Station to Station es el décimo álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 23 de enero de 1976 a través de RCA Records . Considerado como uno de sus trabajos más significativos, el álbum fue el vehículo para el personaje de Bowie en el escenario, The Thin White Duke . Coproducido por Bowie y Harry Maslin , Station to Station se grabó principalmente en Cherokee Studios en Los Ángeles, California, a fines de 1975, después de que Bowie terminara de filmar la película The Man Who Fell to Earth ; la portada presentaba un fotograma de la película. Durante las sesiones, Bowie sufría varias adicciones a las drogas, la más prominente a la cocaína , y más tarde dijo que no recordaba casi nada de la producción.
El éxito comercial de su anterior lanzamiento, Young Americans (1975), le permitió a Bowie una mayor libertad cuando comenzó a grabar su siguiente álbum. Las sesiones establecieron la formación del guitarrista Carlos Alomar , el bajista George Murray y el baterista Dennis Davis que Bowie utilizaría durante el resto de la década, y también contó con contribuciones del guitarrista Earl Slick y el pianista Roy Bittan . Musicalmente, Station to Station fue un álbum de transición para Bowie, desarrollando el funk y el soul de Young Americans al tiempo que presentaba una nueva dirección influenciada por el género musical alemán del krautrock , particularmente bandas como Neu! y Kraftwerk . Las letras reflejaban las preocupaciones de Bowie con Friedrich Nietzsche , Aleister Crowley , la mitología y la religión.
Precedido por el sencillo « Golden Years », Station to Station fue un éxito comercial, alcanzando los cinco primeros puestos en las listas de éxitos del Reino Unido y Estados Unidos. Después de descartar una banda sonora para The Man Who Fell to Earth , Bowie promocionó el álbum con el Isolar Tour a principios de 1976, durante el cual atrajo la controversia con declaraciones que sugerían apoyo al fascismo . Al final de la gira, se mudó a Europa para alejarse de la cultura de las drogas de Los Ángeles. Los estilos explorados en Station to Station culminaron en algunos de los trabajos más aclamados de Bowie con la Trilogía de Berlín durante los siguientes tres años. Recibido positivamente por los críticos musicales en su lanzamiento, Station to Station ha aparecido en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. Ha sido reeditado varias veces y fue remasterizado en 2016 como parte del box set Who Can I Be Now? (1974-1976) .
Pagué con la peor depresión maníaca de mi vida. Mi psique se fue por las nubes, se hizo pedazos. Alucinaba las 24 horas del día... Me sentía como si hubiera caído en las entrañas de la tierra. [1]
– Bowie sobre su adicción a la cocaína
David Bowie desarrolló una adicción a la cocaína en el verano de 1974, tras el lanzamiento del álbum Diamond Dogs . [2] El documental de Alan Yentob Cracked Actor mostró a Bowie en la gira Diamond Dogs en septiembre de 1974 y mostró su estado mental. [3] Bowie dijo en una entrevista de 1987: "Estaba tan bloqueado... tan drogado... Es un caso bastante casual, ¿no? Estoy sorprendido de haber salido de ese período, de verdad. Cuando veo eso ahora no puedo creer que lo haya sobrevivido. Estuve tan cerca de realmente tirarme a la basura físicamente, por completo". [4] Después de ver una proyección anticipada de la película a principios de 1975, el director Nicolas Roeg contactó a Bowie para discutir un papel en su próxima adaptación de la novela de Walter Tevis de 1963 The Man Who Fell to Earth . [5] Bowie aceptó el papel y se mudó de Nueva York a Los Ángeles, California, donde se llevaría a cabo el rodaje. [6] [7]
A su llegada a Los Ángeles, Bowie se quedó con Glenn Hughes , el bajista de la banda de rock inglesa Deep Purple . [7] También visitó a su viejo amigo, el cantante Iggy Pop , en rehabilitación. [a] Los dos intentaron grabar algo de material en mayo de 1975, pero las sesiones fueron improductivas debido a la adicción a la heroína de Pop . [10] Hughes le dijo al biógrafo Marc Spitz que Bowie vivía en un estado cada vez más paranoico, recordando que se negaba a usar ascensores debido a su miedo a las alturas . Su adicción cortó amistades con los músicos Keith Moon , John Lennon y Harry Nilsson ; más tarde dijo: "Si realmente quieres perder a todos tus amigos y todas las relaciones que alguna vez apreciaste, [la cocaína es] la droga con la que debes hacerlo". [11]
Según el biógrafo David Buckley, la dieta de Bowie ahora consistía principalmente en pimientos rojos y verdes, leche y cocaína. [12] Bowie admitió más tarde que solo pesaba alrededor de 80 libras y que estaba "fuera de sí la mayor parte del tiempo". [13] Hughes dijo que Bowie no podía dormir durante "tres o cuatro días seguidos". [14] Circulaban historias, en su mayoría de una entrevista (partes de las cuales llegaron a Playboy y Rolling Stone) sobre el cantante viviendo en una casa llena de artefactos egipcios antiguos, quemando velas negras, viendo cuerpos caer por su ventana, teniendo su semen robado por brujas, recibiendo mensajes secretos de los Rolling Stones y viviendo con un miedo mórbido al guitarrista de Led Zeppelin Jimmy Page . [15] En una entrevista con Melody Maker en 1977, Bowie describió su vida en Los Ángeles: "Hay una inquietud subyacente... Puedes sentirla en cada avenida... Siempre he sido consciente de lo dudosa que es la posición de permanecer aquí por cualquier período de tiempo". [16] Tres años después, le diría a NME que la ciudad "debería ser borrada de la faz de la tierra". [17] En abril de 1975, Bowie anunció su retiro de la música, declarando: "He rockeado mi rollo. Es un callejón sin salida aburrido. No habrá más discos de rock'n'roll ni giras de mi parte. Lo último que quiero ser es un maldito cantante de rock inútil". El biógrafo Nicholas Pegg atribuye esta cita al estado mental decadente de Bowie; su "retiro" duró menos de seis meses. [18] [19] El rodaje de The Man Who Fell to Earth comenzó en junio de 1975. [20]
