John French Sloan (2 de agosto de 1871 - 7 de septiembre de 1951) fue un pintor y grabador estadounidense. Se le considera uno de los fundadores de la escuela Ashcan de arte estadounidense. También fue miembro del grupo conocido como The Eight . Es más conocido por sus escenas de género urbano y su capacidad para capturar la esencia de la vida del barrio de la ciudad de Nueva York , a menudo observada a través de la ventana de su estudio de Chelsea. Sloan ha sido llamado el principal artista de la Escuela Ashcan, y también un pintor realista que abrazó los principios del socialismo, aunque él mismo desvinculó su arte de su política.
John Sloan nació en Lock Haven, Pensilvania , el 2 de agosto de 1871, hijo de James Dixon Sloan, un hombre con inclinaciones artísticas que obtuvo un ingreso inestable en una sucesión de trabajos, y Henrietta Ireland Sloan, una maestra de escuela de una familia adinerada. [1] Sloan creció en Filadelfia, Pensilvania , donde vivió y trabajó hasta 1904, cuando se mudó a la ciudad de Nueva York. [2] Él y sus dos hermanas (Elizabeth y Marianna) fueron animados a dibujar y pintar desde una edad temprana. En el otoño de 1884 se inscribió en la prestigiosa Central High School de Filadelfia, donde sus compañeros de clase incluyeron a William Glackens y Albert C. Barnes . [3]
En la primavera de 1888, su padre sufrió una crisis nerviosa que lo dejó incapacitado para trabajar, y Sloan se hizo responsable, a los dieciséis años, del sustento de sus padres y hermanas. Abandonó la escuela para trabajar a tiempo completo como cajero auxiliar en Porter and Coates, una librería y vendedora de grabados finos. [4] Sus tareas eran ligeras, lo que le permitía muchas horas para leer los libros y examinar las obras en el departamento de grabados de la tienda. Fue allí donde Sloan creó sus primeras obras supervivientes, entre las que se encuentran copias a pluma y tinta de Durero y Rembrandt . También empezó a hacer grabados , que se vendían en la tienda por una modesta suma. En 1890, la oferta de un salario más alto convenció a Sloan de dejar su puesto para trabajar para A. Edward Newton , un antiguo empleado de Porter and Coates que había abierto su propia papelería. En Newton's, Sloan diseñó tarjetas de felicitación y calendarios y continuó trabajando en sus grabados. Ese mismo año también asistió a una clase nocturna de dibujo en el Spring Garden Institute , que le proporcionó su primera formación artística formal. [5]
En 1891, Sloan abandonó el negocio de Newton en busca de una mayor libertad como artista comercial independiente, pero esta aventura le produjo pocos ingresos. En 1892, comenzó a trabajar como ilustrador en el departamento de arte de The Philadelphia Inquirer . Más tarde, ese mismo año, Sloan comenzó a tomar clases nocturnas en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania bajo la guía del realista Thomas Anshutz . [6] Entre sus compañeros de estudios se encontraba su antiguo compañero de escuela William Glackens.
En 1892, Sloan conoció a Robert Henri , un talentoso pintor y carismático defensor de la independencia artística que se convirtió en su mentor y amigo más cercano. Henri alentó a Sloan en su trabajo gráfico y finalmente lo convenció de dedicarse a la pintura. Compartían una perspectiva artística común y en los años siguientes promovieron una nueva forma de realismo, conocida como la "escuela Ashcan" del arte estadounidense. [7] En 1893, Sloan y Henri fundaron juntos el efímero Charcoal Club, cuyos miembros también incluirían a Glackens, George Luks y Everett Shinn . [4]
A finales de 1895, Sloan decidió dejar The Philadelphia Inquirer para trabajar en el departamento de arte de The Philadelphia Press . Su horario era ahora menos rígido, lo que le permitía más tiempo para pintar. Henri le ofrecía apoyo y a menudo le enviaba reproducciones de artistas europeos, como Manet , Hals , Goya y Velázquez . [6]
En 1898, Sloan, socialmente torpe, fue presentado a Anna Maria (Dolly) Wall (nacida el 28 de julio de 1876), y los dos se enamoraron de inmediato. Al entablar una relación con ella, Sloan aceptó los desafíos que le planteaban su alcoholismo y su historial sexual, que incluía la prostitución ; aunque Dolly trabajaba en unos grandes almacenes durante el día, Sloan, de hecho, la había conocido en un burdel. [8] Se casaron el 5 de agosto de 1901, lo que proporcionó a Sloan una pareja afectuosa que creía en él absolutamente, pero cuyos lapsus e inestabilidad mental llevaron a frecuentes crisis. Un amigo particularmente cercano en sus años en Nueva York, que ayudó a la pareja a superar muchas de estas crisis, fue el artista John Butler Yeats , el anciano padre del poeta William Butler Yeats .
