El arte japonés consta de una amplia gama de estilos y medios artísticos que incluyen cerámica antigua , escultura , pintura con tinta y caligrafía sobre seda y papel, pinturas ukiyo-e y grabados en madera , cerámica , origami , bonsái y, más recientemente , manga y anime . Tiene una larga historia, que abarca desde los comienzos de la presencia humana en Japón, en algún momento del décimo milenio a. C., hasta la actualidad.
Japón ha alternado entre períodos de exposición a nuevas ideas y largos períodos de contacto mínimo con el mundo exterior. Con el tiempo, el país absorbió, imitó y finalmente asimiló elementos de la cultura extranjera que complementaban las preferencias estéticas ya existentes. El arte complejo más antiguo de Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo . En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollar formas de expresión autóctonas, las artes seculares se volvieron cada vez más importantes; hasta finales del siglo XV, florecieron tanto las artes religiosas como las seculares. Después de la Guerra de Ōnin (1467-1477), Japón entró en un período de agitación política, social y económica que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa , la religión organizada jugó un papel mucho menos importante en la vida de las personas, y las artes que sobrevivieron fueron principalmente seculares. El período Meiji (1868-1912) fue testigo de una abrupta llegada de estilos occidentales, que siguieron siendo importantes.
La pintura es la expresión artística preferida en Japón, practicada tanto por aficionados como por profesionales. Hasta los tiempos modernos, los japoneses escribían con un pincel en lugar de una pluma , y su familiaridad con las técnicas del pincel los ha hecho particularmente sensibles a los valores y la estética de la pintura. Con el auge de la cultura popular en el período Edo , el ukiyo-e , un estilo de grabados en madera, se convirtió en una forma importante y sus técnicas se afinaron para crear imágenes coloridas producidas en masa; a pesar del orgullo tradicional de la pintura, estos grabados demostraron ser fundamentales en el diálogo del mundo occidental del siglo XIX con el arte japonés . Los japoneses, en este período, encontraron en la escultura un medio mucho menos simpático para la expresión artística: la mayoría de las esculturas japonesas de gran tamaño están asociadas con la religión , y el uso del medio disminuyó con la disminución de la importancia del budismo tradicional.
La cerámica japonesa se encuentra entre las mejores del mundo e incluye los artefactos japoneses más antiguos conocidos; la porcelana japonesa de exportación ha sido una industria importante en varios puntos. La laca japonesa también es una de las principales artes y artesanías del mundo, y las obras decoradas magníficamente con maki-e se exportaron a Europa y China, y siguieron siendo exportaciones importantes hasta el siglo XIX. [1] [2] En arquitectura , las preferencias japonesas por los materiales naturales y una interacción del espacio interior y exterior se expresan claramente.
Los primeros pobladores de Japón fueron los Jōmon ( c. 10.500 – c. 300 a. C. ), [3] llamados así por las marcas de cuerda que decoraban las superficies de sus vasijas de arcilla, eran cazadores-recolectores nómadas que más tarde practicaron la agricultura organizada y construyeron ciudades con poblaciones de cientos, si no miles. Construyeron casas sencillas de madera y paja colocadas en pozos de tierra poco profundos para proporcionar calor del suelo. Fabricaron vasijas de cerámica profusamente decoradas , figurillas de arcilla llamadas dogū y joyas de cristal.
Durante el período Jōmon temprano (5000–2500 a. C.), [3] comenzaron a descubrirse aldeas y se encontraron objetos cotidianos como ollas de cerámica para hervir agua. Las ollas encontradas durante esta época tenían fondos planos y diseños elaborados hechos de materiales como el bambú. Se cree que algunas de las primeras figurillas Jōmon pueden haber sido utilizadas como objetos de fertilidad debido a sus pechos y caderas anchas. [3]
El período Jōmon Medio (2500–1500 a. C.) [3] se diferenciaba del período Jōmon Temprano en muchos aspectos. Estas personas eran menos nómadas y comenzaron a asentarse en aldeas. Crearon herramientas útiles para procesar los alimentos que recolectaban y cazaban, lo que les hacía la vida más fácil. A través de la gran cantidad de cerámicas estéticamente agradables encontradas durante este período, es evidente que tenían una economía estable y más tiempo libre. Además, la gente del período Jōmon Medio se diferenciaba de sus antepasados en el desarrollo de vasijas para funciones específicas, por ejemplo, ollas para almacenamiento. [3] Las decoraciones de estas vasijas eran más realistas que las de la cerámica Jōmon temprana. [3]
Durante el período Jōmon Tardío y Final (1500-300 a. C.), [3] el clima se volvió más frío, lo que impulsó a los colonos a alejarse de las montañas. La principal fuente de alimento era el pescado, lo que los llevó a desarrollar herramientas y técnicas de pesca. Además, el aumento en el número de vasijas sugiere que cada hogar tenía su propio stock. Algunas vasijas encontradas durante el período Jōmon Tardío y Final estaban dañadas, lo que podría indicar que se usaban para rituales. Además, se encontraron figurillas con cuerpos carnosos distintivos y ojos saltones. [3]
Figuras de Dogū
Dogū ("figura de barro") son pequeñas figuras humanoides y animales que datan del final del período Jōmon . [4] Se produjeron en todo Japón, excepto Okinawa . [4] Según algunos estudiosos, los dogū eran efigies de personas y podrían haber sido utilizados en magia simpática . [5] Los dogū son pequeñas figuras de arcilla , típicamente de 10 a 30 centímetros (4 a 12 pulgadas) de alto. [6] La mayoría son mujeres, con ojos grandes, cinturas pequeñas y caderas anchas. [4] Muchas tienen barrigas grandes, lo que sugiere que eran diosas madres . [6]
La siguiente ola de inmigrantes fue la del pueblo Yayoi , llamado así por el distrito de Tokio donde se encontraron los primeros restos de sus asentamientos. Este pueblo, que llegó a Japón alrededor del año 300 a. C., [7] trajo consigo su conocimiento del cultivo de arroz en humedales, la fabricación de armas de cobre y campanas de bronce ( dōtaku ) y cerámica hecha a torno y cocida en horno .
La tercera etapa de la prehistoria japonesa, el período Kofun (c. 300 – 710 d. C.), [3] representa una modificación de la cultura Yayoi , atribuible ya sea al desarrollo interno o a la fuerza externa. Este período es más notable por su cultura de tumbas y otros artefactos como espejos de bronce y esculturas de arcilla llamadas haniwa que se erigieron fuera de estas tumbas. A lo largo del período Kofun, las características de estas tumbas evolucionaron desde tumbas más pequeñas erigidas en las cimas de las colinas y crestas hasta tumbas mucho más grandes construidas en terrenos planos. [8] La tumba más grande de Japón, la tumba del emperador Nintoku , alberga 46 túmulos funerarios y tiene forma de ojo de cerradura, [9] una característica distintiva que se encuentra en las tumbas Kofun posteriores. [8]
Durante los períodos Asuka y Nara , llamados así porque la sede del gobierno japonés estaba situada en el valle de Asuka desde 542 hasta 645 [3] y en la ciudad de Nara hasta 784, tuvo lugar la primera afluencia significativa de cultura asiática continental en Japón.
La transmisión del budismo proporcionó el impulso inicial para los contactos entre China y Japón. Los japoneses reconocieron las facetas de la cultura china que podrían incorporarse de manera provechosa a la suya: un sistema para convertir ideas y sonidos en escritos; la historiografía ; teorías complejas de gobierno, como una burocracia eficaz ; y, lo más importante para las artes, nuevas tecnologías, nuevas técnicas de construcción, métodos más avanzados de fundición en bronce y nuevas técnicas y medios para la pintura.
Sin embargo, durante los siglos VII y VIII, el principal foco de los contactos entre Japón y el continente asiático fue el desarrollo del budismo. No todos los eruditos están de acuerdo en las fechas significativas y los nombres apropiados para aplicar a los diversos períodos de tiempo entre 552, la fecha oficial de la introducción del budismo en Japón, y 784, cuando la capital japonesa fue trasladada desde Nara. Las designaciones más comunes son el período Suiko, 552-645; el período Hakuhō , 645-710, y el período Tenpyō, 710-784.
Las primeras esculturas japonesas de Buda datan de los siglos VI y VII. [10] En última instancia, derivan del arte grecobudista de Gandhara del siglo I al III d. C. , caracterizado por patrones de vestimenta fluidos y representación realista, [11] en el que se superpusieron rasgos artísticos chinos. Después de que el arte budista chino del norte de Wei se infiltrara en la península de Corea, varios grupos de inmigrantes trajeron íconos budistas a Japón. [12] En particular, la forma semisentada de Maitreya se adaptó a un estilo de arte griego antiguo altamente desarrollado que se transmitió a Japón, como lo evidencian las estatuas de Kōryū-ji Miroku Bosatsu y Chūgū-ji Siddhartha . [13] Muchos historiadores retratan a Corea como un mero transmisor del budismo. [14] Los Tres Reinos, y en particular Baekje, fueron agentes activos en la introducción y formación de una tradición budista en Japón en 538 o 552. [15] Ilustran el punto final de la transmisión del arte a través de la Ruta de la Seda durante los primeros siglos de nuestra era. Otros ejemplos se pueden encontrar en el desarrollo de la iconografía del dios del viento japonés Fūjin , [16] los guardianes Niō , [17] y los patrones florales casi clásicos en las decoraciones de los templos. [18]
Las primeras estructuras budistas que aún se conservan en Japón y los edificios de madera más antiguos del Lejano Oriente se encuentran en el Hōryū-ji, al suroeste de Nara. Construido por primera vez a principios del siglo VII como templo privado del príncipe heredero Shōtoku , consta de 41 edificios independientes. Los más importantes, la sala de culto principal, o Kondō (salón dorado), y Gojū-no-tō ( pagoda de cinco pisos ), se encuentran en el centro de un área abierta rodeada por un claustro techado. El Kondō , al estilo de las salas de culto chinas , es una estructura de dos pisos de construcción de postes y vigas, rematada por un irimoya , o techo a dos aguas de tejas de cerámica.
