El art pop (también art-pop tipográfico o artpop ) es un estilo vagamente definido de música pop [1] influenciado por teorías de arte [7] así como ideas de otros medios artísticos, como la moda , las bellas artes , el cine y la literatura de vanguardia . [3] [8] El género se basa en la integración de la alta y baja cultura del arte pop , y enfatiza los signos , el estilo y el gesto por sobre la expresión personal. [7] [9] Los músicos de art pop pueden desviarse de las audiencias pop tradicionales y las convenciones de la música rock , [10] en cambio exploran enfoques e ideas posmodernos como el estatus del pop como arte comercial , nociones de artificio y del yo , y cuestiones de autenticidad histórica .
A partir de mediados de la década de 1960, los músicos pop británicos y estadounidenses como Brian Wilson , Phil Spector y los Beatles comenzaron a incorporar las ideas del movimiento pop art en sus grabaciones. [1] Los músicos art pop ingleses se inspiraron en sus estudios de la escuela de arte , [8] mientras que en Estados Unidos el estilo se basó en la influencia del artista pop Andy Warhol y la banda afiliada Velvet Underground . [11] El estilo experimentaría su "edad de oro" en la década de 1970 entre artistas de glam rock como David Bowie y Roxy Music , que abrazaron la teatralidad y la cultura pop desechable . [4]
La tradición del art pop continuó a fines de la década de 1970 y 1980 a través de estilos como el post-punk y el synthpop , así como la escena New Romantic británica, [5] [10] desarrollándose aún más con artistas que rechazaron la instrumentación y la estructura del rock convencional en favor de estilos de baile y el sintetizador . [10] La década de 2010 vio el desarrollo de nuevas tendencias de art pop, como los artistas de hip hop que recurrieron al arte visual y los artistas de vaporwave que exploraron las sensibilidades del capitalismo contemporáneo e Internet .
El art pop se basa en la ruptura del límite cultural alto/bajo del posmodernismo y explora conceptos de artificio y comercio. [12] [nb 1] El estilo enfatiza la manipulación de signos por sobre la expresión personal, basándose en una estética de lo cotidiano y lo desechable, a diferencia de la tradición romántica y autónoma encarnada por el art rock o el rock progresivo . [13] [nb 2] El sociomusicólogo Simon Frith ha distinguido la apropiación del arte en la música pop como una preocupación particular por el estilo , el gesto y el uso irónico de eras y géneros históricos . [16] Central para los proveedores particulares del estilo fueron las nociones del yo como una obra de construcción y artificio, [10] así como una preocupación por la invención de términos, imágenes, procesos y afectos. [17] Nick Coleman, del Independent , escribió: "El pop artístico tiene que ver en parte con la actitud y el estilo, pero en esencia tiene que ver con el arte. Es, por así decirlo, una manera de hacer que el formalismo puro sea socialmente aceptable en un contexto pop". [18]
El teórico cultural Mark Fisher escribió que el desarrollo del pop artístico evolucionó a partir de la triangulación del pop, el arte y la moda . [10] Frith afirma que se inspiró "más o menos" directamente en el arte pop . [2] [3] [nb 3] Según el crítico Stephen Holden , el pop artístico a menudo se refiere a cualquier estilo pop que aspire deliberadamente a los valores formales de la música clásica y la poesía, aunque estas obras a menudo son comercializadas por intereses comerciales en lugar de instituciones culturales respetadas. [1] Los escritores de The Independent y Financial Times han notado los intentos de la música pop artística de distanciar a sus audiencias del público en general. [20] [21] Robert Christgau escribió en The Village Voice en 1987 que el pop artístico resulta "cuando una fascinación por la artesanía aumenta y se convierte en una obsesión esteticista". [22]
Lo que parece más claro en retrospectiva [...] es una distinción entre la primera ola de músicos de la escuela de arte, los músicos de R&B provinciales de Londres que simplemente recogieron la actitud bohemia y la llevaron consigo al rock progresivo, y una segunda generación, que aplicó teorías del arte a la creación de música pop.
