Thomas Cowperthwait Eakins ( / ˈeɪkɪnz / ; 25 de julio de 1844 - 25 de junio de 1916) fue un pintor, fotógrafo, [ 1] escultor y profesor de bellas artes realista estadounidense . Es ampliamente reconocido como uno de los artistas estadounidenses más importantes. [ 2] [3]
Durante toda su carrera profesional, desde principios de la década de 1870 hasta que su salud comenzó a fallar unos 40 años después, Eakins trabajó con exactitud del natural, eligiendo como tema a la gente de su ciudad natal, Filadelfia . Pintó cientos de retratos , generalmente de amigos, familiares o personas prominentes en las artes, las ciencias, la medicina y el clero. Tomados en masa , los retratos ofrecen una visión general de la vida intelectual de la Filadelfia contemporánea de finales del siglo XIX y principios del XX.
Además, Eakins produjo una serie de grandes cuadros que sacaron el retrato del salón y lo llevaron a las oficinas, calles, parques, ríos, estadios y anfiteatros quirúrgicos de su ciudad. Estos lugares activos al aire libre le permitieron pintar el tema que más lo inspiraba: la figura desnuda o ligeramente vestida en movimiento. En el proceso, podía modelar las formas del cuerpo a plena luz del sol y crear imágenes del espacio profundo utilizando sus estudios en perspectiva. Eakins se interesó mucho por la nueva fotografía en movimiento , un campo en el que ahora se lo considera un innovador.
Eakins también fue un educador y su enseñanza tuvo una presencia muy influyente en el arte estadounidense . Las dificultades que encontró como artista fueron tratar de pintar retratos y figuras de manera realista, mientras que los escándalos de comportamiento y sexuales truncaron su éxito y cuestionaron su reputación.
Eakins fue una figura controvertida cuya obra recibió poco reconocimiento durante su vida. Desde su muerte, los historiadores del arte estadounidenses lo han celebrado como "el realista más fuerte y profundo del arte estadounidense del siglo XIX y principios del XX". [4]
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Eakins nació y vivió la mayor parte de su vida en Filadelfia . Fue el primer hijo de Caroline Cowperthwait Eakins, una mujer de ascendencia inglesa y holandesa, y Benjamin Eakins, un maestro de escritura y profesor de caligrafía de ascendencia escocesa e irlandesa. [5] Su padre creció en una granja en Valley Forge, Pensilvania , hijo de un tejedor. Tuvo éxito en su profesión elegida y se mudó a Filadelfia a principios de la década de 1840 para criar a su familia. Thomas Eakins observó a su padre trabajar y a los doce años demostró habilidad en el dibujo de líneas precisas, la perspectiva y el uso de una cuadrícula para diseñar un diseño cuidadoso, todas habilidades que luego aplicó a su arte. [6]
Eakins era un niño atlético que disfrutaba remando, patinando sobre hielo, nadando, luchando, navegando y haciendo gimnasia; más tarde utilizó estas disciplinas como temas en sus pinturas y las alentó a practicarlas en sus estudiantes. Eakins asistió a la Central High School en Filadelfia, la principal escuela pública de ciencias aplicadas y artes de la ciudad, donde se destacó en el dibujo mecánico. Thomas conoció a su compañero artista y amigo de toda la vida Charles Lewis Fussell en la escuela secundaria, y se reencontraron en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia, donde Thomas se inscribió en 1861. [7] En la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Eakins se inscribió en cursos de anatomía y disección en el Jefferson Medical College de 1864 a 1865. Durante un tiempo, siguió la profesión de su padre y apareció en los directorios de la ciudad como profesor de escritura. [8] Su interés científico en el cuerpo humano lo llevó a considerar convertirse en cirujano. [9]
Eakins estudió arte en Europa entre 1866 y 1870, incluso con Jean-Léon Gérôme en París ; fue el segundo alumno estadounidense del pintor realista francés, conocido como un maestro del orientalismo . [10] Eakins también asistió al taller de Léon Bonnat , un pintor realista que enfatizaba la precisión anatómica, un método adaptado por Eakins. Mientras estudiaba en la École des Beaux-Arts , parece haber mostrado poco interés en el nuevo movimiento impresionista , ni tampoco le impresionaron lo que percibía como las pretensiones clásicas de la Academia Francesa . Una carta a su padre en 1868 dejó clara su estética:
Ella [el desnudo femenino] es lo más hermoso que hay en el mundo, excepto un hombre desnudo, pero nunca he visto un estudio de uno expuesto... Sería una bendición ver un buen modelo masculino pintado en el estudio con las paredes desnudas, junto a las sonrientes diosas de tez cerosa en medio de los deliciosos árboles verdes arsénicos y las suaves flores de cera y los arroyos que corren melodiosamente hacia arriba y hacia abajo de las colinas, especialmente hacia arriba. Odio la afectación. [11]
Ya a los 24 años, "la desnudez y la verdad estaban vinculadas con una cercanía inusual en su mente". [12] Sin embargo, su deseo de veracidad era más expansivo, y las cartas a su casa en Filadelfia revelan una pasión por el realismo que incluía, pero no se limitaba a, el estudio de la figura. [13]
Un viaje a España durante seis meses confirmó su admiración por el realismo de artistas como Diego Velázquez y Jusepe de Ribera . [14] En Sevilla en 1869, pintó Carmelita Requeña ( enlace de imagen ), un retrato de una bailarina gitana de siete años pintado con más libertad y colorido que sus estudios de París. Ese mismo año intentó su primera pintura al óleo de gran tamaño, Una escena callejera en Sevilla ( enlace de imagen ), en la que abordó por primera vez las complicaciones de una escena observada fuera del estudio. [15] Aunque no logró matricularse en un programa de grado formal y no había mostrado obras en los salones europeos, Eakins logró absorber las técnicas y métodos de los maestros franceses y españoles, y comenzó a formular su visión artística que demostró en su primera pintura importante a su regreso a Estados Unidos. "Intentaré lograr mi efecto amplio desde el principio", [16] declaró.