El consumo excesivo de drogas de Bowie continuó durante el rodaje. En 1993, recordó: "Mi única instantánea de esa película es no tener que actuar... Simplemente ser yo mismo, ya que era perfectamente adecuado para el papel. No era de este mundo en ese momento en particular". [20] Cuando el rodaje tuvo lugar en Nuevo México, se informó que se encontraba en un estado mucho más saludable en comparación con su tiempo en Los Ángeles. [21] Durante sus días libres de rodaje, comenzó a escribir una colección de cuentos cortos llamada The Return of the Thin White Duke , [22] que describió como "en parte autobiográfica, principalmente ficción, con una buena dosis de magia"; también recordó haber llevado "400 libros" para el rodaje. [23] [21] Comenzó a escribir canciones durante el rodaje, [24] incluyendo dos: " TVC 15 " y " Word on a Wing ", que terminarían en su próximo álbum. [25] [26] Además de esto, estaba en la fila para componer la banda sonora de la película. [27]
En la película, Bowie interpreta el papel principal de Thomas Jerome Newton, un extraterrestre que viaja a la Tierra en busca de materiales para su planeta moribundo, y que finalmente es corrompido por los humanos. Roeg advirtió a la estrella que el papel de Newton probablemente permanecería con él durante algún tiempo después de la filmación. Con el acuerdo de Roeg, Bowie desarrolló su propio aspecto para la película, y esto se trasladó a su imagen pública durante los siguientes doce meses, al igual que el aire de fragilidad y distanciamiento de Newton. [24] Newton sirvió como una gran influencia en el siguiente personaje de Bowie en el escenario, el Thin White Duke . [28]
El sencillo de Bowie de 1975 « Fame », una colaboración con John Lennon, [29] [30] fue un éxito comercial masivo, encabezando las listas de éxitos en los EE. UU. [31] El sello discográfico de Bowie , RCA Records, estaba ansioso por una continuación. [26] Después de completar su trabajo en The Man Who Fell to Earth en septiembre, [28] regresó a Los Ángeles; su asistente Coco Schwab había adquirido recientemente una casa para él. En parte debido a su adicción a las drogas, su matrimonio con su esposa, Angie , comenzó a desmoronarse. Después de grabar coros para «Real Emotion» de Keith Moon, [18] estaba listo para grabar su próximo álbum. [26]
Station to Station se grabó principalmente en Cherokee Studios en Los Ángeles. [32] El estudio abrió en enero de 1975 y rápidamente se convirtió en uno de los estudios más concurridos de la ciudad, atrayendo a artistas como Rod Stewart y Frank Sinatra . Cherokee era más avanzado que Sigma Sound Studios de Filadelfia , donde Bowie había grabado Young Americans (1975); contaba con cinco salas de estudio, consolas de mezcla de 24 pistas , tiempos de sesión de 24 horas, más espacio y un bar. Al llegar a Cherokee, Bowie cantó algunas notas en el Estudio Uno, tocó un acorde de piano y dijo: "Esto estará bien". [26] El productor Harry Maslin dijo que el estudio fue elegido porque era nuevo y tranquilo, con menos paparazzi y atención de los medios. [33] Con un estudio más avanzado y sin restricciones de tiempo, el espíritu de las sesiones se convirtió en experimentación. [34]
Bowie trajo de vuelta a Maslin, quien coprodujo «Fame» y « Across the Universe » en Young Americans . Tony Visconti , quien después de una ausencia de tres años había regresado recientemente al grupo de Bowie mezclando Diamond Dogs y coproduciendo David Live y Young Americans , no estuvo involucrado debido a sus horarios conflictivos. [36] También regresaron de las sesiones de Young Americans los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick , el baterista Dennis Davis y el viejo amigo de Bowie Geoff MacCormick (ahora conocido como Warren Peace ). El bajista George Murray , un músico del grupo de Weldon Irvine , fue reclutado para tocar el bajo. [26] [18] Bowie usaría la formación de Alomar, Murray y Davis durante el resto de la década. [32] A mediados de octubre, el pianista Roy Bittan , miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen , se unió al conjunto por sugerencia de Slick. Bittan recordó: "David sabía que íbamos a venir a la ciudad y quería un teclista. Debieron haber sido sólo unos tres días. Es uno de mis proyectos favoritos en los que he trabajado". Tras la marcha de Mike Garson , [b] Bowie elogió las contribuciones de Bittan. [18]
Aunque los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray supusieron que se grabó "en 10 días de actividad febril", [32] estudios más recientes sostienen que el álbum se grabó durante un par de meses, con sesiones que comenzaron a fines de septiembre de 1975 [39] o principios de octubre [18] [40] y terminaron a fines de noviembre. [39] Los títulos de trabajo iniciales para el álbum incluían The Return of the Thin White Duke y Golden Years , [24] llamado así por la primera pista grabada. [18] Según O'Leary, " Golden Years ", que Bowie comenzó a escribir antes de comenzar a filmar The Man Who Fell to Earth , se completó en diez días y se publicó como sencillo mientras el álbum aún se estaba terminando. La grabación de "TVC 15" comenzó poco después de la finalización de "Golden Years". [26]
Durante las sesiones se grabó una versión de « Wild Is the Wind », escrita por Dimitri Tiomkin y Ned Washington e interpretada por primera vez por Johnny Mathis en la película de 1957 del mismo nombre . Bowie se inspiró para grabarla después de conocer a la cantante Nina Simone , que había grabado su propia versión en 1966. En 1993, recordó: «Su interpretación de ["Wild Is the Wind]" realmente me afectó. Pensé que era simplemente tremenda, así que la grabé como un homenaje a Nina». [41] Un invitado durante las sesiones fue Frank Sinatra, quien elogió la grabación de Bowie de «Wild Is the Wind». Su respuesta impulsó a Bowie a incluirla como la canción de cierre del álbum. [42] Si bien había comenzado a escribir «Word on a Wing» durante el rodaje, tanto « Stay » como la canción principal se escribieron y grabaron íntegramente en el estudio. Las tres pistas se compusieron a lo largo de octubre y noviembre, en lugar de hacerlo de una sola vez. [26] Slick afirmó: "Tenía una o dos canciones escritas, pero fueron cambiadas tan drásticamente que de todos modos no las reconocerías la primera vez, así que básicamente escribió todo en el estudio". [43]
