El Salon d'Automne ( francés: [salɔ̃ dotɔn] ; inglés: Autumn Salon ), o Société du Salon d'automne , es una exposición de arte que se celebra anualmente en París . Desde 2011, se celebra en los Campos Elíseos , entre el Grand Palais y el Petit Palais , a mediados de octubre. El primer Salón de Otoño fue creado en 1903 por Frantz Jourdain , con Hector Guimard , George Desvallières , Eugène Carrière , Félix Vallotton , Édouard Vuillard , Eugène Chigot y Maison Jansen . [1]
Percibida como una reacción contra las políticas conservadoras del Salón oficial de París , esta exposición masiva se convirtió casi de inmediato en la joya de los desarrollos e innovaciones en la pintura , el dibujo , la escultura , el grabado , la arquitectura y las artes decorativas del siglo XX . Durante los primeros años del Salón, artistas consagrados como Pierre-Auguste Renoir dieron su apoyo a la nueva exposición e incluso Auguste Rodin expuso varias obras. Desde su inicio, se han exhibido obras de artistas como Paul Cézanne , Henri Matisse , Paul Gauguin , Georges Rouault , André Derain , Albert Marquet , Jean Metzinger , Albert Gleizes y Marcel Duchamp . Además de la exposición inaugural de 1903, otras tres fechas siguen siendo históricamente significativas para el Salón de Otoño : 1905 fue testigo del nacimiento del fauvismo ; 1910 fue testigo del lanzamiento del cubismo ; y 1912 dio lugar a una disputa xenófoba y antimodernista en la Asamblea Nacional (Francia) .
El objetivo del salón era fomentar el desarrollo de las bellas artes , servir como una salida para los artistas jóvenes (de todas las nacionalidades) y una plataforma para ampliar la difusión del impresionismo y sus extensiones a un público popular. [1] La elección de la temporada de otoño para la exposición fue estratégica en varios sentidos: no solo permitió a los artistas exhibir lienzos pintados al aire libre ( en plein air ) durante el verano, sino que se destacó de los otros dos grandes salones (la Société Nationale des Beaux-Arts y el Salon des artistes français ) que tuvieron lugar en primavera. El Salon d'Automne se distingue por su enfoque multidisciplinario, abierto a pinturas, esculturas, fotografías (a partir de 1904), dibujos, grabados, artes aplicadas y la claridad de su diseño, más o menos por escuela. Los artistas extranjeros están particularmente bien representados. El Salon d'Automne también cuenta con la presencia de un político y mecenas de las artes, Olivier Sainsère, como miembro del comité honorario. [1]
Para Frantz Jourdain, las exposiciones públicas cumplían una importante función social al proporcionar un foro para artistas desconocidos, innovadores y emergentes ( éminents ), y al proporcionar una base para que el público en general comprendiera el nuevo arte. Esta fue la idea detrás del sueño de Jourdain de abrir un nuevo "Salon des Refusés" a fines de la década de 1890, y se hizo realidad con la inauguración del Salon d'Automne en 1903. Ofrecer un lugar donde se pudiera reconocer a los artistas desconocidos y al mismo tiempo "lidiar" con el público para que saliera de su complacencia eran, para Jourdain, las mayores contribuciones a la sociedad que el crítico podía hacer. [2]
La plataforma del Salón de Otoño se basaba en una admisión abierta, que daba la bienvenida a artistas de todos los ámbitos artísticos. Los jurados eran miembros de la propia sociedad, no de la Academia, del Estado o de los establecimientos artísticos oficiales. [2]
El primer Salón de Otoño , al que se le negó el espacio expositivo en el Grand Palais , se celebró en el sótano húmedo y mal iluminado del Petit Palais . Jansen lo financió. Aunque Rodin aplaudió el proyecto y presentó dibujos, se negó a participar porque dudaba de que tuviera éxito. [2]
No obstante, el primer Salón de Otoño , que incluía obras de Matisse, Bonnard y otros artistas progresistas, tuvo un éxito inesperado y fue recibido con gran aclamación por la crítica. Jourdain, familiarizado con el polifacético mundo del arte, predijo con precisión que el triunfo despertaría animosidad: de los artistas que resentían el énfasis en Gauguin y Cézanne (ambos percibidos como retrógrados), de los académicos que se resistían a la atención prestada a las artes decorativas y, pronto, de los cubistas, que sospechaban que los jurados favorecían al fauvismo a costa de ellos. [2] Incluso Paul Signac , presidente del Salón de los Independientes , nunca perdonó a Jourdain por haber fundado un salón rival.
