Charles-Camille Saint-Saëns ( Reino Unido : / ˈ s æ̃ s ɒ̃ ( s )/ , [1] EE. UU. : / s æ̃ ˈ s ɒ̃ ( s )/ , [2] [3] Francés: [ʃaʁl kamij sɛ̃ sɑ̃( s)] ; [n 1] 9 de octubre de 1835 – 16 de diciembre de 1921) fue un compositor, organista, director de orquesta y pianista francés de la época romántica . Sus obras más conocidas incluyen Introducción y Rondo Capriccioso (1863), el Segundo Concierto para piano (1868), el Primer Concierto para violonchelo (1872), Danza macabra (1874), la ópera Sansón y Dalila (1877), el Tercer Concierto para violín ( 1880), la Tercera Sinfonía ("Órgano") (1886) y El carnaval de los animales (1886).
Saint-Saëns fue un prodigio musical; Hizo su debut en conciertos a la edad de diez años. Después de estudiar en el Conservatorio de París, siguió una carrera convencional como organista de iglesia, primero en Saint-Merri , París y, desde 1858, en La Madeleine , la iglesia oficial del Imperio francés . Tras dejar el cargo veinte años después, se convirtió en un exitoso pianista y compositor independiente, muy solicitado en Europa y América.
Cuando era joven, Saint-Saëns estaba entusiasmado por la música más moderna del momento, particularmente la de Schumann , Liszt y Wagner , aunque sus propias composiciones estaban generalmente dentro de una tradición clásica convencional. Era un estudioso de la historia musical y seguía comprometido con las estructuras elaboradas por los compositores franceses anteriores. Esto lo puso en conflicto en sus últimos años con compositores de las escuelas de música impresionista y expresionista ; aunque había elementos neoclásicos en su música, que presagiaban obras de Stravinsky y Les Six , a menudo se le consideraba un reaccionario en las décadas cercanas al momento de su muerte.
Saint-Saëns ocupó sólo un puesto docente, en la École de Musique Classique et Religieuse de París, y permaneció allí menos de cinco años. Sin embargo, fue importante en el desarrollo de la música francesa: entre sus alumnos se encontraba Gabriel Fauré , entre cuyos alumnos posteriores se encontraba Maurice Ravel . Ambos estuvieron fuertemente influenciados por Saint-Saëns, a quien veneraban como un genio.
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Saint-Saëns nació en París, hijo único de Jacques-Joseph-Victor Saint-Saëns (1798-1835), funcionario del Ministerio del Interior francés, y Françoise-Clémence, de soltera Collin. [6] Victor Saint-Saëns era de ascendencia normanda y su esposa era de una familia de Haute-Marne ; [n 2] su hijo, nacido en la Rue du Jardinet en el distrito VI de París , y bautizado en la cercana iglesia de Saint-Sulpice , siempre se consideró un verdadero parisino. [11] Menos de dos meses después del bautizo, Victor Saint-Saëns murió de tisis (tuberculosis) en el primer aniversario de su matrimonio. [12] El joven Camille fue llevado al campo por el bien de su salud, y durante dos años vivió con una enfermera en Corbeil , 29 kilómetros (18 millas) al sur de París. [13]
Cuando Saint-Saëns regresó a París, vivió con su madre y su tía viuda, Charlotte Masson. Antes de los tres años mostraba un tono perfecto y disfrutaba tocando melodías en el piano. [14] Su tía abuela le enseñó los conceptos básicos del pianismo, y cuando tenía siete años se convirtió en alumno de Camille-Marie Stamaty , ex alumno de Friedrich Kalkbrenner . [15] Stamaty exigía a sus alumnos que tocaran mientras apoyaban los antebrazos en una barra situada delante del teclado, de modo que todo el poder del pianista provenía de las manos y los dedos en lugar de los brazos, lo que, como escribió más tarde Saint-Saëns, era bueno. capacitación. [16] Clémence Saint-Saëns, consciente del talento precoz de su hijo, no deseaba que se hiciera famoso demasiado joven. El crítico musical Harold C. Schonberg escribió sobre Saint-Saëns en 1969: "En general, no se reconoce que fue el niño prodigio más notable de la historia, y eso incluye a Mozart". [17] El niño dio actuaciones ocasionales para públicos reducidos desde los cinco años, pero no fue hasta los diez cuando hizo su debut público oficial, en la Salle Pleyel , en un programa que incluía el Concierto para piano en si de Mozart . ♭ ( K 450), y el Tercer Concierto para piano de Beethoven . [6] A través de la influencia de Stamaty, Saint-Saëns conoció al profesor de composición Pierre Maleden y al profesor de órgano Alexandre Pierre François Boëly . De este último adquirió el amor de toda la vida por la música de Bach , entonces poco conocida en Francia. [18]
Como colegial, Saint-Saëns se destacó en muchas materias. Además de sus proezas musicales, se distinguió en el estudio de la literatura francesa, el latín y el griego, la divinidad y las matemáticas. Sus intereses incluían la filosofía, la arqueología y la astronomía, de las cuales, particularmente la última, siguió siendo un talentoso aficionado en su vida posterior. [6] [n 3]
En 1848, a la edad de trece años, Saint-Saëns fue admitido en el Conservatorio de París , la academia de música más importante de Francia. El director, Daniel Auber , había sucedido a Luigi Cherubini en 1842 y había implantado un régimen más relajado que el de su predecesor Martinet, aunque el plan de estudios seguía siendo conservador. [21] [n 4] Se animó a los estudiantes, incluso a pianistas destacados como Saint-Saëns, a especializarse en estudios de órgano, porque se consideraba que una carrera como organista de iglesia ofrecía más oportunidades que la de un pianista solista. [23] Su profesor de órgano fue François Benoist , a quien Saint-Saëns consideraba un organista mediocre pero un profesor de primer nivel; [24] entre sus alumnos se encontraban Adolphe Adam , César Franck , Charles Alkan , Louis Lefébure-Wély y Georges Bizet . [25] En 1849, Saint-Saëns ganó el segundo premio para organistas del Conservatorio y en 1851 el máximo premio; [26] en el mismo año comenzó estudios formales de composición. [n 5] Su profesor era un protegido de Cherubini, Fromental Halévy , entre cuyos alumnos se encontraban Charles Gounod y Bizet. [28]
Las composiciones de los estudiantes de Saint-Saëns incluyeron una sinfonía en La mayor (1850) y una pieza coral, Les Djinns (1850), basada en un poema epónimo de Victor Hugo . [29] Compitió por el premio musical más importante de Francia, el Premio de Roma , en 1852, pero no tuvo éxito. Auber creía que el premio debería haber ido a parar a Saint-Saëns, considerándolo más prometedor que el ganador, Léonce Cohen , que dejó poca huella durante el resto de su carrera. [23] Ese mismo año, Saint-Saëns tuvo mayor éxito en un concurso organizado por la Société Sainte-Cécile de París con su Oda a Sainte-Cécile , por la que los jueces le votaron por unanimidad el primer premio. [30] La primera pieza que el compositor reconoció como obra madura y le dio un número de opus fue Trois Morceaux para armonio (1852). [n 6]
