El cine de la Unión Soviética incluye películas producidas por las repúblicas constituyentes de la Unión Soviética que reflejan elementos de su cultura, idioma e historia presoviéticos, aunque todas estaban reguladas por el gobierno central en Moscú. Los más prolíficos en sus películas republicanas, después de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia , fueron Armenia , Azerbaiyán , Georgia , Ucrania y, en menor grado, Lituania , Bielorrusia y Moldavia . Al mismo tiempo, la industria cinematográfica de la nación, que estuvo completamente nacionalizada durante la mayor parte de la historia del país, se guió por filosofías y leyes propuestas por el monopolio del Partido Comunista Soviético que introdujo una nueva visión del cine, el realismo socialista , que era diferente de la anterior o posterior a la existencia de la Unión Soviética.
Tras la creación de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia (RSFSR) el 7 de noviembre de 1917 (aunque la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas no se creó oficialmente hasta el 30 de diciembre de 1922), lo que había sido el Imperio ruso comenzó a caer rápidamente bajo el dominio de una reorganización soviética de todas sus instituciones. Desde el principio, los líderes de este nuevo estado sostuvieron que el cine sería la herramienta de propaganda más ideal para la Unión Soviética debido a su amplia popularidad entre la ciudadanía establecida del nuevo país. Vladimir Lenin consideraba que el cine era el medio más importante para educar a las masas en los modos, medios y éxitos del comunismo . [1] Como consecuencia, Lenin emitió las "Directivas sobre el negocio cinematográfico" el 17 de enero de 1922, que instruían al Comisariado del Pueblo para la Educación para sistematizar el negocio cinematográfico, registrando y numerando todas las películas proyectadas en la República Socialista Federativa Soviética de Rusia, extrayendo rentas de todos los cines de propiedad privada y sometiéndolos a la censura. [1] Posteriormente, Joseph Stalin también consideró que el cine era de suma importancia. [2]
Sin embargo, entre la Primera Guerra Mundial y la Revolución rusa , la industria cinematográfica rusa y la infraestructura necesaria para apoyarla (por ejemplo, la energía eléctrica) se habían deteriorado hasta el punto de ser inoperantes. La mayoría de los cines habían estado en el corredor entre Moscú y San Petersburgo , y la mayoría estaban fuera de servicio. Además, muchos de los intérpretes, productores, directores y otros artistas de la Rusia presoviética habían huido del país o se estaban adelantando a las fuerzas del Ejército Rojo a medida que avanzaban cada vez más hacia el sur en lo que quedaba del Imperio ruso. Además, el nuevo gobierno no tenía fondos de sobra para una amplia reelaboración del sistema de producción cinematográfica. Por lo tanto, inicialmente optaron por la aprobación de proyectos y las pautas de censura, dejando lo que quedaba de la industria en manos privadas. Como esto equivalía principalmente a salas de cine, las primeras películas soviéticas consistieron en películas recicladas del Imperio ruso y sus importaciones, en la medida en que no se determinó que fueran ofensivas para la nueva ideología soviética . Irónicamente, la primera película estrenada en la Rusia soviética no encajaba exactamente en este molde: se trataba de Padre Sergio , una película religiosa terminada durante las últimas semanas del Imperio ruso pero que aún no se había exhibido. Apareció en las pantallas soviéticas en 1918.
Aparte de esto, el gobierno sólo podía financiar películas educativas de corta duración, las más famosas de las cuales eran las agitki, películas educativas destinadas a agitar, o energizar y entusiasmar, a las masas para que participaran plenamente en las actividades soviéticas aprobadas y trataran de manera efectiva con aquellos que seguían oponiéndose al nuevo orden. Estas películas cortas (a menudo de un solo rollo) eran a menudo simples ayudas visuales y acompañamientos para conferencias y discursos en vivo, y se llevaban de ciudad en ciudad, de pueblo en pueblo, de aldea en aldea (junto con los conferenciantes) para educar a todo el campo, llegando incluso a zonas donde nunca antes se habían visto películas.