Creo que es mucho más avanzado que el productor promedio. Sabe mucho de cosas técnicas. No lo sabe todo, no es ingeniero, pero sabe más sobre cómo arreglar una canción, sabe más sobre cómo relacionarse con la gente y obtener lo que quiere de ellos... Si escuchas los ritmos específicamente en este álbum, hay cosas muy extrañas sucediendo rítmicamente entre todos los instrumentos... Por lo menos, David es un genio cuando se trata de desarrollar sensaciones rítmicas. Él fue el pilar detrás de todo. [43]
– Harry Maslin sobre el papel de Bowie como productor, 1976
En sus álbumes anteriores, Bowie había mantenido un proceso de grabación relativamente sencillo. Llegaba al estudio con pistas completamente escritas y ensayadas, grabadas a un ritmo rápido y las sesiones concluían rápidamente. [44] Con el éxito comercial masivo de Young Americans y una reedición de « Space Oddity » convirtiéndose en su primer sencillo número uno en el Reino Unido, Bowie no se sintió obligado a apresurar el proceso en Los Ángeles. [45] Llegó a Cherokee con fragmentos de canciones en lugar de composiciones terminadas, cambiándolas a medida que avanzaba la grabación. [46] Luego le dio las ideas a Alomar, quien trabajó en los arreglos con Murray y Davis. Después de las pistas de acompañamiento vinieron las sobregrabaciones de saxofón, teclado y guitarra principal, seguidas de pistas vocales, terminando con efectos de producción. Bowie usaría este nuevo proceso durante el resto de la década. [45] [47] Alomar recordó: «Fue uno de los álbumes más gloriosos que he hecho... Experimentamos mucho en él». [47] Maslin añadió: "Me encantaron esas sesiones porque éramos totalmente abiertos y experimentales en nuestro enfoque". [18] Slick contribuyó con numerosos efectos de guitarra a lo largo de las sesiones. Según Bowie, "obtuve algunas cosas bastante extraordinarias de Slick. Creo que capturó su imaginación hacer ruidos en la guitarra y texturas, en lugar de tocar las notas correctas". [48] Tanto Slick como Maslin elogiaron el "enfoque en el momento" de Bowie. Slick no encontró ventajoso ningún ensayo, lo que dio como resultado una interpretación más limpia. [43]
Debido a su fuerte consumo de cocaína, Bowie recordó recordar "solo destellos" de la producción del álbum, ni siquiera el estudio, admitiendo más tarde: "Sé que fue en Los Ángeles porque leí que fue". [15] Buckley dice que el único recuerdo de Bowie de las sesiones fue "estar con Earl Slick en el estudio y pedirle que tocara un riff de Chuck Berry en la misma tonalidad durante la apertura de 'Station to Station'". El cantante no estaba solo en su consumo de cocaína durante las sesiones; Alomar dijo: "si hay una raya de cocaína que te mantendrá despierto hasta las 8 a.m. para que puedas hacer tu parte de guitarra, haces la raya de cocaína ... el consumo de cocaína está impulsado por la inspiración". Al igual que Bowie, Slick solo tenía recuerdos vagos de la grabación: "Ese álbum es un poco confuso, ¡por las razones obvias! Estábamos en el estudio y era una locura: muchas horas, muchas noches hasta tarde". [47] Pegg dice que hubo varias sesiones de 24 horas sin parar; Un día, el trabajo comenzaba a las 7 am y terminaba a las 9 am del día siguiente. [15] Según Spitz, en un momento dado Bowie trasladó una cama al estudio. [42] Un día, la grabación se trasladó a los cercanos estudios Record Plant porque Cherokee ya estaba reservado y Bowie no quería perder impulso durante la sesión. [15] [45] Maslin recordó: "[A Bowie] le gustaba trabajar cuatro días o más, horas muy extenuantes, y luego tomarse unos días libres para descansar y recargarse para otro sprint". [15] El copropietario de Cherokee, Bruce Robb, le dijo a Spitz: "Llegaba al día siguiente y todos seguían trabajando desde la noche anterior. Me iba y seguían trabajando". [42]
Al mezclar Station to Station , Maslin encontró que usar las consolas de mezcla de 24 pistas era un desafío, pero permitían flexibilidad. Richard Cromelin de Circus escribe que tener una gran cantidad de pistas le permitió a Maslin "desperdiciar" un canal en un efecto de sonido que luego podía ser "manipulado", dejando otras pistas para que las usaran instrumentos y voces con doble pista. [43] Bowie admitió haberle dado al disco un toque comercial: "Hice concesiones en la mezcla. Quería hacer una mezcla muerta... De principio a fin, sin eco... Me rendí y agregué ese toque comercial adicional. Ojalá no lo hubiera hecho". [49] En una entrevista con la revista Creem en 1977, Bowie proclamó que el álbum estaba "desprovisto de espíritu... Incluso las canciones de amor son distantes, pero creo que es fascinante". [50]
Station to Station es citado a menudo como un álbum de transición en la carrera de Bowie. [51] Desarrollando el sonido funk , disco y soul de Young Americans , el álbum también refleja las influencias de la electrónica y el género musical alemán krautrock , particularmente de bandas como Neu! y Kraftwerk . Bowie había exhibido elementos de vanguardia en las pistas de 1973 " Aladdin Sane (1913–1938–197?) " y " Time ". [32] [49] Según Robert Christgau , la experimentación de Bowie con estilos musicales afroamericanos había madurado para cuando grabó Station to Station , ya que el disco se apropió de ellos "en un contexto decididamente espacial y abrasivo"; [52] dijo que agregó alma a la "elegancia mecánica, fragmentada, más bien de segunda mano" explorada en Aladdin Sane (1973). [53] Las críticas iniciales de Station to Station lo consideraron un álbum " bailable ". [54] [55]
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En general, los críticos han clasificado la música de Station to Station como " funk-rock glacial y sintetizado ", [56] " art-rock de vanguardia ", [57] rock espacial , [58] "un híbrido de R&B electrónico ", [59] " avant-pop inquietante ", [60] "art-funk", [61] y "ice-funk". [62] Stephen Thomas Erlewine de AllMusic escribe que incluye "de todo, desde baladas épicas y disco hasta avant pop sintetizado" al tiempo que extiende "el alma plástica separada de Young Americans a un extremo elegante y robótico". [57] Chris Randle de The Village Voice etiquetó el álbum como "R&B robótico". [63] Maslin le dijo a la revista Circus : "No había ningún sonido específico en mente. No creo que [Bowie] tuviera ninguna dirección específica en cuanto a si debía ser R&B, o más inglés, o más comercial o menos comercial. Creo que esta vez se dedicó más a hacer un disco que a preocuparse por lo que iba a resultar". [43] Bowie comentó en 1999 que la música del álbum tiene "una cierta cualidad carismática... que realmente te devora". [64]
La canción principal de diez minutos ha sido descrita como el anuncio de "una nueva era de experimentalismo" para Bowie. [50] [65] La canción se divide en dos partes: una marcha lenta e hipnótica, introducida por un ruido parecido a un tren, creado por Slick en la guitarra usando flangers y efectos de delay, antes de cambiar abruptamente a lo que Alan Light de Rolling Stone llama un "ritmo de celebración", que dura el resto de la canción. [32] [66] [67] Pitchfork y Rolling Stone definieron la canción como una " suite de prog -disco trascendental" y una "opus disco krautrock" respectivamente. [68] [69] Con su influencia krautrock, es el anticipo más claro del álbum de la posterior Trilogía de Berlín de Bowie . [50] [70]
El estilo musical de "Golden Years" y "Stay" se basa en el funk y el soul de Young Americans pero con un toque más áspero y estridente. [51] Bowie dijo que "Golden Years" fue escrita para el cantante estadounidense Elvis Presley y rechazada por él , mientras que Angie Bowie afirmó que fue escrita para ella. [71] [72] Según Pegg, la canción carece del "paisaje musical más acerado" del resto del álbum. [73] El autor James Perone argumenta que "Stay" representa una fusión de hard rock y funk de ojos azules. [51] "TVC 15", la pista más alegre del álbum, [74] ha sido comparada con la música de la banda de rock inglesa Yardbirds . [32] "Wild Is the Wind" contiene elementos funky en su interpretación de guitarra eléctrica, mientras que la sección rítmica y la guitarra acústica añaden un sabor a jazz . [75] Donald A. Guarisco de AllMusic compara la música de "Word on a Wing" con el gospel y el soul; [76] Perone la compara con el sonido del músico estadounidense Roy Orbison . [51] Ambas pistas han sido categorizadas como himnos y baladas. [77] [78]
Mientras vivía en su estado paranoico inducido por la cocaína, Bowie no dormía durante días, a menudo leyendo libros uno tras otro. [26] Durante un encuentro con Jimmy Page en febrero de 1975, Page discutió con él las obras del ocultista inglés Aleister Crowley . [79] Bowie, cuyas pistas " Oh! You Pretty Things " y " Quicksand " de Hunky Dory de 1971 habían exhibido influencias ocultistas, [80] se sumergió en las obras de Crowley. [79] Revisitó conceptos vistos en Hunky Dory y " The Supermen " de The Man Who Sold the World (1970) como la teoría del Übermensch o "Superman" del filósofo alemán Friedrich Nietzsche , [80] y estudió nuevos conceptos como la fascinación nazi con la mitología del Santo Grial y la Cábala . [32] Bowie usaría todas estas ideas a lo largo de Station to Station , con Pegg describiendo el tema del álbum como un choque de "ocultismo y cristianismo ". [64]
La canción principal presenta al nuevo personaje de Bowie, el Thin White Duke, que se convirtió en el portavoz de Station to Station y, a menudo durante los siguientes seis meses, del propio Bowie. [65] [32] [67] El personaje, inspirado en Thomas Jerome Newton, [28] vestía impecablemente con una camisa blanca, pantalones negros y chaleco. Carr y Murray lo describieron como un hombre hueco que cantaba canciones de romance con una intensidad agonizante, pero no sentía nada, "hielo disfrazado de fuego", [32] exuberantemente "lanzando dardos a los ojos de los amantes". [51] Los comentaristas han etiquetado al personaje como "un aristócrata loco", [32] "un zombi amoral", [81] y "un superhombre ario sin emociones ". [49] Para el propio Bowie, el Duque era "un personaje desagradable de hecho". [82]
A pesar del ruido de un tren en los momentos iniciales, Bowie dijo que el título de "Station to Station" no se refiere tanto a las estaciones de tren como a las Estaciones de la Cruz , la serie de 14 imágenes que representan el camino de Cristo hacia su crucifixión , cada una simbolizando un punto de parada para la oración . [70] Añadió que se trataba del Árbol de la Vida cabalístico , evidente en la línea "de Kether a Malkuth ", que enmarca el Árbol de la Vida: [83] "así que para mí todo el álbum fue simbólico y representativo del viaje a través del Árbol de la Vida". [49] Pegg cree que la canción muestra una combinación de alusiones cristianas y judías. [70] La canción hace referencia a la obra de William Shakespeare La tempestad . [84] La fijación con lo oculto era evidente en frases como " manchas blancas ", el nombre de un libro de poesía de Crowley. También se hace referencia directa a la cocaína en el verso: "No son los efectos secundarios de la cocaína / Pienso que debe ser amor". [85]
Spitz interpreta Station to Station como "un álbum de canciones de amor", específicamente "del tipo que escribes cuando no tienes amor en tu propia vida". [86] De hecho, Perone considera "Golden Years" el tipo de canción de amor que no incluye la palabra "amor" . El personaje de la canción le asegura a su compañera que siempre la protegerá sin importar qué y le promete un futuro más brillante. [51] Carr y Murray escriben que lleva "un aire de arrepentimiento por las oportunidades perdidas y los placeres pasados". [32] La letra de "Stay" ha sido interpretada como una reflexión sobre "la incertidumbre de la conquista sexual", [87] y como un ejemplo del "romanticismo espurio del Duque". [32]
Los temas religiosos, así como la creencia en la espiritualidad , son frecuentes en «Station to Station», «Word on a Wing», «Golden Years» y «TVC 15»; [49] [51] para Carr y Murray la religión, como el amor, era simplemente otra forma del Duque de «poner a prueba su entumecimiento». [32] Bowie ha afirmado que en «Word on a Wing», al menos, «la pasión es genuina». [17] Hay un sabor cómico en «TVC 15», [87] que varios comentaristas describen como una «comedia surrealista». [25] [88] Se trata de la novia de un personaje que es devorada por un televisor. [51] La canción se inspiró en un sueño de Iggy Pop que presenta una premisa similar, así como en una escena de The Man Who Fell to Earth donde Newton llena una habitación con pantallas de televisión, cada una sintonizada en un canal diferente. Pegg lo llama el «hombre extraño» del álbum. [25]
La portada del álbum es una fotografía en blanco y negro tomada por Steve Schapiro [89] en el set de la película The Man Who Fell to Earth , en la que Bowie, como Newton, entra en la cápsula espacial que lo regresará a su planeta natal. [90] [49] Bowie había insistido en la imagen monocromática recortada, sintiendo que en la imagen original a tamaño completo en color el cielo parecía artificial; [32] se colocó un borde completamente blanco alrededor de la imagen, que Pegg cree que refleja la "estética monocromática austera" tanto del personaje de Thin White Duke como de la gira de 1976. También sostiene que la portada monocromática coincide con el "tono austero" del álbum. [49] La versión a tamaño completo y en color se utilizó para algunas reediciones posteriores del álbum. [49] La fotografía de la contraportada fue tomada en Los Ángeles en 1974, también por Schapiro, [91] y mostraba a Bowie dibujando las Sefirot de la Cábala con tiza. Fue el primer LP de Bowie que no incluía hojas con las letras en el empaque, [92] lo que fue criticado en reseñas contemporáneas de Street Life y NME . [54] [93]
El 21 de noviembre de 1975, RCA lanzó «Golden Years» como el primer sencillo del álbum, con la canción de Young Americans « Can You Hear Me? » como lado B. [94] El 4 de noviembre, Bowie apareció en el programa de televisión estadounidense Soul Train , haciendo mímica de «Fame» y la entonces inédita «Golden Years». Bowie fue el segundo artista blanco en aparecer en el programa, después de Elton John seis meses antes. [95] Durante la actuación y la entrevista, estaba visiblemente borracho y, [96] según Pegg, estaba en un «nuevo mínimo de coherencia». Bowie más tarde se sintió avergonzado por su comportamiento, recordando en 1999 que no había podido aprenderse el nuevo sencillo y fue regañado después por el DJ del programa . [95] El clip de película resultante se utilizó como video musical no oficial de la canción para promocionar el sencillo en todo el mundo. En términos comerciales, "Golden Years" alcanzó el top ten en el Reino Unido y los EE. UU. pero, al igual que la relación de " Rebel Rebel " con Diamond Dogs (1974), fue un adelanto poco representativo del álbum que vendría. [97]
Después de Soul Train , Bowie apareció en The Cher Show el 23 de noviembre, interpretando «Fame» y un dueto de «Can You Hear Me?» con la cantante Cher . [95] Luego apareció vía satélite en Russell Harty Plus de ITV cinco días después. [98] [99] A principios del nuevo año, el 3 de enero de 1976, Bowie y su banda aparecieron en el programa de variedades presentado por Dinah Shore, Dinah!, e interpretaron «Stay», [100] —el debut público de la canción. [101] RCA lanzó Station to Station el 23 de enero, con el número de catálogo APLI 1327. [26] Fue un éxito comercial, alcanzando el número tres en la lista Billboard Top LPs & Tape de EE. UU ., permaneciendo en la lista durante 32 semanas. [102] Se convirtió en el álbum de Bowie con mayor posición en las listas en los EE. UU. [103] hasta The Next Day , que alcanzó el número dos en 2013. [104] Station to Station fue certificado oro por la Recording Industry Association of America el 26 de febrero de 1976. [105] En el Reino Unido, se mantuvo en las listas durante diecisiete semanas, alcanzando el número cinco, [106] la última vez que uno de los álbumes de estudio de Bowie se ubicó más abajo en las listas en su país de origen que en Estados Unidos. [103] En otros lugares, el álbum alcanzó su punto máximo entre los tres primeros en Canadá, Francia y los Países Bajos, [107] [108] [109] y entre los diez primeros en Australia, Japón, Noruega y Nueva Zelanda. [110] [111] [112] [113]
La canción principal fue lanzada en Francia como un sencillo promocional de 7 pulgadas en enero de 1976. Incluía una versión acortada de la canción, que duraba poco más de tres minutos y medio, con "TVC 15" como lado B. [114] "TVC 15" fue lanzada en forma editada como el segundo sencillo del álbum el 30 de abril de 1976, respaldado por la canción de Diamond Dogs "We Are the Dead". [94] Su lanzamiento coincidió con la etapa europea de la gira Isolar. Alcanzó el puesto número 33 en el Reino Unido. [25] "Stay" se lanzó por primera vez, en su forma completa, como el lado B del sencillo " Suffragette City " en el verano de 1976 para promocionar la compilación Changesonebowie . Posteriormente, se lanzó una versión editada en julio como lado A en los EE. UU. y otros territorios, respaldada por "Word on a Wing". [115] No logró entrar en las listas. [19] Sin embargo, la canción no apareció en la compilación. ( Changesonebowie fue empaquetada como una edición uniforme de Station to Station , con una portada en blanco y negro y letras similares). [116] En noviembre de 1981, cuando la relación de Bowie con RCA estaba llegando a su fin, "Wild Is the Wind" se publicó como sencillo para promocionar la compilación Changestwobowie . La versión completa de "Golden Years" respaldó el sencillo del Reino Unido. [41] [117] Acompañado por un nuevo video musical filmado específicamente para el lanzamiento, alcanzó el puesto número 24 en el Reino Unido y se mantuvo en las listas durante diez semanas. [118]
Station to Station recibió críticas positivas de los críticos musicales en su lanzamiento. Paul Trynka dice que, en general, los críticos reconocieron que Bowie estaba explorando nuevos territorios. [44] Ian MacDonald destacó el crecimiento musical de Bowie en la revista británica Street Life , reconociéndolo como uno de sus mejores álbumes hasta ese momento. Creía que era el primer álbum que había lanzado en el que sentía que tenía el control total. [93] Escribiendo para NME , Charles Murray elogió la música a lo largo del disco, pero fue crítico de la interpretación vocal de Bowie, particularmente en "Word on a Wing" y "Wild Is the Wind". [54] Otro crítico de NME encontró el álbum "un extraño y confuso remolino musical donde nada es lo que parece", y finalmente lo llamó "uno de los álbumes más significativos lanzados en los últimos cinco años". [119] La revista lo nombró el segundo mejor álbum del año, detrás de Desire de Bob Dylan . [120] John Ingham de la revista Sounds elogió enormemente el álbum, nombrando a «Golden Years», «TVC 15» y «Stay» como algunas de las mejores canciones de Bowie hasta ese momento y, en general, «un gran disco de nuestro tiempo». Musicalmente, lo vio como un cruce entre The Man Who Sold the World y Young Americans . [121] Algunos críticos encontraron que el significado de la letra era difícil de comprender, [119] e Ingham citó «TVC 15» como ejemplo. Sin embargo, sintió que era parte del encanto del LP. [121]
En Estados Unidos, Billboard consideró que Bowie había "encontrado su nicho musical" con canciones como "Fame" y "Golden Years", pero que "el corte de título de 10 minutos se aburre". [55] La escritora de Rolling Stone Teri Moris aplaudió los momentos "más rockeros" del álbum, pero percibió un alejamiento del género, encontrándolo "el esfuerzo reflexivo y profesional de un artista consciente del estilo cuya capacidad para escribir e interpretar rock & roll exigente coexiste cómodamente con su fascinación por diversas formas ... si bien hay pocas dudas sobre su habilidad, uno se pregunta cuánto tiempo continuará luchando con el rock". [122] El crítico Dave Marsh fue extremadamente negativo, llamándolo "el avance más significativo en el relleno de LP desde Metal Machine Music [1975] de Lou Reed ". Considerando "Word on a Wing" el "único éxito completo" del LP, criticó las pistas como demasiado largas, aburridas y sin interés, argumentando además que "es bastante espantoso que lo mejor que [Bowie] puede pensar en hacer con su talento actualmente es perder el tiempo". [123]
El crítico de rock Lester Bangs , que dio evaluaciones negativas al trabajo de Bowie durante la década de 1970, elogió Station to Station en la revista Creem , notando la presencia de "un gemido y un latido que no se detiene" y "una hermosa, creciente, intensamente romántica melancolía", llamándola su "(primera) obra maestra". [92] En Circus , Cromelin, notando que Bowie "nunca fue de los que mantenían la continuidad en su trabajo o en su vida", declaró que Station to Station "ofrece destellos crípticos y expresionistas que nos permiten sentir los contornos y palpitaciones del alma del enmascarado pero nunca revelan completamente su rostro". Cromelin también encontró alusiones a trabajos anteriores de Bowie, como la "densidad" de The Man Who Sold the World , el "toque pop" de Hunky Dory , la "disonancia y angustia" de Aladdin Sane , la "percusión convincente" de Young Americans y el "misticismo juvenil" de " Wild Eyed Boy from Freecloud " (1969), concluyendo que "muestra a Bowie saliendo de la etapa más desafiante de su sinuoso viaje". [43] Ben Edmonds no encontró al LP como uno de los mejores trabajos de Bowie en Phonograph Record , en cambio creyó que Station to Station es simplemente un "lugar de parada" donde puede reflexionar y planificar su próximo viaje musical, "que sus seguidores siempre esperan que haga". Sin embargo, notó la cohesión general del álbum y elogió a la banda de acompañamiento, llamándolos los mejores de Bowie desde Spiders from Mars . [124]
Station to Station fue votado como el 13.º mejor álbum de 1976 en Pazz & Jop , una encuesta anual de críticos estadounidenses de todo el país, publicada por The Village Voice . [125] Al reseñar el disco para el periódico, Robert Christgau expresó algunas reservas sobre la duración de las canciones y la calidad distante de la voz de Bowie, pero consideró que "TVC 15" era su "pieza favorita de rock and roll en mucho tiempo" y escribió: "El estilo espacial siempre ha sido su estilo, y cualquiera que pueda fusionar a Lou Reed , la música disco y el Dr. John ... merece seguir haciéndolo durante cinco minutos y 29 segundos". [126] Lo clasificó como el cuarto mejor del año en su votación para la encuesta. [127]
Con las sesiones de Station to Station completadas en diciembre de 1975, Bowie comenzó a trabajar en una banda sonora para The Man Who Fell to Earth con Paul Buckmaster , con quien Bowie trabajó en Space Oddity (1969), como su colaborador. [128] Bowie esperaba ser completamente responsable de la música de la película, pero descubrió que "cuando terminé cinco o seis piezas, me dijeron que si quería enviar mi música junto con la de otras personas... y simplemente dije 'Mierda, no vas a conseguir nada'. Estaba tan furioso, había puesto tanto trabajo en ello". [17] No obstante, Maslin argumentó que Bowie estaba "quemado" y no podía completar el trabajo en ningún caso. El cantante finalmente se derrumbó, admitiendo más tarde: "Había pedazos de mí tirados por todo el suelo". [128] Cuando Bowie le presentó su material para la película a Roeg, el director decidió que no era adecuado. Prefería un sonido más folk, aunque John Phillips (el compositor elegido para la banda sonora) describió las contribuciones de Bowie como "inquietantes y hermosas". [129] Al final, solo una canción instrumental compuesta para la banda sonora vio la luz del día, evolucionando hacia " Subterraneans " en su siguiente álbum de estudio, Low . [17]
Con el álbum de la banda sonora abandonado, Bowie decidió que estaba listo para liberarse de la cultura de las drogas de Los Ángeles y regresar a Europa. [130] [128] En enero de 1976, comenzó los ensayos para el Isolar Tour para promocionar Station to Station , que comenzó el 2 de febrero de 1976 y terminó el 18 de mayo. [131] [132] Iggy Pop, quien, como Bowie, estaba listo para dejar su adicción a las drogas, lo acompañó en la gira. [c] [133] [134] Debido a desacuerdos con la gerencia de Bowie, Stacy Heydon reemplazó a Slick en la guitarra principal. [d] [26] [132] " Radioactivity " de Kraftwerk se usó como obertura de los shows, acompañando imágenes de la película surrealista de Luis Buñuel y Salvador Dalí Un perro andaluz (1929). [137] La puesta en escena presentaba a Bowie, vestido con el chaleco y los pantalones negros habituales del Duque, con un paquete de Gitanes colocado ostentosamente en su bolsillo, moviéndose rígidamente entre "cortinas de luz blanca", [32] un efecto que generó el apodo de 'la gira de la luz blanca'. [137] En 1989, Bowie reflexionó: "Quería volver a una especie de aspecto expresionista del cine alemán ... y la iluminación de, digamos, Fritz Lang o Pabst . Un aspecto de películas en blanco y negro, pero con una intensidad que era algo agresiva. Creo que para mí, personalmente, teatralmente, esa fue la gira más exitosa que he hecho". [39] El Isolar Tour fue la fuente de uno de los bootlegs más conocidos del artista , extraído de una transmisión de radio FM de su concierto del 23 de marzo de 1976 en el Nassau Coliseum . [137] Un álbum en vivo , Live Nassau Coliseum '76 , fue lanzado oficialmente años después. [138]
Bowie fue criticado durante la gira por sus supuestas opiniones profascistas. En una entrevista de 1974, había declarado: « Adolf Hitler fue una de las primeras estrellas de rock... tan buena como Jagger ... Puso en escena un país», [139] pero logró evitar la condena. Sin embargo, en la gira Isolar, una serie de incidentes atrajeron la publicidad, comenzando en abril de 1976 con su detención por parte de la aduana en Europa del Este por posesión de recuerdos nazis. El mismo mes en Estocolmo , fue citado diciendo que «Gran Bretaña podría beneficiarse de un líder fascista». [139] Bowie culparía a sus adicciones y a la personalidad del Thin White Duke por sus lapsos de juicio. [140] La controversia culminó el 2 de mayo de 1976, poco antes de que terminara la gira, en el llamado « incidente de la estación Victoria » en Londres, cuando Bowie llegó en un Mercedes descapotable descapotable y aparentemente hizo un saludo nazi a la multitud que fue capturado en película y publicado en NME . Bowie afirmó que el fotógrafo simplemente lo había captado en medio de una ola, [141] una afirmación respaldada por un joven Gary Numan que estaba entre la multitud ese día: "Piénsalo. Si un fotógrafo toma una película completa con motor de alguien haciendo una ola, obtendrás un saludo nazi al final de cada barrido de brazos. Todo lo que necesitas es un idiota en un periódico musical o lo que sea para hacer un problema de eso...". [139]
[ Station to Station ] divide efectivamente los años 70 para David Bowie. Cierra la era de Ziggy Stardust y el plastic soul , y presenta el primer adelanto de la nueva música que vendría después con Low . [32]
– Roy Carr y Charles Shaar Murray, 1981
Station to Station fue un hito en la transición de Bowie hacia su Trilogía de Berlín de finales de los años 1970. [e] Pegg lo llama el "punto intermedio preciso en el viaje de Young Americans a Low ". [49] El propio Bowie dijo: "En lo que respecta a la música, Low y sus hermanos fueron una continuación directa de la canción principal [de Station to Station ]". [70] Para la Trilogía de Berlín, Bowie colaboró con Tony Visconti y el ex tecladista y conceptualista de Roxy Music Brian Eno . [142] Eno sintió de manera similar que Low era "una continuación" de Station to Station , al que llamó "uno de los grandes discos de todos los tiempos" en 1999. [143] En una entrevista con la revista Q en 1997, Bowie consideró a Station to Station un álbum "excelente, muy bueno", pero "extremadamente oscuro". Debido a su estado desconectado durante su grabación, lo escuchó como "una obra de una persona completamente diferente". [144]
El álbum ha sido descrito como "enormemente influyente en el post-punk ". [57] Carr y Murray escribieron en 1981: "Si Low fue el álbum de Bowie de Gary Numan, entonces Station to Station fue el de Magazine ". [32] Ian Mathers de la revista Stylus opinó en 2004 que "así como pocos habían anticipado el enfoque de Bowie, pocos lo copiaron... en su mayor parte este es un estilo huérfano, abandonado". [145] Diez años después, Jem Aswad de NPR describió el álbum como "ice-funk pionero" que "allanó el camino no solo para miles de artistas que fueron influenciados por él, sino también para la brillante ola de experimentación que siguió durante los siguientes cinco años: Low , "Heroes" (ambos de 1977), Lodger (1979) y Scary Monsters (y Super Creeps) (1980)". [62]
Los biógrafos de Bowie han descrito Station to Station como uno de sus mejores discos. En su libro Strange Fascination , David Buckley lo llama una "obra maestra de invención" que "algunos críticos argumentarían, quizás de manera poco convencional, que es su mejor disco". [146] Él considera que la interpretación vocal de Bowie en "Wild Is the Wind" es una de las mejores de su carrera. [50] Paul Trynka quedó impresionado por la innovación del álbum, notando "una extraña mezcla de temas vivaces y monumentales", y argumenta que "marca el punto en el que David Bowie pasó de músico pop a fenómeno". [147] Marc Spitz reconoce Station to Station como un "gigantesco salto creativo hacia adelante", similar a Hunky Dory cinco años antes. Elogia la sensación atemporal del disco, las interpretaciones y la atmósfera general, y lo considera el primer verdadero disco de new wave . [148] James Perone lo cita como uno de los discos más "estructuralmente coherentes y ampliamente accesibles" de la época. [149] Peter Doggett sostiene que el nuevo proceso de grabación que Bowie utilizó en el disco le permitió elevarlo a una única visión unificadora, como había resumido en Hunky Dory y Ziggy Stardust . Aunque Bowie usaría este proceso para discos posteriores como Lodger y Scary Monsters , Doggett cree que estos discos están más fragmentados que cohesivos a la manera de Station to Station . [46]
Retrospectivamente, Station to Station es visto como uno de los mejores y más significativos trabajos de Bowie. [61] Erlewine escribió: "No es un álbum fácil de escuchar, pero su estructura épica y sonido clínico fueron un logro impresionante e individualista". [57] Alan Light lo llamó "musicalmente accesible y líricamente elíptico". [67] En Spin Alternative Record Guide (1995), Rob Sheffield consideró a Station to Station el mejor álbum de Bowie: "[Es] el álbum donde Major Tom aprende a bailar, mientras el ataque robótico y elegante de la canción principal teutónica se desvanece en los ritmos complicados de "Stay" y "Golden Years". En "TVC 15", digno de Velvet, Major Tom aparece como una mujer que se teletransporta a un satélite, dejando al pobre David varado en la tierra. Altamente recomendado para los devotos de MUD y los aficionados al sexo por computadora". [157] Sheffield más tarde lo consideró una "obra maestra del rock espacial" en The Rolling Stone Album Guide (2004), escribiendo que Bowie había grabado "la música más intensa de su vida". [58]
