La música ambiental es un género musical que enfatiza el tono y la atmósfera sobre la estructura o el ritmo musical tradicional . Puede carecer de composición neta , ritmo o melodía estructurada . [5] Utiliza capas texturales de sonido que pueden recompensar tanto la escucha pasiva como la activa [6] y fomentar una sensación de calma o contemplación. [7] [8] Se dice que el género evoca una cualidad "atmosférica", "visual", [9] o "discreta". [10] Se pueden incluir paisajes sonoros de la naturaleza y se pueden emular los sonidos de instrumentos acústicos como el piano , las cuerdas y la flauta a través de un sintetizador . [11]
El género se originó en las décadas de 1960 y 1970, cuando se introducían nuevos instrumentos musicales en un mercado más amplio, como el sintetizador. [12] Fue presagiado por la música de muebles de Erik Satie y estilos como la música concreta , la música minimalista , el dub reggae jamaicano y la música electrónica alemana , pero fue nombrado y popularizado de manera destacada por el músico británico Brian Eno en 1978 con su álbum Ambient 1: Música para Aeropuertos ; Eno opinó que la música ambiental "debe ser tan ignorable como interesante". [13] Vio un renacimiento hacia finales de los años 1980 con la prominencia de la música house y techno , convirtiéndose en un culto en los años 1990. [14] La música ambiental puede tener elementos de música new-age y música drone , ya que algunas obras pueden usar notas sostenidas o repetidas . [15]
La música ambiental no logró un gran éxito comercial, siendo criticada por todo, desde "nueva era embellecida, [...] hasta fideos técnicos aburridos e irrelevantes". [16] Sin embargo, ha alcanzado cierto grado de aclamación a lo largo de los años, especialmente en la era de Internet . Debido a su estilo relativamente abierto, la música ambiental a menudo toma influencias de muchos otros géneros, que van desde música clásica , de vanguardia , música experimental , folk , jazz y músicas del mundo , entre otros. [17] [18]
Como compositor francés de principios del siglo XX, Erik Satie utilizó exploraciones de inspiración dadaísta para crear una forma temprana de música ambiental/de fondo que denominó " música de muebles " ( Musique d'ameublement ). Lo describió como el tipo de música que se podría tocar durante una cena para crear una atmósfera de fondo para esa actividad, en lugar de servir como foco de atención. [19]
En sus propias palabras, Satie buscó crear "una música... que será parte de los ruidos del ambiente, los tomará en consideración. Pienso en ella como melodiosa, suavizando los ruidos de los cuchillos y tenedores en la cena, no dominarlos, no imponerse. Colmaría esos silencios pesados que a veces caen entre amigos que cenan juntos. Les ahorraría la molestia de prestar atención a sus propios comentarios banales. Y al mismo tiempo neutralizaría los ruidos de la calle que entrar tan indiscretamente en el juego de la conversación. Hacer esa música sería responder a una necesidad ". [20] [21]
En 1948, el compositor e ingeniero francés Pierre Schaeffer acuñó el término música concreta . Este estilo de música experimental utilizaba grabaciones de sonidos naturales que luego se modificaban, manipulaban o modificaban para crear una composición. [22] Las técnicas de Shaeffer de utilizar bucles de cinta y empalmes se consideran las precursoras del muestreo moderno .
En 1952, John Cage lanzó su famosa composición de tres movimientos [23] 4'33 , que es una interpretación de completo silencio durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. La pieza está destinada a capturar los sonidos ambientales del lugar/ubicación de la actuación y hacer que esa sea la música que se reproduzca. [24] Cage ha sido citado por artistas seminales como Brian Eno como influencia. [24]
En la década de 1960, muchos grupos musicales experimentaron con métodos inusuales, y algunos de ellos crearon lo que más tarde se llamaría música ambiental.
