfosis . Otros han mencionado El castillo y ' En la colonia penal ', pero yo nunca las he leído". [77]
El personaje de Barton Fink está basado libremente en Clifford Odets , un dramaturgo de Nueva York que en la década de 1930 se unió al Group Theatre , una reunión de dramaturgos que incluía a Harold Clurman , Cheryl Crawford y Lee Strasberg . Su trabajo enfatizaba cuestiones sociales y empleaba el sistema de actuación de Stanislavski para recrear la experiencia humana de la manera más veraz posible. Varias de las obras de Odets se representaron con éxito en Broadway, incluidas Awake and Sing! y Waiting for Lefty (ambas en 1935). Cuando los gustos del público se alejaron del teatro políticamente comprometido y se dirigieron hacia el realismo familiar de Eugene O'Neill , Odets tuvo dificultades para producir un trabajo exitoso, por lo que se mudó a Hollywood y pasó 20 años escribiendo guiones cinematográficos. [78]
Los hermanos Coen escribieron con Odets en mente; imaginaron a Barton Fink como "un dramaturgo serio, honesto, comprometido políticamente y más bien ingenuo". [80] Como dijo Ethan en 1991: "Parecía natural que viniera del Group Theater y de la década de los años treinta". [80] Al igual que Odets, Barton cree que el teatro debe celebrar las pruebas y los triunfos de la gente común; al igual que Barton, Odets era altamente egoísta. [81] En la película, una reseña de la obra de Barton Bare Ruined Choirs indica que sus personajes enfrentan una "lucha brutal por la existencia... en los rincones más sórdidos". Esta redacción es similar al comentario del biógrafo Gerald Weales de que los personajes de Odets "luchan por la vida en medio de condiciones mezquinas". [82] Las líneas de diálogo de la obra de Barton recuerdan a la obra de Odets ¡ Despertad y cantad !. Por ejemplo, un personaje declara: “Estoy despierto ahora, despierto por primera vez”. Otro dice: “Tomen ese coro en ruinas. Háganlo cantar”. [45]
Sin embargo, existen muchas diferencias importantes entre los dos hombres. Joel Coen dijo: "Ambos escritores escribieron el mismo tipo de obras con héroes proletarios, pero sus personalidades eran bastante diferentes. Odets era mucho más extrovertido; de hecho, era bastante sociable incluso en Hollywood, ¡y este no es el caso de Barton Fink!" [80] Aunque estaba frustrado por su popularidad en declive en Nueva York, Odets tuvo éxito durante su tiempo en Hollywood. Varias de sus obras posteriores fueron adaptadas, por él y otros, al cine. Una de ellas, The Big Knife (1955), coincide mucho más con la vida de Barton que con la de Odets. En ella, un actor se ve abrumado por la codicia de un estudio cinematográfico que lo contrata y finalmente se suicida. [83] Otra similitud con la obra de Odets es la muerte de Audrey, que refleja una escena de Deadline at Dawn (1946) , una película negra escrita por Odets. En esa película, un personaje se despierta y descubre que la mujer con la que se acostó la noche anterior ha sido asesinada inexplicablemente. [84]
Odets narró su difícil transición de Broadway a Hollywood en su diario, publicado como The Time Is Ripe: The 1940 Journal of Clifford Odets (1988). El diario exploraba las deliberaciones filosóficas de Odets sobre la escritura y el romance. A menudo invitaba a las mujeres a su apartamento y describe muchas de sus aventuras en el diario. Estas experiencias, como los extensos discursos sobre la escritura, se reflejan en Barton Fink cuando Audrey visita y seduce a Barton en el Hotel Earle. [85] Turturro fue el único miembro de la producción que leyó el diario de Odets, sin embargo, y los hermanos Coen instan al público a "tener en cuenta la diferencia entre el personaje y el hombre". [80]
Los hermanos Coen han declarado que, aunque el personaje de Fink está basado en Odets, la apariencia del personaje con "cabello parado y gafas" está basada en la de George S. Kaufmann . [86]
