María ha sido uno de los principales temas del arte occidental durante siglos. Hay una enorme cantidad de arte mariano en la Iglesia católica , que abarca tanto temas devocionales como la Virgen y el Niño como una variedad de temas narrativos de la Vida de la Virgen , a menudo dispuestos en ciclos. La mayoría de los pintores medievales, y desde la Reforma hasta aproximadamente 1800 la mayoría de los países católicos, han producido obras, incluidos viejos maestros como Miguel Ángel y Botticelli . [1]
El arte mariano forma parte del tejido de la cultura mariana católica a través de su impacto emocional en su veneración. Imágenes como Nuestra Señora de Guadalupe y sus numerosas interpretaciones artísticas como estatuas no son simplemente obras de arte, sino un elemento central de la vida cotidiana del pueblo mexicano. [2] Tanto Hidalgo como Zapata enarbolaron banderas guadalupanas y las representaciones de la Virgen de Guadalupe siguen siendo un elemento unificador clave en la nación mexicana. [3] El estudio de María a través del campo de la mariología está, por tanto, inherentemente entrelazado con el arte mariano. [4]
El cuerpo de enseñanzas que constituye la Mariología católica consta de cuatro dogmas marianos básicos : Virginidad perpetua , Madre de Dios , Inmaculada Concepción y Asunción al cielo , derivados de las Escrituras bíblicas , los escritos de los Padres de la Iglesia y las tradiciones de la Iglesia. Otras influencias en el arte mariano han sido las fiestas de la Iglesia, las apariciones marianas , los escritos de los santos y las devociones populares como el rosario , el viacrucis o la consagración total, y también las iniciativas papales , y las encíclicas papales y apostólicas marianas. Cartas .
El arte ha sido un elemento integral de la identidad católica desde la Antigüedad tardía . [5] El catolicismo medieval apreciaba las reliquias y las peregrinaciones para visitarlas eran comunes. Se encargaron iglesias y obras de arte específicas para honrar a los santos y la Virgen María siempre ha sido vista como la intercesora más poderosa entre todos los santos; sus representaciones son objeto de veneración entre los católicos de todo el mundo. [5]
La mariología católica no consiste simplemente en un conjunto de escritos teológicos, sino que también se basa en el impacto emocional del arte, la música y la arquitectura. La música mariana católica y las iglesias marianas católicas interactúan con el arte mariano como componentes clave de la mariología; por ejemplo, la construcción de importantes iglesias marianas da lugar a importantes obras de arte para la decoración de la iglesia. [6] [7] [8] [9]
En el siglo XVI, el Discurso sobre las imágenes sagradas y profanas de Gabriele Paleotti pasó a ser conocido como el "Catecismo de las imágenes" para los católicos, dado que establecía conceptos clave para el uso de las imágenes como forma de instrucción y adoctrinamiento religioso mediante la predicación silenciosa ( muta predicatio ). [10] [11] El enfoque de Paleotti fue implementado por su poderoso contemporáneo San Carlos Borromeo y su enfoque en "la transformación de la vida cristiana a través de la visión" y las " reglas no verbales del lenguaje " dieron forma a las reinterpretaciones católicas de la Virgen María en los siglos XVI y XVI. XVII y fomentó y promovió devociones marianas como el Rosario. [10] [11]
Un ejemplo de la interacción del arte, la cultura y las iglesias marianas es la Salus Populi Romani , un icono mariano clave en Roma en Santa Maria Maggiore , la primera iglesia mariana de Roma. La práctica de coronar las imágenes de María comenzó en Santa María la Mayor en Roma por el Papa Clemente VIII en el siglo XVII. [12] En 1899 Eugenio Pacelli (más tarde Papa Pío XII ) celebró su primera Santa Misa frente a él en la Santa María la Mayor . Cincuenta años después, coronó físicamente este cuadro como parte del primer año mariano en la historia de la Iglesia, al proclamar el reinado de María . La imagen fue transportada desde Santa María la Mayor por Roma como parte de la celebración del año mariano y la proclamación del Reinado de María.
Otro ejemplo es Nuestra Madre del Perpetuo Socorro . Durante siglos, los católicos han orado ante este icono, generalmente en reproducciones, para interceder por ellos ante Cristo. [13] A lo largo de los siglos, se han construido varias iglesias dedicadas a Nuestra Madre del Perpetuo Socorro. El Papa Juan Pablo II celebró misa en el Santuario Nacional de Nuestra Madre del Perpetuo Socorro en Filipinas, donde la devoción es muy popular y muchas iglesias católicas celebran una novena y misa en honor a ella todos los miércoles utilizando una réplica del ícono, que también se exhibe ampliamente. en casas, autobuses y transporte público en Filipinas. [14] [15] [16] La devoción al ícono se ha extendido desde Filipinas a los Estados Unidos y sigue siendo popular entre los asiático-americanos en California. [17] [18] Tan recientemente como 1992, la canción La dama que viste de azul y oro fue compuesta en California y luego interpretada en la iglesia de San Alfonso María de Ligorio en Roma, donde reside el ícono. Esto ilustra cómo una obra de arte medieval puede dar lugar a fiestas, catedrales y música mariana.