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Las primeras obras de Eakins a su regreso de Europa incluyeron un gran grupo de escenas de remo, once óleos y acuarelas en total, de las cuales la primera y más famosa es Max Schmitt en un remo individual (1871; también conocida como El campeón de remo individual ). Tanto su tema como su técnica llamaron la atención. Su selección de un deporte contemporáneo fue "un shock para los convencionalismos artísticos de la ciudad". [17] Eakins se colocó a sí mismo en la pintura, en un remo detrás de Schmitt, con su nombre inscrito en el bote.
Por lo general, el trabajo implicaba una observación crítica del tema de la pintura y dibujos preparatorios de la figura y planos en perspectiva del remo en el agua. [18] Su preparación y composición indican la importancia de la formación académica de Eakins en París. Fue una concepción completamente original, fiel a la experiencia de primera mano de Eakins, y una imagen casi sorprendentemente exitosa para el artista, que había luchado con su primera composición al aire libre menos de un año antes. [19] Su primera venta conocida fue la acuarela The Sculler (1874). La mayoría de los críticos juzgaron que las imágenes de remo eran exitosas y auspiciosas, pero después del florecimiento inicial, Eakins nunca volvió a tratar el tema del remo y pasó a otros temas deportivos. [20]
Al mismo tiempo que realizó estas incursiones iniciales en temas al aire libre, Eakins produjo una serie de interiores domésticos victorianos, a menudo con su padre, sus hermanas o amigos como sujetos. Home Scene (1871; enlace de imagen), Elizabeth at the Piano (1875; enlace de imagen), The Chess Players (1876) y Elizabeth Crowell and her Dog (1874; enlace de imagen), cada una de ellas de tonalidad oscura, se centran en la caracterización poco sentimental de individuos que adoptan actitudes naturales en sus hogares. [21]
En esta línea, en 1872 pintó su primer retrato a gran escala, Kathrin (enlace a la imagen), en el que se ve a la protagonista, Kathrin Crowell, en una penumbra, jugando con un gatito. En 1874, Eakins y Crowell se comprometieron; cinco años después, todavía estaban comprometidos, cuando Crowell murió de meningitis en 1879. [22]
Eakins regresó a la Academia de Pensilvania para enseñar en 1876 como voluntario después de la inauguración del nuevo edificio de la escuela diseñado por Frank Furness . Se convirtió en profesor asalariado en 1878 y ascendió a director en 1882. Sus métodos de enseñanza eran controvertidos: no había dibujos a partir de moldes antiguos y los estudiantes recibían solo un breve estudio en carboncillo, seguido rápidamente por su introducción a la pintura, para captar los temas en color verdadero tan pronto como fuera práctico. Alentó a los estudiantes a usar la fotografía como una ayuda para comprender la anatomía y el estudio del movimiento, y desautorizó los concursos de premios. [23] Aunque no había instrucción vocacional especializada, los estudiantes con aspiraciones de usar su formación escolar para las artes aplicadas, como la ilustración, la litografía y la decoración, eran tan bienvenidos como los estudiantes interesados en convertirse en retratistas. [ cita requerida ]
Lo más notable fue su interés en la instrucción de todos los aspectos de la figura humana , incluyendo el estudio anatómico del cuerpo humano y animal, y la disección quirúrgica ; también hubo cursos rigurosos en los fundamentos de la forma, y estudios en perspectiva que involucraban matemáticas. [24] Como ayuda al estudio de la anatomía, se hicieron moldes de yeso a partir de disecciones, de las cuales se proporcionaron duplicados a los estudiantes. Se realizó un estudio similar de la anatomía de los caballos; reconociendo la experiencia de Eakins, en 1891 su amigo, el escultor William Rudolf O'Donovan , le pidió que colaborara en el encargo de crear relieves ecuestres de bronce de Abraham Lincoln y Ulysses S. Grant , para el Arco de los Soldados y Marineros en Grand Army Plaza en Brooklyn . [25]
Debido a la devoción de Eakins por trabajar con imágenes de la vida real, el programa de estudios de la academia era, a principios de la década de 1880, el más "liberal y avanzado del mundo". [26] Eakins creía en enseñar con el ejemplo y dejar que los estudiantes encontraran su propio camino con solo una guía concisa. Entre sus estudiantes se encontraban pintores, dibujantes e ilustradores como Henry Ossawa Tanner , Thomas Pollock Anshutz , Edward Willis Redfield , Colin Campbell Cooper , Alice Barber Stephens , Frederick Judd Waugh , TS Sullivant y AB Frost . [ cita requerida ]