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Existen algunas similitudes entre el personaje de WP Mayhew y el novelista William Faulkner . Al igual que Mayhew, Faulkner se hizo conocido como un escritor preeminente de literatura sureña y más tarde trabajó en la industria cinematográfica. Al igual que Faulkner, Mayhew es un gran bebedor y habla con desprecio sobre Hollywood. [80] El nombre de Faulkner apareció en el libro de historia de Hollywood de la década de 1940 City of Nets, que los Coen leyeron mientras creaban Barton Fink. Ethan explicó en 1998: "Leí esta historia de pasada de que a Faulkner le asignaron escribir una película de lucha libre... Eso fue parte de lo que nos hizo empezar con todo el asunto de Barton Fink ". [87] Faulkner trabajó en una película de lucha libre llamada Flesh (1932), protagonizada por Wallace Beery , el actor para quien Barton está escribiendo. [88] [52] El enfoque en la lucha libre fue fortuito para los Coen, ya que participaron en el deporte en la escuela secundaria. [87]
Sin embargo, los Coen niegan que haya una conexión significativa entre Faulkner y Mayhew, calificando las similitudes de "superficiales", [80] "En lo que respecta a los detalles del personaje", dijo Ethan en 1991, "Mayhew es muy diferente de Faulkner, cuyas experiencias en Hollywood no fueron las mismas en absoluto". [80] A diferencia de la incapacidad de Mayhew para escribir debido a la bebida y a problemas personales, Faulkner continuó escribiendo novelas después de trabajar en la industria cinematográfica, ganando varios premios por ficción completada durante y después de su tiempo en Hollywood. [89]
El estudio de personaje nominado al Oscar de Lerner sobre el magnate de los estudios Jack Lipnick es una combinación de varios productores de Hollywood, incluidos Harry Cohn , Louis B. Mayer y Jack L. Warner , tres de los hombres más poderosos de la industria cinematográfica en la época en la que se ambienta Barton Fink . [90] [5] Al igual que Mayer, Lipnick es originario de la capital bielorrusa, Minsk . Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, Warner presionó para obtener un puesto en el ejército y ordenó a su departamento de vestuario que creara un uniforme militar para él; Lipnick hace lo mismo en su escena final. Warner una vez se refirió a los escritores como "idiotas con Underwoods", lo que llevó a que Barton usara en la película una máquina de escribir Underwood . [91] [88]
Al mismo tiempo, los Coen subrayan que el laberinto de engaños y dificultades que Barton soporta no se basa en su propia experiencia. Aunque Joel ha dicho que los artistas tienden a "encontrarse con filisteos ", añadió: " Barton Fink está bastante lejos de nuestra propia experiencia. Nuestra vida profesional en Hollywood ha sido especialmente fácil, y esto es sin duda extraordinario e injusto". [23] Ethan ha sugerido que Lipnick -como los hombres en los que se basa- es en cierto modo un producto de su tiempo. "No sé si ese tipo de personaje existe ya. Hollywood es un poco más anodino y corporativo que eso ahora". [92]
Los hermanos Coen han reconocido varias inspiraciones cinematográficas para Barton Fink. Entre ellas, las principales son tres películas del cineasta polaco-francés Roman Polanski : Repulsión (1965) , Cul-de-Sac (1966) y El inquilino (1976). Estas películas emplean un estado de ánimo de incertidumbre psicológica junto con entornos inquietantes que agravan la inestabilidad mental de los personajes. El aislamiento de Barton en su habitación del Hotel Earle se compara con frecuencia con el de Trelkovsky en su apartamento en El inquilino. [43] [93] Ethan dijo sobre el género de Barton Fink : "[E]s una especie de película de Polanski. Se acerca más a eso que a cualquier otra cosa". [64] Por coincidencia, Polanski fue el presidente del jurado en el Festival de Cine de Cannes en 1991, donde se estrenó Barton Fink . Esto creó una situación incómoda. "Obviamente", dijo más tarde Joel Coen, "hemos sido influenciados por sus películas, pero en ese momento estábamos muy reacios a hablar con él sobre ello porque no queríamos dar la impresión de que le estábamos haciendo la pelota". [3]