Al dejar el Conservatorio en 1853, Saint-Saëns aceptó el puesto de organista en la antigua iglesia parisina de Saint-Merri, cerca del Hôtel de Ville . La parroquia era importante, con 26.000 feligreses; en un año normal se celebraban más de doscientas bodas, cuyos honorarios del organista, junto con los honorarios de los funerales y su modesto estipendio básico, proporcionaban a Saint-Saëns unos ingresos cómodos. [32] El órgano, obra de François-Henri Clicquot , había sufrido graves daños después de la Revolución Francesa y se había restaurado de forma imperfecta. El instrumento era adecuado para los servicios religiosos, pero no para los ambiciosos recitales que ofrecían muchas iglesias parisinas de alto perfil. [33] Con suficiente tiempo libre para seguir su carrera como pianista y compositor, Saint-Saëns compuso lo que se convirtió en su opus 2, la Sinfonía en mi ♭ (1853). [29] Esta obra, con fanfarrias militares y secciones aumentadas de metales y percusión, captó el ambiente de la época tras el ascenso popular al poder de Napoleón III y la restauración del Imperio francés . [34] La obra le valió al compositor otro primer premio de la Société Sainte-Cécile. [35]
Entre los músicos que no tardaron en detectar el talento de Saint-Saëns se encontraban los compositores Gioachino Rossini , Hector Berlioz y Franz Liszt , y la influyente cantante Pauline Viardot , quienes lo alentaron en su carrera. [6] A principios de 1858, Saint-Saëns se trasladó de Saint-Merri al destacado puesto de organista de La Madeleine , la iglesia oficial del Imperio; Liszt lo escuchó tocar allí y lo declaró el mejor organista del mundo. [36]
Aunque más tarde tuvo reputación de franco conservadurismo musical, en la década de 1850 Saint-Saëns apoyó y promovió la música más moderna de la época, incluida la de Liszt, Robert Schumann y Richard Wagner . [6] A diferencia de muchos compositores franceses propios y de la siguiente generación, Saint-Saëns, a pesar de todo su entusiasmo y conocimiento de las óperas de Wagner, no fue influenciado por él en sus propias composiciones. [37] [38] Comentó: "Admiro profundamente las obras de Richard Wagner a pesar de su carácter extraño. Son superiores y poderosas, y eso es suficiente para mí. Pero no lo soy, nunca lo he sido, y nunca será de la religión wagneriana." [38]
En 1861, Saint-Saëns aceptó su único puesto como profesor, en la École de Musique Classique et Religieuse de París, que Louis Niedermeyer había establecido en 1853 para formar organistas y directores de coro de primer nivel para las iglesias de Francia. El propio Niedermeyer era profesor de piano; cuando murió en marzo de 1861, Saint-Saëns fue designado para hacerse cargo de los estudios de piano. Escandalizó a algunos de sus colegas más austeros al presentar a sus alumnos la música contemporánea, incluida la de Schumann, Liszt y Wagner. [39] Su alumno más conocido, Gabriel Fauré , recordaba en su vejez:
Después de dejar transcurrir las lecciones, se acercaba al piano y nos revelaba aquellas obras de los maestros de los que el riguroso carácter clásico de nuestro programa de estudios nos mantenía alejados y que, además, en aquellos años lejanos , eran apenas conocidos. ... En ese momento yo tenía 15 o 16 años, y de esa época data el apego casi filial ... la inmensa admiración, la incesante gratitud que he tenido por él, a lo largo de mi vida. [40]
Saint-Saëns animó aún más el régimen académico escribiendo y componiendo música incidental para una farsa en un acto interpretada por los estudiantes (incluido André Messager ). [41] Concibió la que eventualmente se convertiría en su pieza más conocida, El carnaval de los animales , pensando en sus alumnos, pero no terminó de componerla hasta 1886, más de veinte años después de abandonar la escuela Niedermeyer. [42]
En 1864, Saint-Saëns causó cierta sorpresa al competir por segunda vez por el Premio de Roma. Muchos en los círculos musicales estaban desconcertados por su decisión de volver a participar en el concurso, ahora que se estaba ganando una reputación como solista y compositor. Una vez más no tuvo éxito. Berlioz, uno de los jueces, escribió:
El otro día le dimos el Premio de Roma a un joven que no esperaba ganarlo y que casi se volvió loco de alegría. Todos esperábamos que el premio recayera en Camille Saint-Saëns, que tuvo la extraña idea de competir. Confieso que me dio pena votar en contra de un hombre que es verdaderamente un gran artista y que ya es muy conocido, prácticamente una celebridad. Pero el otro hombre, que todavía es estudiante, tiene ese fuego interior, esa inspiración, siente que puede hacer cosas que no se pueden aprender y el resto lo aprenderá más o menos. Así que voté por él, suspirando al pensar en la desdicha que este fracaso debe causar a Saint-Saëns. Pero, sea lo que sea, hay que ser honesto. [43]
Según el estudioso de la música Jean Gallois , fue a propósito de este episodio que Berlioz hizo su conocido bon mot sobre Saint-Saëns: "Lo sabe todo, pero le falta inexperiencia" ("Il sait tout, mais il manque d'inexpérience" ). [44] [n 7] El ganador, Victor Sieg , tuvo una carrera no más notable que la del ganador de 1852, pero el biógrafo de Saint-Saëns, Brian Rees, especula que los jueces pueden "haber estado buscando signos de genio en medio de tentativas". esfuerzo y error, y consideró que Saint-Saëns había alcanzado su cumbre de competencia". [47] La sugerencia de que Saint-Saëns era más competente que inspirado persiguió su carrera y su reputación póstuma. Él mismo escribió: "El arte tiene como objetivo crear belleza y carácter. El sentimiento sólo viene después y el arte puede prescindir de él. De hecho, es mucho mejor cuando lo hace". [48] La biógrafa Jessica Duchen escribe que era "un hombre con problemas que prefería no traicionar el lado más oscuro de su alma". [7] El crítico y compositor Jeremy Nicholas observa que esta reticencia ha llevado a muchos a subestimar la música; cita comentarios despectivos como "Saint-Saëns es el único gran compositor que no fue un genio" y "Mala música bien escrita". [49]
Mientras enseñaba en la escuela Niedermeyer, Saint-Saëns dedicó menos energía a componer e interpretar, aunque una obertura titulada Spartacus fue coronada en un concurso instituido en 1863 por la Société Sainte Cécile de Burdeos . [26] Pero después de dejar la escuela en 1865, siguió ambos aspectos de su carrera con vigor. [50] En 1867 su cantata Les noces de Prométhée venció a más de cien otras candidaturas para ganar el premio de composición de la Grande Fête Internationale de París, cuyo jurado incluía a Auber, Berlioz, Gounod, Rossini y Giuseppe Verdi . [6] [51] [n 8] En 1868 estrenó la primera de sus obras orquestales en ganar un lugar permanente en el repertorio, su Segundo Concierto para piano . [29] Al tocar esta y otras obras, se convirtió en una figura destacada en la vida musical de París y otras ciudades de Francia y el extranjero durante la década de 1860. [6]