Expuso su filosofía de enseñanza sin rodeos: "Un maestro puede hacer muy poco por un alumno y sólo debería estar agradecido si no le estorba... y cuanto más grande es el maestro, menos puede decir". [27] Creía que las mujeres debían "asumir privilegios profesionales" al igual que los hombres. [28] Las clases de vida y la disección estaban segregadas, pero las mujeres tenían acceso a modelos masculinos (que estaban desnudos pero vestían taparrabos). [29]
La línea entre la imparcialidad y el comportamiento cuestionable era muy fina. Cuando una estudiante, Amelia Van Buren , le preguntó sobre el movimiento de la pelvis, Eakins la invitó a su estudio, donde se desnudó y "le dio una explicación que no podría haber hecho sólo con palabras". [30] Tales incidentes, junto con las ambiciones de sus asociados más jóvenes de derrocarlo y hacerse cargo de la escuela ellos mismos, [31] crearon tensiones entre él y la junta directiva de la academia. Finalmente se vio obligado a dimitir en 1886, por quitarle el taparrabos a un modelo masculino en una clase en la que había estudiantes mujeres. [32]
La renuncia forzada fue un gran revés para Eakins. Su familia estaba dividida, y sus suegros se pusieron del lado de él en una disputa pública. Luchó por proteger su nombre contra rumores y acusaciones falsas, tuvo episodios de mala salud y sufrió una humillación que sintió durante el resto de su vida. [33] [34] Un manual de dibujo que había escrito y para el que había preparado ilustraciones permaneció inacabado e inédito durante su vida. [35] La popularidad de Eakins entre los estudiantes fue tal que varios de ellos rompieron con la academia y formaron la Art Students' League of Philadelphia (1886-1893), donde Eakins posteriormente impartió clases. Fue allí donde conoció al estudiante Samuel Murray , que se convertiría en su protegido y amigo de toda la vida. También dio conferencias y enseñó en varias otras escuelas, incluidas la Art Students' League of New York , la National Academy of Design , Cooper Union y el Art Students' Guild en Washington DC. Despedido en marzo de 1895 por el Instituto Drexel de Filadelfia por utilizar nuevamente un modelo masculino completamente desnudo, se retiró gradualmente de la enseñanza en 1898. [36]
A Eakins se le atribuye el mérito de haber "introducido la cámara en el estudio de arte estadounidense". [37] Durante sus estudios en el extranjero, conoció el uso de la fotografía por parte de los realistas franceses, aunque los tradicionalistas todavía desaprobaban el uso de la fotografía como un atajo. [38]
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A finales de la década de 1870, Eakins conoció los estudios de movimiento fotográfico de Eadweard Muybridge , en particular los estudios equinos , y se interesó en el uso de la cámara para estudiar el movimiento secuencial. [39] En 1883, Muybridge dio una conferencia en la academia, organizada por Eakins y el fideicomisario de la Universidad de Pensilvania (Penn) , Fairman Rogers . [40] Un grupo de habitantes de Filadelfia, entre ellos el rector de Penn, William Pepper , y el editor JB Lippincott, reclutaron a Muybridge para trabajar en Penn bajo su patrocinio. [40] En 1884, Eakins trabajó brevemente junto a Muybridge en el estudio fotográfico de este último en la esquina noreste de las calles 36 y Pine en Filadelfia. [40] [41]
Eakins pronto realizó sus propios estudios de movimiento independientes, generalmente también con figuras desnudas, e incluso desarrolló su propia técnica para capturar el movimiento en película. [42] Mientras que el sistema de Muybridge se basaba en una serie de cámaras que se activaban para producir una secuencia de fotografías individuales, Eakins prefería usar una sola cámara para producir una serie de exposiciones superpuestas en un negativo. [43] Eakins estaba más interesado en mediciones precisas en una sola imagen para ayudar a traducir un movimiento en una pintura, mientras que Muybridge prefería imágenes separadas que también pudieran mostrarse con su primitivo proyector de películas. [41]
Después de que Eakins obtuviera una cámara en 1880, se sabe que varias pinturas, como Mending the Net (1881; enlace de imagen ) y Arcadia (1883; enlace de imagen ), se derivaron al menos en parte de sus fotografías. Algunas figuras parecen ser transcripciones detalladas y calcos de las fotografías realizadas con algún dispositivo como una linterna mágica , que Eakins luego se esforzó por cubrir con pintura al óleo. Los métodos de Eakins parecen aplicarse meticulosamente y, en lugar de atajos, probablemente se utilizaron en una búsqueda de precisión y realismo. [44]