Otras obras citadas como influencias para Barton Fink incluyen El resplandor (1980), producida y dirigida por Stanley Kubrick , y la comedia Los viajes de Sullivan (1941), escrita y dirigida por Preston Sturges . [74] [94] Ambientada en un hotel vacío, la película de Kubrick trata sobre un escritor incapaz de continuar con su último trabajo. Aunque los Coen aprueban las comparaciones con El resplandor, Joel sugiere que la película de Kubrick "pertenece en un sentido más global al género de películas de terror". [3] Los viajes de Sullivan, estrenada el año en el que se ambienta Barton Fink , sigue al exitoso director John Sullivan, quien decide crear una película de profunda importancia social, no muy diferente del deseo de Barton de crear entretenimiento para "el hombre común". Finalmente, Sullivan decide que el entretenimiento cómico es un papel clave para los cineastas, similar a la afirmación de Jack Lipnick al final de Barton Fink de que "el público quiere ver acción, aventuras" y no una "película afrutada sobre el sufrimiento". [95]
En Barton Fink abundan las alusiones adicionales a películas y a la historia del cine . En un momento, un personaje habla de "Victor Soderberg"; el nombre es una referencia a Victor Sjöström , un director sueco que trabajó en Hollywood bajo el nombre de Seastrom. [88] La línea de Charlie sobre cómo sus problemas "no suman ni un bledo" es un probable homenaje a Casablanca (1942). El inquietante vacío del Hotel Earle también se ha comparado con los espacios habitables de Key Largo (1948) y Sunset Boulevard (1950). [64] Vincent Canby señaló que Barton "se parece al héroe de Eraserhead de David Lynch " (1977). [96] La última escena de Barton Fink hace eco del final de La Dolce Vita (1960), donde la última línea de diálogo de una mujer joven se ve ahogada por el sonido del mar. [97]
Dos de los temas centrales de la película –la cultura de la producción de entretenimiento y el proceso de escritura– están entrelazados y se relacionan específicamente con la naturaleza autorreferencial de la obra (así como con la obra dentro de la obra). Es una película sobre un hombre que escribe una película basada en una obra de teatro, y en el centro de toda la obra de Barton está el propio Barton. El diálogo en su obra Bare Ruined Choirs (también las primeras líneas de la película, algunas de las cuales se repiten al final de la película como líneas en el guion de Barton The Burlyman ) nos dan una idea del arte autodescriptivo de Barton. La madre en la obra se llama "Lil", que más tarde se revela que es el nombre de la propia madre de Barton. En la obra, "The Kid" (una representación del propio Barton) se refiere a su casa "seis pisos más arriba", el mismo piso donde Barton reside en el Hotel Earle. Además, los procesos de escritura de los personajes en Barton Fink reflejan diferencias importantes entre la cultura de producción de entretenimiento en el distrito de Broadway de Nueva York y Hollywood. [98]
Aunque Barton habla con frecuencia de su deseo de ayudar a crear "un teatro nuevo y vivo, de, sobre y para el hombre común", no reconoce que ya se haya creado un teatro de ese tipo: las películas. De hecho, desdeña esta forma auténticamente popular. [99] Por otra parte, el mundo del teatro de Broadway en Barton Fink es un lugar de alta cultura , donde el creador (incluido Barton) cree más plenamente que su obra encarna sus propios valores. Aunque pretende desdeñar su propio éxito, Barton cree que ha logrado una gran victoria con Bare Ruined Choirs. Busca elogios; cuando su agente Garland le pregunta si ha visto la crítica entusiasta en el Herald, Barton dice "No", aunque su productor acaba de leyérsela. Barton se siente cercano al teatro, confiado en que puede ayudarlo a crear una obra que honre al "hombre común". Los hombres y mujeres que financiaron la producción - "esa gente", como los llama Barton - demuestran que Broadway está tan preocupado por las ganancias como Hollywood; Pero su intimidad y menor escala permiten al autor sentir que su obra tiene un valor real. [44] [45]