—Simon Frith, Del arte al pop (1988) [23]
Los límites entre el arte y la música pop se volvieron cada vez más difusos a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. [24] En la década de 1960, músicos pop como John Lennon , Syd Barrett , Pete Townshend , Brian Eno y Bryan Ferry comenzaron a inspirarse en sus estudios previos en la escuela de arte . [3] Frith afirma que en Gran Bretaña , la escuela de arte representaba "una ruta de escape tradicional para los niños brillantes de la clase trabajadora y un caldo de cultivo para bandas jóvenes como los Beatles y más allá". [12] En América del Norte, el art pop fue influenciado por Bob Dylan y la Generación Beat , y se volvió más literario a través del movimiento de cantautores de música folk . [1] Antes de que el rock progresivo/artístico se convirtiera en el sonido británico de mayor éxito comercial de principios de la década de 1970, el movimiento psicodélico de la década de 1960 unió el arte y el comercialismo, abordando la cuestión de lo que significaba ser un "artista" en un medio masivo. [25] Los músicos progresistas pensaban que el estatus artístico dependía de la autonomía personal, y por eso la estrategia de los grupos de rock "progresivo" era presentarse como intérpretes y compositores "por encima" de la práctica pop normal. [26]
Otra influencia principal en el desarrollo del arte pop fue el movimiento del arte pop. [1] El término "arte pop", acuñado por primera vez para describir el valor estético de los bienes producidos en masa, era directamente aplicable al fenómeno contemporáneo del rock and roll (incluido Elvis Presley , un icono temprano del arte pop). [27] Según Frith: "[El arte pop] resultó ser la señal del fin del Romanticismo, un arte sin artistas. El rock progresivo fue la última apuesta de los bohemios [...] En este contexto, el teórico clave del arte pop no fue [Richard] Hamilton ni ninguno de los otros artistas británicos que, a pesar de todo su interés en el mercado de masas, siguieron siendo sólo sus admiradores académicos, sino Andy Warhol . Para Warhol, la cuestión significativa no eran los méritos relativos del arte "alto" y "bajo", sino la relación entre todo arte y el "comercio". [28] La banda de la Factory de Warhol , Velvet Underground, fue un grupo estadounidense que emuló la síntesis arte/pop de Warhol, haciéndose eco de su énfasis en la simplicidad y siendo pionero en un enfoque vanguardista modernista del rock artístico que ignoraba las jerarquías convencionales de la representación artística. [29] [nb 4]
Holden rastrea los orígenes del pop artístico a mediados de la década de 1960, cuando productores como Phil Spector y músicos como Brian Wilson de los Beach Boys comenzaron a incorporar texturas pseudo-sinfónicas a sus grabaciones pop, así como a las primeras grabaciones de los Beatles con un cuarteto de cuerdas. [1] [nb 5] En palabras del autor Matthew Bannister, Wilson y Spector eran conocidos como "ermitaños obsesivos del estudio [...] [que] habitualmente se ausentaban de su propio trabajo", y como Warhol, Spector existía "no como presencia, sino como un principio controlador u organizador detrás y debajo de las superficies de los medios. Ambos artistas comerciales de gran éxito, y ambos simultáneamente ausentes y presentes en sus propias creaciones". [35]
El escritor Erik Davis llamó al pop artístico de Wilson "único en la historia de la música", [36] mientras que el colaborador Van Dyke Parks lo comparó con el trabajo contemporáneo de Warhol y el artista Roy Lichtenstein , citando su capacidad para elevar material común o trillado al nivel de "gran arte". [37] [nb 6] En su libro de 2004 Sonic Alchemy: Visionary Music Producers and Their Maverick Recordings , David Howard atribuye al sencillo de 1966 de los Beach Boys " Good Vibrations " el lanzamiento del "breve y brillante momento [en el que] el pop y el arte se unieron como improbables compañeros comerciales". [41]
En un movimiento que fue indicado por los Beatles, los Beach Boys, Phil Spector y Frank Zappa , [42] el formato dominante de la música pop pasó de sencillos a álbumes , y muchas bandas de rock crearon obras que aspiraban a hacer grandes declaraciones artísticas, donde el rock artístico florecería. [1] El musicólogo Ian Inglis escribe que la portada del álbum de los Beatles de 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fue "percibida como en gran parte responsable de que las conexiones entre el arte y el pop se hicieran explícitas". [43] Aunque Sgt. Pepper's fue precedido por varios álbumes que habían comenzado a tender un puente entre el pop "desechable" y el rock "serio", dio con éxito una voz "comercial" establecida a una cultura juvenil alternativa. [44] El autor Michael Johnson escribió que la música pop artística seguiría existiendo después de los Beatles, pero sin alcanzar nunca su nivel de éxito popular. [33] [nb 7]