Un excelente ejemplo del uso que hizo Eakins de esta nueva tecnología es su cuadro Una mañana de mayo en el parque , que se basó en gran medida en estudios fotográficos de movimiento para representar el paso real de los cuatro caballos que tiraban del carruaje de su mecenas Rogers. Pero, como es habitual en él, Eakins también empleó figuras de cera y bocetos al óleo para conseguir el efecto final que deseaba. [45] [46]
La llamada "Serie Desnuda", que comenzó en 1883, eran fotografías de estudiantes y modelos profesionales desnudos que se tomaron para mostrar la anatomía humana real desde varios ángulos específicos, y a menudo se colgaban y se exhibían para su estudio en la escuela. Más tarde, se tomaron poses menos reglamentadas en interiores y exteriores, de hombres, mujeres y niños, incluida su esposa. Las más provocativas, y las únicas que combinaban hombres y mujeres, eran fotos de desnudos de Eakins y una modelo femenina (ver más abajo). Aunque los testigos y los acompañantes solían estar en el lugar, y las poses eran en su mayoría de naturaleza tradicional, la gran cantidad de fotos y la exhibición abierta de Eakins de ellas pueden haber socavado su posición en la academia. [47] En total, ahora se atribuyen alrededor de ochocientas fotografías a Eakins y su círculo, la mayoría de las cuales son estudios de figuras, tanto vestidas como desnudas, y retratos. [48] Ningún otro artista estadounidense de su tiempo igualó el interés de Eakins por la fotografía, ni produjo un conjunto comparable de obras fotográficas. [49]
Eakins también utilizó la fotografía para sus propios fines privados. Además de hombres y mujeres desnudos, también fotografió niños desnudos. Mientras que las fotografías de los adultos desnudos están compuestas de manera más artística, los niños más pequeños y los bebés posan de manera menos formal. Estas fotografías, que están "cargadas de connotaciones sexuales", como escriben Susan Danly y Cheryl Leibold, son de niños no identificados. [50] En el catálogo de la colección de Eakins en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, la fotografía número 308 es de un niño afroamericano reclinado en un sofá y posando como Venus. Tanto Saidiya Hartman como Fred Moten escriben, respectivamente, sobre la fotografía y el niño que captura. [51] [52]
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Según un crítico de 1876: "Este retrato del Dr. Gross es una gran obra; no conocemos nada mejor que esto que se haya realizado en Estados Unidos". [53]
Nunca tendré que dejar de pintar, porque incluso ahora podría pintar cabezas lo suficientemente buenas como para ganarme la vida en cualquier lugar de Estados Unidos. [54]
Para Eakins, el retrato tenía poco interés como medio de idealización de moda o incluso de simple verosimilitud. En cambio, proporcionaba la oportunidad de revelar el carácter de un individuo mediante el modelado de una forma anatómica sólida. [55] Esto significaba que, a pesar de su optimismo juvenil, Eakins nunca sería un retratista de éxito comercial, ya que recibía pocos encargos pagados. Pero su producción total de unos doscientos cincuenta retratos se caracteriza por "una búsqueda inflexible del ser humano único". [56]
A menudo, esta búsqueda de individualidad requería que el sujeto fuera pintado en su propio entorno de trabajo cotidiano. El Retrato del profesor Benjamin H. Rand (1874) de Eakins fue un preludio de lo que muchos consideran su obra más importante.
Impresionantemente iluminado, el Dr. Gross es la encarnación del racionalismo heroico, un símbolo del logro intelectual estadounidense.
– William Innes Homer, [57] Thomas Eakins: Su vida y su arte
En The Gross Clinic (1875), un renombrado cirujano de Filadelfia, el Dr. Samuel D. Gross , se ve presidiendo una operación para extirpar parte de un hueso enfermo del muslo de un paciente. Gross da una conferencia en un anfiteatro lleno de estudiantes en el Jefferson Medical College . Eakins pasó casi un año en la pintura, eligiendo nuevamente un tema novedoso, la disciplina de la cirugía moderna, en la que Filadelfia estaba a la vanguardia. Él inició el proyecto y puede haber tenido el objetivo de una gran obra digna de una exhibición en la Exposición del Centenario de 1876. [58] Aunque fue rechazada para la Galería de Arte, la pintura se exhibió en los terrenos del centenario en una exhibición de un Hospital del Ejército de los EE. UU. En marcado contraste, otra presentación de Eakins, The Chess Players , fue aceptada por el comité y fue muy admirada en la Exposición del Centenario, y elogiada por la crítica. [59]
