Stephen Michael Reich ( nacido el 3 de octubre de 1936, en la ciudad de Nueva York, EE. UU., /r aɪ ʃ/ RYSHE) es un compositor estadounidense, más conocido como Steve Reich, pionero de la música minimalista a mediados y finales de la década de 1960. [ 3] [4] [5] El trabajo de Reich se caracteriza por el uso de figuras repetitivas , ritmo armónico lento y cánones . Reich describe este concepto en su ensayo "La música como un proceso gradual", al afirmar: "Me interesan los procesos perceptibles. Quiero poder escuchar el proceso que ocurre a lo largo de la música que suena". Por ejemplo, sus primeros trabajos experimentan con el cambio de fase, en el que una o más frases repetidas se reproducen más lentas o más rápidas que las demás, lo que hace que se "desfasen". Esto crea nuevos patrones musicales en un flujo perceptible. [6]
Sus innovaciones incluyen el uso de bucles de cinta para crear patrones de fase , como en las primeras composiciones It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966), y el uso de procesos simples y audibles , como en Pendulum Music (1968) y Four Organs (1970). Obras como Drumming (1971) y Music for 18 Musicians (1976), ambas consideradas hitos del minimalismo e influencias importantes en la música experimental , el rock y la música electrónica contemporánea , ayudarían a afianzar el minimalismo como movimiento. [7] El trabajo de Reich adquirió un carácter más oscuro en la década de 1980 con la introducción de temas históricos, así como temas de su herencia judía, en particular Different Trains (1988).
El estilo de composición de Reich ha influido en muchos compositores y grupos contemporáneos, especialmente en los Estados Unidos. En un artículo publicado en The Guardian , el crítico musical Andrew Clements sugirió que Reich es uno de los "pocos compositores vivos que pueden afirmar legítimamente haber alterado el rumbo de la historia musical". [8]
Reich nació en la ciudad de Nueva York de padres judíos, el letrista de Broadway June Sillman y Leonard Reich. Cuando tenía un año, sus padres se divorciaron y Reich dividió su tiempo entre Nueva York y California. Es medio hermano del escritor Jonathan Carroll . [9] Recibió lecciones de piano cuando era niño y describe haber crecido con los "favoritos de la clase media", sin tener exposición a la música escrita antes de 1750 o después de 1900. A la edad de 14 años comenzó a estudiar música en serio, después de escuchar música del período barroco y anterior, así como música del siglo XX. [10] Reich estudió batería con Roland Kohloff para tocar jazz . Mientras asistía a la Universidad de Cornell , se especializó en música y se graduó en 1957 con una licenciatura en Filosofía. [11] La tesis de licenciatura de Reich fue sobre Ludwig Wittgenstein ; [12] Más tarde musicalizaría textos de dicho filósofo en Proverbio (1995) y Tú eres (variaciones) (2006).
Durante un año después de graduarse, Reich estudió composición de forma privada con Hall Overton antes de inscribirse en Juilliard [13] para trabajar con William Bergsma y Vincent Persichetti (1958-1961). Posteriormente, asistió al Mills College en Oakland, California , donde estudió con Luciano Berio y Darius Milhaud (1961-1963) y obtuvo una maestría en composición. En Mills, Reich compuso Melodica para melódica y cinta , que apareció en 1986 en el lanzamiento de tres LP Music from Mills . [14]
Reich trabajó con el San Francisco Tape Music Center junto con Pauline Oliveros , Ramon Sender , Morton Subotnick , Phil Lesh y Terry Riley . [15] Estuvo involucrado en el estreno de In C de Riley y sugirió el uso del pulso de corchea, que ahora es estándar en la interpretación de la pieza.
Las primeras incursiones de Reich en la composición involucraron la experimentación con la composición dodecafónica , pero encontró los aspectos rítmicos del número doce más interesantes que los aspectos tonales. [16] Reich también compuso bandas sonoras para películas como Plastic Haircut (1963), Oh Dem Watermelons (1965) y Thick Pucker (1965), tres películas de Robert Nelson . La banda sonora de Plastic Haircut , compuesta en 1963, fue un collage de cintas cortas, posiblemente el primero de Reich. La banda sonora de Watermelons usó dos melodías de juglares del siglo XIX como base, y usó frases repetidas juntas en un gran canon de cinco partes . La música de Thick Pucker surgió de grabaciones callejeras que Reich hizo caminando por San Francisco con Nelson, quien filmó en blanco y negro de 16 mm. Esta película ya no sobrevive. Nelson montó una cuarta película de 1965, de unos 25 minutos de duración y titulada provisionalmente "Thick Pucker II", a partir de tomas descartadas de esa filmación y más del audio en bruto que Reich había grabado. Nelson no quedó satisfecho con el resultado y nunca lo mostró.
Reich se vio influenciado por su colega minimalista Terry Riley , cuyo trabajo In C combina patrones musicales simples, desfasados en el tiempo, para crear un todo cohesivo que cambia lentamente. Reich adoptó este enfoque para componer su primera obra importante, It's Gonna Rain . Compuesta en 1965, la pieza utilizó un fragmento de un sermón sobre el fin del mundo dado por un predicador callejero pentecostal negro conocido como Brother Walter. Reich se basó en su primer trabajo en cinta, transfiriendo las últimas tres palabras del fragmento, "it's gonna rain!", a múltiples bucles de cinta que gradualmente se desfasan entre sí. [17]
El fragmento de 13 minutos Come Out (1966) utiliza grabaciones manipuladas de manera similar de una sola línea hablada pronunciada por Daniel Hamm, uno de los Harlem Six falsamente acusados , que fue gravemente herido por la policía. [18] El sobreviviente, que había sido golpeado, se perforó un moretón en su propio cuerpo para convencer a la policía sobre su paliza. La línea hablada incluye la frase "para dejar que la sangre del moretón salga para mostrarles". Reich volvió a grabar el fragmento "come out to show them" en dos canales, que inicialmente se reproducen al unísono. Rápidamente se desincronizan; gradualmente la discrepancia se amplía y se convierte en una reverberación. Las dos voces luego se dividen en cuatro, se repiten continuamente, luego en ocho, y continúan dividiéndose hasta que las palabras reales son ininteligibles, dejando al oyente solo con los patrones rítmicos y tonales del discurso.
Melodica (1966) toma la idea de bucle de fase de sus trabajos anteriores y la aplica a la música instrumental. Steve Reich tomó una melodía simple, que tocó en una melódica y luego la grabó. Luego establece la melodía en dos canales separados y los mueve lentamente fuera de fase, creando una intrincada melodía entrelazada. Esta pieza es muy similar a Come Out en estructura rítmica y es un ejemplo de cómo un proceso rítmico puede realizarse en diferentes sonidos para crear dos piezas musicales diferentes. Reich se inspiró para componer esta pieza a partir de un sueño que tuvo el 22 de mayo de 1966 y armó la pieza en un día. Melodica fue la última pieza que Reich compuso únicamente para cinta, y la considera su transición de la música de cinta a la música instrumental. [19]
El primer intento de Reich de trasladar esta técnica de phasing de la cinta grabada a la interpretación en vivo fue Piano Phase de 1967 , para dos pianos. En Piano Phase, los intérpretes repiten una figura melódica rápida de doce notas , inicialmente al unísono. Mientras un intérprete mantiene el tempo con precisión robótica, el otro acelera muy ligeramente hasta que las dos partes se alinean nuevamente, pero con una semicorchea de diferencia. El segundo intérprete luego retoma el tempo anterior. Este ciclo de aceleración y luego bloqueo continúa a lo largo de la pieza; el ciclo se completa tres veces, el segundo y el tercer ciclo utilizan versiones más cortas de la figura inicial. Violin Phase , también escrita en 1967, está construida sobre estas mismas líneas. Piano Phase y Violin Phase se estrenaron en una serie de conciertos dados en galerías de arte de Nueva York.
Un ejemplo similar, aunque menos conocido, de esta llamada música de proceso es Pendulum Music (1968), que consiste en el sonido de varios micrófonos que oscilan sobre los altavoces a los que están conectados, produciendo retroalimentación a medida que lo hacen. "Pendulum Music" nunca fue grabada por el propio Reich, pero Sonic Youth la presentó al público del rock a finales de los años 90.
Reich también intentó crear el efecto de phasing en una pieza "que no necesitaría ningún instrumento más allá del cuerpo humano". Encontró que la idea del phasing era inadecuada para las formas simples que estaba experimentando para crear sonido. En su lugar, compuso Clapping Music (1972), en la que los intérpretes no entran y salen de fase entre sí, sino que un intérprete mantiene una línea de una frase de 12 corcheas de duración y el otro intérprete cambia un compás de corchea cada 12 compases, hasta que ambos intérpretes vuelven a estar al unísono 144 compases después. [20]
La pieza prototipo de 1967 Slow Motion Sound no se interpretó, aunque Chris Hughes la interpretó 27 años después como Slow Motion Blackbird en su álbum de 1994, Shift, influenciado por Reich . Introdujo la idea de ralentizar un sonido grabado hasta muchas veces su duración original sin cambiar el tono o el timbre, que Reich aplicó a Four Organs (1970), que trata específicamente sobre el aumento. La pieza tiene maracas que tocan un pulso rápido de corchea , mientras que los cuatro órganos enfatizan ciertas corcheas usando un acorde de 11.º. Por lo tanto, esta obra se ocupó de la repetición y el cambio rítmico sutil. En contraste con la estructura cíclica típica de Reich, Four Organs es única entre su trabajo en el uso de una estructura lineal: Phase Patterns , superficialmente similar , también para cuatro órganos pero sin maracas, es (como sugiere el nombre) una pieza de fase cíclica similar a otras compuestas durante el período. Four Organs se interpretó como parte de un programa de la Orquesta Sinfónica de Boston y fue la primera composición de Reich en ser interpretada en un gran entorno tradicional.
En 1970, Reich se embarcó en un viaje de cinco semanas para estudiar música en Ghana, durante el cual aprendió del maestro baterista Gideon Alorwoyie. Reich también estudió gamelan balinés en Seattle en 1973 y 1974. [21] [ ¿cuándo? ] De su experiencia africana, así como de los Estudios de Música Africana de AM Jones sobre la música del pueblo ewe, Reich se inspiró para su pieza de 90 minutos Drumming , que compuso poco después de su regreso. Compuesta para un conjunto de percusión de nueve piezas con voces femeninas y flautín , Drumming marcó el comienzo de una nueva etapa en su carrera, ya que en esta época formó su conjunto, Steve Reich and Musicians , y se concentró cada vez más en la composición y la interpretación con ellos. Steve Reich and Musicians fue el único conjunto que interpretó sus obras durante muchos años, [22] y siguen siendo un "laboratorio viviente" para su música. [23] El conjunto aún permanece activo con muchos de sus miembros originales. [24]
Después de Drumming , Reich dejó atrás la técnica de "cambio de fase" que había desarrollado y comenzó a escribir piezas más elaboradas. Investigó otros procesos musicales como el aumento (el alargamiento temporal de frases y fragmentos melódicos). Fue durante este período que escribió obras como Music for Mallet Instruments, Voices and Organ (1973) y Six Pianos (1973).
En 1974, Reich comenzó a escribir Music for 18 Musicians . Esta pieza incluía muchas ideas nuevas, aunque también recordaba a piezas anteriores. Se basa en un ciclo de once acordes introducidos al principio (llamados "Pulses"), seguido de una pequeña sección de música basada en cada acorde ("Secciones I-XI"), y finalmente un regreso al ciclo original ("Pulses"). Este fue el primer intento de Reich de escribir para conjuntos más grandes . El mayor número de intérpretes resultó en un mayor alcance para los efectos psicoacústicos, lo que fascinó a Reich, y señaló que le gustaría "explorar esta idea más a fondo". Reich comentó que esta obra contenía más movimiento armónico en los primeros cinco minutos que cualquier otra obra que había escrito. Steve Reich and Musicians realizó la primera grabación de esta obra en ECM Records .
Reich exploró estas ideas más a fondo en sus piezas frecuentemente grabadas Music for a Large Ensemble (1978) y Octet (1979). En estas dos obras, Reich experimentó con "la respiración humana como medida de la duración musical... los acordes tocados por las trompetas están escritos para tomar una respiración cómoda para tocar". [25] Las voces humanas son parte de la paleta musical en Music for a Large Ensemble pero las partes vocales sin palabras simplemente forman parte de la textura (como lo hacen en Drumming ). Con Octet y su primera pieza orquestal Variations for Winds, Strings and Keyboards (también de 1979), la música de Reich mostró la influencia de la cantilación bíblica , que había estudiado en Israel desde el verano de 1977. Después de esto, la voz humana cantando un texto jugaría un papel cada vez más importante en la música de Reich.
La técnica... consiste en tomar patrones melódicos preexistentes y unirlos para formar una melodía más larga al servicio de un texto sagrado. Si se elimina el texto, queda la idea de juntar pequeños motivos para hacer melodías más largas, una técnica con la que no me había topado antes. [26]
En 1974 Reich publicó el libro Writings About Music , que contiene ensayos sobre su filosofía, estética y proyectos musicales escritos entre 1963 y 1974. Una colección actualizada y mucho más extensa, Writings On Music (1965–2000) , se publicó en 2002.
La obra de Reich adquirió un carácter más oscuro en la década de 1980 con la introducción de temas históricos, así como temas de su herencia judía. Tehillim (1981), en hebreo para salmos , es la primera de las obras de Reich que se basa explícitamente en su origen judío. La obra consta de cuatro partes y está compuesta para un conjunto de cuatro voces femeninas (una soprano alta , dos sopranos líricas y una alto ), flautín , flauta, oboe , corno inglés , dos clarinetes , seis percusiones (que tocan pequeñas panderetas afinadas sin tintineos, palmas, maracas , marimba , vibráfono y crótalos ), dos órganos electrónicos , dos violines, viola , violonchelo y contrabajo, con voces amplificadas, cuerdas y vientos. Tehillim, una composición de textos de los Salmos 19:2-5 (19:1-4 en las traducciones cristianas), 34:13-15 (34:12-14), 18:26-27 (18:25-26) y 150:4-6, se aleja de otras obras de Reich en su estructura formal; la composición de textos de varias líneas de largo en lugar de los fragmentos utilizados en obras anteriores hace que la melodía sea un elemento sustantivo. El uso del contrapunto formal y la armonía funcional también contrasta con las obras minimalistas de estructura libre escritas anteriormente. La musicóloga Ronit Seter la describió como "una de las pocas obras no israelíes donde la composición del texto hebreo se siente natural", lo que refleja la extensa investigación de Reich sobre el habla hebrea-israelí moderna, la prosodia salmista antigua y las tradiciones de cantilación judía. [27]
Different Trains (1988), para cuarteto de cuerdas y cinta, utiliza el habla grabada, como en sus obras anteriores, pero esta vez como un elemento melódico en lugar de rítmico. En Different Trains , Reich compara y contrasta sus recuerdos de infancia de sus viajes en tren entre Nueva York y California en 1939-1941 con los trenes muy diferentes que se usaban para transportar a los niños europeos contemporáneos a sus muertes bajo el régimen nazi . Lagrabación de Different Trains del Cuarteto Kronos recibió el premio Grammy a la mejor composición clásica contemporánea en 1990. La composición fue descrita por Richard Taruskin como "la única respuesta musical adecuada -una de las pocas respuestas artísticas adecuadas en cualquier medio- al Holocausto ", y le atribuyó a la pieza el mérito de haberle ganado a Reich un lugar entre los grandes compositores del siglo XX. [28]
En 1993, Reich colaboró con su esposa, la artista de video Beryl Korot , en una ópera, The Cave , que explora las raíces del judaísmo, el cristianismo y el islam a través de las palabras de israelíes, palestinos y estadounidenses, repetidas musicalmente por el conjunto. La obra, para percusión, voces y cuerdas, es un documental musical, llamado así por la cueva de Machpelah en Hebrón , donde ahora se encuentra una mezquita y se dice que Abraham fue enterrado. Según la musicóloga Ronit Seter, la obra "comparte el mensaje confrontativo, pero pacífico" transmitido por los compositores israelíes contemporáneos. [27]
Reich y Korot colaboraron en la ópera Tres cuentos , que trata del desastre del Hindenburg , las pruebas de armas nucleares en el atolón de Bikini y otras preocupaciones más modernas, específicamente la oveja Dolly , la clonación y la singularidad tecnológica .
Reich utilizó técnicas de sampling para piezas como Three Tales y City Life de 1994. Reich volvió a componer obras puramente instrumentales para salas de conciertos, comenzando con Triple Quartet en 1998, escrita para el Cuarteto Kronos, que puede ser interpretada por cuarteto de cuerdas y cinta, tres cuartetos de cuerdas u orquesta de cuerdas de 36 piezas. Según Reich, la pieza está influenciada por los cuartetos de cuerdas de Bartók y Alfred Schnittke , y Yo Shakespeare de Michael Gordon . [29]
La serie instrumental para la sala de conciertos continuó con Dance Patterns (2002), Cello Counterpoint (2003) y múltiples obras centradas en variaciones: You Are (Variations) (2004), Variations for Vibes, Pianos, and Strings (2005) y las Daniel Variations (2006). You Are se remonta a la escritura vocal de Tehillim y The Desert Music , mientras que las Daniel Variations , que Reich llamó "mucho más oscuras, para nada por lo que soy conocido", están inspiradas en parte por la muerte de Daniel Pearl . [30]
En 2002, Reich fue invitado por Walter Fink al Komponistenporträt anual del Festival de Música de Rheingau , como el duodécimo compositor destacado.
En diciembre de 2010, Nonesuch Records e Indaba Music organizaron un concurso comunitario de remezclas en el que se recibieron más de 250 propuestas, y Steve Reich y Christian Carey fueron jueces de la final. Reich dijo en una entrevista relacionada con la BBC que una vez que componía una pieza no la volvía a alterar él mismo: "Cuando está hecha, está hecha", dijo. Por otro lado, reconoció que las remezclas tienen una vieja tradición, por ejemplo, famosas piezas de música religiosa en las que las melodías se desarrollaban aún más para convertirse en nuevas canciones. [31]
Reich estrenó una pieza, WTC 9/11 , escrita para Cuarteto de Cuerdas y Cinta (una instrumentación similar a la de Different Trains ) en marzo de 2011. Esta fue una respuesta a los ataques del 11 de septiembre y utilizó grabaciones de los servicios de emergencia y de familiares que estaban en Nueva York durante los ataques. [32] Fue estrenada por el Cuarteto Kronos , en la Universidad de Duke , Carolina del Norte, EE. UU. [33]
El 5 de marzo de 2013, la London Sinfonietta, dirigida por Brad Lubman, en el Royal Festival Hall de Londres dio el estreno mundial de Radio Rewrite , la obra de Reich inspirada en la banda Radiohead . El programa también incluyó Double Sextet , Clapping Music , con el propio Reich junto al percusionista Colin Currie , Electric Counterpoint , con guitarra eléctrica de Mats Bergström , así como dos de las piezas de conjunto de Reich. [34]
Música para conjunto y orquesta se estrenó el 4 de noviembre de 2018 por la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de Susanna Mälkki en el Walt Disney Concert Hall , lo que marcó el regreso de Reich a la escritura para orquesta después de un intervalo de más de treinta años. [35] [36]
Reich ha vivido con su esposa Beryl Korot en una casa en el norte del estado de Nueva York desde 2006. [37]
En 2005, Reich recibió la Medalla Edward MacDowell. [38] [39]
Reich fue galardonado con el Premio Praemium Imperiale de Música en octubre de 2006. [40]
El 25 de enero de 2007, Reich fue nombrado ganador del Premio de Música Polar 2007 junto con el saxofonista de jazz Sonny Rollins . [41]
El 20 de abril de 2009, Reich recibió el Premio Pulitzer de Música 2009 , en reconocimiento a Double Sextet , estrenada en Richmond el 26 de marzo de 2008. La cita la calificó como "una obra importante que muestra una capacidad para canalizar una explosión inicial de energía en un evento musical a gran escala, construido con un control magistral y constantemente intrigante para el oído". [42] [43]
En mayo de 2011, Steve Reich recibió un doctorado honorario del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra . [44]
En 2012, Steve Reich recibió la Medalla de Oro en Música de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras. [45]
En 2013, Reich recibió el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en música contemporánea, dotado con 400.000 dólares , por aportar una nueva concepción de la música, basada en el uso de elementos realistas del ámbito de la vida cotidiana y otros extraídos de la música tradicional de África y Asia. [46]
En septiembre de 2014, Reich recibió el "León de Oro" (León de Oro a la trayectoria musical) de la Bienal de Venecia . [47]
En marzo de 2016, Reich recibió un Doctorado Honoris Causa del Royal College of Music de Londres. [48]
El compositor y crítico estadounidense Kyle Gann ha dicho que Reich "puede... ser considerado, por aclamación general, el mayor compositor vivo de Estados Unidos". [49] El estilo de composición de Reich ha influenciado a muchos otros compositores y grupos musicales, incluyendo a John Adams , Michael Nyman , Aphex Twin , Björk , Sonic Youth , Stereolab , la banda de rock progresivo King Crimson , los dúos de música electrónica Autechre y Matmos , el guitarrista de new-age Michael Hedges , el músico art-pop y electrónico Brian Eno , el grupo de arte/música experimental The Residents , el grupo electrónico Underworld , los compositores asociados con el festival Bang on a Can (incluyendo a David Lang , Michael Gordon y Julia Wolfe ), y numerosos músicos de indie rock incluyendo a los compositores Sufjan Stevens [50] [51] [52] y Matthew Healy de 1975 , [53] y los conjuntos instrumentales Tortoise , [54] [55] [56] The Mercury Program , [57] y Godspeed You! Black Emperor (quien tituló una canción inédita "Steve Reich"). [58]
John Adams comentó: "No reinventó la rueda tanto como nos mostró una nueva forma de montar". [59] También ha influido en artistas visuales como Bruce Nauman , y muchos coreógrafos notables han hecho bailes con su música, Eliot Feld , Jiří Kylián , Douglas Lee y Jerome Robbins, entre otros; ha expresado particular admiración por el trabajo de Anne Teresa De Keersmaeker en sus piezas.
Al incluir una muestra de Electric Counterpoint (1987) de Reich en la canción de 1990 Little Fluffy Clouds, el grupo británico de techno ambiental The Orb expuso su música a una nueva generación de oyentes. [60] En 1999, el álbum Reich Remixed presentó remezclas de varias obras de Reich realizadas por varios productores de música electrónica de baile, como DJ Spooky , Kurtis Mantronik , Ken Ishii y Coldcut, entre otros. [60] [61]
Cello Counterpoint (2003) de Reich fue la inspiración para una serie de encargos para violonchelo solista con violonchelos pregrabados realizados por Ashley Bathgate en 2017, incluidas nuevas obras de Emily Cooley y Alex Weiser . [62]
Reich cita a menudo a Pérotin , JS Bach , Debussy , Bartók y Stravinsky como compositores a los que admira y que le influyeron enormemente cuando era joven. [63] El jazz es una parte importante de la formación del estilo musical de Reich, y dos de las primeras influencias en su obra fueron los vocalistas Ella Fitzgerald y Alfred Deller , cuyo énfasis en las capacidades artísticas de la voz sola con poco vibrato u otra alteración fue una inspiración para sus primeras obras. El estilo de John Coltrane , que Reich ha descrito como "tocar muchas notas con muy pocas armonías", también tuvo un impacto; de particular interés fue el álbum Africa/Brass , que "era básicamente media hora en mi". [64] La influencia de Reich del jazz incluye sus raíces, también, en la música de África occidental que estudió en sus lecturas y en su visita a Ghana. Otras influencias importantes son Kenny Clarke y Miles Davis , y amigos artistas visuales como Sol LeWitt y Richard Serra . Reich también ha declarado que admira la música de la banda Radiohead , lo que le llevó a componer Radio Rewrite . [65]
En realidad, escribí una tesis criticando
a Gilbert Ryle
por criticar a Wittgenstein.
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