En el interior del Kondō , sobre una gran plataforma rectangular, se encuentran algunas de las esculturas más importantes de la época. La imagen central es una Trinidad Shaka (623), el Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas , escultura fundida en bronce por el escultor Tori Busshi (floreció a principios del siglo VII) en homenaje al recientemente fallecido príncipe Shōtoku. En las cuatro esquinas de la plataforma se encuentran los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones , tallados en madera alrededor del año 650. También se encuentra en Hōryū-ji el Santuario Tamamushi , una réplica de madera de un Kondō , que se encuentra sobre una base alta de madera que está decorada con pinturas figurativas ejecutadas en un medio de pigmentos minerales mezclados con laca.
La construcción de templos en el siglo VIII se centró en el Tōdai-ji en Nara. Construido como sede de una red de templos en cada una de las provincias, el Tōdaiji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los primeros siglos del culto budista en Japón. Apropiadamente, el Buda de 16,2 m (53 pies) (completado en 752) consagrado en la sala principal del Buda, o Daibutsuden , es un Buda Rushana, la figura que representa la esencia de la Budeidad, al igual que el Tōdaiji representó el centro del budismo patrocinado por el Imperio y su difusión en todo Japón. Solo sobreviven unos pocos fragmentos de la estatua original, y la sala actual y el Buda central son reconstrucciones del período Edo .
Alrededor del Daibutsuden, en una ladera de suave pendiente, se encuentran varias salas secundarias: el Hokke-dō (Sala del Sutra del Loto), con su imagen principal, el Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, el bodhisattva más popular), elaborado con laca seca (tela sumergida en laca y moldeada sobre una armadura de madera); el Kaidanin (戒壇院, Sala de Ordenación) con sus magníficas estatuas de arcilla de los Cuatro Reyes Guardianes ; y el almacén, llamado Shōsōin . Esta última estructura es de gran importancia como depósito histórico-artístico, porque en ella se almacenan los utensilios que se utilizaron en la ceremonia de dedicación del templo en 752, el ritual de apertura de los ojos de la imagen de Rushana, así como documentos gubernamentales y muchos objetos seculares propiedad de la familia imperial.
Se cree que el Choukin (o chōkin ), el arte del grabado o escultura en metal, comenzó en el período Nara. [19] [20]
En 794 la capital de Japón fue trasladada oficialmente a Heian-kyō (actual Kioto ), donde permaneció hasta 1868. El término periodo Heian se refiere a los años entre 794 y 1185, cuando se estableció el shogunato Kamakura al final de la Guerra Genpei . El periodo se divide a su vez en Heian temprano y Heian tardío, o era Fujiwara , siendo la fecha clave 894, el año en que se interrumpieron oficialmente las embajadas imperiales en China .
Arte Heian temprano: En reacción a la creciente riqueza y poder del budismo organizado en Nara, el sacerdote Kūkai (más conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) viajó a China para estudiar Shingon , una forma de budismo Vajrayana , que introdujo en Japón en 806. En el centro del culto a Shingon se encuentran los mandalas , diagramas del universo espiritual, que luego comenzaron a influir en el diseño de los templos. La arquitectura budista japonesa también adoptó la estupa , originalmente una forma arquitectónica india , en su pagoda de estilo chino.
Los templos erigidos para esta nueva secta se construyeron en las montañas, lejos de la Corte y de los laicos en la capital. La topografía irregular de estos sitios obligó a los arquitectos japoneses a replantearse los problemas de la construcción de templos y, al hacerlo, a elegir elementos de diseño más autóctonos. Los techos de corteza de ciprés sustituyeron a los de tejas de cerámica, se utilizaron tablones de madera en lugar de suelos de tierra y se añadió una zona de culto separada para los laicos frente al santuario principal.
El templo que mejor refleja el espíritu de los primeros templos Shingon de Heian es el Murō-ji (principios del siglo IX), situado en lo profundo de un bosque de cipreses en una montaña al sureste de Nara. La imagen de madera (también de principios del siglo IX) de Shakyamuni , el Buda "histórico", consagrada en un edificio secundario en el Murō-ji , es típica de la escultura Heian temprana, con su cuerpo pesado, cubierto por gruesos pliegues de tela tallados en el estilo honpa-shiki (ola ondulante), y su expresión facial austera y retraída.
Arte Fujiwara: En el período Fujiwara , se hizo popular el budismo de la Tierra Pura , que ofrecía una salvación fácil a través de la creencia en Amida (el Buda del Paraíso Occidental). Este período recibe su nombre de la familia Fujiwara , entonces la más poderosa del país, que gobernaba como regentes del Emperador, convirtiéndose, en efecto, en dictadores civiles. Al mismo tiempo, la nobleza de Kioto desarrolló una sociedad dedicada a la búsqueda de la estética elegante. Su mundo era tan seguro y hermoso que no podían concebir que el Paraíso fuera muy diferente. Crearon una nueva forma de sala de Buda, la sala Amida, que mezcla lo secular con lo religioso y alberga una o más imágenes de Buda dentro de una estructura que se asemeja a las mansiones de la nobleza.
El Hō-ō-dō (Salón del Fénix, terminado en 1053) del Byōdō-in , un templo en Uji al sureste de Kioto, es el ejemplo de los salones Fujiwara Amida. Consiste en una estructura rectangular principal flanqueada por dos corredores laterales en forma de L y un corredor de cola, situado al borde de un gran estanque artificial. En el interior, una única imagen dorada de Amida ( c. 1053 ) está instalada en una plataforma alta. La escultura de Amida fue ejecutada por Jōchō , que utilizó un nuevo canon de proporciones y una nueva técnica ( yosegi ), en la que se tallan múltiples piezas de madera como conchas y se unen desde el interior. Aplicadas a las paredes del salón hay pequeños relieves tallados de celestiales, la hueste que se cree que acompañó a Amida cuando descendió del Paraíso Occidental para reunir las almas de los creyentes en el momento de la muerte y transportarlas en flores de loto al Paraíso. Las pinturas Raigō en las puertas de madera del Hō-ō-dō, que representan el Descenso del Buda Amida, son un ejemplo temprano de Yamato-e , pintura de estilo japonés, y contienen representaciones del paisaje alrededor de Kioto.
E-maki : En el último siglo del periodo Heian, el rollo narrativo horizontal ilustrado, conocido como e-maki (絵巻, lit. "rollo de imágenes"), cobró protagonismo. El Genji Monogatari Emaki , un famoso cuento ilustrado de Genji, que data de alrededor de 1130, representa el rollo yamato-e más antiguo que se conserva y uno de los puntos culminantes de la pintura japonesa. Escrita alrededor del año 1000 por Murasaki Shikibu , una dama de compañía de la emperatriz Shōshi , la novela trata de la vida y los amores de Genji y del mundo de la corte Heian después de su muerte. Los artistas del siglo XII de la versión e-maki idearon un sistema de convenciones pictóricas que transmiten visualmente el contenido emocional de cada escena. En la segunda mitad del siglo, se hizo popular un estilo diferente y más animado de ilustración narrativa continua. El Ban Dainagon Ekotoba (finales del siglo XII), un pergamino que trata de una intriga en la corte, enfatiza figuras en movimiento activo representadas con pinceladas ejecutadas rápidamente y colores finos pero vibrantes.
Los e-maki también son algunos de los primeros y más grandes ejemplos de los estilos de pintura otoko-e ("pinturas de hombres") y onna-e ("pinturas de mujeres"). Existen muchas diferencias sutiles entre ambos estilos, que apelan a las preferencias estéticas de ambos sexos. Pero quizás lo más fácil de notar son las diferencias en la temática. El onna-e , ejemplificado por el rollo de mano La historia de Genji, generalmente trata sobre la vida en la corte, en particular sobre las damas de la corte, y sobre temas románticos. El otoko-e a menudo registraba eventos históricos, en particular batallas. El asedio del palacio Sanjō (1160), representado en la sección "Ataque nocturno al palacio Sanjō" del rollo de mano Heiji Monogatari es un ejemplo famoso de este estilo.
En 1180, estalló una guerra entre los dos clanes guerreros más poderosos: los Taira y los Minamoto ; cinco años después, los Minamoto salieron victoriosos y establecieron una sede de facto del gobierno en el pueblo costero de Kamakura , donde permaneció hasta 1333. Con el cambio de poder de la nobleza a la clase guerrera, las artes tuvieron que satisfacer a un nuevo público: hombres dedicados a las habilidades de la guerra, sacerdotes comprometidos con hacer que el budismo estuviera disponible para los plebeyos analfabetos y conservadores, la nobleza y algunos miembros del sacerdocio que lamentaban el poder en declive de la corte. Así, el realismo, una tendencia popularizadora y un renacimiento clásico caracterizan el arte del período Kamakura . En el período Kamakura, Kioto y Nara siguieron siendo los centros de producción artística y alta cultura.