Con unas dimensiones de 240 x 200 cm (96 x 78 pulgadas), The Gross Clinic es una de las obras más grandes del artista y algunos la consideran la mejor. Las grandes expectativas que tenía Eakins al iniciar el proyecto quedaron plasmadas en una carta: «Lo que más me alegra es que acabo de terminar un nuevo cuadro y es mucho mejor que todo lo que he hecho hasta ahora. Como cada vez estropeo menos las cosas al terminarlo, tengo las mayores esperanzas en este». [60] Pero si Eakins esperaba impresionar a su ciudad natal con el cuadro, se llevaría una decepción; la reacción del público ante la pintura de una incisión quirúrgica realista y la sangre resultante fue ambivalente en el mejor de los casos, y finalmente la universidad lo compró por la nada impresionante suma de 200 dólares. Eakins lo tomó prestado para exposiciones posteriores, donde provocó fuertes reacciones, como la del New York Daily Tribune , que reconoció y condenó su poderosa imagen, "pero cuanto más se lo elogia, más se debe condenar su admisión en una galería donde los hombres y mujeres de nervios débiles deben verse obligados a mirarlo. Porque no mirarlo es imposible... No se gana ningún propósito con esta morbosa exhibición, no se enseña ninguna lección: el pintor muestra su habilidad y los espectadores se quedan atónitos ante ella, eso es todo". [61] La universidad ahora lo describe así: "Hoy, el cuadro una vez difamado se celebra como una gran pintura de historia médica del siglo XIX, que presenta uno de los retratos más magníficos del arte estadounidense". [ cita requerida ]
En 1876, Eakins completó un retrato del Dr. John Brinton, cirujano del Hospital de Filadelfia y famoso por su servicio en la Guerra Civil . Realizado en un entorno más informal que The Gross Clinic , era uno de los favoritos personales de Eakins, y The Art Journal proclamó que "es en todos los aspectos un ejemplo más favorable de las habilidades de este artista que su composición de la que tanto se habla que representa una sala de disección". [62]
Otros ejemplos destacados de sus retratos incluyen The Agnew Clinic (1889), [63] el encargo más importante de Eakins y su pintura más grande, que mostraba a otro eminente cirujano estadounidense, el Dr. David Hayes Agnew , realizando una mastectomía; The Dean's Roll Call (1899; enlace de imagen), con el Dr. James W. Holland y el profesor Leslie W. Miller (1901; enlace de imagen), retratos de educadores de pie como si se dirigieran a una audiencia; un retrato de Frank Hamilton Cushing (c. 1895), en el que se ve al destacado etnólogo realizando un encantamiento en el pueblo Zuñi; [64] el profesor Henry A. Rowland (1897; enlace de imagen ), un brillante científico cuyo estudio de la espectroscopia revolucionó su campo; [65] Antiquated Music (1900), [66] en el que se muestra a la Sra. William D. Frishmuth sentada en medio de su colección de instrumentos musicales; y The Concert Singer (1890-1892), [67] para la que Eakins le pidió a Weda Cook que cantara "O rest in the Lord", para poder estudiar los músculos de su garganta y boca. Para replicar el despliegue adecuado de una batuta , Eakins reclutó a un director de orquesta para que posara para la mano que se ve en la esquina inferior izquierda de la pintura. [68]
En los retratos posteriores de Eakins, muchos de ellos tomaron como sujetos a mujeres que eran amigas o estudiantes. A diferencia de la mayoría de los retratos de mujeres de la época, carecen de glamour e idealización. [69] En el Retrato de Letitia Wilson Jordan (1888; enlace a la imagen), Eakins pintó a la modelo con el mismo vestido de noche con el que la había visto en una fiesta. Es una presencia sustancial, una visión bastante diferente de los retratos de moda de la época. Lo mismo ocurre con su Retrato de Maud Cook (1895), donde la obvia belleza de la modelo se destaca con "una cruda objetividad". [70]
El retrato de la señorita Amelia Van Buren (c. 1890), amiga y exalumna, sugiere la melancolía de una personalidad compleja y ha sido llamado "el mejor de todos los retratos americanos". [71] Incluso Susan Macdowell Eakins , una pintora fuerte y exalumna que se casó con Eakins en 1884, [72] no se dejó llevar por el sentimentalismo: a pesar de su riqueza de color, La esposa del artista y su perro setter (c. 1884-1889) es un retrato penetrantemente sincero. [73]
Algunos de sus retratos más vívidos fueron el resultado de una serie tardía realizada para el clero católico, que incluía pinturas de un cardenal, arzobispos, obispos y monseñores. Como era habitual, la mayoría de los modelos fueron contratados a petición de Eakins, y recibieron los retratos cuando Eakins los terminó. En los retratos de Su Eminencia el Cardenal Sebastiano Martinelli (1902; enlace de imagen), el Arzobispo William Henry Elder (1903) y Monseñor James P. Turner (c. 1906; enlace de imagen), Eakins aprovechó las brillantes vestimentas de los cargos para animar las composiciones de una manera que no era posible en sus otros retratos masculinos.