Los noticieros, como los documentales, fueron la otra forma importante del primer cine soviético. La serie de noticieros Kino-Pravda de Dziga Vertov , la más conocida de ellas, duró de 1922 a 1925 y tenía una inclinación propagandística; Vertov utilizó la serie para promover el realismo socialista pero también para experimentar con el cine.
Sin embargo, en 1921, no hubo un solo cine en funcionamiento en Moscú hasta finales de año. [ cita requerida ] Su rápido éxito, utilizando películas antiguas rusas e importadas, impulsó significativamente la industria, especialmente en la medida en que el gobierno no reguló en gran medida o directamente lo que se mostraba, y en 1923 se habían abierto 89 cines más. [ cita requerida ] A pesar de los impuestos extremadamente altos sobre la venta de entradas y el alquiler de películas, hubo un incentivo para que las personas comenzaran a hacer productos cinematográficos nuevamente: había lugares para mostrar las películas, aunque ahora tenían que adaptar su temática a una visión del mundo soviética. En este contexto, los directores y escritores que apoyaban los objetivos del comunismo asumieron rápidamente el dominio de la industria, ya que eran los que podían producir de manera más confiable y convincente películas que satisfagan a los censores del gobierno.
A los demás, que ya tenían experiencia, se sumaron nuevos talentos y se formó una comunidad artística con el objetivo de definir el "cine soviético" como algo distinto y mejor que la producción del " capitalismo decadente ". Los líderes de esta comunidad consideraron esencial para lograr este objetivo tener la libertad de experimentar con toda la naturaleza del cine, una posición que daría lugar a varios esfuerzos creativos bien conocidos, pero también a una reacción contraria imprevista por parte de los administradores, cada vez más consolidados, de la sociedad controlada por el gobierno.
En 1924, Nikolai Lebedev escribió un libro sobre la historia del cine que, según él, es "el primer intento soviético de sistematizar las escasas fuentes disponibles [sobre cine] para el lector general". Junto con otros artículos escritos por Lebedev y publicados por Pravda , Izvestia y Kino . En el libro, llama la atención sobre los desafíos de financiación que siguieron a la nacionalización del cine soviético. En 1925, todas las organizaciones cinematográficas se fusionaron para formar Sovkino . Bajo Sovkino, la industria cinematográfica recibió un beneficio libre de impuestos y mantuvo el monopolio de todas las exportaciones e importaciones relacionadas con el cine. [3]
En 1925 se estrenó con gran éxito El acorazado Potemkin de Serguéi Eisenstein ; la película estaba muy ficticia y también era propagandística, y transmitía la línea del partido sobre las virtudes del proletariado . El kinokomitet o "Comité de Cine" creado ese mismo año publicó traducciones de importantes libros sobre teoría cinematográfica de Béla Balázs , Rudolf Harms y Léon Moussinac . [3]
Una de las películas más populares estrenadas en la década de 1930 fue Circus . Inmediatamente después del final de la Segunda Guerra Mundial , se estrenaron películas en color como The Stone Flower (1946), Ballad of Siberia (1947) y Cossacks of the Kuban (1949). Otras películas notables de la década de 1940 incluyen Alexander Nevsky e Ivan the Terrible .
A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, el cine soviético produjo Balada de un soldado , que ganó el premio BAFTA a la mejor película en 1961 , y Las grullas están volando .
The Height es considerada [¿ por quién? ] como una de las mejores películas de la década de 1950 (también se convirtió en la base del movimiento bardo ).
En los años 80 se diversificó la temática y se pudieron tratar abiertamente temas delicados. El resultado fueron películas como Repentance , que trataba sobre la represión en Georgia , y la película de ciencia ficción alegórica Kin-dza-dza !.