Barton no cree que Hollywood ofrezca la misma oportunidad. En la película, Los Ángeles es un mundo de fachadas falsas y gente falsa. Esto es evidente en una primera línea del guion (filmada, pero no incluida en el estreno en cines [100] ); mientras informa a Barton de la oferta de Capitol Pictures, su agente le dice: "Solo estoy pidiendo que su decisión esté informada por un poco de realismo, si puedo usar esa palabra y Hollywood en el mismo aliento". [44] Más tarde, cuando Barton intenta explicar por qué se queda en el Earle, el director del estudio, Jack Lipnick, termina su oración, reconociendo que Barton quiere un lugar que sea "menos Hollywood". La suposición es que Hollywood es falso y el Earle es genuino. El productor Ben Geisler lleva a Barton a almorzar a un restaurante que tiene un mural del "New York Cafe", una señal del esfuerzo de Hollywood por replicar la autenticidad de la Costa Este de los Estados Unidos . [30] La exuberancia abrumadora inicial de Lipnick también es una fachada. Aunque comienza diciéndole a Barton: "El escritor es el rey aquí en Capitol Pictures", en la penúltima escena insiste: "Si tu opinión importara, entonces supongo que dimitiría y te dejaría dirigir el estudio. No importa, y tú no lo harás, y los lunáticos no van a dirigir este manicomio en particular". [101]
El engaño en Barton Fink es emblemático del enfoque de Hollywood en la baja cultura , su deseo incansable de producir eficientemente entretenimiento formulaico con el único propósito de obtener ganancias económicas. Capitol Pictures le asigna a Barton escribir una película de lucha libre con la superestrella Wallace Beery en el papel principal . Aunque Lipnick declara lo contrario, Geisler le asegura a Barton que "es solo una película B ". Audrey intenta ayudar al escritor en apuros diciéndole: "Mira, en realidad es solo una fórmula. No tienes que escribir tu alma en ella". [102] Esta fórmula queda clara por Lipnick, quien le pregunta a Barton en su primer encuentro si el personaje principal debería tener un interés amoroso o cuidar de un niño huérfano. Barton muestra su iconoclasia al responder: "¿Ambos, tal vez?" [103] Al final, su incapacidad para adaptarse a las normas del estudio destruye a Barton.
Una descripción similar de Hollywood aparece en la novela de Nathanael West The Day of the Locust (1939), que muchos críticos consideran un precursor importante de Barton Fink. [104] [105] [90] Ambientada en un complejo de apartamentos en ruinas, la obra describe a un pintor reducido a decorar decorados de películas. Retrata a Hollywood como un lugar grosero y explotador, que devora a individuos talentosos en su interminable búsqueda de ganancias. Tanto en la novela de West como en Barton Fink, los protagonistas sufren bajo la opresiva máquina industrial del estudio cinematográfico. [106]
La película contiene más material autorreferencial, como una película sobre un escritor que tiene dificultades para escribir (escrita por los hermanos Coen mientras tenían dificultades para escribir Miller's Crossing ). Barton está atrapado entre su propio deseo de crear arte significativo y la necesidad de Capitol Pictures de usar sus convenciones estándar para obtener ganancias. [103] El consejo de Audrey sobre seguir la fórmula habría salvado a Barton, pero él no lo hace. Sin embargo, cuando pone el misterioso paquete (que podría haber contenido su cabeza) en su escritorio, ella podría haberlo estado ayudando póstumamente, de otras maneras. [107] La película en sí juega con las fórmulas estándar de los guiones. Al igual que con los guiones de Mayhew, Barton Fink contiene un "buen luchador" (Barton, parece) y un "mal luchador" (Charlie) que "se enfrentan" entre sí al final. Pero, como es típico en los Coen, las líneas entre el bien y el mal se difuminan, y el supuesto héroe se revela de hecho sordo a las súplicas de su vecino "hombre común". Al difuminar las líneas entre la realidad y la experiencia surrealista, la película subvierte los "simples cuentos morales" y los "mapas de ruta" que se le ofrecen a Barton como caminos fáciles para que el escritor los siga. [108]