En 1903, Sloan había producido casi sesenta pinturas al óleo, pero aún no se había ganado un nombre en el mundo del arte. [6] En abril de 1904, él y Dolly se mudaron a la ciudad de Nueva York y encontraron alojamiento en Greenwich Village , donde pintó algunas de sus obras más conocidas, entre ellas McSorley's Bar , Sixth Avenue Elevated at Third Street y Wake of the Ferry . Se volvió cada vez más prolífico, pero vendió poco y continuó dependiendo de sus ganancias como freelance para The Philadelphia Press , para la que continuó dibujando rompecabezas semanales hasta 1910. En 1905, complementaba estos ingresos dibujando ilustraciones para libros (incluido The Moonstone de Wilkie Collins ) [9] y para revistas como Collier's Weekly , Good Housekeeping , Harper's Weekly , The Saturday Evening Post y Scribner's . [10] Sloan participó en la histórica exposición de 1908 en las Galerías Macbeth de un grupo que incluía a otros cuatro artistas del Philadelphia Charcoal Club (Henri, Glackens, Luks y Shinn), así como a tres artistas que trabajaban en un estilo menos realista y más impresionista, Maurice Prendergast , Ernest Lawson y Arthur B. Davies . El grupo fue conocido posteriormente colectivamente como "Los Ocho". [4] La exposición de las Galerías Macbeth fue pensada como una reprimenda a las restrictivas prácticas expositivas de la poderosa y conservadora Academia Nacional de Diseño. Sloan organizó una exposición itinerante de las pinturas de esa muestra que viajó a varias ciudades, desde Newark hasta Chicago, y provocó un considerable debate en la prensa sobre enfoques menos académicos del arte y nuevas definiciones de temas aceptables.
Un médico al que se consultó para ayudar a Dolly a superar su problema con la bebida le sugirió a Sloan un plan: empezar un diario en el que incluiría sus mejores pensamientos sobre ella, con la esperanza de que ella lo leyera subrepticiamente y se liberara del miedo incapacitante de que Sloan la abandonara. El diario, que abarca el período de 1906 a principios de 1913, pronto superó su propósito inicial y su publicación en 1965 proporcionó a los investigadores una crónica detallada de las actividades e intereses de Sloan y un retrato del mundo del arte de antes de la guerra. [11]
El creciente descontento de Sloan con lo que él llamaba "el gobierno de la plutocracia" [12] lo llevó a unirse al Partido Socialista en 1910. [13] Dolly Sloan también se volvió activa en proyectos socialistas en esta época. John Sloan se convirtió en el editor de arte de The Masses con la edición de diciembre de 1912 [14] y también contribuyó con poderosos dibujos contra la guerra y el capitalismo a otras publicaciones socialistas, como The Call y Coming Nation . Como Sloan nunca se sintió del todo cómodo con la propaganda, su trabajo para estas revistas no siempre contenía un contenido político abierto. Su creencia de que "The Masses" se estaba volviendo demasiado doctrinaria condujo a una disputa con sus colegas editores Max Eastman y Floyd Dell, lo que lo llevó a renunciar a su puesto en esa revista en 1916. Nunca fue un aliado del Partido Comunista en los Estados Unidos, aunque mantuvo la esperanza de que la Unión Soviética lograría crear una sociedad igualitaria. [15] A lo largo de su vida, se identificó con causas políticas de izquierda y expresó su vehemente desaprobación de las desigualdades del sistema económico estadounidense . Pacifista, también se opuso a la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial .
En 1913, Sloan pintó un telón de fondo de doscientos pies para el Paterson Strike Pageant , una controvertida obra de arte escénico y política radical organizada por el activista John Reed y la filántropa Mabel Dodge . La obra, un acto benéfico para los trabajadores de las fábricas de seda en huelga de Paterson, Nueva Jersey, tuvo lugar en el Madison Square Garden y contó con la participación de más de 1000 personas. Se ha dicho que Sloan es "el artista principal de la Escuela Ashcan que pintó la energía y la vida inagotables de la ciudad de Nueva York durante las primeras décadas del siglo XX". [16]
También en 1913, Sloan participó en el legendario Armory Show . Fue miembro del comité organizador y también exhibió dos pinturas y cinco grabados. [17] Ese mismo año, el importante coleccionista Albert C. Barnes compró una de las pinturas de Sloan; esta fue solo la cuarta venta de una pintura para Sloan (aunque a menudo se ha contado erróneamente como la primera). [18] Para Sloan, la exposición a las obras modernistas europeas en exhibición en el Armory Show inició un alejamiento gradual de los temas urbanos realistas que había estado pintando durante los diez años anteriores. [19] En 1914-15, durante los veranos que pasó en Gloucester, Massachusetts , pintó paisajes al aire libre en un estilo nuevo, más fluido y colorido influenciado por Van Gogh y los fauvistas . [20]
A partir de 1914, Sloan enseñó en la Art Students League , donde durante los siguientes dieciocho años se convirtió en un profesor carismático aunque excéntrico. Sloan también enseñó durante un breve período en la George Luks Art School. Sus estudiantes lo respetaban por su conocimiento práctico e integridad, pero temían su lengua cáustica; como pintor conocido que, no obstante, había vendido muy pocos cuadros, les aconsejaba: "No tengo nada que enseñarles que los ayude a ganarse la vida". [21] Despreciaba el arribismo entre los artistas e instaba a sus alumnos a encontrar la alegría únicamente en el proceso creativo.
El verano de 1918 fue el último que pasó en Gloucester. Durante los siguientes treinta años, pasó cuatro meses cada verano en Santa Fe, Nuevo México , donde el paisaje desértico inspiró una nueva concentración en la representación de la forma. Aun así, la mayoría de sus obras se completaron en Nueva York. [22] Como resultado de su tiempo en el suroeste, él y Dolly desarrollaron un fuerte interés en las artes y ceremonias de los nativos americanos y, de regreso en Nueva York, se convirtieron en defensores de los artistas indígenas. [23] En 1922 organizó una exposición de obras de artistas nativos americanos en la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York. [24] También defendió el trabajo de Diego Rivera , a quien llamó "el único artista en este continente que está en la clase de los viejos maestros". [25] La Sociedad de Artistas Independientes , que Sloan había cofundado en 1916, le dio a Rivera y José Clemente Orozco su primera exhibición en los Estados Unidos en 1920. [25]
En 1943, Dolly Sloan murió de una enfermedad cardíaca coronaria. Al año siguiente, Sloan se casó con Helen Farr, una exalumna cuarenta años menor que él con quien había estado involucrado sentimentalmente durante un tiempo en la década de 1930. [26] El 7 de septiembre de 1951, Sloan murió de cáncer mientras estaba de vacaciones en Hanover, New Hampshire . El siguiente enero, el Museo Whitney de Arte Estadounidense presentó una retrospectiva de su carrera que tuvo una buena acogida. Helen Farr Sloan , quien se convirtió en una destacada filántropa en sus últimos años, supervisó la distribución de sus obras no vendidas a los principales museos de todo el país.