Tras la muerte de Stalin , los cineastas soviéticos obtuvieron más libertad para filmar lo que creían que el público quería ver en los personajes y las historias de sus películas. La industria siguió siendo parte del gobierno y cualquier material que se considerara políticamente ofensivo o indeseable se eliminaba, se editaba, se refilmaba o se archivaba. La definición de "realismo socialista" se liberalizó para permitir el desarrollo de personajes más humanos, pero el comunismo todavía tenía que permanecer sin críticas en sus fundamentos. Además, el grado de liberalidad artística relativa se cambió de una administración a otra.
Algunos ejemplos creados por la censura incluyen:
El 27 de agosto de 1919, Vladimir Lenin nacionalizó la industria cinematográfica y creó películas soviéticas postimperiales "cuando todo el control sobre la producción y exhibición de películas fue cedido al Comisariado del Pueblo de Educación". [4] El trabajo de los estudios cinematográficos nacionalizados fue administrado por el Departamento Panruso de Fotografía y Cinematografía, que se reorganizó en 1923 en Goskino , que en 1926 se convirtió en Sovkino. La primera escuela cinematográfica estatal del mundo, la Primera Escuela Estatal de Cinematografía , se estableció en Moscú en 1919.
Durante la Guerra Civil Rusa , trenes y barcos de agitación visitaron a soldados, obreros y campesinos. Las conferencias, informes y mítines políticos se acompañaban de noticieros sobre los acontecimientos en los distintos frentes.
En la década de 1920, el grupo de cine documental encabezado por Dziga Vertov abrió el camino desde el noticiero convencional hacia el "cine publicitario centrado en la imagen", que se convirtió en la base del documental cinematográfico soviético. Típicos de la década de 1920 fueron el serial de noticias de actualidad Kino-Pravda y la película ¡Adelante, soviético! de Vertov, cuyos experimentos y logros en el cine documental influyeron en el desarrollo de la cinematografía rusa y mundial. Otras películas importantes de la década de 1920 fueron las películas histórico-revolucionarias de Esfir Shub , como La caída de la dinastía Romanov , que utilizó técnicas de edición de montaje para reutilizar viejos documentales imperiales en un tema revolucionario. [5] En 1924, los cineastas Sergei Eisenstein y Lev Kuleshov crearon la primera asociación de cineastas soviéticos, la Asociación de Cinematografía Revolucionaria (ARK), para "satisfacer las necesidades ideológicas y artísticas del proletariado". Aunque controlada por el Estado, "la organización se caracterizó por un pluralismo de puntos de vista políticos y artísticos hasta finales de la década de 1920". [6] Uno de los desarrollos más emblemáticos del cine durante este período que todavía se utiliza en las películas de hoy fue la edición y el montaje para crear significado. Este estilo de realización cinematográfica llegó a conocerse como el efecto Kuleshov y se empleó para conservar el material cinematográfico debido a la escasez durante ese período. La película Hydropeat de Yuri Zhelyabuzhsky marcó el comienzo de las películas de divulgación científica. [ cita requerida ] Las películas de agitación de largometrajes de 1918-21 fueron importantes en el desarrollo de la industria cinematográfica. La innovación en el cine ruso se expresó particularmente en la obra de Eisenstein. El acorazado Potemkin fue notable por su montaje innovador y la calidad metafórica de su lenguaje cinematográfico. Ganó elogios mundiales. Eisenstein desarrolló conceptos de la épica revolucionaria en la película Octubre . También es destacable la adaptación de La madre de Máximo Gorki a la gran pantalla por parte de Vsevolod Pudovkin en 1926. Pudovkin desarrolló temas de la historia revolucionaria en la película El fin de San Petersburgo (1927). Otras películas mudas destacables fueron las que trataban sobre la vida contemporánea, como La casa en Trubnaya de Boris Barnet . Las películas de Yakov Protazanov estaban dedicadas a la lucha revolucionaria y la formación de una nueva forma de vida, como Don Diego y Pelagia (1928). El director ucraniano Alexander Dovzhenko fue notable por la epopeya histórico-revolucionaria Zvenigora., Arsenal y la película poética Tierra . [7]