The Who fue etiquetado como "la primera banda de arte pop" por su manager, mientras que el miembro Pete Townshend explica: "Defendemos la ropa de arte pop, la música de arte pop y el comportamiento de arte pop [...] no cambiamos fuera del escenario; vivimos el arte pop". [46] Frith considera su álbum The Who Sell Out (diciembre de 1967) "quizás la obra maestra del arte pop", The Who usando la "vitalidad" del comercio en sí, una táctica de la que se hicieron eco The Move de Roy Wood y, más tarde, Kevin Godley y Lol Creme de 10cc . [46] Las ideas de Townshend fueron notables por su énfasis en el comercialismo: "[Su] uso de la retórica del arte pop [...] no se refería a la creación musical como tal -a la cuestión de la autoexpresión- sino a la creación musical comercial, a cuestiones de empaquetado, venta y publicidad, a los problemas de popularidad y estrellato". [46] En una entrevista de mayo de 1967, Townshend acuñó el término " power pop " para describir la música de The Who, The Small Faces y The Beach Boys. El power pop se desarrolló más tarde como un género conocido por su reconfiguración de los tropos de la década de 1960. El periodista musical Paul Lester argumentó que este componente podría ratificar al power pop como uno de los primeros géneros musicales posmodernos. [47]
El periodista musical Paul Lester sitúa "la edad de oro del pop artístico inteligente y hábil" en la época en que las bandas 10cc , Roxy Music y Sparks "mezclaban y combinaban diferentes géneros y épocas, mucho antes de que existiera el término 'posmoderno' en el ámbito del pop". [4] El efecto de la Velvet Underground dio a músicos de rock como Iggy Pop de los Stooges una conciencia de sí mismos sobre su trabajo. Iggy se inspiró para transformar su personalidad en un objeto de arte, lo que a su vez influiría en el cantante David Bowie , y llevó al papel de los Stooges como el grupo que unió el hard rock de los años 60 con el punk de los años 70. [11] En los años 70, una comunidad de arte/pop igualmente consciente de sí misma (a la que Frith llama "la más significativa" del período) comenzó a fusionarse en el Mercer Arts Center de Nueva York. La escuela fomentó la continuación de los tipos de colaboración entre el arte elevado y el popular que alguna vez ejemplificó la Factory, como explicó el baterista Jerry Harrison (más tarde de Talking Heads ): "comenzó con la Velvet Underground y todas las cosas que se identificaban con Andy Warhol". [11] [nb 8]
La escena glam rock de principios de los años 1970 volvería a recurrir ampliamente a las sensibilidades de las escuelas de arte. [12] Inspirado en parte por el uso de alter egos de los Beatles en Sgt. Pepper's , [48] el glam enfatizó disfraces extravagantes, actuaciones teatrales y alusiones a fenómenos de la cultura pop desechables , convirtiéndose en uno de los fenómenos más deliberadamente visuales que surgieron en la música rock. [49] Algunos de sus artistas, como Bowie, Roxy Music y el ex miembro de Velvet Underground Lou Reed , continuarían las prácticas asociadas con la rama vanguardista modernista del rock artístico. [14] [nb 9]
Bowie, un ex estudiante de la escuela de arte y pintor, [12] hizo de la presentación visual un aspecto central de su trabajo, [52] derivando su concepto de pop artístico del trabajo y las actitudes de Warhol y la Velvet Underground. [53] Frith describe a Roxy Music como la "banda de pop artístico arquetípica". [12] El líder Bryan Ferry incorporó la influencia de su mentor, el pionero del arte pop Richard Hamilton [49] [54] mientras que el sintetizador Brian Eno se basó en su estudio de la cibernética y el arte con el teórico Roy Ascott . [55] [nb 10] Frith postula que Ferry y Bowie siguen siendo "las influencias más significativas en el pop británico", escribiendo que ambos estaban preocupados por el "pop como arte comercial", y juntos hicieron del glam rock una forma de arte que debía tomarse en serio, a diferencia de otros actos "camp" como Gary Glitter . Esto redefinió el rock progresivo y revitalizó la idea del artista romántico en términos de fama mediática. [57] Según Armond White, el compromiso de Roxy Music con las prácticas del arte pop efectivamente "mostró que la frivolidad superficial y el placer profundo del pop eran actividades legítimas y dominantes". [17] Después de dejar Roxy Music en 1973, Eno exploraría más a fondo los estilos del pop artístico en una serie de álbumes experimentales en solitario. [58] [nb 11] Durante el resto de la década, desarrolló los argumentos de Warhol en una dirección diferente a la de sus contemporáneos y colaboró con una amplia gama de músicos populares de la época. [57]