Sin embargo, los cineastas señalan que Barton Fink no pretende representar a los Coen en sí. "Nuestra vida en Hollywood ha sido particularmente fácil", dijeron una vez. "La película no es un comentario personal". [15] Aun así, a lo largo de la película se exploran temas universales del proceso creativo. Durante la escena del picnic, por ejemplo, Mayhew le pregunta a Barton: "¿Escribir no es paz?". Barton hace una pausa y luego dice: "No, siempre he pensado que escribir surge de un gran dolor interior". [109] Estos intercambios llevaron al crítico William Rodney Allen a llamar a Barton Fink "una autobiografía de la vida de las mentes de los Coen, no de hechos literales". El comentario de Allen es en sí mismo una referencia a la frase "vida de la mente", utilizada repetidamente en la película en contextos muy diferentes. [74]
Varios de los elementos de la película, incluyendo la ambientación al comienzo de la Segunda Guerra Mundial , han llevado a algunos críticos a destacar paralelismos con el ascenso del fascismo en ese momento. Por ejemplo, los detectives que visitan a Barton en el Hotel Earle se llaman "Mastrionatti" y "Deutsch" [110] - nombres italianos y alemanes, evocadores de los regímenes de Benito Mussolini y Adolf Hitler . Su desprecio por Barton es claro: "Fink. Ese es un nombre judío, ¿no? ... No pensé que este vertedero estuviera restringido". [111] Más tarde, justo antes de matar a su última víctima, Charlie dice: " Heil Hitler ". [112] Jack Lipnick es originario de la capital bielorrusa , Minsk , que fue ocupada desde el verano de 1941 por la Alemania nazi , tras la Operación Barbarroja . [113]
"No es forzar la situación sugerir que el Holocausto se cierne sobre Barton Fink ", escribe el biógrafo Ronald Bergan . [51] Otros ven un mensaje más específico en la película, en particular la indiferencia de Barton hacia las tendencias homicidas de Charlie. El crítico Roger Ebert escribió en su reseña de 1991 que los Coen pretendían crear una alegoría del ascenso del nazismo . "Pintan a Fink como un intelectual de izquierdas ineficaz e impotente, que se vende mientras se dice a sí mismo que está haciendo lo correcto, que cree que entiende al 'hombre común' pero no entiende que, para muchos hombres comunes, el fascismo tenía un atractivo seductor". Sin embargo, continúa diciendo: "Sería un error insistir demasiado en este aspecto de la película..." [114]
Otros críticos son más exigentes. M. Keith Booker escribe:
El hecho de que Fink no haya "escuchado" parece querer decirnos que muchos intelectuales de izquierda como él estaban demasiado ocupados persiguiendo sus propios intereses egoístas como para oponerse de manera efectiva al ascenso del fascismo, un punto que es históricamente completamente inexacto... El hecho de que los Coen decidieran lanzar una acusación de irresponsabilidad contra el único grupo en Estados Unidos que activamente buscó oponerse al ascenso del fascismo es en sí mismo altamente irresponsable y muestra una completa ignorancia (o quizás falta de interés) de la realidad histórica. Tal ignorancia y apatía, por supuesto, son típicas del cine posmoderno... [47]
Por su parte, los Coen niegan cualquier intención de presentar un mensaje alegórico . Eligieron los nombres de los detectives deliberadamente, pero "sólo queríamos que fueran representativos de las potencias mundiales del Eje en ese momento. Simplemente parecía un poco divertido. Es una provocación. Todo ese asunto con Charlie -el asunto del "¡Heil Hitler!"- claro, todo está ahí, pero es una especie de provocación". [59] En 2001, Joel respondió a una pregunta sobre los críticos que proporcionan análisis extensos y exhaustivos: "Así es como los han entrenado para ver películas. En Barton Fink, puede que lo hayamos fomentado -como burlarse de los animales en el zoológico. La película es intencionadamente ambigua en formas a las que tal vez no estén acostumbrados". [115]
Aunque el tema de la esclavitud aparece en varias ocasiones en la película, aunque se muestra de forma sutil en los diálogos y las imágenes. La interpretación de Mayhew de la canción de salón "Old Black Joe" lo muestra como un esclavo del estudio cinematográfico, de forma similar al narrador de la canción, que añora "a mis amigos de los campos de algodón de allá". [116] Una breve toma de la puerta del espacio de trabajo de Mayhew muestra el título de la película que supuestamente está escribiendo: Slave Ship. Se trata de una referencia a una película de 1937 escrita por la inspiración de Mayhew, William Faulkner, y protagonizada por Wallace Beery, para quien Barton está componiendo un guion en la película. [116]