A principios de la década de 1930, los cineastas rusos aplicaron el realismo socialista a su trabajo. Entre las películas más destacadas se encontraba Chapaev , una película sobre los revolucionarios y la sociedad rusa durante la Revolución y la Guerra Civil. La historia revolucionaria se desarrolló en películas como Las montañas de oro de Sergei Yutkevich , Afueras de Boris Barnet y la trilogía Maxim de Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg : La juventud de Maxim , El regreso de Maxim y El lado de Vyborg . También fueron notables las películas biográficas sobre Vladimir Lenin como Lenin en octubre y Lenin en 1918 de Mijail Romm . La vida de la sociedad rusa y la gente común fueron retratadas en películas como Siete hombres valientes y Komsomolsk de Sergei Gerasimov . Las comedias de Grigori Aleksandrov como Circo , Volga-Volga y Tania , así como La novia rica de Ivan Pyryev y Por los mares más azules de Boris Barnet se centran en la psicología de la persona común, el entusiasmo por el trabajo y la intolerancia hacia los restos del pasado. Muchas películas se centraron en héroes nacionales, incluyendo Alexander Nevsky de Sergei Eisenstein , Minin y Pozharsky de Vsevolod Pudovkin y Bogdan Khmelnitsky de Ígor Savchenko . Hubo adaptaciones de clásicos literarios, en particular la trilogía de películas de Mark Donskoy sobre Maxim Gorky : La infancia de Maxim Gorky , Mi aprendizaje y Mis universidades . [ cita requerida ]
A finales de los años 1920 y principios de los 1930, el ala stalinista del Partido Comunista consolidó su autoridad y se dedicó a transformar la Unión Soviética tanto en el frente económico como en el cultural. La economía pasó de la Nueva Política Económica (NEP) basada en el mercado a un sistema de planificación central. La nueva dirección declaró una "revolución cultural" en la que el partido ejercería el control sobre los asuntos culturales, incluida la expresión artística. El cine existía en la intersección del arte y la economía, por lo que estaba destinado a ser reorganizado a fondo en este episodio de transformación económica y cultural.
Para implementar la planificación central en el cine, en 1930 se creó la nueva entidad Soyuzkino. Todos los estudios y redes de distribución hasta entonces autónomos que habían surgido bajo el mercado de la NEP ahora serían coordinados en sus actividades por esta agencia de planificación. La autoridad de Soyuzkino también se extendió a los estudios de las repúblicas nacionales como VUFKU , que había disfrutado de mayor independencia durante la década de 1920. Soyuzkino consistía en una burocracia extendida de planificadores económicos y especialistas en políticas que estaban encargados de formular planes anuales de producción para los estudios y luego supervisar la distribución y exhibición de las películas terminadas.
Con la planificación central se creó una autoridad más centralizada sobre la toma de decisiones creativas. El desarrollo de guiones se convirtió en un proceso largo y tortuoso bajo este sistema burocrático, con varios comités que revisaban los borradores y pedían recortes o revisiones. En la década de 1930, la censura se hizo más exigente con el paso de los años. Los proyectos de largometrajes se alargaban durante meses o años y podían ser cancelados en cualquier momento.
Alexander Dovzhenko se inspiró en la cultura popular ucraniana en películas como La Tierra (1930) debido a la caprichosa decisión de uno u otro comité de censura. Este descuido redundante ralentizó la producción e inhibió la creatividad. Aunque se suponía que la planificación central aumentaría la productividad de la industria cinematográfica, los niveles de producción disminuyeron constantemente durante la década de 1930. La industria estrenaba más de cien largometrajes al año al final del período de la NEP, pero esa cifra cayó a setenta en 1932 y a cuarenta y cinco en 1934. Nunca más alcanzó los tres dígitos durante el resto de la era de Stalin. Los directores veteranos experimentaron precipitados declives en sus carreras bajo este sistema de control; mientras que Eisenstein pudo hacer cuatro largometrajes entre 1924 y 1929, solo completó una película, Alexander Nevsky (1938) durante toda la década de 1930. Su adaptación planeada de la historia de Ivan Turgenev El prado de Bezhin (1935-37) fue detenida durante la producción en 1937 y prohibida oficialmente, uno de los muchos proyectos cinematográficos prometedores que fueron víctimas de un exigente sistema de censura.