El uso del arte mariano por parte de los católicos de todo el mundo acompaña formas específicas de devoción y espiritualidad marianas . El uso católico generalizado de réplicas de la estatua de Nuestra Señora de Lourdes enfatiza la devoción a la Inmaculada Concepción y al Rosario , ambos reportados en los mensajes de Lourdes. Para los católicos, las distintivas estatuas azules y blancas de Lourdes son recordatorios del énfasis de Lourdes en las devociones del Rosario y los millones de peregrinaciones a la Basílica del Rosario en Lourdes muestran cómo las iglesias, las devociones y el arte se entrelazan dentro de la cultura católica . El Rosario sigue siendo la oración preferida entre los católicos que visitan Lourdes o veneran las estatuas de Lourdes en todo el mundo. [19] [20] [21] [22]
Históricamente, el arte mariano no sólo ha impactado la imagen de María entre los católicos, sino también la de Jesús. La temprana " imagen Kyrios " de Jesús como "el Señor y Maestro" fue enfatizada especialmente en las Epístolas Paulinas . [23] [24] [25] Las representaciones de la Natividad de Jesús en el arte del siglo XIII y el desarrollo franciscano de una "tierna imagen de Jesús" a través de la construcción de escenas de la Natividad cambiaron esa percepción y fueron fundamentales para retratar una imagen más suave de Jesús que contrastaba con la imagen poderosa y radiante de la Transfiguración . [26] El énfasis en la humildad de Jesús y la pobreza de su nacimiento representado en el arte de la Natividad reforzó la imagen de Dios no como severo y castigador, sino él mismo humilde al nacer y sacrificado en la muerte. [27] A medida que las tiernas alegrías de la Natividad se sumaron a la agonía de la Crucifixión (como se representa en escenas como Stabat Mater ), se introdujo una gama completamente nueva de emociones religiosas aprobadas a través del arte mariano, con un amplio impacto cultural durante siglos. después de eso. [28] [29] [30]
La difusión de la devoción a la Virgen de la Merced es otro ejemplo de la combinación de arte y devoción entre los católicos. En el siglo XII, la abadía de Cîteaux en Francia utilizó el motivo del manto protector de la Virgen María que protegía a los abades y abadesas arrodillados. En el siglo XIII, Cesáreo de Heisterbach también conoció este motivo, lo que finalmente condujo a la iconografía de la Virgen de la Misericordia y a una mayor atención al concepto de protección mariana. [31] A principios del siglo XVI, las representaciones de la Virgen de la Merced se encontraban entre los elementos artísticos preferidos en los hogares de la zona de París. [32] En el siglo XVIII, San Alfonso María de Ligorio atribuyó su propia recuperación de una situación cercana a la muerte a una estatua de la Virgen de la Misericordia que llevaron junto a su cama. [33]
En su carta apostólica Archicoenobium Casinense de 1913, el Papa Pío X se hizo eco del mismo sentimiento respecto de la combinación de arte, música y religión, comparando los esfuerzos artísticos de los monjes benedictinos de la Escuela de Arte de Beuron (que anteriormente habían producido la "Vida de la Virgen " serie), hasta el resurgimiento del canto gregoriano por parte de los benedictinos de la abadía de Solesmes y escribió: "...junto con la música sacra, este arte demuestra ser una poderosa ayuda para la liturgia". [34]
El arte mariano católico ha expresado una amplia gama de temas teológicos relacionados con María, a menudo de maneras que están lejos de ser obvias, y cuyo significado sólo puede recuperarse mediante un análisis académico detallado. Se han escrito libros enteros, tesis académicas o extensos trabajos académicos sobre diversos aspectos del arte mariano en general y sobre temas específicos como la Virgen Negra , Nuestra Señora de San Juan de los Lagos , Virgen de la Merced , Virgen de Ocotlán o el Hortus . conclusiones y sus implicaciones doctrinales.[36] [37] [38] [39] [40]
Algunos de los principales temas marianos incluyen:
La tradición del arte mariano católico ha continuado en el siglo XXI de la mano de artistas como Miguel Bejarano Moreno y Francisco Cárdenas Martínez .