El símbolo del barco de esclavos se ve reforzado por diseños de escenarios específicos, incluida la ventana redonda en la oficina de Ben Geisler que se asemeja a un ojo de buey , así como la pasarela que conduce al bungalow de Mayhew, que se asemeja a la rampa de embarque de una embarcación. [116] Varias líneas de diálogo dejan en claro al final de la película que Barton se ha convertido en un esclavo del estudio: "[L]os contenidos de tu cabeza", le dice el asistente de Lipnick, "son propiedad de Capitol Pictures". [117] Después de que Barton entrega su guion, Lipnick le da un castigo aún más brutal: "Todo lo que escribas será propiedad de Capitol Pictures. Y Capitol Pictures no producirá nada de lo que escribas". [118] Este desprecio y control es representativo de las opiniones expresadas por muchos escritores en Hollywood en ese momento. [116] [119] Como dijo Arthur Miller en su reseña de Barton Fink : "Lo único de lo que estoy seguro acerca de Hollywood es que su trato a los escritores nunca puede ser demasiado exagerado". [120]
Durante el primer tercio de la película, Barton habla constantemente de su deseo de escribir una obra que se centre en el "hombre común" y le atraiga. En un discurso declara: "Las esperanzas y los sueños del hombre común son tan nobles como los de cualquier rey. Es la materia de la vida, ¿por qué no debería ser la materia del teatro? Maldita sea, ¿por qué debería ser una píldora difícil de tragar? No lo llames nuevo teatro, Charlie; llámalo teatro real . Llámalo nuestro teatro". [121] Sin embargo, a pesar de su retórica, Barton es totalmente incapaz (o no quiere) apreciar la humanidad del "hombre común" que vive al lado de él. [121] Más adelante en la película, Charlie explica que ha traído varios horrores sobre él porque "¡ no escuchas! " [122] En su primera conversación con Charlie, Barton interrumpe constantemente a Charlie justo cuando está diciendo "Podría contarte algunas historias", demostrando que a pesar de sus buenas palabras realmente no está interesado en las experiencias de Charlie; En otra escena, Barton demuestra simbólicamente su sordera al mundo tapándose los oídos con algodón para bloquear el sonido del teléfono que suena. [123]
La posición de Barton como guionista es de particular importancia para su relación con "el hombre común". Al negarse a escuchar a su vecino, Barton no puede validar la existencia de Charlie en su escritura, con resultados desastrosos. No sólo Charlie está atrapado en un trabajo que lo degrada, sino que no puede (al menos en el caso de Barton) hacer que se cuente su historia. [124] Más centralmente, la película rastrea la evolución de la comprensión de Barton del "hombre común": Al principio es una abstracción que debe ser alabada desde una vaga distancia. Luego se convierte en un individuo complejo con miedos y deseos. Finalmente demuestra ser un individuo poderoso por derecho propio, capaz de formas extremas de destrucción y por lo tanto temido y/o respetado. [125]
La complejidad del "hombre común" también se explora a través de la tan mencionada "vida de la mente". Mientras expone su deber como escritor, Barton se explaya: "Tengo que decirles que la vida de la mente... No hay un mapa de ruta para ese territorio... y explorarlo puede ser doloroso. El tipo de dolor del que la mayoría de la gente no sabe nada". [126] Barton asume que él está al tanto de consideraciones creativas reflexivas mientras que Charlie no. Esta ilusión comparte el clímax de la película, cuando Charlie corre por el pasillo del Earle, disparando a los detectives con una escopeta y gritando: "¡ Mírenme! ¡Les mostraré la vida de la mente! " [127] La "vida de la mente" de Charlie no es menos compleja que la de Barton; de hecho, algunos críticos la consideran más. [128] [129]