Mientras tanto, la URSS cortó sus contactos cinematográficos con Occidente. Dejó de importar películas a partir de 1931, por temor a que las películas extranjeras expusieran al público a la ideología capitalista. La industria también se liberó de la dependencia de las tecnologías extranjeras. Durante su esfuerzo de industrialización de principios de los años 30, la URSS finalmente construyó una serie de fábricas para abastecer a la industria cinematográfica con los recursos técnicos del país.
Para garantizar su independencia de Occidente, los líderes de la industria ordenaron que la URSS desarrollara sus propias tecnologías de sonido, en lugar de adquirir licencias de sistemas de sonido occidentales. Dos científicos soviéticos, Alexander Shorin en Leningrado (actual San Petersburgo) y Pavel Tager en Moscú, llevaron a cabo investigaciones a finales de la década de 1920 sobre sistemas de sonido complementarios, que estuvieron listos para su uso en 1930. El proceso de implementación, incluido el costo de reacondicionamiento de las salas de cine, resultó abrumador, y la URSS no completó la transición al sonido hasta 1935. Sin embargo, varios directores hicieron un uso innovador del sonido una vez que la tecnología estuvo disponible. En Entusiasmo: La sinfonía de Donbass (1930), su documental sobre la minería del carbón y la industria pesada, Dziga Vertov basó su banda sonora en una serie de ruidos industriales elegantemente orquestados. En El desertor (1933), Pudovkin experimentó con una forma de "contrapunto sonoro" explotando tensiones y disonancias irónicas entre los elementos sonoros y la pista de imágenes. Y en Alexander Nevsky , Eisenstein colaboró con el compositor Sergei Prokofiev en un estilo cinematográfico "operístico" que coordinaba elegantemente la partitura musical y la pista de imágenes.
A principios de los años 30, cuando el cine soviético hizo la transición hacia el sonido y la planificación central, también recibió el mandato de adoptar un estilo cinematográfico uniforme, comúnmente identificado como "realismo socialista". En 1932, la dirección del partido ordenó a la comunidad literaria que abandonara las prácticas vanguardistas de los años 20 y adoptara el realismo socialista, un estilo literario que, en la práctica, se acercaba al realismo del siglo XIX. Posteriormente, se instruyó a las demás artes, incluido el cine, para que desarrollaran el equivalente estético. Para el cine, esto significaba adoptar un estilo cinematográfico que fuera legible para un público amplio, evitando así una posible división entre el cine de vanguardia y el convencional, que era evidente a finales de los años 20. El director de Soyuzkino y, más tarde, de GUKF, Boris Shumyatsky (1886-1938), se desempeñó como director ejecutivo de la industria cinematográfica soviética de 1931 a 1938 y fue un duro crítico de la estética del montaje. Abogó por un "cine para millones" [ cita requerida ] , que utilizaría una narración clara y lineal. Aunque ya no se importaban películas estadounidenses en la década de 1930, el modelo hollywoodense de montaje continuo estaba fácilmente disponible y tenía un historial de éxito entre los espectadores de las películas soviéticas. El realismo socialista soviético se construyó sobre este estilo, que aseguraba una narración ordenada. Luego se añadieron varias otras restricciones a la doctrina: héroes positivos que actuaran como modelos a seguir para los espectadores; lecciones de buena ciudadanía para que los espectadores las adoptaran; y apoyo a las decisiones políticas reinantes del Partido Comunista.