Escultura: La escuela de escultores Kei, en particular Unkei , creó un nuevo estilo de escultura más realista. Las dos imágenes de guardianes Niō (1203) en la Gran Puerta Sur del Tōdai-ji en Nara ilustran el dinámico estilo suprarrealista de Unkei. Las imágenes, de unos 8 m (unos 26 pies) de altura, fueron talladas a partir de múltiples bloques en un período de unos tres meses, una hazaña indicativa de un sistema de estudio desarrollado de artesanos que trabajaban bajo la dirección de un escultor maestro. Las esculturas de madera policromada de Unkei (1208, Kōfuku-ji , Nara) de dos sabios indios, Muchaku y Seshin , los legendarios fundadores de la secta Hossō , se encuentran entre las obras realistas más logradas del período; tal como las representó Unkei, son imágenes notablemente individualizadas y creíbles. Una de las obras más famosas de este período es una Tríada de Amitabha (completada en 1195), en Jōdo-ji en Ono , creada por Kaikei , el sucesor de Unkei.
Caligrafía y pintura: El Kegon Engi Emaki , la historia ilustrada de la fundación de la secta Kegon , es un excelente ejemplo de la tendencia popularizadora en la pintura de Kamakura. La secta Kegon, una de las más importantes en el período Nara, atravesó tiempos difíciles durante el ascenso de las sectas de la Tierra Pura . Después de la Guerra Genpei (1180-1185), el sacerdote Myōe de Kōzan-ji intentó revivir la secta y también proporcionar un refugio para las mujeres viudas por la guerra. A las esposas de los samuráis se les había desalentado de aprender más que un sistema silabario para transcribir sonidos e ideas (véase kana ), y la mayoría eran incapaces de leer textos que emplearan ideogramas chinos ( kanji ).
De esta forma, el Kegon Engi Emaki combina pasajes de texto, escritos con un máximo de sílabas de fácil lectura, e ilustraciones que tienen el diálogo entre personajes escrito al lado de los hablantes, una técnica comparable a las tiras cómicas contemporáneas. La trama del e-maki , las vidas de los dos sacerdotes coreanos que fundaron la secta Kegon, tiene un ritmo rápido y está llena de hazañas fantásticas como un viaje al palacio del Rey del Océano y una conmovedora historia de mamá. [ aclaración necesaria ]
Una obra de estilo más conservador es la versión ilustrada del diario de Murasaki Shikibu . Se siguieron produciendo versiones e-maki de su novela, pero la nobleza, en sintonía con el nuevo interés por el realismo pero nostálgica de los días pasados de riqueza y poder, resucitó e ilustró el diario para recuperar el esplendor de la época de la autora. Uno de los pasajes más hermosos ilustra el episodio en el que Murasaki Shikibu es retenida juguetonamente prisionera en su habitación por dos jóvenes cortesanos, mientras, afuera, la luz de la luna brilla en las orillas cubiertas de musgo de un riachuelo en el jardín imperial.
Durante el período Muromachi (1338-1573), también llamado período Ashikaga, se produjo un profundo cambio en la cultura japonesa. El clan Ashikaga tomó el control del shogunato y trasladó su sede de nuevo a Kioto, al distrito Muromachi de la ciudad. Con el regreso del gobierno a la capital, las tendencias popularizadoras del período Kamakura llegaron a su fin y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático y elitista. El budismo zen , la secta Ch'an que tradicionalmente se cree que se fundó en China en el siglo VI, se introdujo por segunda vez en Japón y echó raíces.
Pintura: Debido a las empresas seculares y a las misiones comerciales a China organizadas por los templos zen, se importaron a Japón muchas pinturas y objetos de arte chinos que influyeron profundamente en los artistas japoneses que trabajaban para los templos zen y el shogunato. Estas importaciones no solo cambiaron el tema de la pintura, sino que también modificaron el uso del color; los colores brillantes del Yamato-e dieron paso a los monocromos de la pintura al estilo chino, donde las pinturas generalmente solo tienen blanco y negro o diferentes tonos de un solo color.
Típica de la pintura Muromachi temprana es la representación del monje legendario Kensu (Hsien-tzu en chino) en el momento en que alcanzó la iluminación, realizada por el sacerdote pintor Kao (activo a principios del siglo XV) . Este tipo de pintura se ejecutó con pinceladas rápidas y un mínimo de detalle. La captura de un siluro con una calabaza (principios del siglo XV, Taizō-in , Myōshin-ji , Kioto), del sacerdote pintor Josetsu (activo hacia 1400 ), marca un punto de inflexión en la pintura Muromachi. Realizada originalmente para un biombo bajo, se ha vuelto a montar como un pergamino colgante con inscripciones de personajes contemporáneos encima, uno de los cuales se refiere a la pintura como parte del "nuevo estilo". En primer plano se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran siluro resbaladizo. La niebla llena el plano medio y las montañas del fondo parecen estar muy lejos. Se asume generalmente que el "nuevo estilo" de la pintura, ejecutada alrededor de 1413, hace referencia a un sentido más chino de espacio profundo dentro del plano de la imagen.
Los artistas más destacados del periodo Muromachi son los sacerdotes pintores Shūbun y Sesshū . Shūbun, un monje del templo Shōkoku-ji de Kioto , creó en la pintura Leyendo en un bosque de bambú (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china en su origen. Paisaje de las cuatro estaciones ( Sansui Chokan ; c. 1486 ) es una de las obras más logradas de Sesshu, que representa un paisaje continuo a lo largo de las cuatro estaciones.
En el período Azuchi-Momoyama (1573-1603), una sucesión de líderes militares, como Oda Nobunaga , Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu , intentaron traer paz y estabilidad política a Japón después de una era de casi 100 años de guerra. Oda, un jefe menor, adquirió poder suficiente para tomar el control de facto del gobierno en 1568 y, cinco años después, derrocar al último shōgun Ashikaga. Hideyoshi tomó el mando después de la muerte de Oda, pero sus planes de establecer un gobierno hereditario fueron frustrados por Ieyasu, quien estableció el shogunato Tokugawa en 1603.
Pintura: La escuela de pintura más importante del periodo Momoyama fue la de Kanō , y la mayor innovación del periodo fue la fórmula, desarrollada por Kanō Eitoku , para la creación de paisajes monumentales en las puertas corredizas que encierran una habitación. La decoración de la sala principal que da al jardín del Jukō-in , un subtemplo de Daitoku-ji (un templo zen en Kioto), es quizás el mejor ejemplo existente de la obra de Eitoku. Un enorme árbol ume y pinos gemelos están representados en pares de biombos corredizos en esquinas diagonalmente opuestas, sus troncos repiten las verticales de los postes de las esquinas y sus ramas se extienden a izquierda y derecha, unificando los paneles adyacentes. El biombo de Eitoku, Leones chinos , también en Kioto, revela el estilo de pintura audaz y de colores brillantes preferido por los samuráis.
Hasegawa Tōhaku , contemporáneo de Eitoku, desarrolló un estilo algo diferente y más decorativo para pinturas de biombos a gran escala. En su Biombo de arce (楓図), que ahora se encuentra en el templo de Chishaku-in (ja:智積院), Kioto, colocó el tronco del árbol en el centro y extendió las ramas casi hasta el borde de la composición, creando una obra más plana y menos arquitectónica que la de Eitoku, pero una pintura visualmente hermosa. Su biombo séxtuple, Madera de pino (松林図), es una representación magistral en tinta monocromática de un bosque de árboles envueltos en niebla.
El shogunato Tokugawa obtuvo el control indiscutible del gobierno en 1603 con el compromiso de traer paz y estabilidad económica y política al país; en gran medida lo logró. El shogunato sobrevivió hasta 1867, cuando se vio obligado a capitular debido a su fracaso en hacer frente a la presión de las naciones occidentales para abrir el país al comercio exterior. Uno de los temas dominantes en el período Edo fueron las políticas represivas del shogunato y los intentos de los artistas de escapar de estas restricciones. La más importante de ellas fue el cierre del país a los extranjeros y a los accesorios de sus culturas, y la imposición de estrictos códigos de conducta que afectaban a todos los aspectos de la vida, la ropa que uno vestía, la persona con la que uno se casaba y las actividades que uno podía o no debía realizar.
Sin embargo, en los primeros años del período Edo , aún no se había sentido el impacto total de las políticas Tokugawa, y se produjeron algunas de las mejores expresiones de Japón en arquitectura y pintura: el Palacio Katsura en Kioto y las pinturas de Tawaraya Sōtatsu , pionero de la escuela Rinpa .