La formación de Sloan consistió en el estudio y reproducción de obras de pintores como Rembrandt , algunas clases en varias instituciones, la tutoría de Robert Henri y su experiencia laboral como grabador y dibujante. La escuela secundaria a la que asistió Sloan tenía un buen departamento de arte, pero no se sabe si recibió alguna formación allí. Sloan trabajó en varios empleos en dibujo, grabado y arte comercial antes de asistir a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania , donde estudió brevemente con Thomas Anshutz . La experiencia que Sloan reunió en sus diversos trabajos de imprenta le proporcionó una cierta cantidad de conocimiento y le permitió espacio para explorar y expandirse en su tiempo libre. La tutoría de Henri fue significativa en la formación de Sloan porque lo alentó a pintar más y le presentó el trabajo de varios artistas, cuyas técnicas, composición y estilo estudió Sloan. Buscó orientación adicional en The Elements of Drawing de Ruskin y A Manual of Oil Painting de John Collier . Sloan creía que sus estudios y su experiencia como mentor en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, así como sus primeras experiencias en Filadelfia , eran su "educación universitaria".
A temprana edad, Sloan había estado expuesto a numerosos libros y reproducciones a través de su tío, Alexander Priestley, quien tenía una extensa colección en su biblioteca. Una influencia importante que descubrió fue John Leech , un caricaturista inglés . Cuando Sloan entró en su puesto en The Philadelphia Press, sus dibujos de periódico reflejaban el estilo de Leech, Charles Keene y George du Maurier . Pero en 1894 había comenzado a atraer la atención con ilustraciones decorativas en un nuevo estilo relacionado con el movimiento del cartel ; estas obras combinan las influencias de artistas europeos de finales del siglo XIX y principios del XX, incluido Walter Crane , y revelan el estudio de Sloan de Botticelli y los grabados japoneses. [27]
Las primeras pinturas de Sloan pueden haber estado influenciadas por Thomas Eakins como resultado de su tiempo estudiando con Anshutz . En 1893, Sloan y Glackens se convirtieron en asistentes habituales de una "jornada de puertas abiertas" semanal en el estudio de Henri, donde animaba a los jóvenes a leer a Whitman y Emerson y dirigía debates sobre libros como Modern Painting de George Moore y Talks on Art de William Morris Hunt . [28] Henri creía en la necesidad de crear un arte americano nuevo, menos refinado, que hablara más directamente al espíritu de la época, una perspectiva que encontró partidarios dispuestos en Sloan y Glackens.
Como alguien que pintó multitudes de la ciudad y habitaciones de vecindad, dependientas y prostitutas callejeras, asistentas y peluqueras, Sloan es uno de los artistas más estrechamente identificados con la Escuela Ashcan . Sin embargo, era un término que Sloan despreciaba. [29] Llegó a sentir que homogeneizaba a demasiados pintores diferentes, concentraba la atención de los espectadores en el contenido en lugar del estilo y presuponía una intención de denunciar. Su cautela no estaba fuera de lugar: las exposiciones de arte Ashcan en las últimas décadas a menudo enfatizan su calidad documental e importancia como parte de un registro histórico, mientras que Sloan sentía que cualquier artista que valiera algo tenía que ser apreciado por su hábil pincelada, color y composición.
A diferencia de Henri, Sloan no era un pintor fácil y trabajaba duro en su trabajo, lo que llevó a Henri a comentar que "Sloan" era "el participio pasado de 'lento'". [30] (Cuando Glackens y Sloan estaban en The Philadelphia Inquirer , Glackens generalmente obtenía los encargos de reportaje porque era más hábil que Sloan en hacer bocetos rápidos. [6] ) Su enfoque metódico hacia el boceto se trasladó a su pintura. "El enfoque de Sloan para hacer arte realista urbano se basaba en imágenes vistas y recordadas (y a veces escritas) en lugar de esbozadas en la calle, aunque su manejo autógrafo de la pintura y los medios impresos transmite el aspecto de un dibujo rápido. El efecto es conceptual en lugar de perceptivo, que Sloan denigró como "pintura visual". [31] Esta fue una característica importante de su estilo, en consonancia con el objetivo de la Escuela Ashcan de presentar un tema al espectador con toda la inmediatez de una instantánea.
Sloan tendía a observar a los habitantes de la ciudad interactuando en un entorno íntimo. Un estudiante suyo escribió: "se interesó por lo que llamamos género: escenas callejeras, vida en restaurantes, pinturas de tabernas, transbordadores, tejados, patios traseros, etc. a través de todo un catálogo de temas comunes". [32] Al igual que Edward Hopper , Sloan a menudo utilizó la perspectiva de la ventana en su pintura, para obtener un enfoque preciso, pero también para observar a su sujeto sin ser detectado. Escribió en su diario, en 1911; "Tengo la costumbre de observar cada pedacito de vida humana que puedo ver alrededor de mis ventanas, pero lo hago para que no me observen ... No es un insulto para las personas que estás observando hacerlo sin ser visto". [33] La atención de Sloan a los incidentes aislados dentro del entorno urbano recuerda las técnicas narrativas utilizadas en la ficción realista y las películas de Hollywood que disfrutaba. [31]
Sloan fue descrito como un "pintor realista de principios del siglo XX que abrazó los principios del socialismo y puso su talento artístico al servicio de esas creencias". [34] Sin embargo, cada vez que le preguntaban a Sloan sobre el contexto social de sus pinturas o sobre su ferviente socialismo , decía que sus pinturas estaban hechas con "simpatía, pero sin conciencia social... Nunca me interesó poner propaganda en mis pinturas, por lo que me molesta cuando los historiadores del arte intentan interpretar mis imágenes de la vida urbana como 'socialmente conscientes'. Vi la vida cotidiana de la gente y, en general, seleccioné fragmentos de alegría en la vida humana para mi tema". [34]
A finales de la década de 1920, justo cuando el mercado de sus cuadros urbanos estaba finalmente llegando a un punto en el que podría haber ganado una vida cómoda, Sloan cambió su técnica y abandonó su temática urbana característica en favor de desnudos y retratos. Esta independencia era completamente típica de él, para consternación de su marchante, Charles Kraushaar. Rechazó por superficial la técnica pictórica espontánea de Manet y Hals —y también de Robert Henri y George Luks—, y se inclinó en cambio por el método de imprimación y veladura utilizado por viejos maestros como Andrea Mantegna . Fue una elección excéntrica. Las pinturas resultantes, que a menudo hacían un uso poco convencional de tramas superpuestas para definir las formas, nunca alcanzaron la popularidad de sus primeras obras de Ashcan. [35]
Las pinturas de Sloan están representadas en casi todos los principales museos estadounidenses. Entre sus obras más conocidas se encuentran La ventana del peluquero (1907) en la colección del Wadsworth Atheneum , El campo de picnic (1907) en la colección del Museo Whitney de Arte Americano , El mercado de los huevos de oro (1907) en la colección del Museo de Brooklyn , Yeats en Petitpas en la colección de la Galería de Arte Corcoran, El bar de McSorley (1912) en la colección del Instituto de Artes de Detroit, La ciudad desde Greenwich Village (1922) en la colección de la Galería Nacional de Arte y El camino blanco (1927) en la colección del Museo de Arte de Filadelfia. En 1971, su cuadro Estela del ferry (1907) fue reproducido en un sello postal estadounidense en honor a Sloan.
Entre sus alumnos se encontraban Peggy Bacon , Aaron Bohrod , Alexander Calder , Reginald Marsh , Xavier J. Barile , Barnett Newman , Minna Citron y Norman Raeben . En 1939 publicó un libro con sus enseñanzas y aforismos, Gist of Art , que permaneció impreso durante más de sesenta años.
En American Visions , el crítico Robert Hughes elogió el arte de Sloan por "una humanidad honesta, una simpatía franca, una negativa a aplanar sus figuras en estereotipos de miseria de clase ... Veía a su gente como parte de una totalidad más grande, el cuerpo carnal y acogedor de la ciudad misma". [36] En American Painting from the Armory Show to the Depression , el historiador de arte Milton Brown llamó a Sloan "la figura destacada de la Ash Can School". [37] Para su amigo, el pintor John Butler Yeats, y para el crítico de arte Henry McBride , era "un Hogarth estadounidense". [38]
El vestíbulo de la Oficina de Correos de los Estados Unidos en Bronxville , Nueva York, cuenta con un mural de Sloan pintado en 1939 y titulado La llegada del primer correo a Bronxville en 1846 encargado por la Sección del Tesoro de Bellas Artes . [39] La oficina de correos y el mural fueron incluidos en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 1988. [40]