La veneración temprana de María está documentada en las Catacumbas de Roma . En las pinturas de las catacumbas se muestra a María con Jesús. Más inusual y que indica el lugar de enterramiento de San Pedro fue el hecho de que las excavaciones en la cripta de San Pedro descubrieron un fresco muy temprano de María junto con San Pedro. [41] Las catacumbas romanas de Priscila contienen las pinturas marianas más antiguas conocidas, que datan de mediados del siglo II. [42] En uno, se muestra a María con el niño Jesús en su regazo. La catacumba de Priscila también incluye el fresco más antiguo conocido de la Anunciación , que data del siglo IV. [43]
Después del Edicto de Milán del año 313, a los cristianos se les permitió adorar y construir iglesias abiertamente. El generoso y sistemático patrocinio del emperador romano Constantino I cambió la suerte de la iglesia cristiana y resultó en un desarrollo tanto arquitectónico como artístico. [44] La veneración de María se hizo pública y el arte mariano floreció. Algunas de las primeras iglesias marianas de Roma datan del siglo V, como Santa María en Trastevere , Santa María Antiqua y Santa María la Mayor, y estas iglesias, a su vez, fueron decoradas con importantes obras de arte a lo largo de los siglos. [45] [46] La interacción del arte mariano y la construcción de iglesias influyó así en el desarrollo del arte mariano. [47]
Desde entonces, la Virgen María se ha convertido en un tema importante del arte occidental. Maestros como Miguel Ángel , Botticelli , Leonardo da Vinci , Giotto , Duccio y otros produjeron obras maestras con temas marianos.
El estatus de María como Madre de Dios no quedó claro en los Evangelios ni en las Epístolas Paulinas, pero las implicaciones teológicas de esto fueron definidas y confirmadas por el Concilio de Éfeso (431). Diferentes aspectos de la posición de María como madre han sido objeto de un gran número de obras de arte católico.
Hubo una gran expansión del culto a María después del Concilio de Éfeso en 431, cuando se confirmó su condición de Theotokos ; esto había sido objeto de cierta controversia hasta entonces, aunque principalmente por razones relacionadas con discusiones sobre la naturaleza de Cristo . En los mosaicos de Santa María la Mayor de Roma, que datan del 432 al 40, justo después del concilio, todavía no se la muestra con una aureola , y tampoco se la muestra en los belenes de esta fecha, aunque sí se la incluye en la Adoración de los magos . [46] [48]
En el siglo siguiente se estableció la representación icónica de la Virgen entronizada llevando al niño Cristo, como en el ejemplo del único grupo de iconos que se conserva de este período, en el Monasterio de Santa Catalina en Egipto . Este tipo de representación, con diferencias de énfasis sutilmente cambiantes, ha seguido siendo el pilar de las representaciones de María hasta el día de hoy. La imagen del Monte Sinaí consigue combinar dos aspectos de María descritos en el Magnificat , su humildad y su exaltación por encima de los demás humanos.
En este período la iconografía de la Natividad iba tomando la forma, centrada en María , que ha conservado hasta nuestros días en la ortodoxia oriental , y en la que se basaron las representaciones occidentales hasta la Alta Edad Media . Se estaban desarrollando otras escenas narrativas para los ciclos bizantinos sobre la Vida de la Virgen , apoyándose en fuentes apócrifas para completar su vida antes de la Anunciación a María . En ese momento, el colapso político y económico del Imperio Romano Occidental significó que la iglesia occidental, latina, no podía competir en el desarrollo de una iconografía tan sofisticada y dependía en gran medida de los desarrollos bizantinos.
La imagen más antigua que se conserva en un manuscrito occidental iluminado de la Virgen y el Niño proviene del Libro de Kells de alrededor del año 800 y, aunque magníficamente decorada al estilo del arte insular , el dibujo de las figuras sólo puede describirse como bastante tosco en comparación con el bizantino. obra de la época. De hecho, se trataba de una inclusión inusual en un libro del Evangelio , y las imágenes de la Virgen tardaron en aparecer en grandes cantidades en el arte manuscrito hasta que se ideó el libro de horas en el siglo XIII.
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La Natividad de Jesús ha sido un tema importante del arte cristiano desde principios del siglo IV. Ha sido representado en muchos medios diferentes, tanto pictóricos como escultóricos. Las formas pictóricas incluyen murales, pinturas sobre paneles, iluminaciones de manuscritos, vidrieras y pinturas al óleo. Las primeras representaciones de la Natividad en sí son muy simples, mostrando simplemente al niño, bien envuelto, acostado cerca del suelo en un abrevadero o cesta de mimbre.
Una nueva forma de la imagen, que desde las raras versiones tempranas parece haber sido formulada en la Palestina del siglo VI, establecería la forma esencial de las imágenes ortodoxas orientales hasta nuestros días. El escenario es ahora una cueva, o más bien la específica Cueva de la Natividad en Belén, ya debajo de la Iglesia de la Natividad, y bien establecida como lugar de peregrinación, con la aprobación de la Iglesia.
Los artistas occidentales adoptaron muchos de los elementos iconográficos bizantinos, pero prefirieron el establo bíblico a la cueva, aunque la versión Maestà de influencia bizantina de Duccio intenta tener ambos. Durante el período gótico, en el norte antes que en Italia, se desarrolla una cercanía cada vez mayor entre madre e hijo, y María comienza a abrazar a su bebé o él la mira. La succión es muy inusual, pero a veces se muestra.
La imagen en el norte de Europa medieval posterior estuvo a menudo influenciada por la visión de la Natividad de Santa Brígida de Suecia (1303-1373), una mística muy popular. Poco antes de su muerte, describió una visión del niño Jesús tendido en el suelo y emitiendo luz él mismo.
A partir del siglo XV, la Adoración de los Magos se convirtió cada vez más en una representación más común que la Natividad propiamente dicha. A partir del siglo XVI, los Nacimientos sencillos, con sólo la Sagrada Familia, se convierten en una clara minoría, aunque Caravaggio propició un retorno a un tratamiento más realista de la Adoración de los Pastores .
En algunos se alude al carácter perpetuo de la virginidad de María, es decir, que fue virgen toda su vida y no sólo en su concepción virginal de Jesucristo en la Anunciación (que fue virgen antes, durante y después de darle a luz). Formas de arte de la Natividad: Salomé , quien según la historia de la Natividad de María del siglo II [49] recibió prueba física de que María permaneció virgen incluso al dar a luz a Jesús, se encuentra en muchas representaciones de la Natividad de Jesús en el arte. . [50]
La representación de la Virgen tiene sus raíces en antiguas tradiciones pictóricas y escultóricas que influyeron en las primeras comunidades cristianas de Europa, el norte de África y Oriente Medio. Importantes para la tradición italiana son los íconos bizantinos, especialmente los creados en Constantinopla (Estambul), la capital de la civilización medieval más antigua y duradera cuyos íconos, como la Odigitria , participaron en la vida cívica y fueron celebrados por sus propiedades milagrosas. Las representaciones occidentales siguieron dependiendo en gran medida de los tipos bizantinos hasta al menos el siglo XIII. A finales de la Edad Media, la escuela cretense , bajo el dominio veneciano , fue la fuente de un gran número de iconos exportados a Occidente, y los artistas allí podían adaptar su estilo a la iconografía occidental cuando era necesario.
En el período románico, las estatuas independientes, típicamente de la mitad de su tamaño natural, de la Virgen y el Niño entronizados fueron un desarrollo occidental original, ya que la escultura monumental estaba prohibida por la ortodoxia. La Virgen Dorada de Essen de c. 980 es uno de los más antiguos, hecho de oro aplicado a un núcleo de madera, y sigue siendo objeto de considerable veneración local, al igual que la Virgen de Montserrat del siglo XII en Cataluña , un tratamiento más desarrollado.
Con el crecimiento de la pintura sobre paneles monumentales en Italia durante los siglos XII y XIII, este tipo pintado con frecuencia en la imagen de la Virgen gana prominencia fuera de Roma, especialmente en toda la Toscana. Si bien los miembros de las órdenes mendicantes de las Ordenes Franciscana y Dominicana son algunos de los primeros en encargar paneles que representen este tema, tales obras rápidamente se hicieron populares en monasterios, iglesias parroquiales y hogares posteriores. Algunas imágenes de la Virgen fueron pagadas por organizaciones laicas llamadas cofradías, que se reunían para cantar alabanzas a la Virgen en capillas que se encuentran dentro de las espaciosas iglesias recién reconstruidas que a veces estaban dedicadas a ella.
Varias pinturas y estatuas de Madonna han ganado seguidores como importantes íconos religiosos y obras de arte notables en varias regiones del mundo.
Algunas Madonnas son conocidas por un nombre general y un concepto representado o representado por varios artistas. Por ejemplo, Nuestra Señora de los Dolores es la patrona de varios países como Eslovaquia y Filipinas . Es representada como la Virgen María herida por siete espadas en su corazón, en referencia a la profecía de Simeón en la Presentación de Jesús . Nuestra Señora de los Dolores, Reina de Polonia, ubicada en el Santuario de Nuestra Señora de Licheń (la iglesia más grande de Polonia) es un ícono importante en Polonia. El término Nuestra Señora de los Dolores también se utiliza en otros contextos, sin una Virgen, por ejemplo, para las apariciones de Nuestra Señora de Kibeho .
Algunas vírgenes se convierten en objeto de una devoción generalizada y los santuarios marianos dedicados a ellas atraen a millones de peregrinos al año. Un ejemplo es Nuestra Señora de Aparecida en Brasil, cuyo santuario es superado en tamaño sólo por la Basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano , y recibe más peregrinos por año que cualquier otra iglesia católica mariana del mundo. [51]
Existe una rica tradición de construcción de estatuas de la Virgen en América del Sur, una muestra de la cual se muestra en la sección de galerías de este artículo. La tradición sudamericana del arte mariano se remonta al siglo XVI, y la Virgen de Copacabana ganó fama en 1582. [52] Algunos ejemplos dignos de mención son:
Imágenes y devociones a vírgenes como Nuestra Señora de San Juan de los Lagos se han extendido desde México a Estados Unidos. [53] [54]
Las escenas de María y Jesús juntos se dividen en dos grupos principales: aquellas con un niño Jesús y aquellas del último período de su vida. Después de los episodios de la Natividad, hay una serie de escenas narrativas adicionales de María y el niño Jesús juntos que a menudo se representan: la circuncisión de Cristo , la presentación de Jesús en el templo , la huida a Egipto y escenas menos específicas de María y Jesús con su primo Juan Bautista , a veces con Isabel, la madre de Juan . La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci es un ejemplo famoso. Las reuniones de toda la familia de Jesús forman un tema conocido como el Santo Parentesco , popular en el Renacimiento del Norte . María aparece en el fondo del único incidente de los Evangelios de la última infancia de Jesús, el Hallazgo en el Templo .
María suele estar entonces ausente de las escenas del período de la vida de Cristo entre su bautismo y su pasión, excepto en las bodas de Caná , donde se la sitúa en los evangelios. En la Alemania del siglo XV y principios del XVI se pintó a menudo un tema no bíblico en el que Cristo se despide de su Madre (antes de ir a Jerusalén al comienzo de su Pasión). Los Evangelios sitúan a María en la crucifixión de Jesús , y casi invariablemente se la muestra, con San Juan Evangelista , en obras completamente representadas, además de aparecer a menudo en el fondo de escenas anteriores de la Pasión de Cristo . La cruz común en las iglesias occidentales medievales tenía estatuas de María y Juan flanqueando un crucifijo central . María se muestra presente en la Deposición de Cristo y su Entierro; A finales de la Edad Media, la Piedad surgió en Alemania como un tema independiente, especialmente en la escultura. María también está incluida, aunque esto no se menciona en ninguno de los relatos de las Escrituras, en las representaciones de la Ascensión de Jesús . Después de la Ascensión, ella es la figura central en las representaciones de Pentecostés , que es su última aparición en los Evangelios.
Las escenas principales de arriba, que muestran incidentes celebrados como días festivos por la iglesia, formaron parte de ciclos de la Vida de la Virgen (aunque la selección de escenas en estos variaba considerablemente), así como de la Vida de Cristo .
El dogma de la perpetua virginidad de María es el primero de los cuatro dogmas marianos y la liturgia católica se ha referido repetidamente a María como "siempre virgen" durante siglos. [58] [59] El dogma significa que María fue virgen antes, durante y después de dar a luz a Jesucristo . La obra del siglo II originalmente conocida como la Natividad de María presta especial atención a la virginidad de María. [60]
Este dogma suele estar representado en el arte católico en términos de la anunciación a María por el arcángel Gabriel de que concebiría un niño que nacería Hijo de Dios, y en belenes que incluyen la figura de Salomé . La Anunciación es una de las escenas más representadas en el arte occidental. [61] Las escenas de la Anunciación también constituyen las apariciones más frecuentes de Gabriel en el arte medieval. [62] La representación de José alejándose en algunos belenes es una discreta referencia a la paternidad del Espíritu Santo y a la doctrina del nacimiento virginal. [63]
Los frescos que representan esta escena han aparecido en las iglesias marianas católicas durante siglos y ha sido un tema abordado por muchos artistas en múltiples medios, desde vidrieras hasta mosaicos , relieves , esculturas y pinturas al óleo. [64] El fresco más antiguo de la anunciación es una representación del siglo IV en la Catacumba de Priscila en Roma. [65] En la mayoría (pero no en todas) las representaciones católicas, y de hecho occidentales, Gabriel se muestra a la izquierda, mientras que en la Iglesia oriental se le representa más a menudo a la derecha. [66]
Ha sido uno de los temas más frecuentes del arte cristiano, especialmente durante la Edad Media y el Renacimiento. Las figuras de la Virgen María y el Arcángel Gabriel, al ser emblemáticas de pureza y gracia, fueron temas favoritos de muchos pintores como Sandro Botticelli , Leonardo da Vinci , Caravaggio , Duccio y Murillo entre otros. En muchas representaciones, el ángel puede estar sosteniendo un lirio , símbolo de la virginidad de María. [67] Los mosaicos de Pietro Cavallini en Santa María en Trastevere en Roma (1291), los frescos de Giotto en la Capilla de los Scrovegni en Padua (1303), el fresco de Domenico Ghirlandaio en la iglesia de Santa María Novella en Florencia (1486) y la escultura dorada de Donatello en la iglesia de Santa Croce, Florencia (1435) son ejemplos famosos.
La composición natural de la escena, formada por dos figuras enfrentadas, también la hacía adecuada para arcos decorados sobre las puertas.
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Dado que hasta el siglo XIII una serie de santos, entre ellos Bernardo de Claraval , Buenaventura , Tomás de Aquino y los dominicos en general, se habían opuesto o cuestionado esta doctrina, el arte católico sobre el tema data principalmente de períodos posteriores al siglo XV y está ausente. del arte renacentista . Pero con el apoyo de la opinión popular, los franciscanos y teólogos como Duns Escoto , la popularidad de la doctrina aumentó y se promovió su fiesta.
El Papa Pío V , el Papa dominico que en 1570 estableció la Misa Tridentina , incluyó la fiesta (pero sin el adjetivo "Inmaculada") en el calendario tridentino , pero suprimió la Misa especial existente para la fiesta, ordenando que la Misa por la Natividad de María (con la palabra "Natividad" reemplazada por "Concepción") se utilice en su lugar. [68] Parte de esa Misa anterior fue revivida en la Misa que el Papa Pío IX ordenó usar en la fiesta y que todavía está en uso. [69]
En el siglo XVI hubo una moda intelectual generalizada por los emblemas tanto en contextos religiosos como seculares. Estos consistían en una representación visual del símbolo (pictura) y generalmente un lema en latín ; frecuentemente se agregaba un epigrama explicativo. Los libros de emblemas fueron muy populares. [70]
Inspirándose en la tradición emblemática, Francisco Pacheco estableció una iconografía que artistas españoles como Bartolomé Murillo (especialmente), Diego Velázquez (yerno de Pacheco) y otros adoptaron, con variaciones, y luego extendieron al resto de Europa, desde cuando ha seguido siendo la representación habitual. Las imágenes adicionales pueden incluir nubes, una luz dorada y querubines . En algunas pinturas, los querubines sostienen lirios y rosas , flores a menudo asociadas con María.
La definición dogmática de Inmaculada Concepción fue realizada por el Papa Pío IX en su Constitución Apostólica Ineffabilis Deus , en 1854.
Muchos artistas del siglo XV se enfrentaron al problema de cómo representar una idea abstracta como la Inmaculada Concepción , y el problema no se resolvió por completo durante 150 años.
Dado que un texto bíblico clave señalado en apoyo de la doctrina era " Tota pulchra es ...", "Tú eres toda hermosa, amada mía; no hay mancha en ti", versículo 4.7 del Cantar de los Cantares , [71] una serie de objetos simbólicos extraídos de las imágenes de la Canción , y a menudo ya asociados con la Anunciación y la Virginidad Perpetua, se combinaron en versiones del tema Hortus conclusus ("jardín cerrado"). Esto daba como resultado un tema bastante confuso y, por lo general, era imposible combinarlo con una perspectiva correcta, por lo que nunca tuvo éxito fuera de Alemania y los Países Bajos . Piero di Cosimo fue uno de los artistas que intentó nuevas soluciones, pero ninguna de ellas fue adoptada de manera generalizada para que el tema fuera inmediatamente reconocible para los fieles.
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La iconografía definitiva de la Inmaculada Concepción, basándose en la tradición del emblema, parece haber sido establecida por el maestro y luego suegro de Diego Velázquez , el pintor y teórico Francisco Pacheco (1564-1644), a quien la Inquisición en Sevilla también contrató la aprobación de nuevas imágenes. Describió su iconografía en su Arte de la Pintura ( Arte de la Pintura , publicado póstumamente en 1649):
"La versión que sigo es la que más se acerca a la santa revelación del Evangelista y aprobada por la Iglesia Católica bajo la autoridad de los sagrados y santos intérpretes... En este más hermoso de los misterios, Nuestra Señora debe ser pintada como una hermosa jovencita, de 12 o 13 años, en la flor de su juventud... Y así es alabada por el Marido: tota pulchra es amica mea , texto que siempre está escrito en este cuadro. Debería pintarse con un traje blanco. túnica y manto azul... Está rodeada por el sol, un sol ovalado de color blanco y ocre, que se funde dulcemente con el cielo. Rayos de luz emanan de su cabeza, alrededor de la cual hay un anillo de doce estrellas . Una corona imperial adorna su cabeza, sin ocultar, sin embargo, las estrellas. Bajo sus pies está la luna. Aunque es un globo macizo, me tomo la libertad de hacerlo transparente para que se vea el paisaje." [72] [73]
La doctrina católica de la Asunción de María al Cielo afirma que María fue transportada al Cielo con su cuerpo y su alma unidos. Aunque la Asunción sólo fue declarada oficialmente dogma por el Papa Pío XII en su Constitución Apostólica Munificentissimus Deus en 1950, sus raíces en la cultura y el arte católicos se remontan a muchos siglos atrás. Si bien el Papa Pío XII deliberadamente dejó abierta la cuestión de si María murió antes de su Asunción, la enseñanza más común de los primeros Padres es que así fue. [74] [75]
Uno de los primeros partidarios de la Asunción fue San Juan de Damasco (676–794), un Doctor de la Iglesia a quien a menudo se le llama el Doctor de la Asunción . [76] San Juan no sólo se interesó por la Asunción, sino que también apoyó el uso de imágenes sagradas en respuesta al edicto del emperador bizantino León III , que prohibía el culto o la exhibición de imágenes sagradas. [77] Escribió: «En este día reposa en el templo del Señor, que no está hecho con manos, el arca sagrada y llena de vida del Dios vivo, la que concibió a su Creador en su seno. David, su antepasado, Salta, y con él los ángeles dirigen la danza".
La Iglesia Oriental celebró la fiesta de la Asunción ya en la segunda mitad del siglo VI, y el Papa Sergio I (687-701) ordenó su observancia en Roma. [78]
La tradición ortodoxa es clara en que María murió normalmente, antes de ser asumida corporalmente. El término ortodoxo para la muerte es la Dormición de la Virgen . Las representaciones bizantinas de esto fueron la base de las imágenes occidentales, siendo el tema conocido en Occidente como la Muerte de la Virgen . A medida que la naturaleza de la Asunción se volvió controvertida durante la Alta Edad Media, el tema a menudo se evitaba, pero la representación continuó siendo común hasta la Reforma. La última representación católica importante es la Muerte de la Virgen de Caravaggio de 1606.
Mientras tanto, las representaciones de la Asunción se habían vuelto más frecuentes durante la Baja Edad Media, siendo la escuela gótica de Siena una fuente particular. En el siglo XVI se habían convertido en la norma, inicialmente en Italia y luego en otros lugares. En ocasiones se combinaban con la Coronación de la Virgen , mientras la Trinidad esperaba en las nubes. El tema era muy adecuado para el tratamiento barroco.
La enseñanza católica de que María está muy por encima de todas las demás criaturas en dignidad, y después de que Jesucristo posee la primacía sobre todo, se remonta a la iglesia primitiva. San Sofronio dijo: "Has superado a toda criatura" y Saint Germain de París (496-576) afirmó: "Tu honor y dignidad sobrepasan toda la creación; tu grandeza te sitúa por encima de los ángeles". San Juan Damasco fue más allá: "Ilimitada es la diferencia entre los siervos de Dios y su Madre". [79] [80]
La fiesta del reinado de María no fue establecida formalmente hasta 1954 por el Papa Pío XII en su encíclica Ad Caeli Reginam . Pío XII también declaró el primer año mariano y se llevaron a cabo varias rededicaciones de la Iglesia Católica , por ejemplo, la rededicación de 1955 de la iglesia de Santiago el Grande en Montreal con el nuevo título de Catedral María, Reina del Mundo, un título proclamado por Pío XII.
Sin embargo, mucho antes de 1954 la Coronación de la Virgen había sido objeto de un buen número de obras artísticas. Algunas de estas pinturas se basan en la tercera fase de la Asunción de María en la que tras su Asunción, es coronada como Reina del Cielo .
La devoción católica a María en ocasiones ha sido impulsada por experiencias y visiones religiosas de personas sencillas y modestas (en muchos casos niños) en colinas remotas que, con el tiempo, han creado fuertes emociones entre un gran número de católicos. Los ejemplos incluyen a San Juan Diego en 1531 como Nuestra Señora de Guadalupe , Santa Bernadette Soubirous como Nuestra Señora de Lourdes en 1858 y Lucía dos Santos , Jacinta Marto y Francisco Marto como Nuestra Señora de Fátima en 1917. [82]
Aunque cada año más de cinco millones de peregrinos visitan Lourdes y Guadalupe cada una, el volumen de arte católico que acompaña este entusiasmo se ha restringido esencialmente a imágenes populares. Por lo tanto, aunque las apariciones han dado lugar a la construcción de iglesias marianas muy grandes en Lourdes y Guadalupe , hasta ahora no han tenido un impacto similar en el arte mariano. Sin embargo, imágenes como Nuestra Señora de Guadalupe y sus interpretaciones artísticas como estatuas no son simplemente obras de arte, sino elementos centrales de la vida cotidiana del pueblo mexicano. [2] Tanto Miguel Hidalgo como Emiliano Zapata enarbolaban banderas guadalupanas como su protector, y los hombres de Zapata llevaban la imagen guadalupana alrededor del cuello y en sus sombreros . [83] [84] Las representaciones de la Virgen de Guadalupe continúan siendo un elemento unificador clave en la nación mexicana y como el principal símbolo nacional de México. [3]
Los católicos a veces consideran que el arte basado en las apariciones es milagroso. Los católicos utilizan ampliamente réplicas de la distintiva estatua azul y blanca de Nuestra Señora de Lourdes en sus devociones, y se construyen pequeñas grutas con ella en casas y vecindarios católicos de todo el mundo y son objeto de oraciones y peticiones. [85] En Ad Caeli Reginam , el Papa Pío XII calificó de "milagrosa" la estatua de Nuestra Señora de Fátima y el Papa Juan Pablo II atribuyó a su intercesión su supervivencia tras el intento de asesinato de 1981, donando al Santuario una de las balas que la hirieron. en Fátima. [81] [86]
El enfoque católico del arte mariano es bastante distinto de la forma en que otros cristianos (como los protestantes y los ortodoxos orientales ) tratan las representaciones de la Virgen María. Desde el comienzo mismo de la Reforma Protestante, sus líderes expresaron su malestar con las representaciones de los santos en general. Si bien con el tiempo se desarrolló una tradición artística protestante, las representaciones de la Virgen María en ella han seguido siendo mínimas, dado que la mayoría de los protestantes rechazan la veneración mariana y la ven como un exceso católico. [87] [88] [89]
A diferencia de la mayoría de los protestantes, la Iglesia Ortodoxa Oriental venera las imágenes marianas, pero de manera diferente y con un énfasis diferente a la tradición católica. Si bien las estatuas de la Virgen María abundan en las iglesias católicas, existen prohibiciones específicas contra todas las representaciones tridimensionales (de María o de cualquier otro santo) dentro de la Iglesia Ortodoxa, ya que se consideran restos de idolatría pagana. De ahí que los ortodoxos sólo produzcan y veneren imágenes bidimensionales. [90] [91] [92] [93]
Las imágenes marianas católicas son casi en su totalidad representaciones devocionales y no tienen una posición oficial dentro de la liturgia, pero los íconos orientales son una parte inherente de la liturgia ortodoxa. De hecho, hay una interacción triple, cuidadosamente coordinada, de oraciones, íconos e himnos a María dentro de la liturgia ortodoxa, a veces con fiestas específicas que se relacionan con los íconos de la Theotokos y los Akathists . [90] [93] [94]
Si bien existe una tradición entre los artistas occidentales más conocidos, desde Duccio hasta Tiziano , de representar a la Virgen María, la mayoría de los pintores de iconos ortodoxos orientales han permanecido en el anonimato porque la producción de un icono no se considera una "obra de arte" sino una " "Oficio sagrado" practicado y perfeccionado en los monasterios. [90] Para algunos ortodoxos orientales, las representaciones renacentistas de aspecto natural utilizadas en el arte católico no conducen a la meditación, ya que carecen de la kénosis necesaria para la contemplación ortodoxa. La rica representación de fondo de flores o jardines que se encuentran en el arte católico no está presente en las representaciones ortodoxas cuyo enfoque principal es la Theotokos, a menudo con el Niño Jesús . [95] [96] Las imágenes basadas en apariciones, como las estatuas de Nuestra Señora de Lourdes, acentúan las diferencias en el sentido de que se basan en apariciones que son puramente católicas, además de ser representaciones tridimensionales. Y la presencia de sacramentales como el Rosario y el Escapulario Marrón en las estatuas de Nuestra Señora de Fátima enfatizan una forma totalmente católica de arte mariano.
Aparte de las cuestiones estilísticas, importantes diferencias doctrinales separan el arte mariano católico de otros enfoques cristianos. Tres ejemplos son las representaciones que involucran a la Inmaculada Concepción , Reina del Cielo y la Asunción de María . Dado que la Inmaculada Concepción es una doctrina mayoritariamente católica, sus representaciones dentro de otras tradiciones cristianas siguen siendo raras. [97] Lo mismo se aplica a la Reina del Cielo , durante mucho tiempo un elemento de la tradición católica (y eventualmente el tema de la encíclica Ad Caeli Reginam ), pero su representación dentro de temas como la Coronación de la Virgen continúa siendo mayoritariamente católica. [86] Si bien los ortodoxos orientales apoyan la Dormición de la Theotokos , no apoyan las doctrinas católicas de la Asunción de María y, por lo tanto, sus representaciones de la dormición son distintas y la Virgen María generalmente se muestra durmiendo rodeada de santos, mientras que las representaciones católicas A menudo muestran a María ascendiendo al cielo. [93] [98]
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![Nuestra Señora de Rokitno [pl], Polonia, 1671](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2f/Matka-Boza_Rokitno.jpg/1280px-Matka-Boza_Rokitno.jpg)
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