Estas políticas estéticas, impuestas por el riguroso aparato de censura de la URSS, dieron lugar a una serie de películas estereotipadas. Aparentemente, lograron mantener un verdadero "cine de masas". La década de 1930 fue testigo de algunos ejemplos estelares de cine popular. La película más exitosa de la década, tanto en términos de elogios oficiales como de afecto genuino del público masivo, fue Chapaev (1934), dirigida por los hermanos Vasilyev . Basada en la vida de un comandante del Ejército Rojo mártir, la película fue promocionada como un modelo de realismo socialista, en el que Chapayev y sus seguidores lucharon heroicamente por la causa revolucionaria. La película también humanizó al personaje principal, dándole debilidades personales, un irónico sentido del humor y un rudo encanto campesino. Estas cualidades lo hicieron querer por el público: los espectadores informaron haber visto la película varias veces durante su primera exhibición en 1934, y Chapaev fue reeditada periódicamente para las generaciones posteriores de audiencias. [ cita requerida ]
Un género que surgió en la década de 1930 con un constante reconocimiento popular fue la comedia musical, y un maestro de esa forma fue Grigori Aleksandrov (1903-1984). Realizó una asociación creativa con su esposa, la brillante actriz cómica y cantante Lyubov Orlova (1902-1975), en una serie de musicales que complacieron al público. Su comedia pastoral Volga-Volga (1938) fue superada solo por Chapaev en términos de éxito de taquilla. El elemento fantástico de sus películas, con animados números musicales que revivían la estética del montaje, a veces ampliaba los límites del realismo socialista, pero el género también podía aludir a asuntos contemporáneos. En el musical de Aleksandrov de 1940 Tanya , Orlova interpreta a una humilde sirvienta que asciende en las filas de la dirección industrial soviética después de desarrollar ingeniosos métodos de trabajo que ahorran mano de obra. El público podía disfrutar del giro cómico de la película sobre la historia de Cenicienta y al mismo tiempo aprender sobre el valor de la eficiencia en el lugar de trabajo. [8]
Inmediatamente después del final de la Segunda Guerra Mundial, se estrenaron películas en color como La flor de piedra (1946), Balada de Siberia (1947) y Cosacos del Kuban (1949). Otras películas notables de la década de 1940 incluyen las películas en blanco y negro, Alexander Nevsky , Iván el Terrible y Encuentro en el Elba .
La industria cinematográfica soviética sufrió durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial. Además de lidiar con las graves pérdidas físicas y monetarias de la guerra, el régimen de Stalin reforzó el control social y la censura para manejar los efectos que la reciente exposición a Occidente tuvo sobre la gente. El período de posguerra estuvo marcado por el fin de casi toda la autonomía en la Unión Soviética. El Catálogo de películas soviéticas registró un número sorprendentemente bajo de películas producidas entre 1945 y 1953, con apenas nueve películas producidas en 1951 y un máximo de veintitrés producidas en 1952. Sin embargo, estas cifras no incluyen muchas de las obras que generalmente no se consideran "cine" en un sentido elitista, como las versiones filmadas de obras de teatro y óperas, los documentales de eventos de larga duración y los diarios de viajes, los cortometrajes para niños y las películas estereoscópicas experimentales . Pero en comparación con las cuatrocientas o quinientas películas producidas cada año por Hollywood, la industria cinematográfica soviética estaba prácticamente muerta.