Lo que no había previsto era una represalia que amenazaba el futuro del nuevo salón. Carolus-Duran (presidente de la Société Nationale des Beaux-Arts) amenazó con prohibir en su Société a los artistas consagrados que pudieran considerar exponer en el Salon d'Automne . En represalia en defensa de Jourdain, Eugène Carrière (una figura artística respetada) emitió una declaración en la que afirmaba que, si se veía obligado a elegir, se uniría al Salon d'Automne y renunciaría a la Société Nationale des Beaux-Arts. La valiosa publicidad generada por los artículos de prensa sobre la controversia funcionó a favor del Salon d'Automne . Así, Eugène Carrière salvó el floreciente salón. [2]
Henri Marcel, simpatizante del Salón de Otoño , se convirtió en director de Bellas Artes y aseguró que se celebraría en el prestigioso Grand Palais el año siguiente. [2]
El éxito del Salón de Otoño no se debió, sin embargo, a esa controversia, sino al tremendo impacto que sus exposiciones tuvieron tanto en el mundo del arte como en el público en general, desde 1903 hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial . Cada exposición sucesiva marcó una fase significativa en el desarrollo del arte moderno: comenzando con retrospectivas de Gauguin, Cézanne y otros; la influencia que tendrían en el arte que vendría después; los fauvistas ( André Derain , Henri Matisse ); seguidos por los protocubistas ( Georges Braque , Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Fernand Léger y Robert Delaunay ); los cubistas , los orfistas y los futuristas . [2]
En su defensa de la libertad artística, Jourdain no atacó a individuos, sino a instituciones, como la Société Nationale des Beaux-Arts, la Société des Artistes Français y la École des Beaux-Arts (París), reconocida como la principal escuela de arte. [2]
Además de su papel como influyente crítico de arte antes de la creación del Salón de Otoño , Jourdain fue miembro del jurado de Artes Decorativas en la Feria Mundial de Chicago (1893) , la Internacional de Bruselas (1897) y la Exposición Universal de París (1900) . Jourdain describió claramente los peligros de seguir el camino académico en su reseña de la Exposición de 1889, al tiempo que señalaba el potencial del arte de los ingenieros, la estética, la fusión con las artes decorativas y la necesidad de una reforma social. Pronto se hizo conocido como un acérrimo crítico del tradicionalismo y un ferviente defensor del modernismo , pero incluso para él, los cubistas habían ido demasiado lejos. [2]
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La primera exposición del Salón de Otoño se inauguró el 31 de octubre de 1903 en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de París ( Petit Palais des Champs-Élysées ) de París. [3] Se incluyeron en la muestra las obras de Pierre Bonnard , Coup de vent , Le magasin de nouveautés , Étude de jeune femme (núms. 62, 63 y 64); Albert Gleizes , A l'ombre (l'Ile fleurie) , Le soir aux environs de Paris (núm. 252, 253); Henri Matisse , Dévideuse picarde (intérieur) , Tulipes (386, 387), junto con pinturas de Francis Picabia , Jacques Villon , Édouard Vuillard , Félix Vallotton , Maxime Maufra , Henri Manguin , Armand Guillaumin , Henri Lebasque , Gustave Loiseau , Albert Marquet , Eugene Chigot [4] con un homenaje a Paul Gauguin, fallecido el 8 de mayo de 1903. [1]
En el Salón de Otoño de 1904, celebrado en el Grand Palais del 15 de octubre al 15 de noviembre, Jean Metzinger , expuso tres cuadros titulados Marina (Le Croisic), Marina (Arromanches), Marina (Houlgate) (n° 907-909); Robert Delaunay , de 19 años, expuso su Panneau decoratif (l'été) (n° 352 del catálogo). Albert Gleizes expuso dos cuadros, Vieux moulin à Montons-Villiers (Picardie 1902) y Le matin à Courbevoie (1904) , (núm. 536, 537). Henri Matisse presentó catorce obras (607-620). [5]
Kees van Dongen presentó dos obras, Jacques Villon , tres pinturas, Francis Picabia tres, Othon Friesz cuatro, Albert Marquet siete, Jean Puy cinco, Georges Rouault ocho pinturas, Maufra diez, Manguin cinco, Vallotton tres y Valtat tres. [5]
Una sala del Salón de Otoño de 1904 fue dedicada a Paul Cézanne , con treinta y una obras, entre ellas varios retratos, autorretratos, naturalezas muertas, flores, paisajes y bañistas (muchas de la colección de Ambroise Vollard , incluidas fotografías tomadas por el artista, expuestas en la sección de fotografía). [5]
Otra sala presentó obras de Puvis de Chavannes , con 44 obras. Y otra estaba dedicada a Odilon Redon con 64 obras, entre pinturas, dibujos y litografías. Auguste Renoir y Henri de Toulouse-Lautrec también estaban representados en salas separadas con 35 y 28 obras respectivamente. [5]
Después de ver los lienzos de colores llamativos de Henri Matisse , André Derain , Albert Marquet , Maurice de Vlaminck , Kees van Dongen , Charles Camoin y Jean Puy en el Salón de Otoño de 1905, el crítico Louis Vauxcelles menospreció a los pintores como " fauves " (bestias salvajes), dando así a su movimiento el nombre con el que llegó a ser conocido, fauvismo . [6]
Vauxcelles describió su trabajo con la frase " Donatello chez les fauves" ("Donatello entre las bestias salvajes"), contrastando la "orgía de tonos puros" con una escultura de estilo renacentista que compartía la habitación con ellos. [6] [7] Henri Rousseau no era fauve, pero su gran escena de la jungla El león hambriento se arroja sobre el antílope se exhibió cerca de la obra de Matisse y puede haber tenido una influencia en el peyorativo utilizado. [8] El comentario de Vauxcelles se publicó el 17 de octubre de 1905 en Gil Blas , un diario, y pasó al uso popular. [7] [9] Las imágenes obtuvieron una condena considerable ("Se ha arrojado un bote de pintura a la cara del público", escribió el crítico Camille Mauclair (1872-1945)), pero también cierta atención favorable. [7] Una de las pinturas señaladas para el ataque fue La mujer con sombrero de Matisse . La compra de esta obra por parte de Gertrude y Leo Stein tuvo un efecto muy positivo en Matisse, que se había sentido desmoralizado por la mala recepción de su trabajo. [7] El paisaje neoimpresionista de Matisse, Luxe, Calme et Volupté , ya había sido exhibido en el Salón de los Independientes en la primavera de 1905. [10]
Dos grandes retrospectivas ocuparon salas adyacentes en el Salón de Otoño de 1905: una de Jean-Auguste-Dominique Ingres y la otra de Édouard Manet . [10]
A pesar de la fama de lo contrario, el Salón de Otoño de 1905 fue bastante bien recibido por la prensa, que elogió incluso las retrospectivas de Ingres y Manet. Los artistas que expusieron eran en su mayoría conocidos, incluso los más innovadores, que unos meses antes habían expuesto en la galería Berthe Weill . Sin embargo, algunos críticos reaccionaron con violencia, tanto en la prensa diaria, destinada a un público amplio, como en la prensa especializada, algunos de los cuales eran defensores activos del simbolismo y detestaban vehementemente el ascenso de la nueva generación. [11]
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La exposición de 1906 se celebró del 6 de octubre al 15 de noviembre. Jean Metzinger expuso su Retrato fauvista/ divisionista del señor Robert Delaunay (nº 1191) y Robert Delaunay expuso su cuadro L'homme à la tulipe (Retrato del señor Jean Metzinger) (nº 420 del catálogo). [12] Matisse expuso su Liseuse , dos naturalezas muertas ( Tapis rouge y à la estatuilla ), flores y un paisaje (n.º 1171-1175) [12] Robert Antoine Pinchon mostró sus Praderas inondées ( Saint-Étienne-du-Rouvray , près de Rouen ) (núm. 1367), ahora en el Museo de Louviers. [12] Las pinturas de Pinchon de este período están estrechamente relacionadas con los estilos postimpresionista y fauvista, con amarillos dorados, azules incandescentes, una pasta gruesa y pinceladas más grandes. [13]
En la misma exposición, Paul Cézanne estuvo representado por diez obras. No viviría lo suficiente para ver el final de la muestra. Cézanne murió el 22 de octubre de 1906 (a los 67 años). Entre sus obras se encontraban Maison dans les arbres (n.º 323), Portrait de Femme (n.º 235) y Le Chemin tournant (n.º 326). Constantin Brâncuși presentó tres bustos de yeso: Portrait de MS Lupesco , L'Enfant y Orgueil (n.º 218-220). Raymond Duchamp-Villon expuso Dans le Silence (bronce) y un busto de yeso, Œsope (n.º 498 y 499). Su hermano Jacques Villon expuso seis obras. Kees van Dongen mostró tres obras, Montmartre (492), Mademoiselle Léda (493) y Parisienne (494). André Derain expuso Westminster-Londres (438), Arbres dans un chemin creux (444) y varias otras obras pintadas en l'Estaque . [12]
Las exposiciones retrospectivas del Salón de Otoño de 1906 incluyeron a Gustave Courbet , Eugène Carrière (49 obras) y Paul Gauguin (227 obras).
En la exposición de 1907, celebrada del 1 al 22 de octubre, se expuso un cuadro de Georges Braque titulado Rochers rouges (n.º 195 del catálogo). Aunque este cuadro sigue siendo difícil de identificar, podría tratarse de La Ciotat ( La ensenada ). [14] Jean Metzinger expuso dos paisajes (n.º 1270 y 1271), también difíciles de identificar. [15]
En este salón de 1907 se presentaron los dibujos de Auguste Rodin . También hubo retrospectivas de las obras de Berthe Morisot (174 obras) y Jean-Baptiste Carpeaux (149 obras), y una exposición retrospectiva de Paul Cézanne que incluyó 56 obras como homenaje al pintor fallecido en 1906. [16] Apollinaire se refirió a Matisse como el "fauve de los fauves". Las obras tanto de Derain como de Matisse son criticadas por la fealdad de sus modelos. Braque y Le Fauconnier son considerados fauves por el crítico Michel Puy (hermano de Jean Puy ). [11] Robert Delaunay mostró una obra, Bela Czobel mostró una obra , André Lhote mostró tres, Patrick Henry Bruce tres, Jean Crotti una, Fernand Léger cinco, Duchamp-Villon dos, Raoul Dufy tres, André Derain exhibió tres pinturas y Matisse siete obras. [16]
Para la exposición de 1908 en el Grand Palais des Champs-Élysées, Matisse expuso 30 obras.
En la exposición de 1909 (del 1 de octubre al 8 de noviembre), Henri le Fauconnier exhibió un retrato protocubista del escritor, novelista y poeta francés Pierre Jean Jouve, llamando la atención de Albert Gleizes , que había estado trabajando en un estilo geométrico similar. [17] Constantin Brâncuși expuso junto a Metzinger, Le Fauconnier y Fernand Léger . [11]
En la exposición de 1910, celebrada del 1 de octubre al 8 de noviembre en el Grand Palais des Champs-Élysées de París, Jean Metzinger presentó una forma extrema de lo que pronto se denominaría «cubismo», no sólo al público en general por primera vez, sino a otros artistas que no habían tenido contacto con Picasso o Braque. Aunque otros ya trabajaban en una línea protocubista con complejas geometrías cezannianas y perspectivas poco convencionales, Nu à la cheminée (Desnudo) de Metzinger representó un cambio radical aún mayor. [18]
Tengo ante mí un pequeño recorte de un periódico vespertino, The Press , sobre el Salón de Otoño de 1910. Da una buena idea de la situación en la que se encontraba la nueva tendencia pictórica, todavía apenas perceptible: Las falacias geométricas de los señores Metzinger, Le Fauconnier y Gleizes . No hay ningún signo de compromiso. Braque y Picasso sólo expusieron en la galería de Kahnweiler y no los conocíamos. Robert Delaunay, Metzinger y Le Fauconnier habían sido vistos en el Salón de los Independientes de ese mismo año, 1910, sin que se les pusiera una etiqueta. En consecuencia, aunque se han hecho muchos esfuerzos para demostrar lo contrario, la palabra cubismo no estaba en ese momento de moda. (Albert Gleizes, 1925) [19]
En una reseña del Salón, el poeta Roger Allard (1885-1961) anuncia la aparición de una nueva escuela de pintores franceses que concentran su atención en la forma más que en el color. Se forma un grupo que incluye a Gleizes, Metzinger, Delaunay (amigo y socio de Metzinger) y Fernand Léger. Se reúnen regularmente en el estudio de Henri le Fauconnier cerca del Bld de Montparnasse, donde está trabajando en su ambiciosa pintura alegórica titulada L'Abondance . "En esta pintura", escribe Brooke, "la simplificación de la forma representativa da paso a una nueva complejidad en la que el primer plano y el fondo se unen y el tema de la pintura queda oscurecido por una red de elementos geométricos entrelazados". [20]
Esta exposición precedió al Salón de los Independientes de 1911, que presentó oficialmente el "cubismo" al público como un movimiento grupal organizado. Metzinger había estado cerca de Picasso y Braque y trabajaba en esa época en líneas similares. [15]
Metzinger, Henri Le Fauconnier y Fernand Léger expusieron de manera coincidente en la Sala VIII. Éste fue el momento en el que el grupo de Montparnasse creció rápidamente hasta incluir a Roger de La Fresnaye , Alexander Archipenko y Joseph Csaky . Los tres hermanos Duchamp, Marcel Duchamp , Jacques Villon y Raymond Duchamp-Villon , y otro artista conocido como Picabia participaron en la exposición. Tras este salón, Metzinger escribió el artículo Notes sur la peinture , [21] en el que compara las similitudes en las obras de Picasso, Braque, Delaunay, Gleizes y Le Fauconnier. Al hacerlo, enunció por primera vez lo que se conocería como las características del cubismo : en particular las nociones de simultaneidad y perspectiva móvil. En este texto seminal, Metzinger subrayó la distancia entre sus obras y la perspectiva tradicional. Estos artistas, escribió, se concedieron "la libertad de moverse alrededor de los objetos" y de combinar muchas vistas diferentes en una imagen, cada una de las cuales registraba experiencias variadas a lo largo del tiempo. [17] [22]
Una vez lanzado en el Salón de Otoño de 1910, el nuevo movimiento se extendería rápidamente por todo París.
Convencido de que la exposición de las obras de los diseñadores alemanes provocaría una sana competencia en las artes decorativas, Frantz Jourdain invitó a artistas, arquitectos, diseñadores e industriales del Deutscher Werkbund de Múnich a exponer en el salón de 1910. «Nuestro arte amenazado por los decoradores bávaros», titulaba el periódico Le Radical (12 de mayo de 1910). Este escándalo, además de la condición no francesa de los autores en una época de creciente nacionalismo, despertó la vieja polémica de exponer objetos de producción barata, artículos fabricados en serie, muebles de diseño sencillo y decoración de interiores en el contexto de un salón dedicado al arte. El arte industrial nunca había sido tan controvertido. La exposición fue reseñada en todas las principales revistas. Louis Vauxcelles contribuyó a la crisis con un artículo de Gil Blas . [2]
La exposición fue un enorme éxito, ya que sirvió para catalizar a los diseñadores, decoradores, artistas y arquitectos franceses, que antes del Salón de Otoño de 1910 se habían quedado atrás en el sector del diseño. También catalizó a la opinión pública, que antes sólo se interesaba por las pinturas. El hecho de que los espectadores vieran de primera mano, y muchos por primera vez, lo que se había hecho en el extranjero, abrió un potencial de lo que se podía hacer en el campo de las artes decorativas en casa. Jourdain había organizado con éxito la muestra alemana para provocar a los diseñadores franceses a mejorar la calidad de su propio trabajo. Los efectos se sentirían en París, primero con la exposición de artes decorativas francesas de 1912 en el Pavillon de Marsan , luego nuevamente en el Salón de Otoño de 1912, con La Maison Cubiste , [2] [23] el esfuerzo colaborativo del diseñador André Mare , Raymond Duchamp-Villon y otros artistas asociados con la Section d'Or .