En 1870, preocupados por el predominio de la música alemana y la falta de oportunidades para los jóvenes compositores franceses de hacer tocar sus obras, Saint-Saëns y Romain Bussine , profesor de canto en el Conservatorio, discutieron la fundación de una sociedad para promover la nueva música francesa. . [53] Antes de que pudieran llevar la propuesta más lejos, estalló la guerra franco-prusiana . Saint-Saëns sirvió en la Guardia Nacional durante la guerra. Durante la breve pero sangrienta Comuna de París que siguió de marzo a mayo de 1871, su superior en la Madeleine, el Abbé Deguerry, fue asesinado por rebeldes; [54] Saint-Saëns escapó a un breve exilio en Inglaterra. [53] Con la ayuda de George Grove y otros, se mantuvo en Londres, dando recitales. [55] Al regresar a París en mayo, descubrió que los sentimientos antialemanes habían aumentado considerablemente el apoyo a la idea de una sociedad musical profrancesa. [n 9] La Société Nationale de Musique , con su lema "Ars Gallica" , se había creado en febrero de 1871, con Bussine como presidente, Saint-Saëns como vicepresidente y Henri Duparc , Fauré, Franck y Jules Massenet entre sus miembros. miembros fundadores. [57]
Como admirador de los innovadores poemas sinfónicos de Liszt , Saint-Saëns adoptó con entusiasmo la forma; su primer "poème symphonique" fue Le Rouet d'Omphale (1871), estrenado en un concierto de la Sociéte Nationale en enero de 1872. [58] Ese mismo año, después de más de una década de trabajo intermitente en partituras de ópera, Saint- Saëns finalmente hizo representar una de sus óperas. La princesse jaune ("La princesa amarilla"), una pieza romántica ligera en un acto, se presentó en la Opéra-Comique de París en junio. Tuvo cinco funciones. [59]
A lo largo de la década de 1860 y principios de la de 1870, Saint-Saëns continuó viviendo una existencia de soltero, compartiendo un gran apartamento en el cuarto piso de la Rue du Faubourg Saint-Honoré con su madre. En 1875 sorprendió a muchos al casarse. [7] [n 10] El novio se acercaba a los cuarenta y su novia tenía diecinueve; ella era Marie-Laure Truffot, hermana de uno de los alumnos del compositor. [60] El matrimonio no fue un éxito. En palabras de la biógrafa Sabina Teller Ratner, "la madre de Saint-Saëns lo desaprobaba y era difícil vivir con su hijo". [6] Saint-Saëns y su esposa se trasladaron a la calle Monsieur-le-Prince , en el Barrio Latino ; su madre se mudó con ellos. [61] La pareja tuvo dos hijos, los cuales murieron en la infancia. En 1878, el mayor, André, de dos años, se cayó de una ventana del piso y murió; [62] el más joven, Jean-François, murió de neumonía seis semanas después, a la edad de seis meses. Saint-Saëns y Marie-Laure siguieron viviendo juntos durante tres años, pero él la culpó a ella por el accidente de André; el doble golpe de su pérdida destruyó efectivamente el matrimonio. [7]
Para un compositor francés del siglo XIX, la ópera era considerada el tipo de música más importante. [63] El contemporáneo más joven y rival de Saint-Saëns, Massenet, estaba empezando a ganar reputación como compositor de ópera, pero Saint-Saëns, con sólo la breve y fallida La princesse jaune puesta en escena, no había dejado huella en esa esfera. [64] [n 11] En febrero de 1877, finalmente hizo representar una ópera de larga duración. Su "drame lyricque" en cuatro actos, Le timbre d'argent ("La campana de plata"), con libreto de Jules Barbier y Michel Carré , que recuerda la leyenda de Fausto , había estado ensayándose en 1870, pero el estallido La guerra detuvo la producción. [68] La obra fue finalmente presentada por la compañía Théâtre Lyrique de París; tuvo dieciocho funciones. [69]
El dedicatario de la ópera, Albert Libon, murió tres meses después del estreno, dejando a Saint-Saëns un gran legado "para liberarlo de la esclavitud del órgano de la Madeleine y permitirle dedicarse por completo a la composición". [70] Saint-Saëns, inconsciente del legado inminente, había dimitido de su cargo poco antes de la muerte de su amigo. No era un cristiano convencional y encontraba cada vez más molesto el dogma religioso; [n 12] se había cansado de la intromisión y la insensibilidad musical de las autoridades clericales; y quería tener libertad para aceptar más compromisos como pianista solista en otras ciudades. [72] Después de esto, nunca tocó el órgano profesionalmente en un servicio religioso, y rara vez tocó el instrumento. [73] Compuso una Messe de Requiem en memoria de su amigo, que se representó en Saint-Sulpice para conmemorar el primer aniversario de la muerte de Libon; Charles-Marie Widor tocaba el órgano y Saint-Saëns dirigía. [70]
En diciembre de 1877, Saint-Saëns obtuvo un éxito operístico más sólido con Samson et Dalila , la única ópera que consiguió y mantuvo un lugar en el repertorio internacional. Debido a su tema bíblico, el compositor había encontrado muchos obstáculos para su presentación en Francia y, gracias a la influencia de Liszt, el estreno se realizó en Weimar en una traducción al alemán. Aunque la obra finalmente se convirtió en un éxito internacional, no se representó en la Ópera de París hasta 1892. [63]
Saint-Saëns era un gran viajero. Desde la década de 1870 hasta el final de su vida realizó 179 viajes a 27 países. Sus compromisos profesionales lo llevaron con mayor frecuencia a Alemania e Inglaterra; para las vacaciones y para evitar los inviernos parisinos que afectaban su débil pecho, prefería Argel y varios lugares de Egipto. [74]
Saint-Saëns fue elegido miembro del Instituto de Francia en 1881, en su segundo intento, habiendo sido derrotado por Massenet en 1878. [75] En julio de ese año, él y su esposa fueron a la ciudad balneario de La Bourboule en Auvernia . para unas vacaciones. El 28 de julio desapareció de su hotel y unos días después su esposa recibió una carta suya informándole que no regresaría. Nunca volvieron a verse. Marie Saint-Saëns regresó con su familia y vivió hasta 1950, muriendo cerca de Burdeos a la edad de noventa y cinco años. [76] Saint-Saëns no se divorció de su esposa y se volvió a casar, ni formó ninguna relación íntima posterior con una mujer. Rees comenta que aunque no hay pruebas firmes, algunos biógrafos creen que Saint-Saëns se sentía más atraído por su propio sexo que por las mujeres. [77] [n 10] Después de la muerte de sus hijos y el colapso de su matrimonio, Saint-Saëns encontró cada vez más una familia sustituta en Fauré y su esposa, Marie, y sus dos hijos, de quienes era un tío honorario muy querido. . [82] Marie le dijo: "Para nosotros eres uno más de la familia, y aquí mencionamos tu nombre sin cesar". [83]