En el verano de 1962, los compositores Ramon Sender y Morton Subotnick fundaron el San Francisco Tape Music Center , que funcionaba como estudio de música electrónica y sala de conciertos. [25] Otros compositores que trabajaban con grabadoras se convirtieron en miembros y colaboradores, incluidos Pauline Oliveros , Terry Riley y Steve Reich . Sus composiciones, entre otras, contribuyeron al desarrollo de la música minimalista (también llamada minimalismo), que comparte muchos conceptos similares a la música ambiental, como patrones o pulsos repetitivos, zumbidos constantes y armonía consonante. [26]
Se lanzaron muchos discos en Europa y los Estados Unidos de América entre mediados de los años 1960 y mediados de los 1990 que establecieron las convenciones del género ambiental en el mercado de la música popular anglófona. [27] Algunos discos de la década de 1960 con elementos ambientales incluyen Música para la meditación del yoga y otros placeres y Música para la meditación zen de Tony Scott , Sonidos calmantes para bebés de Raymond Scott y el primer disco de la serie de álbumes Environments de Irv Teibel .
A finales de la década de 1960, la compositora francesa Éliane Radigue compuso varias piezas procesando bucles de cinta a partir de la retroalimentación entre dos grabadoras y un micrófono. [28] En la década de 1970, pasó a componer música similar casi exclusivamente con un sintetizador ARP 2500 , y sus composiciones largas y lentas a menudo han sido comparadas con música de drones . [29] [30] En 1969, el grupo COUM Transmissions realizaba experimentos sonoros en escuelas de arte británicas. [31] El álbum Balaklava de 1968 de Pearls Before Swine presenta los sonidos del canto de los pájaros y el ruido del océano, que se convertirían en tropos de la música ambiental". [32]
La música ambiental, que se desarrolló en la década de 1970, surgió de los estilos experimentales y orientados a los sintetizadores de la época.
Entre 1974 y 1976, la compositora estadounidense Laurie Spiegel creó su obra fundamental The Expanding Universe , creada en un sistema híbrido computadora-analógico llamado GROOVE. [33] En 1977, su composición, Music of the Spheres, se incluyó en el Golden Record de las Voyager 1 y 2 . [34]
En abril de 1975, Suzanne Ciani dio dos actuaciones con su sintetizador Buchla : una en la tienda de música WBAI Free y otra en el loft de Phil Niblock . [35] Estas actuaciones se publicaron en un álbum de archivo en 2016 titulado Buchla Concerts 1975 . Según el sello discográfico, estos conciertos fueron en parte una presentación en vivo, en parte una solicitud de subvención y en parte una demostración educativa. [36]
Sin embargo, no fue hasta que Brian Eno acuñó el término a mediados de los años 70 que la música ambiental se definió como género. Eno pasó a grabar Discreet Music de 1975 con esto en mente, sugiriendo que se escuchara a "niveles comparativamente bajos, incluso hasta el punto de que con frecuencia cae por debajo del umbral de audibilidad", [20] refiriéndose a la cita de Satie sobre su música. d'ameublement. [37]
Otros músicos contemporáneos que crearon música de estilo ambiental en ese momento incluyeron músicos de dub jamaicanos como King Tubby , [2] compositores de música electrónica japoneses como Isao Tomita [3] [4] y Ryuichi Sakamoto , así como los paisajes sonoros psicoacústicos de Irv Teibel '. s Environments y bandas experimentales alemanas como Popol Vuh , Cluster , Kraftwerk , Harmonia , Ash Ra Tempel y Tangerine Dream . Mike Orme de Stylus Magazine describe el trabajo de los músicos de la escuela de Berlín como "sentar las bases" del ambient. [38]
No se puede subestimar el impacto que tuvo el auge del sintetizador en la música moderna en el ambiente como género; como dijo Ralf Hutter, de los primeros pioneros de la electrónica Kraftwerk, en una entrevista de Billboard en 1977 : "La electrónica está más allá de las naciones y los colores... con la electrónica todo es posible. El único límite está en el compositor". [39] La Yellow Magic Orchestra desarrolló un estilo distinto de música electrónica ambiental que luego se convertiría en música ambiental house . [40]