Henri Matisse expuso La Danse en el Salón de Otoño de 1910. [24]
En las salas 7 y 8 del Salón de Otoño de 1911, celebrado del 1 de octubre al 8 de noviembre en el Grand Palais de París, se colgaron obras de Metzinger ( Le goûter (La hora del té) ), Henri Le Fauconnier , Fernand Léger , Albert Gleizes , Roger de La Fresnaye , André Lhote , Jacques Villon , Marcel Duchamp , František Kupka , Alexander Archipenko , Joseph Csaky y Francis Picabia . El resultado fue un escándalo público que llevó el cubismo a la atención del público en general por segunda vez. La primera fue la exposición colectiva organizada por los cubistas en la Salle 41 del Salon des Indépendants de 1911. En la sala 41 colgaban las obras de Gleizes, Metzinger, Léger, Delaunay, Le Fauconnier y Archipenko. Se pueden encontrar artículos en la prensa en Gil Blas , Comoedia , Excelsior , Action , L'Œuvre , Cri de Paris . Apollinaire escribió una larga reseña en el número del 20 de abril de 1911 de L'Intransigeant . [17] De esta manera, el cubismo se extendió al mundo literario de escritores, poetas, críticos e historiadores del arte. [25]
Apollinaire llevó a Picasso a la inauguración del Salón de Otoño en 1911 para ver las obras cubistas en las Salas 7 y 8. [26]
Albert Gleizes escribe sobre el Salón de Otoño de 1911: «Con el Salón de Otoño de ese mismo año, 1911, la furia estalló de nuevo, tan violenta como lo había sido en los Independientes.» Escribe: «Los pintores fueron los primeros en sorprenderse por las tormentas que habían desatado sin proponérselo, simplemente porque habían colgado en las barras de madera que recorren las paredes del Cours-la-Reine ciertos cuadros que habían sido realizados con gran cuidado, con apasionada convicción, pero también en un estado de gran ansiedad.» [19]
Fue a partir de ese momento cuando la palabra cubismo empezó a utilizarse ampliamente. [...]
Nunca antes la crítica había sido tan violenta como en aquella época, de modo que quedó claro que esos cuadros –y voy a precisar los nombres de los pintores que, a pesar suyo, fueron los únicos que provocaron todo ese frenesí: Jean Metzinger, Le Fauconnier, Fernand Léger, Robert Delaunay y yo mismo– aparecían como una amenaza para un orden que todo el mundo creía establecido para siempre.
En casi todos los periódicos se perdió toda compostura. Los críticos empezaban diciendo: no hay necesidad de dedicar mucho espacio a los cubistas, que carecen de importancia y luego les dedicaban furiosamente siete columnas de las diez que ocupaba, en ese momento, el Salón. (Gleizes, 1925) [19]
En su reseña del Salón de Otoño de 1911, Huntly Carter escribe en The New Age que "el arte no es un accesorio de la vida; es la vida misma llevada a las mayores alturas de expresión personal". Carter continúa:
Fue en el Salón de Otoño, entre los Ritmistas, donde encontré la sensación deseada. La exuberante vitalidad y el entusiasmo de su región, compuesta por dos salas situadas en un lugar apartado, contrastaban por completo con la morgue por la que me vi obligado a pasar para llegar a ella. Aunque marcada por los extremos, fue claramente el punto de partida de un nuevo movimiento en la pintura, tal vez el más notable de los tiempos modernos. Reveló no sólo que los artistas están empezando a reconocer la unidad del arte y la vida, sino que algunos de ellos han descubierto que la vida se basa en la vitalidad rítmica y que, subyacente a todas las cosas, existe el ritmo perfecto que las continúa y las une. Consciente o inconscientemente, muchos buscan el ritmo perfecto y, al hacerlo, alcanzan una libertad o amplitud de expresión que no se había alcanzado a lo largo de varios siglos de pintura. (Huntly Carter, 1911) [27] [28]
El Salón de Otoño de 1912 se celebró en París, en el Grand Palais, del 1 de octubre al 8 de noviembre. Los cubistas (un grupo de artistas reconocidos como tales) se reunieron en la misma sala, XI.