Profundamente afectado por su despido de la academia, Eakins centró su carrera posterior en el retrato, como su Retrato del profesor William S. Forbes de 1905. Su insistencia firme en su propia visión del realismo, además de su notoriedad por los escándalos de su escuela, se combinaron para dañar sus ingresos en años posteriores. Si bien abordó estos retratos con la habilidad de un anatomista altamente capacitado , lo que es más notable es la intensa presencia psicológica de sus modelos. Sin embargo, fue precisamente por esta razón que sus retratos a menudo fueron rechazados por los modelos o sus familias. [74] Como resultado, Eakins llegó a depender de sus amigos y familiares para que modelaran para los retratos. Su retrato de Walt Whitman (1887-1888) fue el favorito del poeta. [75]
El interés que Eakins ejerció durante toda su vida por la figura, desnuda o casi desnuda, adoptó diversas formas temáticas. Las pinturas de remeros de principios de la década de 1870 constituyen la primera serie de estudios de figuras. En el cuadro más grande de Eakins sobre el tema, Los hermanos Biglin girando la estaca (1873; enlace a la imagen), el dinamismo muscular del cuerpo recibe su tratamiento más completo. [ cita requerida ]
En la pintura de 1877 William Rush and His Model , pintó el desnudo femenino como parte integral de un tema histórico, aunque no hay evidencia de que la modelo que posó para Rush lo hiciera desnuda. La Exposición del Centenario de 1876 ayudó a fomentar un renacimiento del interés por la América colonial y Eakins participó con un ambicioso proyecto que empleaba estudios al óleo, modelos de cera y madera y, finalmente, el retrato en 1877. William Rush fue un célebre escultor y tallador de barcos colonial, un ejemplo reverenciado de un artista-ciudadano que figuró de manera destacada en la vida cívica de Filadelfia y fundador de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania , donde Eakins comenzó a enseñar. [76]
A pesar de la reverencia sincera que muestra por Rush, el tratamiento que Eakins da al cuerpo humano volvió a suscitar críticas. Esta vez, lo que provocó el descontento fue la modelo desnuda y su ropa amontonada en el centro y al frente, con Rush relegado a las sombras profundas del fondo izquierdo. No obstante, Eakins encontró un tema que hacía referencia a su ciudad natal y a un artista anterior de Filadelfia, y permitió un ensayo sobre el desnudo femenino visto desde atrás. [77]
Cuando volvió a tratar el tema muchos años después, la narración se volvió más personal: en William Rush y su modelo (1908), ya no hay ni un solo detalle interior ni un acompañante en la obra anterior. Se ha eliminado la distancia profesional entre el escultor y la modelo, y la relación se ha vuelto íntima. En una versión de la pintura de ese año, el desnudo se ve de frente, mientras un artista que se parece mucho a Eakins lo ayuda a bajar del atril. [78]
The Swimming Pool (1884-85) presenta los mejores estudios del desnudo de Eakins, en su cuadro al aire libre más logrado. [79] Las figuras son las de sus amigos y estudiantes, e incluyen un autorretrato. Aunque hay fotografías de Eakins relacionadas con la pintura, la poderosa composición piramidal del cuadro y la concepción escultórica de los cuerpos individuales son resoluciones pictóricas completamente distintivas. [80] La obra fue pintada por encargo, pero fue rechazada. [81]
A finales de la década de 1890, Eakins volvió a la figura masculina, esta vez en un entorno más urbano. Taking the Count (1896), una pintura de una pelea de boxeo, fue su segundo lienzo más grande, pero no su composición más lograda. [82] Lo mismo puede decirse de Wrestlers (1899). Más exitosa fue Between Rounds (1899), para la que el boxeador Billy Smith posó sentado en su rincón en el Arena de Filadelfia; de hecho, todas las figuras principales fueron posadas por modelos que recreaban lo que había sido una pelea real. [83] Salutat (1898), una composición similar a un friso en la que la figura principal está aislada, "es uno de los mejores logros de Eakins en la pintura de figuras". [84]
Aunque Eakins era agnóstico, pintó La Crucifixión en 1880. (enlace de imagen) [85] La historiadora de arte Akela Reason dice:
La elección de este tema por parte de Eakins ha desconcertado a algunos historiadores del arte que, incapaces de conciliar lo que parece ser una imagen religiosa anómala de un artista supuestamente agnóstico, la han relacionado únicamente con el deseo de realismo de Eakins, despojando así a la pintura de su contenido religioso. Lloyd Goodrich, por ejemplo, consideró que esta ilustración del sufrimiento de Cristo estaba completamente desprovista de "sentimiento religioso" y sugirió que Eakins la concibió simplemente como un estudio realista del cuerpo masculino desnudo. Como resultado, los historiadores del arte han asociado con frecuencia "Crucifixión" (como Nadar) con el gran interés de Eakins por la anatomía y el desnudo. [86]
En sus últimos años, Eakins insistía en pedir a sus modelos femeninas que posaran desnudas, una práctica que habría estado prácticamente prohibida en la sociedad convencional de Filadelfia. Inevitablemente, sus deseos se vieron frustrados. [87]
La naturaleza de la sexualidad de Eakins y su impacto en su arte es un tema de intenso debate académico. Fuertes evidencias circunstanciales apuntan a que durante la vida de Eakins se habló de que tenía tendencias homosexuales, y hay pocas dudas de que se sentía atraído por los hombres, [88] como lo evidencian sus fotografías y tres pinturas importantes donde las nalgas masculinas son un punto focal: The Gross Clinic , Salutat y The Swimming Hole . La última, en la que aparece Eakins, se considera cada vez más sensual y autobiográfica. [89]
Hasta hace poco, los principales estudiosos de Eakins negaban persistentemente que fuera homosexual, y ese debate se marginaba. Si bien todavía no hay consenso, hoy en día el debate sobre el deseo homoerótico desempeña un papel importante en los estudios sobre Eakins. [90] El descubrimiento de un gran conjunto de documentos personales de Eakins en 1984 también ha impulsado una reevaluación de su vida. [91]
Eakins conoció a Emily Sartain , hija de John Sartain , mientras estudiaba en la academia. Su romance fracasó después de que Eakins se mudara a París para estudiar y ella lo acusara de inmoralidad. Es probable que Eakins le hubiera contado que frecuentaba lugares donde se reunían prostitutas. El hijo del médico de Eakins también informó que Eakins había sido "muy relajado sexualmente; se fue a Francia, donde no hay moral, y la moral francesa le vino como anillo al dedo". [92]
En 1884, a los 40 años, Eakins se casó con Susan Hannah Macdowell , hija de un grabador de Filadelfia. Dos años antes, la hermana de Eakins, Margaret, que había actuado como su secretaria y sirvienta personal, había muerto de fiebre tifoidea. Se ha sugerido que Eakins se casó para reemplazarla. [93] Macdowell tenía 25 años cuando Eakins la conoció en la Galería Hazeltine, donde se exhibía La clínica Gross en 1875. A diferencia de muchos, quedó impresionada por la controvertida pintura y decidió estudiar con él en la academia, a la que asistió durante seis años, adoptando un estilo sobrio y realista similar al de su maestro. Macdowell fue una estudiante destacada y ganadora del Premio Mary Smith a la mejor pintura de una artista matriculada. [94] [95]
Durante su matrimonio sin hijos, pintó sólo esporádicamente y pasó la mayor parte de su tiempo apoyando la carrera de su marido, entreteniendo a invitados y estudiantes, y respaldándolo fielmente en sus tiempos difíciles con la academia, incluso cuando algunos miembros de su familia se alinearon contra Eakins. [96] Ella y Eakins compartían una pasión por la fotografía, tanto como fotógrafos como sujetos, y la emplearon como herramienta para su arte. También posó desnuda para muchas de sus fotos y tomó imágenes de él. Ambos tenían estudios separados en su casa. Después de la muerte de Eakins en 1916, volvió a pintar, aumentando considerablemente su producción hasta la década de 1930, en un estilo que se volvió más cálido, más suelto y más brillante en tono. Murió en 1938. Treinta y cinco años después de su muerte, en 1973, tuvo su primera exposición individual en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. [94]
En los últimos años de su vida, el compañero constante de Eakins fue el apuesto escultor Samuel Murray , que compartía su interés por el boxeo y el ciclismo. La evidencia sugiere que la relación era más importante emocionalmente para Eakins que la que tenía con su esposa. [97]
A lo largo de su vida, Eakins parece haberse sentido atraído por aquellos que eran mentalmente vulnerables y luego se aprovechó de esas debilidades. Varios de sus estudiantes terminaron sus vidas en la locura. [98]
Eakins murió el 25 de junio de 1916, a la edad de 71 años y está enterrado en The Woodlands , que se encuentra cerca de la Universidad de Pensilvania en el oeste de Filadelfia . [99]
Más tarde en su vida, Eakins experimentó cierto reconocimiento. En 1902, fue nombrado académico nacional . En 1914, la venta de un estudio de retrato de D. Hayes Agnew para The Agnew Clinic al Dr. Albert C. Barnes precipitó mucha publicidad cuando circularon rumores de que el precio de venta era de cincuenta mil dólares. De hecho, Barnes compró el cuadro por cuatro mil dólares. [100]
En el año posterior a su muerte, Eakins fue honrado con una retrospectiva conmemorativa en el Museo Metropolitano de Arte , y en 1917-18 la Academia de Pensilvania siguió su ejemplo. Susan Macdowell Eakins hizo mucho para preservar su reputación, incluyendo donar al Museo de Arte de Filadelfia más de cincuenta de las pinturas al óleo de su esposo. [101] Después de su muerte en 1938, se vendieron otras obras y, finalmente, Joseph Hirshhorn compró otra gran colección de arte y material personal , que ahora es parte de la colección del Museo Hirshhorn . [102] Desde entonces, la casa de Eakins en el norte de Filadelfia fue incluida en la lista del Registro Nacional de Lugares Históricos en 1966, y Eakins Oval , frente al Museo de Arte de Filadelfia en Benjamin Franklin Parkway , recibió el nombre del artista. [103] [104] En 1967, The Biglin Brothers Racing (1872) se reprodujo en un sello postal de los Estados Unidos. Su obra también formó parte del evento de pintura en el concurso de arte de los Juegos Olímpicos de Verano de 1932. [105]
La actitud de Eakins hacia el realismo en la pintura y su deseo de explorar el corazón de la vida estadounidense resultaron influyentes. Enseñó a cientos de estudiantes, entre ellos su futura esposa Susan Macdowell, el pintor afroamericano Henry Ossawa Tanner y Thomas Anshutz , quien enseñó, a su vez, a Robert Henri , George Luks , John Sloan y Everett Shinn , futuros miembros de la Escuela Ashcan , y otros realistas y herederos artísticos de la filosofía de Eakins. [106] Aunque su nombre no es muy conocido, y aunque durante su vida Eakins luchó por ganarse la vida con su trabajo, hoy se lo considera uno de los artistas estadounidenses más importantes de cualquier período.
Desde la década de 1990, Eakins se ha convertido en una figura importante en los estudios de sexualidad en la historia del arte, tanto por el homoerotismo de sus desnudos masculinos como por la complejidad de sus actitudes hacia las mujeres. La controversia marcó gran parte de su carrera como profesor y como artista. Insistió en enseñar a hombres y mujeres "lo mismo", utilizó modelos masculinos desnudos en clases para mujeres y viceversa, y fue acusado de abusar de sus alumnas. [107]
Estudios recientes sugieren que estos escándalos se basaban en algo más que la "puritana mojigatería" de sus contemporáneos -como se había asumido alguna vez- y que los principios académicos progresistas de Eakins pueden haber protegido agendas inconscientes y dudosas. [108] Estas controversias pueden haber sido causadas por una combinación de factores como la bohemia de Eakins y su círculo (en el que los estudiantes, por ejemplo, a veces posaban desnudos unos para otros), la intensidad y autoridad de su estilo de enseñanza y la inclinación de Eakins hacia un comportamiento poco ortodoxo o provocador. [109] [110]
Eakins no pudo vender muchas de sus obras durante su vida, por lo que cuando murió en 1916, una gran parte de sus obras de arte pasó a manos de su viuda, Susan Macdowell Eakins , quien las conservó cuidadosamente y donó algunas de las piezas más sólidas a varios museos. Cuando ella murió a su vez en 1938, gran parte del patrimonio artístico restante fue destruido o dañado por los albaceas, y los restos fueron rescatados tardíamente por un ex alumno de Eakins. Para más detalles, consulte el artículo " Lista de obras de Thomas Eakins ". [ cita requerida ]
El 11 de noviembre de 2006, el consejo de administración de la Universidad Thomas Jefferson acordó vender The Gross Clinic a la Galería Nacional de Arte de Washington DC y al Museo Crystal Bridges de Arte Americano de Bentonville, Arkansas , por un récord de 68 millones de dólares, el precio más alto por una pintura de Eakins, así como un precio récord por un retrato individual hecho en Estados Unidos. [111] El 21 de diciembre de 2006, un grupo de donantes acordó igualar el precio para mantener la pintura en Filadelfia. Se exhibe alternativamente en el Museo de Arte de Filadelfia y en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. [112]
El 29 de octubre de 1917, Robert Henri escribió una carta abierta a la Liga de Estudiantes de Arte sobre Eakins:
Thomas Eakins era un hombre de gran carácter. Era un hombre de voluntad de hierro y de voluntad de pintar y llevar su vida como él pensaba que debía ser. Y lo hizo. Le costó mucho, pero en sus obras tenemos el precioso resultado de su independencia, su corazón generoso y su gran mente. Eakins era un profundo estudioso de la vida y con gran amor estudió a la humanidad con franqueza. No tenía miedo de lo que su estudio le revelaba. En materia de formas y medios de expresión, la ciencia de la técnica, estudió con la mayor profundidad, como sólo un gran maestro tendría la voluntad de estudiar. Su visión no se vio afectada por la moda. Luchó por comprender la fuerza constructiva de la naturaleza y emplear en sus obras los principios que encontró. Su cualidad era la honestidad. "Integridad" es la palabra que parece encajar mejor con él. Personalmente lo considero el mayor retratista que ha producido América. [113]
En 1982, en su biografía de Eakins en dos volúmenes, el historiador de arte Lloyd Goodrich escribió:
A pesar de sus limitaciones (¿y qué artista está libre de ellas?), el logro de Eakins fue monumental. Fue nuestro primer pintor importante en aceptar por completo las realidades de la América urbana contemporánea y a partir de ellas crear arte poderoso y profundo... Sólo en el retrato, Eakins fue el pintor estadounidense más fuerte desde Copley , con igual sustancia y poder, y con mayor penetración, profundidad y sutileza. [114]
John Canaday , crítico de arte del New York Times , escribió en 1964:
Como gran realista, Eakins parecía pesado y vulgar a un público que pensaba en el arte, y en la cultura en general, en gran medida en términos de un sentimentalismo elegante. Hoy nos parece que ha registrado a sus compatriotas estadounidenses con una percepción que a menudo era tan tierna como vigorosa, y que ha preservado para nosotros la esencia de una vida estadounidense que, de hecho, no idealizó, porque le parecía hermosa más allá de la necesidad de idealización. [115]
En 2010, el pintor estadounidense Philip Pearlstein publicó un artículo en ARTnews sugiriendo las fuertes influencias que el trabajo y las conferencias públicas de Eadweard Muybridge tuvieron en los artistas del siglo XX, incluidos Degas , Rodin , Seurat , Duchamp y Eakins, ya sea directamente o a través del trabajo contemporáneo de su compañero pionero de la fotografía, Étienne-Jules Marey . [116] Concluyó:
Creo que tanto Muybridge como Eakins —como fotógrafo— deberían ser reconocidos como dos de los artistas más influyentes en las ideas del arte del siglo XX, junto con Cézanne , cuyas lecciones de visión fracturada proporcionaron la base técnica para unir esas ideas. [116]
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