Al productor inglés Brian Eno se le atribuye haber acuñado el término "música ambiental" a mediados de la década de 1970. Dijo que otros artistas habían estado creando música similar, pero que "simplemente le di un nombre. Que es exactamente lo que necesitaba... Al nombrar algo creas una diferencia. Dices que esto ahora es real. Los nombres son muy importantes". " [41] Usó el término para describir música que es diferente de formas de música enlatada como Muzak . [42]
En las notas de su álbum de 1978 Ambient 1: Music for Airports , Eno escribió: [43]
Mientras que las compañías de música enlatadas existentes parten de la base de regularizar los entornos cubriendo sus idiosincrasias acústicas y atmosféricas, la música ambiental pretende mejorarlas. Mientras que la música de fondo convencional se produce eliminando todo sentimiento de duda e incertidumbre (y, por tanto, todo interés genuino) de la música, la música ambiental conserva estas cualidades. Y mientras que su intención es "iluminar" el ambiente añadiéndole estímulos (supuestamente aliviando el tedio de las tareas rutinarias y nivelando los altibajos naturales de los ritmos corporales), la música ambiental pretende inducir calma y un espacio para pensar. . La música ambiental debe poder adaptarse a muchos niveles de atención auditiva sin imponer uno en particular; debe ser tan ignorable como interesante.
Eno, que se describe a sí mismo como "no músico", denominó a sus experimentos "tratamientos" en lugar de actuaciones tradicionales. [43] [44]
A finales de los 70, el músico new age Laraaji comenzó a tocar en la calle en parques y aceras de Nueva York, incluido Washington Square Park. Fue allí donde Brian Eno escuchó tocar a Laraaji y le preguntó si le gustaría grabar un álbum. Day of Radiance, lanzado en 1980, fue el tercer álbum de la serie Ambient de Eno. Aunque Laraaji ya había grabado varios álbumes, éste le dio reconocimiento internacional. [45] A diferencia de otros álbumes de la serie, Day of Radiance presentaba principalmente instrumentos acústicos en lugar de electrónicos.
A mediados de la década de 1980, las posibilidades de crear un paisaje sonoro aumentaron mediante el uso del sampling . A finales de la década de 1980, hubo un fuerte aumento en la incorporación de la computadora en el proceso de escritura y grabación de registros. La plataforma Macintosh de dieciséis bits con sonido incorporado y modelos IBM comparables se encontrarían en los estudios y hogares de músicos y fabricantes de discos. [46]
Sin embargo, muchos artistas todavía trabajaban con sintetizadores analógicos e instrumentos acústicos para producir obras ambientales.
En 1983, Midori Takada grabó su primer LP en solitario A través del espejo en dos días. Interpretó todas las partes del álbum, con instrumentación diversa que incluye percusión, marimba, gong, órgano de lengüeta, campanas, ocarina, vibráfono, piano y botellas de vidrio de Coca-Cola. [47]
Entre 1988 y 1993, Éliane Radigue realizó obras de tres horas de duración con el ARP 2500 que posteriormente se publicaron juntas como La Trilogie De La Mort . [48]
También en 1988, Pauline Oliveros , miembro fundadora y directora del San Francisco Tape Music Center , acuñó el término " escucha profunda " después de grabar un álbum dentro de una enorme cisterna subterránea en Washington que tiene un tiempo de reverberación de 45 segundos. El concepto de escucha profunda pasó a convertirse en "una estética basada en principios de improvisación, música electrónica, ritual, enseñanza y meditación". [49]