El teórico cultural Mark Fisher caracterizó una variedad de desarrollos musicales a finales de los años 1970, incluyendo el post-punk, el synthpop y particularmente el trabajo de la banda electrónica alemana Kraftwerk , [60] como situados dentro de las tradiciones del art pop. [5] Afirma que el estilo inglés de art pop de Bowie y Roxy Music "culminó" con la música del grupo británico Japan . [8] The Quietus caracterizó el álbum de Japan de 1979 Quiet Life como la definición de "una forma muy europea de art-pop distante, sexualmente ambiguo y reflexivo" similar a la explorada por Bowie en Low de 1977. [61] Brian Eno y John Cale desempeñarían un papel crucial en las carreras de Bowie, Talking Heads y muchos discos clave de punk y post-punk . [57] Tras el amateurismo del movimiento punk , la era post-punk vio un retorno a la tradición de la escuela de arte previamente encarnada por el trabajo de Bowie y Roxy Music, [62] [5] con artistas extrayendo ideas de la literatura , el arte , el cine y la teoría crítica en contextos culturales musicales y pop mientras rechazaban la distinción común entre arte elevado y cultura baja. [63] [64] [nb 12] Un énfasis en el desempeño multimedia y el arte visual se volvió común. [64]
Fisher caracterizó a artistas posteriores como Grace Jones , los grupos New Romantic de la década de 1980 y Róisín Murphy como parte de un linaje de pop artístico. [10] Señaló que el desarrollo del pop artístico implicó el rechazo de la instrumentación y la estructura del rock convencional a favor de los estilos de baile y el sintetizador . [10] The Quietus nombra al artista inglés New Romantic Duran Duran , que fue influenciado formativamente por el trabajo de Japan, Kraftwerk y David Bowie, como "pionero del pop artístico hasta el nivel de llenar estadios", desarrollando el estilo en "un escape barroco y romántico". [61] El crítico Simon Reynolds apodó a la cantante inglesa Kate Bush "la reina del pop artístico", citando su fusión de glamour, conceptualismo e innovación sin renunciar al éxito comercial del pop durante finales de la década de 1970 y la de 1980. [68]
La cantante islandesa Björk fue una destacada promotora del pop artístico [69] por su amplia integración de formas dispares de arte y cultura popular. [70] Durante la década de 1990, se convirtió en la artista de pop artístico de mayor éxito comercial. [71] Al hablar de Björk en 2015, Jason Farago de The Guardian escribió: "Los últimos 30 años en la historia del arte son en gran parte una historia de empresas colaborativas, de derrumbes de fronteras entre el arte elevado y el bajo, y del fin de las divisiones entre los medios. Pocas figuras culturales han hecho que las distinciones parezcan tan insignificantes como la cantante islandesa que combinó el trip hop con el dodecafonismo , y que trajo la vanguardia a MTV justo antes de que ambas cosas desaparecieran". [72]
Según Barry Walters de NPR , el grupo de rap de los años 1990 PM Dawn desarrolló un estilo de "art-pop caleidoscópico" que inicialmente fue descartado por los fanáticos del hip hop como "demasiado suave, reflexivo y de largo alcance", pero que eventualmente allanaría el camino para el trabajo de artistas como Drake y Kanye West . [74] En 2013, Spin señaló una "nueva era del art-pop" en la música contemporánea, liderada por West, en la que los músicos recurren al arte visual como un significante de riqueza y extravagancia, así como de exploración creativa. [75] Fact etiqueta el álbum de West de 2008, 808s & Heartbreak, como una "obra maestra del art-pop" que tendría una influencia sustancial en la música hip hop posterior, ampliando el estilo más allá de su énfasis contemporáneo en el autoengrandecimiento y la bravuconería. [76] Jon Caramanica, del New York Times, describió las obras "provocadoras de reflexión y de gran escala" de West como las que "han ampliado las puertas [del hip hop], ya sea para los valores de la clase media o para los sueños de alta moda y arte". [77]
Las artistas contemporáneas que "fusionan glamour, conceptualismo, innovación y autonomía", como Grimes , Julia Holter , Lana Del Rey y FKA twigs , son frecuentemente descritas como trabajando en la tradición de Kate Bush. [68] Grimes es descrita por el Montreal Gazette como "un fenómeno de arte pop" y parte de "una larga tradición de fascinación con la estrella pop como obra de arte en progreso", con especial atención al papel de Internet y las plataformas digitales en su éxito. [78]
En un artículo de 2012 para Dummy , el crítico Adam Harper describió un zeitgeist aceleracionista en el pop artístico contemporáneo caracterizado por un compromiso ambiguo con elementos del capitalismo contemporáneo. [6] Menciona el género basado en Internet vaporwave como compuesto por músicos de pop artístico underground como James Ferraro y Daniel Lopatin "explorando las fronteras tecnológicas y comerciales de las sensibilidades artísticas más sombrías del hipercapitalismo del siglo XXI". [6] Los artistas asociados con la escena pueden lanzar música a través de seudónimos en línea mientras recurren a ideas de virtualidad y fuentes sintéticas de los años 90, como la música ambiental corporativa , la música lounge y la música ambiental . [6]