Impresión en madera: Las impresiones en madera se utilizaron originalmente para traducir escrituras budistas en el siglo VIII en Japón. La impresión en madera consiste en el grabado de imágenes o dibujos en un trozo de madera, que luego se presiona contra un trozo de papel. En el siglo VIII, la impresión en madera se consideró un método conveniente para la reproducción de texto impreso hasta que posteriores innovaciones permitieron que el color se tradujera al papel o mejor conocido como impresiones Nishik-e. La impresión en madera fue el método común de impresión desde el siglo XI hasta el siglo XIX. Las impresiones Nishiki-e produjeron productos como calendarios que se vendían comúnmente a los miembros ricos de la sociedad durante el período Edo. En el período Edo, estos grabados representaban eventos y escenas de actores destacados. Ukiyo luego se asoció a la impresión en madera a principios del período Edo. Estas pinturas Ukiyo representaban la vida cotidiana de miembros destacados de la sociedad. Ukiyo comenzó como pergaminos esculpidos a mano que representaban la vida de un plebeyo normal.
Arquitectura: El Palacio Independiente Katsura , construido a imitación del palacio de Genji , contiene un conjunto de edificios shoin que combinan elementos de la arquitectura japonesa clásica con renovaciones innovadoras. Todo el complejo está rodeado por un hermoso jardín con senderos para caminar. Muchos de los poderosos daimyōs (señores feudales) construyeron un jardín japonés de estilo circuito en el territorio del país y compitieron por la belleza.
Pintura: Sōtatsu desarrolló un estilo decorativo magnífico al recrear temas de la literatura clásica, utilizando figuras de colores brillantes y motivos del mundo natural sobre fondos de pan de oro. Una de sus mejores obras es el par de biombos, Olas en Matsushima , en la Galería Freer en Washington, DC. Un siglo después, Kōrin reelaboró el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente hermosas que eran exclusivamente suyas. Quizás sus mejores obras sean las pinturas de biombos de Flores de ciruelo rojas y blancas .
Escultura: El monje budista Enkū talló 120.000 imágenes budistas en un estilo tosco e individual.
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Ukiyo-e y nanga (bunjinga)
La escuela de arte más conocida en Occidente es la de las pinturas ukiyo-e y los grabados en madera del mundo de los bajos fondos, el mundo del teatro kabuki y los distritos del placer . Los grabados ukiyo-e comenzaron a producirse a finales del siglo XVII; en 1765 Harunobu produjo el primer grabado policromado . Los diseñadores de grabados de la siguiente generación, entre ellos Torii Kiyonaga y Utamaro , crearon representaciones elegantes y a veces perspicaces de cortesanas.
En el siglo XIX, las figuras dominantes fueron Hokusai e Hiroshige , este último creador de grabados de paisajes románticos y algo sentimentales. Los ángulos y formas extraños a través de los cuales Hiroshige solía ver el paisaje, y la obra de Kiyonaga y Utamaro, con su énfasis en los planos y los contornos lineales fuertes, tuvieron un profundo impacto en artistas occidentales como Edgar Degas y Vincent van Gogh . A través de obras de arte conservadas en museos occidentales, estos mismos grabadores ejercerían más tarde una poderosa influencia en las imágenes y los enfoques estéticos utilizados por los primeros poetas modernistas como Ezra Pound , Richard Aldington y HD [21]
Una escuela de pintura contemporánea con el ukiyo-e fue la nanga o bunjinga, un estilo basado en pinturas realizadas por pintores-eruditos chinos. Así como los artistas del ukiyo-e optaron por representar figuras de la vida real fuera de las restricciones del shogunato Tokugawa, los artistas del bunjin recurrieron a la cultura china. Los ejemplos de este estilo son Ike no Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden y Yamamoto Baiitsu (ja:山本梅逸).
Cerámica
Los estilos tradicionales, en su mayoría de gres , continuaron en muchas partes de Japón, pero la cerámica japonesa se transformó alrededor del comienzo del período Edo, por una gran afluencia de alfareros coreanos, capturados o persuadidos a emigrar en el curso de las invasiones japonesas de Corea en la década de 1590. Muchos de ellos se establecieron en la isla sureña de Kyushu , y trajeron consigo la experiencia de las versiones del horno de cámara de estilo chino , llamado noborigama en Japón, que permitía altas temperaturas con un control más preciso. Alrededor de 1620 habían descubierto depósitos de caolinita y comenzaron a fabricar porcelana por primera vez en Japón. Las primeras piezas (llamadas "Imari tempranas") eran relativamente pequeñas e imitaban la porcelana china azul y blanca bajo cubierta , que Japón había estado importando durante algún tiempo. [22]
La industria de la porcelana se expandió enormemente a fines de la década de 1650, ya que el colapso de la industria china debido a la guerra civil provocó pedidos muy grandes de los comerciantes chinos y la Compañía Holandesa de las Indias Orientales , que en ese entonces solo tenían permitido hacer negocios en Japón. El primer gran período de exportación de porcelana japonesa duró hasta aproximadamente la década de 1740, y la gran mayoría de la porcelana japonesa se fabricó para la exportación, principalmente a Europa, pero también al mundo islámico al oeste y al sur de Japón. [23] La cerámica japonesa se encuentra entre las mejores del mundo. [24] [25]
Lacado:
Con el desarrollo de la economía y la cultura, la calidad artística de los muebles lacados ha mejorado. Hon'ami Kōetsu y Ogata Kōrin introdujeron los diseños de la escuela de pintura Rinpa en la laca. Desde mediados del período Edo, el inrō para contenedores de medicinas portátiles comenzó a decorarse magníficamente con maki-e y raden , y se hizo popular entre la clase samurái y los comerciantes adinerados de la clase chōnin , y al final del período Edo, pasó de ser un accesorio práctico a una colección de arte. [26] [27] La exportación de laca continuó después del período Azuchi-Momoyama. María Antonieta y María Teresa son conocidas como coleccionistas de laca japonesa en este período. [2]
Cuando el emperador de Japón recuperó el poder en 1868, Japón fue invadido nuevamente por formas de cultura nuevas y extrañas. Durante el período de preguerra , la introducción de valores culturales occidentales condujo a una dicotomía en el arte japonés, así como en casi todos los demás aspectos de la cultura, entre los valores tradicionales y los intentos de duplicar y asimilar una variedad de nuevas ideas en conflicto. Esta división siguió siendo evidente a fines del siglo XX, aunque para entonces ya se había producido mucha síntesis, lo que creó una atmósfera cultural internacional y estimuló las artes japonesas contemporáneas hacia formas cada vez más innovadoras.
El gobierno se interesó activamente en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de ferias mundiales , comenzando con la Feria Mundial de Viena de 1873. [28] [29] Además de financiar fuertemente las ferias, el gobierno asumió un papel activo en la organización de cómo se presentaba la cultura de Japón al mundo. Creó una empresa semipública, la Kiritsu Kosho Kaisha (Primera Compañía de Manufactura Industrial), para promover y comercializar las exportaciones de arte [30] y estableció la Hakurankai Jimukyoku (Oficina de Exposiciones) para mantener los estándares de calidad. [29] Para la Exposición Internacional del Centenario de 1876 en Filadelfia, el gobierno japonés creó una Oficina del Centenario y envió un enviado especial para asegurar espacio para los 30.000 artículos que se exhibirían. [31] La Casa Imperial también se interesó activamente en las artes y artesanías, encargando obras ("artículos de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. [32] En 1890, se creó el sistema Teishitsu Gigeiin ( Artista de la Casa Imperial ) para reconocer a los artistas distinguidos; setenta fueron designados entre 1890 y 1944. [33] Entre ellos se encontraban el pintor y artista de laca Shibata Zeshin , el ceramista Makuzu Kōzan , el pintor Hashimoto Gahō y el artista de esmalte cloisonné Namikawa Yasuyuki . [33]
A medida que las importaciones occidentales se hicieron populares, la demanda de arte japonés disminuyó dentro del propio Japón. [34] En Europa y América, la nueva disponibilidad de arte japonés condujo a una fascinación por la cultura japonesa; una moda conocida en Europa como japonismo . [35] El mecenazgo imperial, el patrocinio gubernamental, la promoción a nuevos públicos y la tecnología occidental se combinaron para fomentar una era de innovación artística japonesa. En las artes decorativas, los artistas japoneses alcanzaron nuevos niveles de sofisticación técnica. [30]
Hoy en día, Masayuki Murata posee más de 10.000 obras de arte Meiji y es uno de los coleccionistas más entusiastas. A partir de ese momento, la mayoría de las excelentes obras de arte Meiji fueron compradas por coleccionistas extranjeros y solo unas pocas de ellas permanecieron en Japón, pero debido a que compró de vuelta muchas obras de países extranjeros y abrió el Museo Kiyomizu Sannenzaka, [36] el estudio y la reevaluación del arte Meiji avanzaron rápidamente en Japón a partir del siglo XXI. [37] Nasser Khalili es también uno de los coleccionistas de arte Meiji más dedicados del mundo, y su colección abarca muchas categorías de arte Meiji. La Familia Imperial Japonesa también posee excelentes obras de arte Meiji, algunas de las cuales fueron donadas al estado y ahora se almacenan en el Museo de las Colecciones Imperiales .
A principios del siglo XX, las formas de arte europeas ya estaban muy presentes y su unión produjo edificios notables como la estación de tren de Tokio y el edificio de la Dieta Nacional que todavía existen hoy en día. La estación de Tokio, un edificio de arquitectura Giyōfū , lleno de ladrillos y de estilo pseudoeuropeo. Este estilo de construcción se construyó en áreas urbanas.
Jihei Ogawa construyó muchos nuevos jardines japoneses artísticos .
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La primera respuesta de los japoneses a las formas de arte occidentales fue una aceptación abierta, y en 1876 se abrió la Escuela de Arte Tecnológico (ja:工部美術学校), que empleaba instructores italianos para enseñar métodos occidentales. La segunda respuesta fue un movimiento de péndulo en la dirección opuesta encabezado por Okakura Kakuzō y el estadounidense Ernest Fenollosa , quienes alentaron a los artistas japoneses a conservar los temas y técnicas tradicionales mientras creaban obras más acordes con el gusto contemporáneo. Esta fue una estrategia que eventualmente sirvió para extender la influencia del arte japonés hasta Calcuta, Londres y Boston en los años previos a la Primera Guerra Mundial . [38] A partir de estos dos polos de teoría artística, derivados de Europa y Asia Oriental respectivamente, se desarrollaron el yōga ("pintura de estilo occidental") y el Nihonga ("pintura japonesa"), categorías que han mantenido su vigencia.
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Durante la era Meiji, el esmalte cloisonné japonés alcanzó un auge técnico, produciendo artículos más avanzados que cualquiera de los que habían existido antes. [39] El período de 1890 a 1910 fue conocido como la "Edad de Oro" de los esmaltes japoneses. [40] Los artistas experimentaron con pastas y con el proceso de cocción para producir bloques de esmalte cada vez más grandes, con menos necesidad de cloisons (tiras de metal que encierran). [39] Así, los esmaltes se convirtieron en un medio más pictórico, con diseños similares a las pinturas tradicionales o copiados de ellas. [41] Los esmaltes con un diseño exclusivo de Japón, en el que se usaban flores, pájaros e insectos como temas, se hicieron populares. En particular, las obras de Namikawa Yasuyuki y Namikawa Sōsuke se exhibieron en ferias mundiales y ganaron muchos premios. [42] [43] [44] [45] Junto con los dos Namikawa, la Ando Cloisonné Company ha producido muchos cloisonné de alta calidad. Los esmaltes japoneses se consideraban inigualables gracias a los nuevos logros en diseño y colorido. [46]
La era Meiji vio un renovado interés en la laca a medida que los artistas desarrollaban nuevos diseños y experimentaban con nuevas texturas y acabados. [47] Maki-e (decorar la laca en polvo de oro o plata) era la técnica más común para la laca de calidad en este período. [48] Shibata Zeshin fue un lacador que ganó una gran reputación por sus obras desde el Bakumatsu hasta el período Meiji. La laca llamada Shibayama y Somada , creada en el período Edo, se hizo popular por su estilo llamativo, con incrustaciones de oro, plata, mariscos, marfil y metal y vidrio coloridos, y alcanzó su apogeo durante este período. [49] La laca de los talleres japoneses fue reconocida como técnicamente superior a lo que se podía producir en cualquier otro lugar del mundo. [50]
Al comienzo de la era Meiji, la metalistería japonesa era casi totalmente desconocida fuera del país, a diferencia de la laca y la porcelana que anteriormente se habían exportado. [51] La metalistería estaba relacionada con la práctica budista, por ejemplo en el uso del bronce para las campanas de los templos y los calderos de incienso, por lo que hubo menos oportunidades para los trabajadores del metal una vez que el budismo fue desplazado como religión estatal. [51] Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a una nueva audiencia extranjera, atrayendo fuertes elogios. [51] La historia pasada del armamento samurái equipó a los trabajadores del metal japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Al combinar y terminar el cobre, la plata y el oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas que incluían shakudō y shibuichi . Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podía dar la impresión de una decoración a todo color. [52]
En el periodo Meiji, la ropa japonesa comenzó a occidentalizarse y el número de personas que vestían kimono disminuyó, por lo que los artesanos que hacían netsuke y kiseru con marfil y madera perdieron demanda. Por lo tanto, intentaron crear un nuevo campo, esculturas de marfil para la decoración de interiores, y muchas obras elaboradas se exportaron a países extranjeros o fueron adquiridas por la Familia Imperial . En particular, las obras de Ishikawa Komei y Asahi Gyokuzan ganaron elogios en Japón. [53]
Las innovaciones técnicas y artísticas de la era Meiji convirtieron a la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonesas de mayor éxito internacional. [54] La cerámica Satsuma era un nombre dado originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma , elaboradamente decorada con dorado y esmalte. Estas piezas fueron muy elogiadas en Occidente. Considerado en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y las influencias occidentales, y había sido creado con la exportación en mente. [55] Los talleres de muchas ciudades se apresuraron a producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y económica. Por lo tanto, el término "cerámica Satsuma" pasó a asociarse no con un lugar de origen, sino con piezas de menor calidad creadas exclusivamente para la exportación. [56] A pesar de esto, artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan mantuvieron los más altos estándares artísticos al mismo tiempo que exportaban con éxito. [57] Entre 1876 y 1913, Kōzan ganó premios en 51 exposiciones, incluidas la Feria Mundial y la Exposición Industrial Nacional. [58]
La edición de 1902 de la Encyclopædia Britannica escribió: "En ninguna rama del arte aplicado el genio decorativo de Japón muestra resultados más atractivos que en el de los tejidos textiles, y en ninguna ha habido un progreso más notable durante los últimos años". [59] En Kioto se estaban produciendo obras pictóricas de gran tamaño y llenas de color. El bordado se había convertido en una forma de arte por derecho propio, adoptando una gama de técnicas pictóricas como el claroscuro y la perspectiva aérea . [59]
Inmediatamente después de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial en 1945, un gran número de artistas japoneses cayeron bajo la influencia, o incluso se unieron, del Partido Comunista de Japón , que acababa de ser legalizado por la ocupación militar de Japón liderada por los EE. UU. después de muchos años de represión por parte de la policía japonesa de antes y durante la guerra. [60] Esto tuvo que ver con el éxito que tuvo el Partido Comunista al difundir la noción en los primeros años de la posguerra de que el partido había sido el único grupo en Japón que se había resistido al militarismo en tiempos de guerra. [61] Además, la palabra japonesa para "vanguardia" (前衛, zen'ei ), como en "vanguardia de la revolución comunista", resulta ser la misma palabra utilizada para "vanguardia" como en la vanguardia artística. [62] El Partido Comunista de Japón pronto llegó a dominar las principales sociedades y exposiciones de arte en Japón, y por lo tanto la forma predominante de arte inmediatamente después de la guerra fue el realismo socialista que representaba el sufrimiento de los pobres y la nobleza de la clase trabajadora, en línea con la doctrina del Partido Comunista de que todo el arte debe servir al propósito de promover la causa de la revolución. [61] En 1952, el Partido Comunista incluso ordenó a artistas como Hiroshi Katsuragawa y otros miembros de la recién formada Asociación de Arte de Vanguardia (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai ) que salieran a las montañas para producir arte realista socialista en apoyo de los "escuadrones guerrilleros de montaña" que intentaban fomentar una revolución violenta en Japón. [63]
A lo largo de la década de 1950, muchos artistas japoneses se sintieron cada vez más desilusionados con la definición rígida y limitada de "arte" impuesta por el Partido Comunista. [64] Sin embargo, debido a la preeminencia continua de los miembros y simpatizantes del Partido Comunista en los rangos superiores de las sociedades artísticas y los jurados de exposiciones, a los artistas les resultó extremadamente difícil incluso mostrar su arte a menos que se ajustaran a las directrices del Partido. [65] Algunos artistas evitaron las exposiciones públicas formales. Otros buscaron reconocimiento, apoyo financiero y oportunidades para mostrar su arte en el extranjero, como el grupo Gutai de artistas conceptuales, fundado en 1954. Otros artistas hicieron uso de las pocas exposiciones "independientes" sin jurado en Japón, como la Exposición Yomiuri Indépendant patrocinada por el Yomiuri Shimbun , a la que cualquiera podía participar. [66]
La gota que colmó el vaso fueron las masivas protestas de la ANPO de 1960 contra el Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido como " Anpo " en japonés), debido al papel extremadamente pasivo desempeñado por el supuesto "vanguardista" Partido Comunista. Cuando las protestas no lograron detener el tratado, una ronda de recriminaciones provocó una mayor desilusión con el Partido Comunista y el arte realista socialista, lo que provocó que muchos más artistas se apartaran de la influencia del Partido. [67]
Con el desvanecimiento del predominio del realismo socialista, la década de 1960 fue testigo de una explosión de nuevas formas de arte en Japón, a medida que las artes se expandían en nuevas direcciones que podrían denominarse mejor "posmodernas". [68] Colectivos de artistas como Neo-Dada Organizers , Zero Dimension y Hi-Red Center exploraron conceptos como "no arte" y "antiarte", y llevaron a cabo una variedad de audaces "eventos", "happenings" y otras formas de arte escénico diseñadas para erosionar los límites entre el arte y la vida cotidiana. El grupo Mono-ha de manera similar empujó los límites que dividen el arte, el espacio, el paisaje y el medio ambiente. Otros artistas, como el diseñador gráfico Tadanori Yokoo , se inspiraron en la contracultura de la década de 1960 y la explosión de nuevas formas de cómics manga orientados a adultos . En las artes escénicas, Tatsumi Hijikata fue pionero de una nueva forma de danza posmoderna llamada Butoh , y dramaturgos como Jūrō Kara y Satō Makoto crearon el estilo Angura de teatro "underground" radical. [69] Y en fotografía, fotógrafos como Daidō Moriyama fueron pioneros de una nueva escuela extremadamente influyente de fotografía de posguerra que enfatizaba la espontaneidad por sobre la composición cuidadosamente escenificada y celebraba las características " are, bure, bokeh " (literalmente "áspero, borroso, desenfocado"). [70] [71]
La proliferación de nuevos tipos de arte fue apoyada por el tremendo crecimiento de la economía de Japón en la década de 1960, recordada como el " milagro económico japonés ". A lo largo de la década de 1960, la economía japonesa creció más del 10% por año. El aumento de la riqueza creó una nueva clase de consumidores que podían permitirse gastar dinero en arte y apoyar diferentes tipos de arte y artistas. Por primera vez en la historia moderna de Japón, se volvió viable para un número significativo de artistas ganarse la vida exclusivamente mediante la venta de su arte. El auge de la construcción de la década de 1960 en Japón, que arrasó con la antigua arquitectura tradicional japonesa de madera y papel y la reemplazó con brillantes megaciudades de vidrio y acero, ayudó a inspirar nuevas escuelas de arquitectura japonesa, como el movimiento Metabolismo (arquitectura) liderado por Kenzō Tange , que se liberó audazmente de los modelos convencionales y demostró ser influyente en todo el mundo.
Al mismo tiempo, sin embargo, el mundo del arte siguió dominado por camarillas que promovían las obras de ciertos artistas (normalmente hombres) en detrimento de otros. Como en los años 60 se hizo mucho más fácil para los japoneses viajar al extranjero, algunas artistas femeninas como Yayoi Kusama y Yoko Ono encontraron una mejor recepción en el extranjero y se trasladaron a centros artísticos como Londres, París y Nueva York, al igual que muchos artistas masculinos.
El triunfo de las nuevas formas de arte japonés se consolidó en la Feria Mundial de Osaka de 1970 , donde se contrataron a docenas de artistas vanguardistas y conceptuales para diseñar pabellones y experiencias artísticas para los asistentes a la feria. [72] El arte de vanguardia japonés se había vuelto global y se había convertido en algo que incluso el gobierno conservador estaba orgulloso de mostrar al mundo.
En los años 1970 y 1980, el arte japonés continuó en muchas de las direcciones iniciadas en los años 1950 y 1960, pero a menudo con presupuestos mucho mayores y materiales más caros, a medida que la economía de Japón seguía expandiéndose rápidamente y eventualmente se convirtió en una de las mayores burbujas económicas de la historia . Cuando la moneda japonesa se volvió increíblemente fuerte a raíz del Acuerdo del Plaza de 1985 , las personas e instituciones japonesas se convirtieron en actores importantes en el mercado internacional del arte. Megacorporaciones japonesas extraordinariamente ricas comenzaron a construir sus propios museos de arte privados y a adquirir colecciones de arte moderno y contemporáneo, y los artistas japoneses también se beneficiaron enormemente de estos gastos.
En particular, la producción artística continuó alejándose de la pintura y la escultura tradicionales en dirección al diseño gráfico , el arte pop , el arte portátil , el arte escénico , el arte conceptual y el arte de instalación . Varios tipos de arte "híbrido" se pusieron cada vez más de moda. A medida que la tecnología avanzaba, los artistas incorporaron cada vez más electrónica, video, computadoras, música y sonidos sintetizados y videojuegos en su arte. La estética del manga y el anime , en la que tantos artistas jóvenes habían crecido inmersos, ejerció una influencia creciente, aunque a veces bastante sutil. Sobre todo, los artistas evitaron todo lo que oliera a "arte elevado" o "bellas artes" en favor de lo personal, lo ecléctico, lo fantástico o fantasmagórico y lo lúdico. En edición, artistas femeninas como Mika Yoshizawa fueron cada vez más aceptadas y apoyadas por el mundo del arte en Japón.
El arte contemporáneo japonés adopta tantas formas y expresa tantas ideas diferentes como el arte contemporáneo mundial en general. Abarca desde la publicidad, el anime, los videojuegos y la arquitectura, como ya se mencionó, hasta la escultura, la pintura y el dibujo en todas sus innumerables formas. Los artistas japoneses han hecho contribuciones especialmente notables al arte contemporáneo mundial en los campos de la arquitectura, los videojuegos, el diseño gráfico, la moda y, quizás sobre todo, la animación. Si bien al principio el anime se derivaba principalmente de las historias del manga, [ cita requerida ] hoy en día abunda el anime diverso, y muchos artistas y estudios han alcanzado gran fama como artistas; Hayao Miyazaki y los artistas y animadores de Studio Ghibli generalmente se consideran entre los mejores que el mundo del anime tiene para ofrecer.
Al mismo tiempo, muchos artistas japoneses siguen utilizando técnicas y materiales artísticos tradicionales japoneses heredados de épocas premodernas, como las formas tradicionales de papel y cerámica japonesas y la pintura con tinta negra y de color sobre papel o seda. Algunas de estas obras de arte representan temas tradicionales en estilos tradicionales, mientras que otras exploran motivos y estilos nuevos y diferentes, o crean híbridos de formas de arte tradicionales y contemporáneas, al tiempo que utilizan medios o materiales tradicionales. Y otros evitan los medios y estilos nativos, adoptando pinturas al óleo occidentales o cualquier otra forma.
En la escultura, ocurre lo mismo: algunos artistas se aferran a los métodos tradicionales, otros lo hacen con un toque moderno y otros eligen métodos, estilos y medios occidentales o completamente nuevos. Yo Akiyama es solo uno de los muchos escultores japoneses modernos. Trabaja principalmente en cerámica y alfarería de arcilla, creando obras que son muy simples y directas, que parecen creadas a partir de la tierra misma. Otro escultor, utilizando hierro y otros materiales modernos, construyó una gran escultura de arte moderno en la ciudad portuaria israelí de Haifa , llamada Hanabi (Fuegos artificiales). Nahoko Kojima es una artista contemporánea de Kirie que ha sido pionera en la técnica de esculturas de papel cortado que cuelgan en 3D.
Takashi Murakami es, sin duda, uno de los artistas japoneses modernos más conocidos en el mundo occidental. Murakami y los demás artistas de su estudio crean piezas con un estilo inspirado en el anime que él ha denominado " superflat ". Sus piezas adoptan una multitud de formas, desde la pintura hasta la escultura, algunas de ellas de un tamaño realmente enorme. Pero la mayoría, si no todas, muestran muy claramente esta influencia del anime, utilizando colores brillantes y detalles simplificados.
Yayoi Kusama , Yoshitomo Nara , Hiroshi Sugimoto , Chiharu Shiota , Daidō Moriyama , Mariko Mori , Aya Takano y Tabaimo son considerados artistas importantes en el campo del arte japonés contemporáneo. [73] El Grupo 1965 , un colectivo de artistas, cuenta entre sus miembros a la artista contemporánea Makoto Aida . [74]
Muchas formas tradicionales de música, danza y teatro japonesas han sobrevivido en el mundo contemporáneo, disfrutando de cierta popularidad a través de la reidentificación con los valores culturales japoneses. La música y la danza tradicionales, que rastrean sus orígenes a un uso religioso antiguo ( budismo , sintoísmo y folklore ), se han conservado en las representaciones dramáticas de teatro Noh , kabuki y bunraku . Las formas antiguas de música y danza de la corte derivadas de fuentes continentales se preservaron a través de músicos de la casa imperial y grupos de templos y santuarios. Algunos de los instrumentos musicales más antiguos del mundo han estado en uso continuo en Japón desde el período Jōmon , como lo demuestran los hallazgos de flautas y cítaras de piedra y arcilla que tenían entre dos y cuatro cuerdas, a las que se agregaron campanas y gongs de metal del período Yayoi para crear conjuntos musicales tempranos. En el período histórico temprano (siglos VI al VII), había una variedad de tambores grandes y pequeños , gongs, carillones , flautas e instrumentos de cuerda, como la biwa importada, parecida a la mandolina , y la cítara plana de seis cuerdas, que evolucionó hasta convertirse en el koto de trece cuerdas . Estos instrumentos formaron las orquestas de la música ceremonial de la corte de origen continental del siglo VII ( gagaku ), que, junto con el bugaku (un tipo de danza de la corte) que la acompaña, son las más antiguas de esas formas que aún se interpretan en la corte imperial, los templos antiguos y los santuarios. El budismo introdujo los cantos rítmicos, que todavía se utilizan, que sustentan el Shigin , y que se unieron a las ideas nativas para sustentar el desarrollo de la música vocal, como en Noh .
El arte japonés se caracteriza por sus polaridades singulares. En la cerámica de los periodos prehistóricos, por ejemplo, a la exuberancia le siguió un arte disciplinado y refinado. Otro ejemplo lo ofrecen dos estructuras del siglo XVI que son polos opuestos: el Palacio Independiente Katsura es un ejercicio de simplicidad, con énfasis en los materiales naturales, ásperos y sin adornos, y una afinidad por la belleza lograda por accidente; Nikkō Tōshō-gū es una estructura rígidamente simétrica repleta de relieves tallados de colores brillantes que cubren cada superficie visible. El arte japonés, valorado no solo por su simplicidad sino también por su exuberancia colorida, ha influido considerablemente en la pintura occidental del siglo XIX y en la arquitectura occidental del siglo XX .
Las concepciones estéticas de Japón, derivadas de diversas tradiciones culturales, han sido fundamentales para la producción de formas artísticas únicas. A lo largo de los siglos, se desarrolló y perfeccionó una amplia gama de motivos artísticos, que se impregnaron de significado simbólico. Como una perla , adquirieron muchas capas de significado y un gran brillo. La estética japonesa proporciona una clave para comprender obras artísticas perceptiblemente diferentes de las que provienen de las tradiciones occidentales.
En la tradición artística del este de Asia, China ha sido el maestro reconocido y Japón el alumno devoto. Sin embargo, varias artes japonesas desarrollaron su propio estilo, que puede diferenciarse de varias artes chinas. El enfoque monumental, simétricamente equilibrado y racional de las formas de arte chinas se miniaturizó, se hizo irregular y sutilmente sugerente en manos japonesas. Los jardines de rocas en miniatura , las plantas diminutas ( bonsáis ) y los ikebana (arreglos florales), en los que unos pocos seleccionados representaban un jardín, fueron las actividades favoritas de los aristócratas refinados durante un milenio y han seguido siendo parte de la vida cultural contemporánea.
La diagonal, que refleja un flujo natural, en lugar del triángulo fijo, se convirtió en el recurso estructural preferido, ya sea en pintura, diseño arquitectónico o de jardines, pasos de baile o notaciones musicales. Los números impares reemplazan a los números pares en la regularidad de un patrón maestro chino, y un tirón hacia un lado permite que un motivo gire la esquina de un objeto tridimensional, lo que brinda continuidad y movimiento que faltan en un diseño frontal estático. Los pintores japoneses utilizaron los recursos del corte, el primer plano y el desvanecimiento hacia el siglo XII en la pintura en pergamino yamato-e , o de estilo japonés, tal vez una de las razones por las que el cine moderno ha sido una forma de arte tan natural y exitosa en Japón. Se utiliza la sugerencia en lugar de la declaración directa; las insinuaciones poéticas oblicuas y las melodías y pensamientos alusivos e inconcluyentes han resultado frustrantes para el occidental que intenta penetrar los significados de la literatura, la música, la pintura e incluso el lenguaje cotidiano.
Los japoneses comenzaron a definir estas ideas estéticas en una serie de frases evocadoras al menos en el siglo X o XI. Los refinamientos cortesanos del período aristocrático Heian evolucionaron hacia la simplicidad elegante vista como la esencia del buen gusto en el arte sobrio que se llama shibui . Dos términos originados de las prácticas meditativas del budismo zen describen grados de tranquilidad: uno, el reposo que se encuentra en la humilde melancolía ( wabi ), el otro, la serenidad que acompaña el disfrute de la belleza tenue ( sabi ). El pensamiento zen también contribuyó con una tendencia a combinar lo inesperado o sorprendente, utilizado para sacudir la conciencia hacia el objetivo de la iluminación. En el arte, este enfoque se expresó en combinaciones de materiales tan improbables como el plomo incrustado en laca y en imágenes poéticas contrastantes. Imágenes y motivos inesperadamente humorísticos y a veces grotescos también provienen del kōan (enigma) zen. Aunque las artes han sido principalmente seculares desde el período Edo , la estética tradicional y los métodos de formación, que generalmente provienen de fuentes religiosas, continúan siendo la base de las producciones artísticas.
El arte japonés moderno suele estar muy influido por la relación única de la nación con la tecnología , que con frecuencia combina formas y conceptos tradicionales con nuevas estéticas y ansiedades del presente tecnológico, además de estar muy influido por la variada historia económica de la nación después de la Segunda Guerra Mundial. El arte japonés moderno aborda en gran medida temas de aislamiento y despersonalización , así como el creciente poder e influencia de las tecnologías digitales y el grado en que la cultura japonesa se ve afectada y ejerce influencia en un mundo cada vez más globalizado e interconectado.
Como Japón fue una de las primeras naciones en conectarse a Internet a gran escala y uno de los primeros países en adoptar el uso generalizado de teléfonos celulares, el arte japonés fue una de las primeras formas de arte en evaluar críticamente los dramáticos efectos sociales que la conectividad ubicua ha tenido en la sociedad. Por el contrario, la cantidad de arte japonés distribuido en Internet significó que el arte y la estética japoneses, incluido el arte de la cultura de masas como el manga y el anime , fueron enormemente influyentes en la cultura de Internet durante las décadas de 1990 y 2000, una influencia que no solo todavía se siente hoy, sino que también alentó a los artistas japoneses a continuar explorando críticamente la naturaleza de la vida en línea.
El arte japonés también se ha visto influenciado por el creciente papel del arte de la cultura de masas de la nación en la cultura pop global. El manga, el anime, los videojuegos, las películas de mercado masivo y los productos culturales asociados han seguido creciendo y ganando influencia dentro del mundo del arte japonés desde la década de 1970, y los temas expresados en estas obras a menudo han reflejado las ansiedades actuales de la nación. El lenguaje estético y las convenciones de estos medios han llegado a representar cada vez más la totalidad del arte y la cultura japoneses en el extranjero también; la estética del kawaii , por ejemplo, originalmente se derivó de conceptos tradicionales dentro del arte japonés que datan del siglo XV, [75] pero fue explorada dentro de series populares de manga y anime en el Japón de posguerra, y hoy en día se considera comúnmente como central para la cultura japonesa contemporánea. [76]
La estética tradicional japonesa son formas de belleza de la cultura japonesa que se remontan a los primeros siglos, al menos hace más de doscientos años. Algunas de estas primeras estéticas conforman la estética japonesa en su conjunto: el arte budista sincrético, el wabi-sabi, el miyabi, el shibui y el jo-ha-kyu.
Esta estética en la cultura japonesa es conocida por muchas cosas, como la belleza en todas las cosas, incluso en aquellas que son imperfectas. La modestia y las cosas poco convencionales son lo que se considera la estética wabi-sabi. Wabi y sabi juntos conforman la estética de la belleza en lo incompleto. Cuando se separan, ambos sirven como términos diferentes. Wabi representa un trabajo fresco y simple, que denota toda la complicación y tiene un toque muy rústico en todo lo que se relaciona con él. Está hecho de la naturaleza y del hombre mismo a la vez. Si se hace por accidente, aporta cierta singularidad a la obra. Sabi es belleza y cómo se origina con la edad. El ciclo de la vida juega un gran papel en sabi, agregando a la estética ese sentido de belleza en obras que reciben daños reparadores por el envejecimiento con el tiempo. Al unir wabi y sabi, se crea la estética de que cada pieza simple desarrollada no requiere un diseño complicado. Tampoco requiere una completitud absoluta para encontrar belleza en ella, y con la edad viene una belleza más delicada.
En la cultura japonesa, el wabi-sabi siempre ha estado relacionado con las ceremonias del té. Se dice que estas ceremonias son eventos profundos del wabi-sabi. El wabi-sabi también está relacionado con actividades como la arquitectura, la moda y la filosofía. Todas estas partes del wabi-sabi comparten la creencia en el mismo tema: todas las imperfecciones, como el trabajo incompleto, encierran una belleza innegable. Sin embargo, no todo el mundo, por supuesto, está de acuerdo con la idea que subyace al wabi-sabi. Si bien esto es cierto, hay muchos que desean mantener viva la creencia a pesar de lo que otros creen. En general, el wabi-sabi parece ser un enfoque muy consciente de la vida cotidiana. Una forma tranquila de ver las cosas y una forma de vivir sin parecer prejuicioso. Al comprender el wabi-sabi, también hay términos que se relacionan fuertemente con la estética.
Cada uno de estos términos se utiliza para desglosar la comprensión completa del wabi-sabi. Se relaciona más con el aspecto filosófico de toda la estética y la forma de ver el entorno. Estos pueden aludir a varias cosas, incluidas las ideas de los seres humanos, los temas detrás de ciertos aspectos de la vida o la naturaleza misma. Cada término nos lleva de nuevo al punto de que el wabi-sabi es una estética que trata de apreciar las pequeñas cosas que son imperfectas o incompletas. [ cita requerida ]
En la historia actual de Japón, el miyabi puede representar muchas cosas. Sin embargo, parece centrarse en el concepto de elegancia, belleza, refinamiento y cortesía. Por ello, es una de las estéticas más antiguas entre la mayoría de las estéticas japonesas de la cultura. Eso explicaría por qué no es tan popular como el resto, que puede ser más nuevo en comparación con el miyabi. Es un término que también se utiliza para expresar la cultura aristocrática. Miyabi elimina todas las formas de rudeza y crudeza de la cultura. Esto genera la imagen y la forma adecuadas de la cultura aristocrática. Miyabi provoca estos cambios. Miyabi asegura que el refinamiento del amor, la literatura, los sentimientos y el arte se celebre dentro de la cultura japonesa. El refinamiento es bienvenido.
Shibui consiste en comprender un objeto o una obra de arte por lo que es. Encontrar la belleza simple y sutil en ciertas cosas es un objetivo cuando se trata de diseñar o revisar ciertos diseños. En muchos sentidos, shibui es muy similar a wabi-sabi, pero no es wabi-sabi. Shibui aprecia los objetos y las cosas por el simple hecho de ser. No hay ninguna complicación ni pensamiento irracional cuando se trata de shibui. De manera similar a ciertas estéticas en la cultura japonesa, hay un par de términos en relación con Shibui: shibumi es el gusto de shibui; Shibusa es el estado de shibui.
Ambos términos se refieren a la belleza sutil y discreta. Hay varios elementos y objetos que pueden considerarse parte de la estética del shibui, no solo arte o moda. También pueden ser personas, animales, canciones, películas y varios tipos diferentes de medios que pueden considerarse shibui. Por ejemplo, un par de zapatos, una cámara, una motocicleta y varias piezas de arte u objetos utilizados para la actividad diaria pueden considerarse shibui. Directo y simple es el estilo del shibui. Nada exagerado ni demasiado llamativo.
Se trata de una estética que se originó en el teatro Noh y que incluso apareció en el siglo XIV. Se utiliza en diferentes formas de arte en Japón, incluso hoy en día. Es un movimiento que se ha aplicado en varias artes diferentes, y jo, ha y kyu representan cosas individuales para formar su definición: jo, "principio"; ha, "romper", "romper"; kyu: "rápido", "terminar".
En esencia, lo que significa esta estética es que, cuando se trata de piezas que tratan sobre el movimiento, las cosas deben comenzar lentamente con una acumulación adecuada, casi como cuando se cuenta una historia. Luego, una vez que llega a su clímax, se acelera. Cuando llega al final, entonces es cuando las cosas comienzan a acelerarse rápidamente hasta que, de repente, llega a un final.
Tradicionalmente, el artista era un vehículo de expresión y era personalmente reticente, en consonancia con el papel de un artesano o artista de bajo estatus social. El calígrafo , miembro de la clase literaria confuciana , o clase samurái en Japón, tenía un estatus más alto, mientras que los artistas de gran genio a menudo eran reconocidos en el período Kamakura al recibir un nombre de un señor feudal y, por lo tanto, ascender socialmente. Sin embargo, las artes escénicas generalmente se tenían en menor estima, y la supuesta inmoralidad de las actrices del primer teatro Kabuki hizo que el gobierno Tokugawa prohibiera a las mujeres subir al escenario; a partir de entonces, los papeles femeninos en Kabuki y Noh fueron interpretados por hombres.
Después de la Segunda Guerra Mundial , los artistas se reunían en asociaciones artísticas, algunas de las cuales eran sociedades profesionales de larga data, mientras que otras reflejaban el último movimiento artístico. La Liga de Artistas de Japón, por ejemplo, fue responsable del mayor número de exposiciones importantes, incluida la prestigiosa Nitten (Exposición de Arte de Japón) anual. El PEN Club de Japón (PEN significa prosa, ensayo y narrativa), una rama de una organización internacional de escritores, era la más grande de unas treinta asociaciones de autores importantes. Actores, bailarines, músicos y otros artistas escénicos contaban con sus propias sociedades, incluida la Sociedad Kabuki, organizada en 1987 para mantener los altos estándares tradicionales de este arte, que se pensaba que estaban en peligro por la innovación moderna. Sin embargo, en la década de 1980, los pintores y escultores de vanguardia habían evitado todos los grupos y eran artistas "libres".
En Japón existen varias universidades especializadas en arte, encabezadas por las universidades nacionales. La más importante es la Universidad de Arte de Tokio , una de las universidades nacionales a las que resulta más difícil ingresar. Otro centro seminal es la Universidad de Arte de Tama , que produjo a muchos de los jóvenes artistas innovadores de finales del siglo XX en Japón. La formación tradicional en las artes, derivada de los métodos tradicionales chinos, sigue existiendo; los expertos enseñan desde sus hogares o en las escuelas principales trabajando dentro de una relación maestro-alumno. Un alumno no experimenta con un estilo personal hasta que alcanza el nivel más alto de formación, o se gradúa de una escuela de arte, o se convierte en director de una escuela. Muchos artistas jóvenes han criticado este sistema por sofocar la creatividad y la individualidad. Una nueva generación de la vanguardia ha roto con esta tradición, recibiendo a menudo su formación en Occidente. En las artes tradicionales, sin embargo, el sistema maestro-alumno conserva los secretos y las habilidades del pasado. Algunos linajes maestro-alumno se pueden rastrear hasta el período Kamakura, desde el que continúan utilizando el estilo o el tema de un gran maestro. Los artistas japoneses consideran el virtuosismo técnico como la condición sine qua non de su profesión, un hecho reconocido por el resto del mundo como uno de los sellos distintivos del arte japonés.
El gobierno nacional ha apoyado activamente las artes a través de la Agencia de Asuntos Culturales , creada en 1968 como un organismo especial del Ministerio de Educación . El presupuesto de la agencia para el año fiscal 1989 aumentó a ¥37.8 mil millones después de cinco años de recortes presupuestarios, pero todavía representaba mucho menos del 1 por ciento del presupuesto general. La División de Asuntos Culturales de la agencia difundió información sobre las artes dentro de Japón e internacionalmente, y la División de Protección de Propiedades Culturales (文化財保護部, ahora 文化財部) protegió el patrimonio cultural de la nación. La División de Asuntos Culturales se ocupa de áreas como la promoción del arte y la cultura, los derechos de autor de las artes y las mejoras en el idioma nacional . También apoya festivales artísticos y culturales tanto nacionales como locales, y financia eventos culturales itinerantes de música, teatro, danza, exposiciones de arte y realización cinematográfica. Se ofrecen premios especiales para alentar a los artistas jóvenes y profesionales establecidos, y se otorgan algunas becas cada año para permitirles formarse en el extranjero. La agencia financia museos nacionales de arte moderno en Kioto y Tokio y el Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio, que exhiben muestras tanto japonesas como internacionales. La agencia también apoya a la Academia de Arte de Japón , que honra a personas eminentes de las artes y las letras, nombrándolas miembros y ofreciendo ¥3,5 millones en premios en efectivo. Los premios se entregan en presencia del Emperador , quien personalmente otorga el galardón más alto, la Orden de la Cultura . La Universidad de las Artes de Tokio también asumió papeles activos en varios eventos de arte en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados.
El patrocinio y la promoción de las artes por parte del gobierno se amplían para incluir un nuevo esfuerzo de cooperación con el sector empresarial japonés para proporcionar financiación más allá del ajustado presupuesto de la Agencia de Asuntos Culturales. Muchas otras instituciones públicas y privadas participan, especialmente en el floreciente campo de la concesión de premios de arte. Un número cada vez mayor de grandes corporaciones se unen a los principales periódicos para patrocinar exposiciones y actuaciones y para otorgar premios anuales. Los más importantes de los numerosos premios literarios que se otorgan son el venerable Premio Naoki y el Premio Akutagawa , este último equivalente al Premio Pulitzer en los Estados Unidos.
En 1989, en un esfuerzo por promover el intercambio cultural , la Asociación Japonesa de Arte creó el « Premio Nobel » de las artes, el Premium Imperiale . Este premio, dotado con 100.000 dólares estadounidenses, fue financiado en gran parte por el conglomerado de medios de comunicación Fujisankei Communications Group y se concedió por selección a nivel mundial.
En la década de 1980 surgieron varias fundaciones para promover las artes, incluida la Fundación de Propiedades Culturales, creada para preservar los sitios históricos en el extranjero, especialmente a lo largo de la Ruta de la Seda en Asia Interior y en Dunhuang en China . En 1988 se realizó otro acuerdo internacional con el Instituto Smithsoniano de los Estados Unidos para el intercambio cooperativo de estudios de alta tecnología de artefactos asiáticos. El gobierno desempeña un papel importante al financiar la Fundación Japón , que proporciona subvenciones institucionales e individuales, realiza intercambios académicos, otorga premios anuales, apoya publicaciones y exposiciones y envía grupos de arte japonés tradicional a actuar en el extranjero. El Festival de las Artes que se celebra durante dos meses cada otoño para todas las artes escénicas está patrocinado por la Agencia de Asuntos Culturales. Las grandes ciudades también brindan un apoyo sustancial a las artes; un número creciente de ciudades en la década de 1980 habían construido grandes centros para las artes escénicas y, estimuladas por la financiación del gobierno, ofrecían premios como el Premio Lafcadio Hearn iniciado por la ciudad de Matsue . En la década de 1980, varios museos municipales nuevos también ofrecían aproximadamente un tercio más de instalaciones que las disponibles anteriormente. A fines de esa década, Tokio agregó más de veinte nuevas salas culturales, en particular, el gran Bunkamura construido por Tokyu Group y la reconstrucción del Teatro Globe de Shakespeare . Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron los mercados de arte occidentales a fines de la década de 1980, pagando cantidades récord por pinturas impresionistas y 51,7 millones de dólares estadounidenses solo por un Picasso del período azul .
los alfareros japoneses se encuentran entre los más destacados del mundo actual...
En cuanto a la habilidad y la técnica de la loza y la cerámica en general, Japón es un líder y un maestro del mundo.
Dudamos que alguna forma de arte del esmaltador pueda igualar el trabajo ejecutado en Japón, que se distingue por una gran libertad de diseño y las más exquisitas gradaciones de color.
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