En la década de 1880, Saint-Saëns continuó buscando el éxito en la ópera, una tarea que se hizo aún más difícil por la creencia arraigada entre los miembros influyentes del establishment musical de que era impensable que un pianista, organista y sinfonista pudiera escribir una buena ópera. [84] Hizo representar dos óperas durante la década, la primera fue Enrique VIII (1883) encargada por la Ópera de París. Aunque el libreto no fue de su elección, Saint-Saëns, normalmente un compositor fluido e incluso fácil, [n 13] trabajó en la partitura con inusual diligencia para capturar un aire convincente de la Inglaterra del siglo XVI. [84] La obra fue un éxito y fue revivida con frecuencia durante la vida del compositor. [63] Cuando se produjo en Covent Garden en 1898, The Era comentó que aunque los libretistas franceses en general "hacen un bonito picadillo de la historia británica", esta pieza "no era del todo despreciable como historia de ópera". [86]
La mentalidad abierta de la Société Nationale se había endurecido a mediados de la década de 1880 hasta convertirse en una adhesión dogmática a los métodos wagnerianos favorecidos por los alumnos de Franck, encabezados por Vincent d'Indy . Habían comenzado a dominar la organización y trataron de abandonar su espíritu de compromiso con las obras francesas "Ars Gallica" . Bussine y Saint-Saëns consideraron esto inaceptable y dimitieron en 1886. [56] [n 14] Después de haber insistido durante mucho tiempo en los méritos de Wagner ante un público francés a veces escéptico, Saint-Saëns ahora estaba preocupado de que la música del alemán estuviera teniendo un impacto excesivo. Impacto en los jóvenes compositores franceses. Su creciente cautela hacia Wagner se convirtió en años posteriores en una hostilidad más fuerte, dirigida tanto hacia el nacionalismo político de Wagner como hacia su música. [56]
En la década de 1880, Saint-Saëns era un favorito establecido entre el público de Inglaterra, donde era ampliamente considerado como el mayor compositor francés vivo. [88] En 1886, la Sociedad Filarmónica de Londres encargó lo que se convirtió en una de sus obras más populares y respetadas, la Tercera Sinfonía ("Órgano") . Se estrenó en Londres en un concierto en el que Saint-Saëns apareció como director de la sinfónica y como solista en el Cuarto Concierto para piano de Beethoven , dirigido por Sir Arthur Sullivan . [89] El éxito de la sinfonía en Londres fue considerable, pero fue superado por la eufórica bienvenida que recibió la obra en su estreno en París a principios del año siguiente. [90] Más tarde, en 1887, el "drame lyrique" de Saint-Saëns, Proserpina, se estrenó en la Opéra-Comique. Fue bien recibido y parecía encaminarse a tener una carrera sustancial cuando el teatro se incendió pocas semanas después del estreno y la producción se perdió. [84]
En diciembre de 1888 murió la madre de Saint-Saëns. [91] Sintió profundamente su pérdida y se sumió en la depresión y el insomnio, incluso contemplando el suicidio. [92] Dejó París y permaneció en Argel, donde se recuperó hasta mayo de 1889, caminando y leyendo pero incapaz de componer. [93]
Durante la década de 1890, Saint-Saëns pasó mucho tiempo de vacaciones, viajando al extranjero, componiendo menos y actuando con menos frecuencia que antes. Una visita planeada para actuar en Chicago fracasó en 1893. [94] Escribió una ópera, la comedia Phryné (1893), y junto con Paul Dukas ayudó a completar Frédégonde (1895), una ópera que Ernest Guiraud dejó inacabada , quien murió en 1892. Phryné fue bien recibido y provocó pedidos de más óperas cómicas en la Opéra-Comique, que últimamente había favorecido la gran ópera . [95] Sus pocas obras corales y orquestales de la década de 1890 son en su mayoría breves; Las principales piezas de concierto de la década fueron el movimiento único Fantasía África (1891) y su Quinto Concierto para piano ("egipcio") , que estrenó en un concierto en 1896 que marcó el cincuentenario de su debut en la Salle Pleyel en 1846 . 96] Antes de tocar el concierto leyó un breve poema que había escrito para el evento, elogiando la tutela de su madre y el largo apoyo del público. [97]
Entre los conciertos que Saint-Saëns realizó durante la década estuvo uno en Cambridge en junio de 1893, cuando él, Bruch y Tchaikovsky actuaron en un evento presentado por Charles Villiers Stanford para la Sociedad Musical de la Universidad de Cambridge , marcando la concesión de títulos honoríficos a los tres. visitantes. [98] Saint-Saëns disfrutó mucho de la visita e incluso habló con aprobación de los servicios de la capilla del colegio: "Las exigencias de la religión inglesa no son excesivas. Los servicios son muy breves y consisten principalmente en escuchar buena música extremadamente bien cantada, para los ingleses son excelentes coristas". [99] Su respeto mutuo por los coros británicos continuó por el resto de su vida, y una de sus últimas obras de gran escala, el oratorio La tierra prometida , fue compuesta para el Festival de los Tres Coros de 1913. [100]
En 1900, después de diez años sin un hogar permanente en París, Saint-Saëns alquiló un piso en la rue de Courcelles, no lejos de su antigua residencia en la rue du Faubourg Saint-Honoré. Este siguió siendo su hogar por el resto de su vida. [101] Continuó viajando al extranjero con frecuencia, pero cada vez más para dar conciertos en lugar de como turista. Volvió a visitar Londres, donde siempre fue un visitante bienvenido, fue a Berlín, donde hasta la Primera Guerra Mundial fue recibido con honores, y viajó por Italia, España, Mónaco y la Francia provincial. [101] En 1906 y 1909 realizó giras de gran éxito por los Estados Unidos, como pianista y director. [102] En Nueva York, en su segunda visita, estrenó su "Alabado sea el Señor" para doble coro, orquesta y órgano, que compuso para la ocasión. [103]
A pesar de su creciente reputación como reaccionario musical, Saint-Saëns fue, según Gallois, probablemente el único músico francés que viajó a Munich para escuchar el estreno de la Octava Sinfonía de Mahler en 1910. [104] Sin embargo, en el siglo XX Saint -Saëns había perdido gran parte de su entusiasmo por el modernismo en la música. Aunque se esforzó por ocultárselo a Fauré, no entendió ni le gustó la ópera Pénélope (1913) de este último, de la que fue el dedicatario. [105] En 1917, Francis Poulenc , al comienzo de su carrera como compositor, se mostró desdeñoso cuando Ravel elogió a Saint-Saëns como un genio. [106] En ese momento, estaban surgiendo varias corrientes de música nueva con las que Saint-Saëns tenía poco en común. Sus instintos clásicos por la forma lo enfrentaron con lo que le parecía la informe y la estructura de los impresionistas musicales, liderados por Debussy. La atonalidad de Arnold Schönberg tampoco era recomendable para Saint-Saëns:
Ya no se trata de añadir a las viejas reglas nuevos principios que son la expresión natural del tiempo y de la experiencia, sino simplemente de desechar todas las reglas y todas las restricciones. "Cada uno debe establecer sus propias reglas. La música es libre e ilimitada en su libertad de expresión. No hay acordes perfectos, acordes disonantes o acordes falsos. Todas las agregaciones de notas son legítimas". A eso se le llama, y así lo creen, desarrollo del gusto . [107]
Con opiniones tan conservadoras, Saint-Saëns no simpatizaba (y pasaba de moda) con la escena musical parisina de principios del siglo XX, fascinada como estaba por la novedad. [108] A menudo se dice que abandonó, escandalizado, el estreno del ballet de Vaslav Nijinsky e Igor Stravinsky La consagración de la primavera en 1913. [109] De hecho, según Stravinsky, Saint-Saëns no estuvo presente en En esa ocasión, pero en el primer concierto de la pieza al año siguiente expresó la firme opinión de que Stravinsky estaba loco. [110]
Cuando un grupo de músicos franceses liderados por Saint-Saëns intentó organizar un boicot a la música alemana durante la Primera Guerra Mundial, Fauré y Messager se desvincularon de la idea, aunque el desacuerdo no afectó su amistad con su antiguo maestro. En privado, les preocupaba que su amigo estuviera en peligro de parecer tonto con su exceso de patriotismo [111] y su creciente tendencia a denunciar en público las obras de jóvenes compositores en ascenso, como en su condena de En blanc et noir (1915) de Debussy. : "Hay que cerrar a toda costa la puerta del Institut a un hombre capaz de semejantes atrocidades; deberían colocarse junto a los cuadros cubistas ." [112] Su determinación de bloquear la candidatura de Debussy para la elección al Institut tuvo éxito y provocó un amargo resentimiento entre los partidarios del compositor más joven. La respuesta de Saint-Saëns al neoclasicismo de Les Six fue igualmente intransigente: de la suite sinfónica politonal Protée (1919) de Darius Milhaud comentó: "afortunadamente, todavía hay manicomios en Francia". [113]
Saint-Saëns dio lo que pretendía ser su concierto de despedida como pianista en París en 1913, pero su retiro pronto quedó en suspenso como resultado de la guerra, durante la cual ofreció muchas actuaciones en Francia y otros lugares, recaudando dinero para organizaciones benéficas de guerra. . [101] Estas actividades lo llevaron a través del Atlántico, a pesar del peligro de los submarinos alemanes. [114]
En noviembre de 1921, Saint-Saëns dio un recital en el Institut ante un numeroso público invitado; Se comentó que su forma de tocar era tan vívida y precisa como siempre, y que su porte personal era admirable para un hombre de ochenta y seis años. [115] Salió de París un mes después hacia Argel, con la intención de pasar allí el invierno, como estaba acostumbrado a hacer desde hacía mucho tiempo. Mientras estaba allí murió de un ataque al corazón el 16 de diciembre de 1921. [116] Su cuerpo fue llevado de regreso a París, y después de un funeral de estado en la Madeleine fue enterrado en el cementerio de Montparnasse . [117] Profusamente velada, en un lugar discreto entre los dolientes de la élite política y artística de Francia, estaba su viuda, Marie-Laure, a quien había visto por última vez en 1881. [117]
En los primeros años del siglo XX, el autor anónimo del artículo sobre Saint-Saëns en el Diccionario de música y músicos de Grove escribió:
Saint-Saëns es un maestro consumado de la composición y nadie posee un conocimiento más profundo que él de los secretos y recursos del arte; pero la facultad creativa no sigue el ritmo de la habilidad técnica del trabajador. Su incomparable talento para la orquestación le permite dar relieve a ideas que de otro modo serían crudas y mediocres en sí mismas... sus obras, por un lado, no son lo suficientemente frívolas como para volverse populares en el sentido más amplio, ni, por otro, arraigan. del público por esa sinceridad y calidez de sentimiento que es tan convincente. [118]
Aunque fue un entusiasta modernista en su juventud, Saint-Saëns siempre estuvo profundamente consciente de los grandes maestros del pasado. En un perfil suyo escrito con motivo de su octogésimo cumpleaños, el crítico DC Parker escribió: "Que Saint-Saëns conoce a Rameau ... Bach y Handel , Haydn y Mozart, debe ser manifiesto para todos los que estén familiarizados con sus escritos. El amor por los gigantes clásicos y su simpatía por ellos forman, por así decirlo, la base de su arte." [119]
Menos atraído que algunos de sus contemporáneos franceses por el flujo continuo de música popularizada por Wagner, Saint-Saëns a menudo favorecía las melodías autónomas. Aunque con frecuencia son, en frase de Ratner, "flexibles y maleables", la mayoría de las veces están construidos en secciones de tres o cuatro compases, y el "patrón de frase AABB es característico". [120] Una tendencia ocasional al neoclasicismo, influenciada por su estudio de la música barroca francesa, contrasta con la colorida música orquestal más ampliamente identificada con él. Grove observa que sus efectos se basan más en armonías y ritmos característicos que en partituras extravagantes. En ambas áreas de su oficio normalmente se contentaba con lo familiar. Rítmicamente, se inclinaba por los estándares dobles, triples o compuestos (aunque Grove señala un pasaje de 5/4 en el Trío para piano y otro de 7/4 en la Polonesa para dos pianos). Desde su etapa en el Conservatorio fue un maestro del contrapunto; Los pasajes contrapuntísticos surgen, aparentemente de forma natural, en muchas de sus obras. [120]
Los autores de The Record Guide de 1955 , Edward Sackville-West y Desmond Shawe-Taylor escriben que la brillante maestría musical de Saint-Saëns fue "fundamental para llamar la atención de los músicos franceses sobre el hecho de que existen otras formas de música además de la ópera". [121] En la edición de 2001 del Diccionario Grove , Ratner y Daniel Fallon, al analizar la música orquestal de Saint-Saëns, califican la Sinfonía en La innumerada ( c. 1850 ) como la más ambiciosa de la juvenilia del compositor. De las obras de su madurez, la Primera Sinfonía (1853) es una obra seria y de gran escala, en la que es detectable la influencia de Schumann. La Sinfonía "Urbs Roma" (1856, sin numerar) representa en cierto modo un paso atrás, ya que está menos hábilmente orquestada y su efecto es "grueso y pesado". [120] Ratner y Fallon elogian la Segunda Sinfonía (1859) como un excelente ejemplo de economía orquestal y cohesión estructural, con pasajes que muestran el dominio del compositor en la escritura fugaz . La más conocida de las sinfonías es la Tercera (1886) que, inusualmente, tiene partes destacadas para piano y órgano. Se abre en do menor y termina en do mayor con una majestuosa melodía coral. Los cuatro movimientos están claramente divididos en dos pares, una práctica que Saint-Saëns utilizó en otros lugares, especialmente en el Cuarto Concierto para piano (1875) y la Primera Sonata para violín (1885). [120] La obra está dedicada a la memoria de Liszt y utiliza un motivo recurrente tratado en un estilo lisztiano de transformación temática . [121]