A principios de la década de 1990, artistas como Orb , Aphex Twin , Seefeel , Irresistible Force , Biosphere y Higher Intelligence Agency obtuvieron éxito comercial y la prensa musical popular se refería a ellos como ambient house , ambient techno , IDM o simplemente. "ambiente". El término chillout surgió de la cultura británica del éxtasis , que se aplicó originalmente en "salas chillout" relajadas y de ritmo lento fuera de la pista de baile principal, donde se tocaban ritmos ambientales, dub y downtempo para aliviar la mente viajera . [50] [51]
Artistas británicos como Aphex Twin (en concreto: Selected Ambient Works Volume II , 1994), Global Communication ( 76:14 , 1994), The Future Sound of London ( Lifeforms , 1994, ISDN , 1994), The Black Dog ( Temple of Transparent Balls , 1993), Autechre ( Incunables , 1993, Amber , 1994), Boards of Canada y The KLF 's Chill Out , (1990), participaron en la popularización y diversificación de la música ambiental, donde se utilizó como un respiro relajante. de la intensidad del hardcore y techno popular de aquella época. [50]
Otros artistas ambientales globales de la década de 1990 incluyen a los compositores estadounidenses Stars of the Lid (que lanzaron cinco álbumes durante esta década) y al artista japonés Susumu Yokota , cuyo álbum Sakura (1999) presentó lo que la revista Pitchfork llamó "guitarra procesada y de ensueño como una herramienta de sonido distintiva". ". [52]
Desde finales de la década de 2000 hasta el presente, la música ambiental también obtuvo un amplio reconocimiento en YouTube , con piezas cargadas, que generalmente duran entre una y ocho horas, y que obtuvieron millones de visitas. Estos videos generalmente se titulan o se conocen generalmente como "música relajante" y pueden estar influenciados por otros géneros musicales . Los videos ambientales ayudan a los oyentes en línea a practicar yoga , estudiar , dormir (ver música y dormir ), masajes , meditación y a ganar optimismo , inspiración y crear una atmósfera pacífica en sus habitaciones u otros entornos. [53] Muchos videos ambientales subidos tienden a estar influenciados por la biomúsica donde presentan sonidos de la naturaleza , aunque los sonidos se modifican con reverberaciones y unidades de retardo para crear versiones espaciales de los sonidos como parte del ambiente. Estos sonidos naturales a menudo incluyen los de una playa , selva tropical , tormentas eléctricas y lluvia , entre otros, y también se utilizan vocalizaciones de animales como cantos de pájaros . Las piezas que contienen ritmos binaurales también son cargas comunes y populares, que brindan musicoterapia y manejo del estrés al oyente. [54] [55] [un]
iTunes y Spotify tienen estaciones de radio digitales que presentan música ambiental, que en su mayoría son producidas por sellos independientes . [5]
La música ambiental aclamada de esta época (según la revista Pitchfork ) incluye obras de Max Richter , Julianna Barwick , Grouper , William Basinski , Oneohtrix Point Never y The Caretaker . [59] [60] [61] [62] En 2011, la compositora estadounidense Liz Harris, que grababa como Grouper , lanzó el álbum AIA: Alien Observer , incluido por Pitchfork en el puesto 21 de sus "50 mejores álbumes ambientales de todos los tiempos". [63] En 2011, Julianna Barwick lanzó su primer álbum de larga duración, The Magic Place . Fuertemente influenciada por sus experiencias infantiles en el coro de una iglesia, Barwick entrelaza su voz sin palabras en paisajes sonoros etéreos. [64] Fue incluido en el número 30 de los 50 mejores álbumes ambientales de todos los tiempos de Pitchfork. [63] Después de varios álbumes autoeditados, la compositora, productora e intérprete de Buchla, Kaitlyn Aurelia Smith, firmó con el sello discográfico independiente Western Vinyl en 2015. [65] En 2016, lanzó su segundo álbum oficial, EARS . Combinó el sintetizador Buchla con instrumentos tradicionales y sus composiciones fueron comparadas con las de Laurie Spiegel y Alice Coltrane . [66] Kaitlyn también ha colaborado con otra conocida intérprete de Buchla, Suzanne Ciani . [67] El álbum Free de Iggy Pop de 2019 presenta paisajes sonoros ambientales. [68] Mallsoft , un subgénero de vaporwave , presenta varias influencias ambientales, con artistas como Cat System Corp. y Groceries explorando sonidos ambientales típicos de centros comerciales y tiendas de comestibles. [69]