La polémica de 1912 contra los artistas de vanguardia franceses y no franceses se originó en la Sala XI del Salón de Otoño, donde los cubistas, entre los que había varios ciudadanos no franceses, expusieron sus obras. La resistencia tanto a los extranjeros como al arte de vanguardia formaba parte de una crisis más profunda: la de definir el arte francés moderno tras el impresionismo centrado en París. Se puso en tela de juicio la ideología moderna elaborada desde finales del siglo XIX. Lo que había comenzado como una cuestión de estética se convirtió rápidamente en una cuestión política durante la exposición cubista y, como en el Salón de Otoño de 1905, el crítico Louis Vauxcelles (en Les Arts..., 1912) fue el más implicado en las deliberaciones. Fue también Vauxcelles quien, con ocasión del Salón de los Independientes de 1910, escribió despectivamente sobre los «cubos pálidos» en referencia a las pinturas de Metzinger, Gleizes, Le Fauconnier, Léger y Delaunay. [29] El 3 de diciembre de 1912 la polémica llegó a la Chambre des députés (y se debatió en la Assemblée Nationale en París). [30] [31]
En su ensayo de 1921 sobre el Salón de Otoño, publicado en Les Echos (p. 23), el fundador Frantz Jourdain, denunciando el esnobismo estético, escribe que los revolucionarios bravucones apodados cubistas , futuristas y dadaístas eran en realidad reaccionarios cascarrabias que despreciaban el progreso moderno y revelaban desprecio por la democracia, la ciencia, la industria y el comercio. [2]
Para Jourdain, el «espíritu moderno» significaba algo más que una preferencia por Cézanne en lugar de Gérome . Se necesitaba una comprensión clara de la época en la que uno vivía, de sus necesidades, de su belleza, de su ambiente, de su esencia. [2]
Del 1 de octubre al 8 de noviembre de 1912, en el 10º Salón de Otoño se expusieron más de 1.770 obras. Paul Gallimard organizó la exposición de 52 libros. El cartel de la muestra de 1912 fue realizado por Pierre Bonnard . Todos los viernes se celebraban sesiones de música de cámara. Todos los miércoles, sesiones literarias matinales. El coste del catálogo era de 1 franco francés. La decoración del Salón de Otoño había sido confiada a los grandes almacenes Printemps . [32]
En 1912, cuando la nación francesa se acercaba a la guerra en un clima político conservador y ferozmente nacionalista, Jourdain volvió a ser objeto de duros ataques, esta vez por parte del decano del Consejo Municipal y miembro de la Comisión de Bellas Artes de la ciudad , Jean Pierre Philippe Lampué . Lampué argumentó, sin éxito, que se le negara al Salón de Otoño el uso del Grand Palais con el argumento de que los organizadores eran antipatrióticos y estaban socavando, con sus exposiciones extranjeras "cubofuturistas", el patrimonio artístico de Francia. Sin embargo, logró levantar la opinión pública contra el Salón de Otoño, los cubistas y Jourdain específicamente. El enorme escándalo impulsó al crítico Roger Allard a defender a Jourdain y a los cubistas en la revista La Côte , señalando que no era la primera vez que el Salón de Otoño, como lugar para promover el arte moderno, era atacado por funcionarios de la ciudad, el Instituto y miembros del Consejo. Y tampoco sería la última. [2]
El Salón de Otoño desde su inicio fue uno de los espacios de vanguardia más importantes , en el que se exhibieron no sólo pinturas, dibujos y esculturas, sino también diseño industrial, urbanismo, fotografía, novedades musicales y cinematográficas. [2]
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Según Albert Gleizes , Frantz Jourdain (en segundo lugar después de Vauxcelles) era el enemigo jurado de los cubistas, tanto que en sus escritos posteriores sobre el Salón de Otoño, Jourdain no menciona las exposiciones de 1911 o 1912, pero la publicidad generada por la polémica cubista trajo consigo un suplemento de 50.000 francos franceses, debido a la afluencia de visitantes que vinieron a ver Les monstres . [33]
Para apaciguar a los franceses, Jourdain invitó a los pontífices de los artistas franceses , escribe Gleizes, a una "exposición de retratos" especialmente organizada en el salón. [33] Se exhibieron 220 retratos pintados durante el siglo XIX. [32] La situación se invirtió, por desgracia para Jourdain, cuando los invitados tuvieron que pasar por la sala cubista para acceder a los retratos. Se especula que el itinerario había sido elegido juiciosamente por el comité de ejecución, ya que todos en el Otoño parecen haberlo entendido. [33]
La sala cubista estaba repleta de espectadores y otros hacían cola para entrar, explica Gleizes, mientras que nadie prestaba atención a la sala de los retratos. Las consecuencias fueron «desastrosas» para Jourdain, a quien, como presidente del salón, se le consideró en última instancia responsable de la debacle. [33]