Los cuatro poemas sinfónicos de Saint-Saëns siguen el modelo de los de Liszt, aunque, en opinión de Sackville-West y Shawe-Taylor, sin la "descarada vulgaridad" a la que era propenso el compositor anterior. [122] El más popular de los cuatro es Danse macabre (1874), que representa esqueletos bailando a medianoche. Saint-Saëns generalmente lograba sus efectos orquestales mediante una hábil armonización en lugar de una instrumentación exótica, [120] pero en esta pieza destacó el xilófono , que representa los huesos cascabeles de los bailarines. [123] Le Rouet d'Omphale (1871) fue compuesta poco después de los horrores de la Comuna, pero su ligereza y delicada orquestación no dan indicios de tragedias recientes. [124] Rees califica a Phaëton (1873) como el mejor de los poemas sinfónicos, desmintiendo la profesada indiferencia del compositor hacia la melodía, [n 15] e inspirado en su descripción del héroe mítico y su destino. [124] Un crítico en el momento del estreno adoptó una opinión diferente, escuchando en la pieza "el ruido de un coche que bajaba de Montmartre" en lugar de los caballos de fuego al galope de la leyenda griega que inspiraron la pieza. [126] El último de los cuatro poemas sinfónicos, La jeunesse d'Hercule ("La juventud de Hércules", 1877) fue el más ambicioso de los cuatro, lo que, sugiere Harding, es la razón por la que es el menos exitoso. [127] A juicio del crítico Roger Nichols , estas obras orquestales, que combinan melodías sorprendentes, fuerza de construcción y orquestación memorable, "establecieron nuevos estándares para la música francesa y fueron una inspiración para compositores tan jóvenes como Ravel". [113]
Saint-Saëns escribió un ballet en un acto, Javot (1896), la partitura de la película L'assassinat du duc de Guise (1908), [n. 16] y música incidental para una docena de obras entre 1850 y 1916. Tres de ellas Las partituras eran para reposiciones de clásicos de Molière y Racine, para lo cual el profundo conocimiento de Saint-Saëns de las partituras del barroco francés se reflejó en sus partituras, en las que incorporó música de Lully y Charpentier . [29] [130]
Saint-Saëns fue el primer compositor francés importante en escribir conciertos para piano. Su Primera , en re (1858), en forma convencional de tres movimientos, no es muy conocida, pero la Segunda, en sol menor (1868) es una de sus obras más populares. El compositor experimentó con la forma en esta pieza, reemplazando el primer movimiento habitual en forma de sonata por una estructura más discursiva, abriéndose con una cadencia solemne . El segundo movimiento del scherzo y el presto final contrastan tanto con la apertura que el pianista Zygmunt Stojowski comentó que la obra "comienza como Bach y termina como Offenbach". [131] El Tercer Concierto para piano , en mi ♭ (1869) tiene otro final animado, pero los movimientos anteriores son más clásicos, la textura clara, con elegantes líneas melódicas. [17] El Cuarto, en do menor (1875) es probablemente el concierto para piano más conocido del compositor después del Segundo. Consta de dos movimientos, cada uno de los cuales comprende dos subsecciones identificables, y mantiene una unidad temática que no se encuentra en los otros conciertos para piano del compositor. Según algunas fuentes, fue esta pieza la que impresionó tanto a Gounod que apodó a Saint-Saëns "el Beethoven de Francia" (otras fuentes basan esa distinción en la Tercera Sinfonía). [132] El quinto y último concierto para piano, en fa mayor, fue escrito en 1896, más de veinte años después de su predecesor. La obra se conoce como el concierto "egipcio"; Fue escrito mientras el compositor pasaba el invierno en Luxor e incorpora una melodía que escuchó cantar a los barqueros del Nilo. [133]
El Primer Concierto para violonchelo , en La menor (1872) es una obra seria aunque animada, en un solo movimiento continuo con una primera sección inusualmente turbulenta. Es uno de los conciertos más populares del repertorio para violonchelo, muy apreciado por Pablo Casals y músicos posteriores. [134] El Segundo , en re menor (1902), al igual que el Cuarto Concierto para piano, consta de dos movimientos, cada uno de ellos subdividido en dos secciones distintas. Es más puramente virtuoso que su predecesor: Saint-Saëns comentó a Fauré que nunca sería tan popular como el Primero porque era demasiado difícil. Hay tres conciertos para violín; la primera que se compuso data de 1858 pero no se publicó hasta 1879, como Segunda del compositor , en do mayor. [135] La Primera, en A, también se completó en 1858. Es una obra breve, su único movimiento de 314 compases dura menos de un cuarto de hora. [136] El Segundo, en forma convencional de concierto de tres movimientos, es dos veces más largo que el Primero, y es el menos popular de los tres: el catálogo temático de las obras del compositor enumera sólo tres interpretaciones en su vida. [137] La Tercera , en si menor, escrita para Pablo de Sarasate , es técnicamente un desafío para el solista, aunque los pasajes virtuosos se equilibran con intervalos de serenidad pastoral. [138] Es, con cierto margen, el más popular de los tres conciertos para violín, pero la obra concertante para violín y orquesta más conocida de Saint-Saëns es probablemente la Introducción y el Rondo Capriccioso , en la menor, op. 28, una pieza de un solo movimiento, también escrita para Sarasate, que data de 1863. Cambia de una apertura melancólica y tensa a un tema principal fanfarrón, descrito como levemente siniestro por el crítico Gerald Larner, quien continúa: "Después de una cadencia detenida... el violín solista corre sin aliento a través de la coda hasta el final feliz en La mayor". [139]
Descontando su colaboración con Dukas en la realización de la inacabada Frédégonde de Guiraud , Saint-Saëns escribió doce óperas, dos de las cuales son óperas cómicas . Durante la vida del compositor, su Enrique VIII se convirtió en una pieza de repertorio; Desde su muerte sólo se han representado regularmente Sansón y Dalila , aunque, según Schonberg, los expertos consideran que Ascanio (1890) es una obra mucho mejor. [17] [63] El crítico Ronald Crichton escribe que a pesar de toda su experiencia y habilidad musical, Saint-Saëns "carecía del 'olfato' del animal teatral que se concedía, por ejemplo, a Massenet, quien en otras formas de música era su inferior". . [63] En un estudio de 2005, el erudito musical Steven Huebner contrasta a los dos compositores: "Saint-Saëns obviamente no tenía tiempo para el histrionismo de Massenet". [140] El biógrafo de Saint-Saëns, James Harding , comenta que es lamentable que el compositor no intentara más obras de naturaleza alegre, como La princesse jaune , que Harding describe como Sullivan "con un ligero toque francés". . [141] [n.17]