La comprensión que Charlie tiene del mundo se describe como omnisciente, como cuando le pregunta a Barton sobre "los dos tortolitos de al lado", a pesar del hecho de que viven a varias puertas de distancia. Cuando Barton le pregunta cómo sabe de ellos, Charlie responde: "Parece que escucho todo lo que pasa en este basurero. Tuberías o algo así". [130] Su total conocimiento de los eventos en el Earle demuestra el tipo de comprensión necesaria para mostrar verdadera empatía, como lo describe Audrey. Este tema regresa cuando Charlie explica en su escena final: "Siento pena por la mayoría de los chicos. Sí. Me desgarra por dentro pensar en lo que están pasando. Lo atrapados que están. Lo entiendo. Lo siento por ellos. Así que trato de ayudarlos". [129] [131]
Los temas de salvación religiosa y las alusiones a la Biblia aparecen sólo brevemente en Barton Fink, pero su presencia impregna la historia. Mientras Barton está experimentando su momento más desesperado de confusión y desesperación, abre el cajón de su escritorio y encuentra una Biblia de Gedeón . La abre "al azar" en Daniel 2 , y lee de ella: "Y el rey Nabucodonosor respondió y dijo a los caldeos: No me acuerdo de mi sueño; si no me mostráis mi sueño y su interpretación, seréis hechos pedazos, y vuestras tiendas serán convertidas en muladar". [132] Este pasaje refleja la incapacidad de Barton para dar sentido a sus propias experiencias (en las que Audrey ha sido "cortada en pedazos"), así como a las "esperanzas y sueños" del "hombre común". [72] Nabucodonosor es también el título de una novela que Mayhew da a Barton como un "pequeño entretenimiento" para "divertirte en tu estancia entre los filisteos". [133]
Mayhew alude a "la historia de la mamá de Salomón", una referencia a Betsabé , quien dio a luz a Salomón después de que su amante David hiciera matar a su esposo Urías . Aunque Audrey interrumpe a Mayhew alabando su libro (que Audrey misma puede haber escrito), la referencia presagia el triángulo amoroso que se desarrolla entre los tres personajes de Barton Fink. Rowell señala que Mayhew es asesinado (presumiblemente por Charlie) poco después de que Barton y Audrey tengan relaciones sexuales. [134] Otra referencia bíblica aparece cuando Barton pasa al frente de la Biblia en el cajón de su escritorio y ve sus propias palabras transpuestas al Libro del Génesis . Esto se ve como una representación de su arrogancia como un autoconcebido maestro omnipotente de la creación, o alternativamente, como una yuxtaposición lúdica que demuestra el estado mental alucinatorio de Barton. [134]
La película se estrenó en Estados Unidos en once pantallas el 23 de agosto de 1991 y recaudó 268.561 dólares durante su primer fin de semana. Durante su estreno en cines, Barton Fink recaudó 6.153.939 dólares en Estados Unidos. [135] El hecho de que la película no lograra recuperar los gastos de producción divirtió al productor de cine Joel Silver , con quien los Coen trabajarían más tarde en The Hudsucker Proxy (1994): "No creo que haya recaudado 5 millones de dólares, y costó 9 millones hacerla. [Los hermanos Coen tienen] reputación de ser raros, excéntricos, inaccesibles. [136]
En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 90% basado en 67 críticas, con una calificación promedio de 7.9/10. El consenso crítico del sitio dice: "Retorcida e inquietante, la historia satírica de los hermanos Coen sobre un dramaturgo de la década de 1940 que lucha contra el bloqueo del escritor está repleta de su característico sentido del humor y de actuaciones fabulosas de su elenco". [137] En Metacritic , la película tiene una puntuación media ponderada de 69 sobre 100, basada en 19 críticos, lo que indica "críticas generalmente favorables". [138] Las audiencias encuestadas por CinemaScore le dieron a la película una calificación promedio de "B" en una escala de A+ a F. [139]
La crítica del Washington Post, Rita Kempley, describió a Barton Fink como "sin duda una de las mejores y más intrigantes películas del año". [6] El crítico del New York Times, Vincent Canby , la llamó "una ganadora sin reservas" y "una excelente comedia oscura de estilo extravagante y una técnica inmensa aunque aparentemente sin esfuerzo". [96] El crítico Jim Emerson llamó a Barton Fink "la película más deliciosa y provocativamente indescriptible de los hermanos Coen hasta ahora". [140]