Jules-Louis Breton , el político militante socialista francés (sobrino del pintor académico Jules Breton ), lanzó un punzante ataque contra los cubistas que exponían en el Salón de Otoño. Breton, con el apoyo de Charles Benoist, acusó al gobierno francés de patrocinar los excesos de los cubistas en virtud de proporcionar un espacio de exposición en el Grand Palais. Frente a los ataques de sus colegas, Marcel Sembat , el político socialista francés, defendió los principios de la libertad de expresión, al tiempo que rechazaba la idea de un arte patrocinado por el Estado. Sembat, estrechamente vinculado a las artes, con amigos como Marquet, Signac, Redon y Matisse (sobre el que escribiría un libro [34] ). Su esposa, Georgette Agutte , una artista asociada con los fauvistas, había expuesto desde 1904 en el Salón de los Independientes y participó en la fundación del Salón de Otoño (su colección de arte incluía obras de Derain, Matisse, Marquet, Rouault, Vlaminck, Van Dongen y Signac). Charles Beauquier, el político y autoproclamado librepensador ("libre-penseur") se puso del lado de Breton y Benoist: "¡No alentamos la basura! Hay basura en las artes y en otros lugares". [35] [36] [37]
En definitiva, Marcel Sembat ganó el debate en varios frentes: el Salón de Otoño permaneció en el Grand Palais des Champs Elysées durante años; la cobertura de prensa tras los debates de la Asamblea Nacional fue tan intensa como generalizada, dando aún más publicidad al cubismo; las repercusiones causadas por el escándalo cubista resonaron en toda Europa y en otros lugares, extendiéndose mucho más de lo que se habría podido predecir sin tal publicidad. Marcel Sembat pronto se convertiría en Ministro de Obras Públicas; de 1914 a 1916, bajo los primeros ministros René Viviani y Aristide Briand . [38] [39]
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En este Salón de Otoño también se presentó La Maison Cubiste . Raymond Duchamp-Villon diseñó la fachada de una casa de 10 metros por 3 metros, que incluía un vestíbulo, una sala de estar y un dormitorio. Esta instalación se colocó en la sección Art Décoratif del Salón de Otoño. Los principales contribuyentes fueron André Mare , un diseñador decorativo, Roger de La Fresnaye , Jacques Villon y Marie Laurencin . En la casa se colgaron pinturas cubistas de Marcel Duchamp , Albert Gleizes , Fernand Léger , Roger de La Fresnaye y Jean Metzinger (Mujer con abanico, 1912).
Mientras que la decoración geométrica de la fachada de yeso y las pinturas se inspiraban en el cubismo , los muebles, alfombras, cojines y papeles pintados de André Mare marcaron el comienzo de un nuevo estilo distintivo, el Art Déco . Eran extremadamente coloridos y consistían en diseños florales, en particular rosas estilizadas, en patrones geométricos. Estos temas reaparecieron en la decoración después de la Primera Guerra Mundial a través de la firma fundada por Mare.
Metzinger y Gleizes, en Du "Cubisme" , escrito durante la creación de la "Maison Cubiste", escribieron sobre la naturaleza autónoma del arte, subrayando que las consideraciones decorativas no deben gobernar el espíritu del arte. El trabajo decorativo, para ellos, era la "antítesis del cuadro". "El cuadro verdadero", escribieron Metzinger y Gleizes, "lleva su razón de ser en sí mismo. Puede trasladarse de una iglesia a un salón , de un museo a un estudio. Esencialmente independiente, necesariamente completo, no necesita satisfacer inmediatamente el espíritu: por el contrario, debe conducirlo, poco a poco, hacia las profundidades ficticias en las que reside la luz coordinada. No armoniza con este o aquel conjunto; armoniza con las cosas en general, con el universo: es un organismo...". [40] «Los conjuntos de Mare fueron aceptados como marcos para las obras cubistas porque permitían a las pinturas y esculturas su independencia», escribió Christopher Green, «creando un juego de contrastes, de ahí la participación no solo de los propios Gleizes y Metzinger, sino de Marie Laurencin, los hermanos Duchamp (Raymond Duchamp-Villon diseñó la fachada) y los viejos amigos de Mare, Léger y Roger La Fresnaye». [41] La Maison Cubiste era una casa completamente amueblada, con una escalera, barandillas de hierro forjado, una sala de estar (el Salón Bourgeois , donde se colgaron pinturas de Marcel Duchamp, Metzinger ( Mujer con abanico ), Gleizes, Laurencin y Léger) y un dormitorio. Era un ejemplo de L'art décoratif , una casa dentro de la cual el arte cubista podía exhibirse con la comodidad y el estilo de la vida burguesa moderna. Los espectadores del Salón de Otoño pasaron por delante de la maqueta de yeso a escala real de 10 por 3 metros de la planta baja de la fachada, diseñada por Duchamp-Villon. [42] Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , Nueva York, Chicago y Boston, [43] figuraba en el catálogo de la exposición de Nueva York como Raymond Duchamp-Villon, número 609, y se titulaba «Fachada arquitectónica, yeso» ( Façade architecturale ). [44] [45]
Para la ocasión, se publicó un artículo titulado Au Salon d'Automne "Les Indépendants" en el periódico francés Excelsior , el 2 de octubre de 1912. [46] Excelsior fue la primera publicación en privilegiar las ilustraciones fotográficas en el tratamiento de los medios de comunicación; tomando fotografías y publicando imágenes para contar historias periodísticas. Como tal, L'Excelsior fue un pionero del fotoperiodismo .