Aunque la mayoría de las óperas de Saint-Saëns han quedado descuidadas, Crichton las considera importantes en la historia de la ópera francesa, como "un puente entre Meyerbeer y las óperas francesas serias de principios de la década de 1890". [142] En su opinión, las partituras operísticas de Saint-Saëns tienen, en general, las fortalezas y debilidades del resto de su música: "lúcida transparencia mozartiana, mayor cuidado por la forma que por el contenido ... Hay una cierta sensación emocional". sequedad; la invención es a veces escasa, pero la mano de obra es impecable." [63] Estilísticamente, Saint-Saëns se basó en una variedad de modelos. De Meyerbeer extrajo el uso eficaz del coro en la acción de una pieza; [143] para Enrique VIII incluyó música Tudor que había investigado en Londres; [144] en La princesse jaune utilizó una escala pentatónica oriental; [120] de Wagner derivó el uso de leitmotivs , que, como Massenet, utilizó con moderación. [145] Huebner observa que Saint-Saëns era más convencional que Massenet en lo que respecta a la composición , favoreciendo más a menudo arias y conjuntos discretos, con menos variedad de tempo dentro de los números individuales. [146] En un estudio de ópera grabada, Alan Blyth escribe que Saint-Saëns "ciertamente aprendió mucho de Handel, Gluck, Berlioz, el Verdi de Aida y Wagner, pero a partir de estos excelentes modelos forjó su propio estilo". [147]
Desde los seis años y durante el resto de su vida, Saint-Saëns compuso melodías , escribiendo más de 140. [148] Consideraba sus canciones como completa y típicamente francesas, negando cualquier influencia de Schubert u otros compositores alemanes de Lieder . [149] A diferencia de su protegido Fauré, o su rival Massenet, no se sintió atraído por el ciclo de canciones, escribiendo sólo dos durante su larga carrera: Mélodies persanes ("Canciones persas", 1870) y Le Cendre rouge ("El fresno rojo"). ", 1914, dedicado a Fauré). El poeta cuyas obras ambientó con mayor frecuencia fue Víctor Hugo; otros incluyeron a Alphonse de Lamartine , Pierre Corneille , Amable Tastu y, en ocho canciones, al propio Saint-Saëns: entre sus muchos talentos no musicales estaba el de un poeta aficionado. Era muy sensible a la composición de las palabras y le dijo a la joven compositora Lili Boulanger que para escribir canciones con eficacia no bastaba con el talento musical: "hay que estudiar la lengua francesa en profundidad; es indispensable". [150] La mayoría de las melodías están escritas para acompañamiento de piano, pero algunas, incluidas "Le Lever du soleil sur le Nil" ("Amanecer sobre el Nilo", 1898) y "Hymne à la paix" ("Himno a la paz" , 1919), son para voz y orquesta. [29] Sus escenarios y versos elegidos son generalmente de forma tradicional, en contraste con el verso libre y las formas menos estructuradas de una generación posterior de compositores franceses, incluido Debussy . [151]
Saint-Saëns compuso más de sesenta obras vocales sacras, desde motetes hasta misas y oratorios. Entre las composiciones de mayor escala se encuentran el Réquiem (1878) y los oratorios Le déluge (1875) y La tierra prometida (1913) con texto en inglés de Herman Klein . [29] Estaba orgulloso de su conexión con los coros británicos y comentó: "A uno le gusta ser apreciado en el hogar, por excelencia , del oratorio". [38] Escribió un número menor de obras corales seculares, algunas para coro no acompañado, algunas con acompañamiento de piano y otras con orquesta completa. [29] En sus obras corales, Saint-Saëns se basó en gran medida en la tradición, sintiendo que sus modelos deberían ser Handel, Mendelssohn y otros maestros anteriores del género. En opinión de Klein, este enfoque estaba pasado de moda y la familiaridad del tratamiento que Saint-Saëns daba a la forma del oratorio impidió su éxito en él. [38]
Nichols comenta que, aunque el famoso pianista Saint-Saëns escribió para piano durante toda su vida, "esta parte de su obra ha dejado curiosamente poca huella". [113] Nichols exceptúa el Étude en forme de valse (1912), que, según él, todavía atrae a pianistas deseosos de mostrar su técnica con la mano izquierda. [113] Aunque Saint-Saëns fue apodado "el Beethoven francés", y sus Variaciones sobre un tema de Beethoven en mi ♭ ( 1874) es su obra más extensa para piano sin acompañamiento, no emuló a su predecesor en la composición de sonatas para piano. Ni siquiera se sabe que haya pensado en escribir uno. [152] Hay conjuntos de bagatelas (1855), estudios (dos conjuntos: 1899 y 1912) y fugas (1920), pero en general las obras de Saint-Saëns para piano son piezas breves individuales. Además de formas establecidas como la canción sin letra (1871) y la mazurca (1862, 1871 y 1882) popularizadas por Mendelssohn y Chopin, respectivamente, escribió piezas descriptivas como "Souvenir d'Italie" (1887), "Les cloches du soir" ("Campanas de la tarde", 1889) y "Souvenir d'Ismaïlia" (1895). [29] [153]
A diferencia de su alumno, Fauré, cuya larga carrera como organista reacio no dejó ningún legado de obras para el instrumento, Saint-Saëns publicó un modesto número de piezas para órgano solo. [154] Algunos de ellos fueron escritos para su uso en los servicios religiosos: "Offertoire" (1853), "Bénédiction nuptiale" (1859), "Communion" (1859) y otros. Después de dejar la Madeleine en 1877, Saint-Saëns escribió diez piezas más para órgano, la mayoría para uso en conciertos, incluidas dos series de preludios y fugas (1894 y 1898). Algunas de las obras anteriores fueron escritas para tocarse en el armonio o en el órgano, y algunas estaban destinadas principalmente al primero. [29]
Saint-Saëns escribió más de cuarenta obras de cámara entre la década de 1840 y sus últimos años. Una de sus primeras obras importantes en el género fue el Quinteto para piano (1855). Es una pieza sencilla y segura, en una estructura convencional con movimientos exteriores vivos y un movimiento central que contiene dos temas lentos, uno coral y otro cantabile . [155] El Septeto (1880), por la combinación inusual de trompeta, dos violines, viola, violonchelo, contrabajo y piano, es una obra neoclásica que se basa en formas de danza francesa del siglo XVII. En el momento de su composición, Saint-Saëns estaba preparando nuevas ediciones de las obras de compositores barrocos , entre ellos Rameau y Lully . [120] El Caprice sur des airs danois et russes (1887) para flauta, oboe, clarinete y piano, y la Barcarola en fa mayor (1898) para violín, violonchelo, armonio y piano son otros ejemplos de la instrumentación a veces poco ortodoxa de Saint-Saëns. . [156]
Las obras de cámara de Saint-Saëns revelan al hombre completo: su sentido de la tradición unido a la imaginación, su sentimiento por el color, su sentido del humor, su deseo de equilibrio y simetría, su amor por la claridad.