En 2010, Paul Morley del Financial Times elogió su cohesión llamándolo un "álbum fascinante" que no solo es uno de los mejores de Bowie, sino "tal vez" uno de los más grandes del rock. Argumentó que funciona como una cápsula que muestra la mentalidad del artista y dónde estaba la música rock en el momento en que la hizo. [158] En una retrospectiva de 2013 para Rock's Backpages , Barney Hoskyns llamó a Station to Station "una de las más impresionantes de sus uniones musicales: intensa, apasionada, centrada, creciente y urgentemente funky". [77] En The Guardian , Alex Needham dijo que el álbum "logra incorporar casi todo lo fantástico de la música pop" en solo seis temas: "es dramático, elegante, emocional y bailable". [78]
Al igual que sus biógrafos, los críticos han reconocido la posición del álbum en la discografía general de Bowie como la transición entre los estilos de Young Americans y la Trilogía de Berlín. [67] [151] [153] Frank Mojica de Consequence of Sound estuvo de acuerdo, diciendo que ofrece "un retrato intrigante" del período de transición de un artista, al mismo tiempo que es un "álbum excelente por derecho propio". [159] Michael Gallucci de Ultimate Classic Rock lo describió como "el momento en el que su movimiento comercial más descarado dio paso a su período experimental más impasible", argumentando que el álbum marcó la transición de Bowie "de estrella de rock a artista". [61] En una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone , Station to Station fue votado como el tercer mejor álbum de Bowie. La revista lo llamó un "álbum profundamente extraño que simplemente mejora con el tiempo". [160] Tras la muerte de Bowie en 2016 , Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock catalogó a Station to Station como su cuarto mejor álbum, afirmando que, aunque hizo mejores álbumes en los años siguientes, "hizo este fascinante álbum primero". [161]
Station to Station ha aparecido con frecuencia en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos por múltiples publicaciones. En 1995, ocupó el puesto número 21 en la lista de la revista Mojo de los 100 mejores álbumes jamás hechos, el álbum de Bowie mejor clasificado en la lista. [162] En 2003, Rolling Stone lo clasificó en el puesto número 323 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , [163] 324 en la lista revisada de 2012, [164] y 52 en la lista revisada de 2020. [165] En 2004, The Observer clasificó al álbum en el puesto número 80 en su lista de los 100 mejores álbumes británicos. [166] La revista Vibe colocó al álbum en su lista de los 100 álbumes esenciales del siglo XX. [167] En 2013, NME clasificó al álbum en el puesto 53 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [168] La revista Uncut clasificó al álbum en el puesto 30 de su lista de los 200 mejores álbumes de todos los tiempos en 2015. [169] Un año después, la revista Classic Rock, con sede en el Reino Unido , clasificó al álbum en el puesto número cinco de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1970. [170]
El escritor inglés Colin Larkin incluyó Station to Station en la segunda edición de su libro All Time Top 1000 Albums (1998) en el número 305. [171] El álbum también fue incluido en la edición de 2018 del libro de Robert Dimery 1001 Albums You Must Hear Before You Die . [172]
El álbum ha sido lanzado varias veces en CD a partir de 1984 por RCA, [173] con la portada original en blanco y negro. [174] El álbum fue reeditado en 1991 por Rykodisc con dos pistas adicionales: versiones en vivo de "Word on a Wing" y "Stay"; [175] esta reedición se ubicó en el puesto número 57 en la lista de álbumes del Reino Unido durante una semana. [176] Una reedición de 1999 de EMI presentó sonido remasterizado digitalmente de 24 bits, pero carecía de pistas adicionales. [177] Ambas reediciones usaron la portada original a color de tamaño completo. [175] [177] En 2007, la remasterización de 1999 del álbum fue reeditada en Japón como parte de la "David Bowie Paper Jacket Series", que empaquetaba los álbumes de estudio de Bowie desde Space Oddity hasta Tin Machine en fundas de mini-LP; Esta versión volvió a la portada de 1976, que se convertiría en estándar para reediciones posteriores. [178]
Station to Station fue reeditado en 2010 en ediciones especiales y de lujo. [179] [180] La edición especial incluía un "master analógico original" del álbum (un master digital recién preparado a partir de las cintas originales) y el concierto completo del Nassau Coliseum de 1976 en dos CD. La edición de lujo incluía el contenido de la edición especial, tanto en vinilo como en CD, junto con un disco de ediciones de sencillos y tres mezclas más del álbum: una mezcla de sonido envolvente Dolby 5.1 y una nueva mezcla estéreo, ambas creadas por el coproductor Harry Maslin, y el master en CD de RCA de 1985. [128] Ambas ediciones se lanzaron en septiembre de 2010. [181] En The Complete David Bowie , Pegg critica el remix de Maslin. Escribe que "renuncia a toda la sutileza de la [mezcla] original a favor de empujar todo al frente sin imaginación", lo que resulta en un "escándalo desordenado", particularmente evidente en los coros de "TVC 15". Aunque señala que hay una versión vocal principal diferente en "Wild Is the Wind", considera que la nueva mezcla es drásticamente inferior a la original. [128]
En 2016, el álbum fue remasterizado para el box set Who Can I Be Now? (1974–1976) , [182] con lanzamientos independientes en CD y vinilo al año siguiente. [183] El box set incluía tanto la mezcla original de 1976 como la remezcla estéreo de 2010 de Station to Station , empaquetadas individualmente. La funda que contenía la mezcla de 1976 usaba la carátula original, mientras que la funda que contenía la mezcla de 2010 usaba una versión con corrección de color de la carátula de 1991; la contraportada de la carátula de la mezcla de 2010 era una variante de la contraportada de 1976, con texto burdeos en lugar de rojo brillante. [184]
Todas las canciones fueron escritas por David Bowie, excepto "Wild Is the Wind"; letras de Ned Washington y música de Dimitri Tiomkin .
Lado uno
Lado dos
Créditos del álbum según las notas del álbum y el biógrafo Nicholas Pegg. [185] [186]
Producción
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