A algunos críticos no les gustó la trama enigmática y el final ambiguo. El crítico del Chicago Reader Jonathan Rosenbaum advirtió sobre la "adolescencia aduladora y el cinismo de los cómics" de los Coen, y describió a Barton Fink como "una película de medianoche asquerosa con ropa de cine independiente de domingo por la tarde". [141] John Simon de The National Review describió a Barton Fink como "estúpida e insufrible". [142]
En una entrevista de 1994, Joel desestimó las críticas sobre los elementos poco claros en sus películas: "La gente tiene problemas para lidiar con el hecho de que nuestras películas no son sencillas. Preferirían que la última mitad de Barton Fink fuera solo sobre los problemas de bloqueo de escritura de un guionista y cómo se resuelven en el mundo real". [143] El presentador de programas de entrevistas Larry King expresó su aprobación de la película, a pesar de su conclusión incierta. Escribió en USA Today : "El final es algo en lo que todavía estoy pensando y si lo lograron, supongo que funcionó". [5] En una entrevista de 2016, el guionista Charlie Kaufman dijo después de que le preguntaran qué película querría con él en una isla desierta: "Una película que realmente amo es Barton Fink. No sé si esa es la película que llevaría a una isla desierta, pero siento que hay tanto allí, que podrías verla una y otra vez. Eso es importante para mí, especialmente si esa fuera la única película que tendría conmigo por el resto de mi vida ". [144]
Greg Cwik de IndieWire clasificó a Barton Fink como la quinta mejor película de los Coen. [145] Fue votada como la undécima mejor película de la década de 1990 en una encuesta de los colaboradores de The AV Club , y fue descrita como "una de las obras [de los Coen] más profundas y dolorosas". [146]
Ganar tres premios importantes en el Festival de Cine de Cannes era extremadamente raro, y algunos críticos sintieron que el jurado era demasiado generoso al excluir otras candidaturas dignas. [5] [147] Preocupado de que la triple victoria pudiera sentar un precedente que subestimara otras películas, Cannes decidió después del festival de 1991 limitar cada película a un máximo de dos premios. [5] [147]
La película fue lanzada en formato de video casero VHS el 5 de marzo de 1992, [157] y una edición en DVD estuvo disponible el 20 de mayo de 2003. El DVD contiene una galería de fotos fijas, avances cinematográficos y ocho escenas eliminadas. [158] La película también está disponible en Blu-ray Disc , en el Reino Unido, en un formato sin región que funcionará en cualquier reproductor de Blu-ray. [159]
Los hermanos Coen han expresado su interés en hacer una secuela de Barton Fink llamada Old Fink , que se desarrollaría en los años 60. "Es el verano del amor y [Fink] está enseñando en Berkeley . Delató a muchos de sus amigos ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes ", dijo Joel Coen. Los hermanos han declarado que han tenido conversaciones con John Turturro sobre la posibilidad de repetir su papel de Fink, pero que estaban esperando "hasta que realmente tuviera la edad suficiente para interpretar el papel". [160]
En una entrevista con The AV Club en junio de 2011, Turturro sugirió que la secuela se ambientaría en los años 70 y que Fink sería un hippie con un gran peinado afro judío . Dijo que "tendrán que esperar otros 10 años para eso, al menos". [161]
En el episodio de Los Simpsons " Hermano del mismo planeta ", Milhouse, Louis y Richard anuncian su plan de colarse en una película clasificada R, coreando "¡Bar-ton Fink! ¡Bar-ton Fink!" [162] El título del episodio " Bart el Fink " hace referencia a la película.
Muchos críticos señalaron que " La ley de la no contradicción ", un episodio de la serie de televisión producida por los Coen Fargo basada en su película homónima de 1996 , presenta una referencia a la imagen en la habitación de Fink, ya que el personaje principal del episodio, Gloria, está sentada en la playa en una toma y posición similares a las de la imagen . Los temas del episodio también se compararon con los de Barton Fink . [163] [164] [165] [166]
La introducción al libro de guion de
Barton Fink
fue escrita por "Roderick Jaynes"; en un avance satírico, califica la trama de "aplastantemente tediosa".