En 1913, la tendencia predominante en el arte moderno visible en el Salón de Otoño consistía en el cubismo con una clara tendencia hacia la abstracción. La tendencia a utilizar colores más brillantes que ya había comenzado en 1911 continuó durante 1912 y 1913. Esta exposición, celebrada del 15 de noviembre al 8 de enero de 1914, estaba dominada por de La Fresnaye, Gleizes y Picabia. No se exhibieron obras de Delaunay, Duchamp y Léger. [17]
El prefacio del catálogo fue escrito por el político socialista francés Marcel Sembat , quien un año antes, frente a las protestas de Jules-Louis Breton por el uso de fondos públicos para proporcionar el lugar (en el Salón de Otoño) para exhibir arte "bárbaro", había defendido a los cubistas y la libertad de expresión artística en general en la Asamblea Nacional de Francia . [20] [30] [47] [48]
"No pretendo en absoluto... defender los principios del movimiento cubista. ¿En nombre de quién presentaría semejante defensa? No soy pintor... Lo que defiendo es el principio de la libertad de experimentación artística... Querido amigo, cuando un cuadro te parece malo, tienes el derecho incontestable de no mirarlo, de ir a ver otros. ¡Pero no se llama a la policía!" (Marcel Sembat) [47]
Esta exposición también tuvo su aparición fulgurante en las noticias, cuando la policía ordenó retirar del Salón de Otoño un desnudo de Kees van Dongen titulado La chal española ( La mujer con palomas o La mendiga de amor ). Lo mismo ocurriría en Róterdam, en el Museo Boijmans Van Beuningen, en 1949. La pintura se exhibe actualmente en el Centro Georges Pompidou de París. [17] [49]
Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918) no se celebró ningún Salón de Otoño. Hasta el otoño de 1919 no se volvió a celebrar el Salón de Otoño, del 1 de noviembre al 10 de diciembre, en el Grand Palais de París. Se dedicó una atención especial, es decir, una retrospectiva, a Raymond Duchamp-Villon, fallecido el 9 de octubre de 1918. Se expusieron 19 obras del escultor francés fechadas entre 1906 y 1918. [17]
Después de la guerra, el Salón de Otoño estuvo dominado por las obras de los pintores de Montparnasse como Marc Chagall , Amedeo Modigliani , Georges Braque y Georges Gimel . El pintor expresionista polaco Henryk Gotlib y el pintor expresionista escocés David Atherton-Smith también expusieron. Constantin Brâncuși , Aristide Maillol , Charles Despiau , René Iché , Ossip Zadkine y Mateo Hernández emergieron como nuevas fuerzas en la escultura.
Además de pintura y escultura, el Salón incluía obras de artes decorativas como las cristalerías de René Lalique y Julia Bathory , así como diseños arquitectónicos de Le Corbusier . El Salón de Otoño, que sigue siendo una exposición de importancia mundial, ya se encuentra en su segundo siglo.
En una exposición titulada Picasso y la vanguardia en París (24 de febrero de 2010 - 2 de mayo de 2010), [50] el Museo de Arte de Filadelfia presentó una reconstrucción parcial del Salón de Otoño de 1912. Sin embargo, muchas de las obras expuestas no habían estado en exposición en el salón de 1912, mientras que otras exhibidas en 1912 brillaron por su ausencia. La exposición sirvió para destacar la importancia del cubismo de salón (que por lo general se opone al cubismo de galería como dos bandos opuestos) en los desarrollos e innovaciones de la pintura y la escultura del siglo XX.
Catorce años después del rechazo de las pinturas L'Estaque de Georges Braque por parte del jurado del Salón de Otoño de 1908, junto con Matisse, Rouault, Marquet y Charles-François-Prosper Guérin , Braque recibió el galardón de la Salle d'Honneur en 1922, sin incidentes. [51]
En un dramático ejemplo de ironía situacional , una sala del Salón de Otoño fue dedicada a Picasso en 1944. Durante los años cruciales del cubismo, entre 1909 y 1914, el marchante Daniel-Henry Kahnweiler prohibió a Braque y Picasso exponer tanto en el Salón de Otoño como en el Salón de los Independientes. Pensaba que los salones eran lugares de humor y obscenidad, de bromas, risas y ridículo. Temiendo que el cubismo no fuera tomado en serio en esas exposiciones públicas en las que miles de espectadores se reunían para ver nuevas creaciones, firmó contratos de exclusividad con sus artistas, asegurándose de que sus obras solo pudieran mostrarse (y venderse) en la privacidad de su propia galería. [52]
Tras la liberación de París , el primer Salón de Otoño posterior a la Segunda Guerra Mundial se celebró en otoño de 1944 en la recién liberada capital. A Picasso se le concedió una sala propia que llenó con ejemplos de su producción de la época de la guerra. Fue un regreso triunfal para Picasso, que se había mantenido apartado de la escena artística durante la guerra. Sin embargo, la exposición se vio "empañada por disturbios que no han sido atribuidos", según Michèle C. Cone (crítica e historiadora residente en Nueva York, autora de French Modernisms: Perspectives on Art before, during and after Vichy , Cambridge 2001). El 16 de noviembre de 1944, Matisse escribió una carta a Camoin: "¿Has visto la sala Picasso? Se habla mucho de ella. Hubo manifestaciones en la calle en su contra. ¡Qué éxito! Si hay aplausos, silben". Se puede adivinar quiénes podrían haber sido los manifestantes, escribe Cone, "compinches de los fauvistas, que todavía despotricaban contra el decadente Picasso judeomarxista". [53] [54]
La candeur de ces bustes surprend, au milieu de l'orgie des tons purs : Donatello chez les fauves