Aunque la economía de la Unión Soviética se fortalecía, la producción cinematográfica seguía disminuyendo. Una resolución aprobada por el Consejo de Ministros en 1948 paralizó aún más la industria cinematográfica. La resolución criticaba el trabajo de la industria, diciendo que el énfasis puesto en la cantidad sobre la calidad había debilitado ideológicamente las películas. En cambio, el consejo insistió en que cada película producida debía ser una obra maestra para promover las ideas comunistas y el sistema soviético. A menudo, Stalin tenía la decisión final sobre si una película recién producida era apropiada para su exhibición pública. En proyecciones privadas después de las reuniones del Politburó , el Ministro de la Industria Cinematográfica Ivan Bolshakov proyectaba películas en privado para Stalin y los principales miembros del gobierno soviético. Las estrictas limitaciones en el contenido y el complejo y centralizado proceso de aprobación alejaron a muchos guionistas, y los estudios tuvieron muchas dificultades para producir cualquiera de las películas de calidad exigidas por la resolución de 1948. [9]
En el período de posguerra, las salas de cine se enfrentaron al problema de satisfacer el creciente apetito de los espectadores soviéticos por las películas y, al mismo tiempo, lidiar con la escasez de obras recién producidas por los estudios. En respuesta, los cines proyectaron las mismas películas durante meses seguidos, muchas de ellas obras de finales de la década de 1930. Cualquier novedad atraía a millones de personas a la taquilla, y muchos cines proyectaban películas extranjeras para atraer a un público más amplio. La mayoría de estas películas extranjeras eran "películas trofeo", dos mil películas traídas al país por el Ejército Rojo después de la ocupación de Alemania y Europa del Este en la Segunda Guerra Mundial. [10] En las actas de alto secreto de la reunión del Comité del PCUS del 31 de agosto de 1948, el comité permitió al Ministro de Industria Cinematográfica estrenar cincuenta de estas películas en la Unión Soviética. De estas cincuenta, a Bolshakov solo se le permitió estrenar veinticuatro para su exhibición al público en general, principalmente películas hechas en Alemania, Austria, Italia y Francia. Las otras veintiséis películas, que consistían casi en su totalidad en películas estadounidenses, solo se permitieron exhibirlas en proyecciones privadas. Las actas también incluyen una lista separada de películas musicales alemanas permitidas, que eran principalmente adaptaciones cinematográficas alemanas e italianas de óperas famosas. [11] La mayoría de las películas trofeo se estrenaron en 1948-49, pero, curiosamente, las listas compiladas de las películas estrenadas incluyen algunas que no se mencionaron previamente en las actas oficiales del Comité Central. [12]
El estreno público de estas películas trofeo parece contradictorio en el contexto de la Unión Soviética de los años cuarenta. El gobierno soviético permitió la exhibición de películas extranjeras que contenían ideas mucho más subversivas que las que cualquier director soviético hubiera intentado jamás poner en una película en una época en la que los artistas soviéticos se encontraban desempleados debido a las leyes de censura. Los historiadores plantean hipótesis sobre muchas posibles razones por las que el gobierno soviético mostró una indulgencia aparentemente inexplicable hacia las películas extranjeras. Es posible que el gobierno haya concedido a los cines el derecho a mostrar las películas para que pudieran seguir funcionando después de que la industria cinematográfica nacional hubiera decaído. Una segunda hipótesis especula que el gobierno vio las películas como una fuente fácil de dinero para ayudar a reconstruir la nación después de la guerra. [13] Las actas de la reunión del Comité Central del PCUS parecen apoyar esta última idea con instrucciones de que las películas deben aportar un ingreso neto de al menos 750 millones de rublos a las arcas del Estado en el transcurso de un año a partir de proyecciones públicas y privadas, y 250 millones de rublos de esta cantidad supuestamente provendrían de alquileres a la red de cámaras del sindicato. [14]
Además de estrenar las películas, el comité también encargó a Bolshakov y al Departamento de Agitación y Propaganda del Comité Central del PCUS "hacer las correcciones editoriales necesarias a las películas y proporcionar un texto introductorio y subtítulos cuidadosamente editados para cada película". [15] En general, las películas nazis capturadas se consideraban lo suficientemente apolíticas como para ser mostradas al público en general. Aun así, la Sección de Propaganda y Agitación del Comité Central tuvo problemas con la censura de dos películas programadas para estrenarse. Los censores encontraron imposible eliminar las ideas " sionistas " de Jud Suss , una película de propaganda nazi antisemita. Los censores también tuvieron problemas con una adaptación cinematográfica de De ratones y hombres debido a la representación de los pobres como un detrimento de la sociedad.