Sabina Teller Ratner, 2005 [155]
En opinión de Ratner, las obras de cámara más importantes de Saint-Saëns son las sonatas: dos para violín, dos para violonchelo, una para oboe, otra para clarinete y otra para fagot, las siete con acompañamiento de piano. [155] La Primera Sonata para violín data de 1885 y está calificada por el Diccionario Grove como una de las mejores y más características composiciones del compositor. La Segunda (1896) marca un cambio estilístico en la obra de Saint-Saëns, con un sonido más ligero y claro para el piano, característico de su música a partir de entonces. [120] La Primera Sonata para violonchelo (1872) fue escrita después de la muerte de la tía abuela del compositor, quien le había enseñado a tocar el piano más de treinta años antes. Es una obra seria, en la que el material melódico principal lo sostiene el violonchelo sobre un acompañamiento de piano virtuoso. Fauré la llamó la única sonata para violonchelo de cualquier país que tenga alguna importancia. [157] El Segundo (1905) consta de cuatro movimientos y tiene la característica inusual de un tema y variaciones como su scherzo. [103]
Las sonatas para instrumentos de viento se encuentran entre las últimas obras del compositor y forman parte de su esfuerzo por ampliar el repertorio de instrumentos para los que apenas se escribieron partes solistas, como le confió a su amigo Jean Chantavoine en una carta fechada el 15 de abril de 1921: "En este momento Estoy concentrando mis últimas reservas en dar a instrumentos raramente considerados la oportunidad de ser escuchados." [n 18] Ratner escribe sobre ellos: "Las líneas clásicas, sobrias y evocadoras, las melodías inquietantes y las magníficas estructuras formales subrayan estos faros del movimiento neoclásico". [155] Gallois comenta que la Sonata para Oboe comienza como una sonata clásica convencional, con un tema andantino; la sección central tiene armonías ricas y coloridas, y el final molto allegro está lleno de delicadeza, humor y encanto con forma de tarantela . Para Gallois, la Sonata para clarinete es la más importante de las tres: la llama "una obra maestra llena de picardía, elegancia y lirismo discreto", que equivale a "un resumen del resto". [159] La obra contrasta una "tristeza lúgubre " en el movimiento lento con el final, que "hace piruetas en 4/4", en un estilo que recuerda al siglo XVIII. El mismo comentarista califica la Sonata para fagot como "un modelo de transparencia, vitalidad y ligereza", que contiene toques de humor pero también momentos de tranquila contemplación. [160] Saint-Saëns también expresó su intención de escribir una sonata para cor inglés , pero no lo hizo. [n 19]
La obra más famosa del compositor, El carnaval de los animales (1887), aunque lejos de ser una pieza de cámara típica, está escrita para once intérpretes y el Diccionario Grove la considera parte de la producción de cámara de Saint-Saëns. Grove lo califica como "su obra cómica más brillante, parodiando a Offenbach, Berlioz, Mendelssohn, Rossini, su propia Danse macabre y varias melodías populares". [120] Prohibió sus interpretaciones durante su vida, preocupado de que su frivolidad dañara su reputación como compositor serio. [7]
Saint-Saëns fue un pionero de la música grabada. En junio de 1904, la Gramophone Company de Londres envió a su productor Fred Gaisberg a París para grabar a Saint-Saëns como acompañante de la mezzosoprano Meyriane Héglon en arias de Ascanio y Samson et Dalila , y como solista de su propia música para piano, incluido un arreglo. de secciones del Segundo Concierto para piano (sin orquesta). [161] Saint-Saëns realizó más grabaciones para la compañía en 1919. [161]
En los primeros días del disco LP , las obras de Saint-Saëns estaban representadas de forma irregular en el disco. The Record Guide (1955) enumera una grabación de cada una de la Tercera Sinfonía, el Segundo Concierto para piano y el Primer Concierto para violonchelo, junto con varias versiones de Danza macabra , El carnaval de los animales , la Introducción y el Rondo Capriccioso y otras obras orquestales breves. [162] En la última parte del siglo XX y principios del XXI, muchas más obras del compositor se publicaron en LP y más tarde en CD y DVD. La Guía Penguin de música clásica grabada de 2008 contiene diez páginas de listados de obras de Saint-Saëns, incluidos todos los conciertos, sinfonías, poemas sinfónicos, sonatas y cuartetos. También se enumeran una misa antigua, colecciones de música de órgano y canciones corales. [163] En 1997 se publicó una grabación de veintisiete melodías de Saint-Saëns . [164]
Con la excepción de Sansón y Dalila, las óperas han tenido escasa representación en discos. En 1992 se publicó una grabación de Enrique VIII en CD y DVD . [165] Hélène se publicó en CD en 2008. [166] Hay varias grabaciones de Samson et Dalilah , bajo la dirección de Sir Colin Davis , Georges Prêtre , Daniel Barenboim y Myung-Whun Chung . [167] A principios de la década de 2020, el sello Bru Zane del Centre de musique romantique française publicó nuevas grabaciones de Le Timbre d'argent (dirigida por François-Xavier Roth , 2020), La Princesse jaune ( Leo Hussain , 2021) y Phryné. ( Hervé Niquet , 2022). [168]
Saint-Saëns fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1867 y ascendido a Oficial en 1884 y a Gran Cruz en 1913. Los honores extranjeros incluyeron la Real Orden Victoriana Británica (CVO) en 1902, la Orden Monégasca de San Carlos en 1904. [169] y doctorados honoris causa de las universidades de Cambridge (1893) y Oxford (1907). [170] [171]
En su obituario, The Times comentó:
La muerte del señor Saint-Saëns no sólo priva a Francia de uno de sus compositores más distinguidos; elimina del mundo al último representante de los grandes movimientos musicales típicos del siglo XIX. Había mantenido una vitalidad tan vigorosa y estaba en tan estrecho contacto con las actividades actuales que, aunque se había vuelto costumbre hablar de él como el decano de los compositores franceses, era fácil olvidar el lugar que realmente ocupaba en la cronología musical. Era sólo dos años menor que Brahms , cinco años mayor que Tchaikovsky , seis años mayor que Dvořák y siete años mayor que Sullivan . Ocupó un puesto en la música de su propio país, cuyos aspectos pueden compararse adecuadamente con los de cada uno de esos maestros en sus propias esferas. [170]
En un breve poema, "Mea culpa", publicado en 1890, Saint-Saëns se acusó a sí mismo de falta de decadencia y comentó con aprobación los excesivos entusiasmos de la juventud, lamentando que esas cosas no fueran para él. [n 20] Un comentarista inglés citó el poema en 1910 y observó: "Sus simpatías están con los jóvenes en su deseo de seguir adelante, porque no ha olvidado su propia juventud cuando defendió los ideales progresistas de la época". [173] El compositor buscó un equilibrio entre la innovación y la forma tradicional. El crítico Henry Colles escribió, pocos días después de la muerte del compositor:
En su deseo de mantener "el equilibrio perfecto" encontramos la limitación del atractivo de Saint-Saëns para la mente musical ordinaria. Saint-Saëns rara vez, o nunca, corre riesgos; nunca, para usar la jerga del momento, "se vuelve loco". Todos sus más grandes contemporáneos lo hicieron. Brahms, Tchaikovsky e incluso Franck, estaban dispuestos a sacrificarlo todo por el fin que cada uno quería alcanzar, a ahogarse en el intento de llegar allí si era necesario. Saint-Saëns, al preservar su equilibrio, permite que sus oyentes preserven el de ellos. [174]
Grove concluye su artículo sobre Saint-Saëns con la observación de que, si bien sus obras son notablemente consistentes, "no se puede decir que haya desarrollado un estilo musical distintivo. Más bien, defendió la tradición francesa que amenazaba con ser engullida por influencias wagnerianas y creó la ambiente que alimentó a sus sucesores". [120]
Desde la muerte del compositor, escritores que simpatizan con su música han lamentado que el público musical lo conozca sólo por un puñado de sus partituras, como El carnaval de los animales , el Segundo concierto para piano, el Tercer concierto para violín, la Sinfonía para órgano, Sansón. et Dalila , Danza macabra y la Introducción y Rondo Capriccioso. Entre su gran producción, Nicholas destaca el Réquiem, el Oratorio de Navidad , el ballet Javotte , el Cuarteto con piano , el Septeto para trompeta, piano y cuerdas y la Primera Sonata para violín como obras maestras olvidadas. [49] En 2004, el violonchelista Steven Isserlis dijo: "Saint-Saens es exactamente el tipo de compositor que necesita un festival para él solo... hay misas, todas las cuales son interesantes. He tocado toda su música para violonchelo y No hay una sola pieza mala. Sus obras son gratificantes en todos los sentidos. Y es una figura infinitamente fascinante". [7]