Ambient dub es una fusión de música ambiental con dub . El término fue acuñado por primera vez por el ahora desaparecido sello de Birmingham "Beyond Records" a principios de la década de 1990. El sello lanzó una serie de álbumes Ambient Dub Volumen 1 a 4 que inspiraron a muchos artistas, incluido Bill Laswell , quien usó la misma frase en su proyecto musical Divination, donde colaboró con otros artistas del género. El dub ambiental adopta estilos de dub que se hicieron famosos por King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos desde la década de 1960 hasta principios de la de 1970, utilizando electrónica ambiental inspirada en DJ, completa con todos los abandonos, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos inherentes. A menudo presenta técnicas de capas e incorpora elementos de músicas del mundo, líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. [2] Según David Toop , "la música dub es como un largo eco retardado, que recorre el tiempo... convirtiendo el orden racional de las secuencias musicales en un océano de sensaciones". [70] Artistas notables dentro del género incluyen Dreadzone , Higher Intelligence Agency , the Orb , Gaudí , [71] Ott , Loop Guru , Woob y Transglobal Underground [72] así como Banco de Gaia y Leyland Kirby .
Ambient house es una categoría musical fundada a finales de la década de 1980 que se utiliza para describir el acid house que presenta atmósferas y elementos de música ambiental. [73] Las pistas del género ambient house suelen presentar ritmos de cuatro en el suelo , pads de sintetizador y muestras vocales integradas en un estilo atmosférico. [73] Las pistas de Ambient House generalmente carecen de un centro diatónico y presentan mucha atonalidad junto con acordes sintetizados. El Brainvoyager holandés es un ejemplo de este género. Illbient es otra forma de música house ambiental.
El techno ambiental es una categoría musical que surgió a finales de la década de 1980 y que se utiliza para describir atmósferas de música ambiental con los elementos rítmicos y melódicos del techno . [74] Los artistas notables incluyen Aphex Twin , B12 , Autechre y Black Dog .
El ambiente industrial es un género híbrido de música industrial y ambiental. [75] Un trabajo industrial ambiental "típico" (si existe tal cosa) podría consistir en la evolución de armonías disonantes de zumbidos y resonancias metálicas, retumbos de frecuencias extremadamente bajas y ruidos de máquinas, tal vez complementados con gongs , ritmos de percusión, rugidos y voces distorsionadas. o cualquier otra cosa que el artista quisiera probar (a menudo procesada hasta el punto en que la muestra original ya no es reconocible). [75] Obras enteras pueden estar basadas en grabaciones de radiotelescopios , el balbuceo de bebés recién nacidos o sonidos grabados a través de micrófonos de contacto en cables de telégrafo. [75]
El pop ambiental es un estilo que se desarrolló en las décadas de 1980 y 1990 al mismo tiempo que el post-rock ; También ha sido considerado como una extensión del movimiento dream pop y el estilo atmosférico del shoegaze . Incorpora estructuras que son comunes al rock y la música pop mientras explora "texturas y atmósferas electrónicas que reflejan las cualidades hipnóticas y meditativas de la música ambiental", que también es fundamental para la música electrónica indie . [76] El pop ambiental utiliza la experimentación musical de la psicodelia y los rasgos repetitivos del minimalismo , el krautrock y el techno como influencias predominantes. A pesar de ser una extensión del dream pop, se distingue por su adopción de "modismos electrónicos contemporáneos, incluido el sampleo , aunque en su mayor parte los instrumentos en vivo continúan definiendo el sonido". [76]
La Trilogía de Berlín de David Bowie con el pionero de la música ambiental Brian Eno , quienes se inspiraron durante la producción de los álbumes de la trilogía en bandas alemanas de música kosmische y compositores minimalistas, [77] fue considerada una influencia en el pop ambiental. La canción "Red Sails" del tercer álbum de la trilogía, Lodger (1979), ha sido descrita retroactivamente como una "pieza de pop ambiental", que incorpora de manera destacada un ritmo de batería motorik . [78] La canción de la banda inglesa de art rock Japan "Taking Islands in Africa" de Gentlemen Take Polaroids (1980) fue descrita por el crítico de AllMusic Stewart Mason como un pronóstico de "la dirección del pop ambiental que Japón (y el líder David Sylvian ) tomaría para el resto de sus carreras". [79]
El álbum de 1995 de la banda de dream pop Slowdive, Pygmalion, incorporó en gran medida elementos de electrónica ambiental y psicodelia, [80] que influyó en muchas bandas de pop ambiental y posteriormente fue considerado como un álbum histórico en el género; [81] El crítico de Pitchfork, Nitsuh Abebe, describió las canciones del álbum como "sueños de pop ambiental que tienen más en común con [bandas] de post-rock como Disco Inferno que con shoegazers como Ride ". [82] [83] El género continuó progresando estilísticamente en la década de 2000 con bandas como Broadcast , Múm , Dntel y Postal Service . [84]
La visión original de Brian Eno de la música ambiental como un papel tapiz musical discreto, luego fusionada con cálidos ritmos house y dotada de cualidades lúdicas gracias al Orb en la década de 1990, encontró su opuesto en el estilo conocido como dark ambient. Poblado por una amplia variedad de personalidades, que van desde veteranos experimentadores industriales y del metal ( Mick Harris de Scorn , David Tibet de Current 93 , Steven Stapleton de Nurse with Wound ) hasta cerebritos de la electrónica ( Kim Cascone /PGR, Psychick Warriors Ov Gaia). ), artistas de noise japoneses ( KK Null , Merzbow ) y rockeros indie de los últimos tiempos ( Main , Bark Psychosis ): características ambientales oscuras con ritmos atenuados o completamente ausentes con pasajes de teclados inquietantes, muestras espeluznantes y efectos de guitarra tratados. Como la mayoría de los estilos relacionados de alguna manera con la música electrónica/dance de los años 90, es un término muy nebuloso; Muchos artistas entran o salen del estilo con cada lanzamiento sucesivo. [85] Los estilos relacionados incluyen ambiente industrial (ver más abajo) y ambiente aislacionista.
La música espacial, también escrita "Spacemusic", incluye música del género ambiental, así como una amplia gama de otros géneros con ciertas características en común para crear la experiencia de amplitud contemplativa. [86] [87] [88]
La música espacial varía desde texturas sonoras simples hasta complejas que a veces carecen de componentes melódicos, rítmicos o vocales convencionales, [89] [90] generalmente evoca una sensación de "continuo de imágenes y emociones espaciales", [91] introspección beneficiosa, escucha profunda [92 ] y sensaciones de flotar, navegar o volar. [93] [94]
La música espacial es utilizada por individuos tanto para mejorar el fondo como para escuchar en primer plano, a menudo con auriculares, para estimular la relajación, la contemplación, la inspiración y, en general, estados de ánimo expansivos y pacíficos [95] y paisajes sonoros . La música espacial también es un componente de muchas bandas sonoras de películas y se usa comúnmente en planetarios , como ayuda para la relajación y la meditación . [96]
{{cite book}}: Mantenimiento CS1: otros ( enlace ){{cite book}}: Mantenimiento de CS1: falta la ubicación del editor ( enlace ) Mantenimiento de CS1: otros ( enlace ){{cite web}}: Mantenimiento CS1: URL no apta ( enlace )... Originalmente una referencia de la década de 1970 a la conjunción de la electrónica ambiental y nuestras visiones en expansión del espacio cósmico ... De hecho, casi cualquier música con un ritmo lento e imágenes sonoras que creen espacio podría llamarse música espacial.