Hay muy poca evidencia directa de cómo el público soviético recibió las películas trofeo. Las revistas o periódicos soviéticos nunca reseñaron las películas, no hubo encuestas de audiencia y no existen registros de cuántas personas vieron las películas. Para juzgar la recepción y popularidad de estas películas extranjeras, los historiadores se han basado principalmente en evidencia anecdótica. La comedia musical alemana La mujer de mis sueños recibió críticas mixtas según esta evidencia. Kultura i zhizn publicó una supuesta encuesta compilada de cartas de lectores al editor en marzo de 1947 que criticaban la película por ser ingenua, de baja cultura e incluso dañina. Bulat Okudzhava escribió un punto de vista contradictorio en Druzhba Narodov en 1986, diciendo que todos en la ciudad de Tbilisi estaban locos por la película. Según él, dondequiera que iba la gente hablaba de la película y silbaba las canciones. De los dos relatos, los historiadores de cine generalmente consideran que el de Okudzhava es más confiable que el presentado por Kultura i zhizn . Películas como La hermana de su mayordomo , El ladrón de Bagdad , El puente de Waterloo y Serenata en el valle del sol , aunque técnicamente no eran trofeos, ya que se habían comprado legalmente durante la alianza con Estados Unidos en tiempos de guerra, fueron muy populares entre el público soviético. En Vechernyaya Moskva (4 de octubre de 1946), M. Chistiakov reprendió a los cines y a la industria cinematográfica soviética por el hecho de que en un lapso de seis meses, sesenta de las películas proyectadas habían sido películas occidentales de mal gusto en lugar de soviéticas. Incluso en la crítica de las películas y los esfuerzos de cruzada de la campaña anticosmopolita contra las películas trofeo, es claro ver que tuvieron un gran impacto en la sociedad soviética. [16]
Con el inicio de la Guerra Fría , los escritores, considerados todavía los autores principales , se mostraron cada vez más reacios a dedicarse a la escritura de guiones, y a principios de la década de 1950 solo se completaron un puñado de largometrajes en un año. La muerte de Stalin fue un alivio para algunas personas, y más aún lo fue el desprestigio oficial de su imagen pública como líder benigno y competente por parte de Nikita Khrushchev dos años después. Este último acontecimiento dio a los cineastas el margen de comodidad que necesitaban para alejarse de las estrechas historias del realismo socialista, expandir sus límites y comenzar a trabajar en una gama más amplia de películas soviéticas entretenidas y artísticas.
Entre las películas destacadas se incluyen:
En los años 1960 y 1970 se crearon muchas películas, muchas de las cuales moldearon la cultura soviética y postsoviética. Entre ellas se incluyen:
Como las películas eran financiadas con fondos públicos por Goskino, los directores soviéticos no se preocupaban por las presiones comerciales, lo que contribuyó a la creación de películas filosóficas y poéticas. Los guiones debían ser aprobados por un comité de Goskino antes de que el director recibiera financiación y la producción pudiera recibir luz verde, pero en la mayoría de los casos, esto no equivalía a una censura descarada. Así, los directores Andrei Tarkovsky , Sergei Parajanov y Nikita Mikhalkov se hicieron conocidos por la calidad "poética" de sus películas. En consonancia con la cultura rusa, las tragicomedias fueron muy populares. Estas décadas también fueron destacadas en la producción del western oriental o rojo.
La animación era un género respetado, y muchos directores experimentaban con técnicas de animación. Tale of Tales (1979) de Yuri Norstein recibió dos veces el título de "Mejor película de animación de todas las épocas y naciones" por parte de profesionales de la animación de todo el mundo, en 1984 y 2002.
En el año del 60 aniversario del cine soviético (1979), el 25 de abril, por decisión del Presidium del Soviet Supremo de la URSS, se estableció el «Día del cine soviético» conmemorativo En la URSS se celebraba cada año el 27 de agosto, día en el que Vladimir Lenin firmó el decreto de nacionalización de la industria cinematográfica y fotográfica del país.
Las políticas de perestroika y glásnost supusieron una relajación de la censura de épocas anteriores. [17] Un género conocido como chernukha (que significa, más o menos, "cosas negras"), que incluía películas como La pequeña Vera , retrataba el lado más duro de la vida soviética. [18] Entre las películas notables de este período se incluyen:
