Un cómic , revista de cómics o simplemente " cómic" es una publicación que consiste en dibujos de cómics en forma de paneles yuxtapuestos secuenciales que representan escenas individuales. Los paneles suelen ir acompañados de prosa descriptiva y narrativa escrita, generalmente diálogos contenidos en bocadillos emblemáticos de la forma de arte del cómic.
Comic Cuts fue una historieta británica publicada entre 1890 y 1953. Fue precedida por Half Holiday (1884) de Ally Sloper , que se destaca por su uso de viñetas secuenciales para desarrollar la narrativa. Estas historietas británicas existieron junto con las populares y escabrosas " penny dreadfuls " (como Spring-heeled Jack ), los " diarios de cuentos " para niñosy la revista humorística Punch , que fue la primera en utilizar el término "historieta" en su sentido moderno de dibujo humorístico.
El primer cómic moderno de estilo americano , Famous Funnies: A Carnival of Comics , se publicó en los EE. UU. en 1933 y fue una reimpresión de las tiras cómicas de humor de los periódicos anteriores , que habían establecido muchos de los dispositivos narrativos utilizados en los cómics. [1] El término cómic deriva de los cómics estadounidenses que alguna vez fueron una compilación de tiras cómicas de tono humorístico; sin embargo, esta práctica fue reemplazada por la presentación de historias de todos los géneros, generalmente sin tono humorístico.
El mercado de cómics más grande es Japón. En 1995, el mercado del manga en Japón estaba valorado en ¥ 586,4 mil millones ( 6–7 mil millones de dólares ), [2] con ventas anuales de 1,9 mil millones de libros de manga ( volúmenes tankōbon y revistas de manga ) en Japón, equivalentes a 15 números por persona. [3] En 2020, el mercado del manga en Japón alcanzó un nuevo valor récord de ¥612,5 mil millones debido a un rápido crecimiento de las ventas de manga digital, así como a un aumento de las ventas impresas. [4] [5] El mercado de cómics en Estados Unidos y Canadá estaba valorado en $1,09 mil millones en 2016. [6] A partir de 2017 [update], el editor de cómics más grande de Estados Unidos es el distribuidor de manga Viz Media , seguido de DC Comics y Marvel Comics con franquicias de cómics de superhéroes como Superman , Batman , Wonder Woman , Spider-Man , The Incredible Hulk y X-Men . [7] Las categorías de cómics más vendidas en los EE. UU. en 2019 [update]son la ficción infantil juvenil con un 41 %, el manga con un 28 % y los cómics de superhéroes con un 10 % del mercado. [8] Otro mercado importante de cómics es Francia , donde los cómics franco-belgas y el manga japonés representan cada uno el 40 % del mercado, seguidos de los cómics estadounidenses con una participación de mercado del 10 %. [9]
Los cómics dependen en gran medida de su organización y presentación visual. Los autores dedican una atención significativa a aspectos como el diseño de la página, el tamaño, la orientación y la posición de los paneles. Estas características son cruciales para transmitir de manera efectiva el contenido y los mensajes dentro del cómic. Los componentes clave de los cómics incluyen paneles, globos de diálogo (también conocidos como globos), líneas de texto y personajes. Los globos de diálogo generalmente toman la forma de contenedores convexos que contienen el diálogo del personaje y están conectados al personaje a través de un elemento de cola. La cola comprende un origen, una ruta, una punta y un punto direccional. La creación de cómics implica varios pasos esenciales: escribir, dibujar y colorear. Se emplean varias herramientas y métodos tecnológicos para elaborar cómics, incorporando conceptos como direcciones, ejes, datos y métricas. Siguiendo estas pautas de formato, el proceso se desarrolla con la escritura, el dibujo y el coloreado. [10] En los Estados Unidos, el término "cómic" se usa generalmente para publicaciones periódicas de cómics y libros de bolsillo comerciales , mientras que " novela gráfica " es el término utilizado para libros independientes. [11] [12]
Los cómics como medio impreso han existido en los Estados Unidos desde la impresión de The Adventures of Mr. Obadiah Oldbuck en 1842 en tapa dura, [13] lo que lo convierte en el primer prototipo de cómic estadounidense conocido. Las publicaciones periódicas de protocómics comenzaron a aparecer a principios del siglo XX, y el primer cómic de tamaño estándar fue Funnies on Parade . Funnies on Parades fue el primer libro que estableció el tamaño, la duración y el formato del cómic moderno. A esto le siguió Famous Funnies: A Carnival of Comics de 36 páginas de Dell Publishing como el primer cómic estadounidense de quiosco; Goulart, por ejemplo, lo llama "la piedra angular de una de las ramas más lucrativas de la publicación de revistas". [14] En 1905, GW Dillingham Company publicó 24 tiras seleccionadas del dibujante Gustave Verbeek en un libro antológico llamado 'The Incredible Upside-Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo'. [15] La introducción del Superman de Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938 convirtió a los cómics en una industria importante [16] y marcó el comienzo de la Edad de Oro de los cómics . La Edad de Oro originó el arquetipo del superhéroe . Según el historiador Michael A. Amundson, los atractivos personajes de los cómics ayudaron a aliviar el miedo de los lectores jóvenes a la guerra nuclear y neutralizar la ansiedad sobre las preguntas que planteaba la energía atómica. [17]
Los historiadores generalmente dividen la cronología del cómic estadounidense en eras. La Edad de Oro de los cómics comenzó en 1938, con el debut de Superman en Action Comics #1, publicado por Detective Comics (predecesor de DC Comics), que generalmente se considera el comienzo del cómic moderno como se lo conoce hoy. [18] La Edad de Plata de los cómics generalmente se considera que data del primer resurgimiento exitoso de la forma de superhéroe entonces inactiva, con el debut de Flash en Showcase #4 (octubre de 1956). [19] [20] La Edad de Plata duró hasta fines de la década de 1960 o principios de la de 1970, tiempo durante el cual Marvel Comics revolucionó el medio con superhéroes tan naturalistas como Los Cuatro Fantásticos de Stan Lee y Jack Kirby y Spider-Man de Lee y Steve Ditko . La demarcación entre la Edad de Plata y la era siguiente, la Edad de Bronce de los cómics , está menos definida: la Edad de Bronce se extiende desde principios de los años 1970 hasta mediados de los años 1980. [21] La Edad Moderna de los cómics se extiende desde mediados de los años 1980 hasta la actualidad. [22]
Un evento significativo en la cronología de los cómics estadounidenses ocurrió cuando el psiquiatra Fredric Wertham expresó sus críticas al medio a través de su libro Seduction of the Innocent (1954). Esta crítica condujo a la participación del Subcomité del Senado estadounidense sobre delincuencia juvenil , que inició una investigación sobre los cómics. Wertham argumentó que los cómics eran responsables de un aumento de la delincuencia juvenil y planteaban un impacto potencial en la sexualidad y los valores morales de un niño. [23] En respuesta a la atención del gobierno y de los medios, la industria del cómic estadounidense creó la Comics Magazine Association of America. [24] La CMAA inculcó la Comics Code Authority en 1954 y redactó el Comics Code de autocensura ese año, que requería que todos los cómics pasaran por un proceso de aprobación. No fue hasta la década de 1970 que los cómics pudieron publicarse sin pasar por la inspección de la CMAA. [25] El Código quedó oficialmente obsoleto en noviembre de 2011.
A finales de los años 1960 y principios de los 1970, surgió una oleada de creatividad en lo que se conoció como cómic underground . Publicados y distribuidos independientemente de la industria del cómic establecida, la mayoría de estos cómics reflejaban la contracultura juvenil y la cultura de las drogas de la época. El cómic underground "reflejaba y comentaba las divisiones sociales y las tensiones de la sociedad estadounidense". [ atribución requerida ] [26] Muchos tenían un estilo desinhibido, a menudo irreverente; sus francas representaciones de desnudez, sexo, blasfemias y política no tenían paralelo fuera de sus precursores, las pornográficas e incluso más oscuras " Biblias de Tijuana ". Los cómics underground casi nunca se vendían en quioscos, sino en puntos de venta orientados a los jóvenes, como tiendas de artículos para fumadores y de discos, así como por pedido por correo . Los cómics underground animaban a los creadores a publicar su trabajo de forma independiente para que tuvieran plenos derechos de propiedad sobre sus personajes. [26]
Las aventuras de Jesús de Frank Stack , publicada bajo el nombre de Foolbert Sturgeon, [27] [28] ha sido considerada como el primer cómic underground; [27] [28] mientras que R. Crumb y el equipo de dibujantes que trabajaron en Zap Comix popularizaron el formato.
El auge de las tiendas especializadas en cómics a finales de los años 1970 creó y fue paralelo a un mercado dedicado a los cómics "independientes" o "alternativos " en los EE. UU. Los primeros cómics de este tipo incluyeron la serie antológica Star Reach , publicada por el escritor de cómics Mike Friedrich de 1974 a 1979, y American Splendor de Harvey Pekar , que continuó publicándose esporádicamente hasta el siglo XXI y que Shari Springer Berman y Robert Pulcini adaptaron en una película de 2003. Algunos cómics independientes continuaron con la tradición de los cómics underground. Si bien su contenido generalmente siguió siendo menos explícito, otros se parecían a la producción de editoriales convencionales en formato y género, pero fueron publicados por empresas más pequeñas propiedad de artistas o por artistas individuales. Unos pocos (notablemente RAW ) representaron intentos experimentales de acercar los cómics al estatus de bellas artes .
Durante la década de 1970, la cultura de la " pequeña prensa " creció y se diversificó. En la década de 1980, varias editoriales independientes, como Pacific , Eclipse , First , Comico y Fantagraphics , habían comenzado a publicar una amplia gama de estilos y formatos, desde cómics en color de superhéroes, detectives y ciencia ficción hasta historias en formato de revista en blanco y negro del realismo mágico latinoamericano .
En la década de 1990, una serie de pequeñas editoriales cambiaron el formato y la distribución de sus cómics para parecerse más a la publicación de cómics tradicionales. La forma de los " minicomics ", una versión extremadamente informal de la autoedición , surgió en la década de 1980 y se hizo cada vez más popular entre los artistas en la década de 1990, [29] a pesar de llegar a un público aún más limitado que la pequeña prensa.
Entre las editoriales pequeñas que publican títulos regularmente se incluyen Avatar Press , Hyperwerks , Raytoons y Terminal Press, impulsadas por avances en la tecnología de impresión como la impresión digital bajo demanda .
En 1964, Richard Kyle acuñó el término " novela gráfica ". [30]
Los precursores de la forma existieron en la década de 1920, cuando se produjo un renacimiento de la tradición del grabado en madera medieval por parte del belga Frans Masereel , [31] el estadounidense Lynd Ward y otros, incluido Stan Lee.
En 1947, Fawcett Publications publicó Comics Novel No. 1, la primera de una serie de estas "novelas de cómic". La historia del primer número fue "Anarcho, dictador de la muerte", un relato de espías de cinco capítulos escrito por Otto Binder y dibujado por Al Carreno. Se puede leer en línea en el Digital Comic Museum . [32] La revista nunca llegó a tener un segundo número.
En 1950, St. John Publications publicó la novela ilustrada It Rhymes with Lust , de formato pequeño y orientada a adultos , un compendio de 128 páginas escrito por el escritor seudónimo "Drake Waller" ( Arnold Drake y Leslie Waller ), el dibujante Matt Baker y el entintador Ray Osrin , promocionada como "una novela original de larga duración" en su portada. "It Rhymes with Lust" también está disponible para leer en línea en el Digital Comic Museum. [33]
En 1971, el escritor y artista Gil Kane y sus colaboradores aplicaron un formato de libro de bolsillo a su "novela de cómic" Blackmark . Will Eisner popularizó el término "novela gráfica" cuando lo utilizó en la portada de la edición de bolsillo de su obra Un contrato con Dios y otras historias de viviendas en 1978 y, posteriormente, el uso del término comenzó a aumentar.
En 2017, el tamaño del mercado de cómics en América del Norte fue de poco más de mil millones de dólares, con ventas digitales estables, librerías con un descenso del 1 por ciento y tiendas de cómics con un descenso del 10 por ciento con respecto a 2016. [34] El mercado mundial de cómics experimentó un crecimiento sustancial del 12% en 2020, alcanzando un valor total de 8.490 millones de dólares. Esta trayectoria positiva continuó en 2021, con la valoración anual del mercado aumentando a 9.210 millones de dólares. La creciente popularidad de los cómics se puede atribuir al mayor interés mundial, impulsado significativamente por los esfuerzos de colaboración entre diversas marcas. Estas colaboraciones están orientadas a producir contenido de cómic más atractivo y atractivo, lo que contribuye al crecimiento continuo de la industria. [35]
En la década de 1970 surgieron las tiendas especializadas en cómics . En un principio, los editores comercializaban los cómics para los niños, ya que se consideraban un entretenimiento infantil. Sin embargo, con el creciente reconocimiento de los cómics como forma de arte y la creciente presencia de las convenciones de cómics en la cultura pop , ahora son adoptados por muchos adultos. [24]
Los coleccionistas de cómics suelen mostrar una pasión de toda la vida por las historias que se esconden en ellos, centrándose a menudo en superhéroes específicos y esforzándose por reunir una colección completa de una serie en particular. A los cómics se les asignan números secuenciales, y el número inicial de una serie de cómics de larga duración tiende a ser el más escaso y el más codiciado entre los coleccionistas. La introducción de un nuevo personaje puede ocurrir dentro de un título ya existente. Por ejemplo, la primera aparición de Spider-Man tuvo lugar en Amazing Fantasy #15. Los nuevos personajes se presentaban con frecuencia de esta manera, esperando a una audiencia establecida antes de lanzar sus propios títulos. En consecuencia, los cómics que presentan la aparición debut de un personaje significativo a veces pueden ser incluso más difíciles de localizar que el número inaugural de la serie independiente de ese personaje.
Entre los cómics raros se encuentran copias del inédito Motion Picture Funnies Weekly #1 de 1939. En 1974, aparecieron en el patrimonio del editor fallecido ocho copias, más una sin tapa. La "copia de pago" de este libro se vendió por 43.125 dólares en una subasta de Heritage en 2005. [36]
Los cómics estadounidenses más valiosos han combinado rareza y calidad con las primeras apariciones de personajes populares y duraderos. Cuatro cómics se han vendido por más de un millón de dólares estadounidenses hasta diciembre de 2010 [update], incluidos dos ejemplares de Action Comics #1, la primera aparición de Superman , [37] [38] ambos vendidos de forma privada a través del distribuidor en línea ComicConnect.com en 2010, y Detective Comics #27, la primera aparición de Batman , a través de una subasta pública.
Actualizando el precio anterior obtenido para Action Comics #1, la primera aparición de Superman , la venta más alta registrada para este libro es de $3,2 millones, por una copia de 9.0. [39]
Los errores de impresión, las impresiones promocionales de incentivos para distribuidores de cómics y los números con una distribución excepcionalmente baja tienden a tener un valor de escasez en el mercado de cómics. Los cómics modernos más raros incluyen la tirada original de The League of Extraordinary Gentlemen #5, que el ejecutivo de DC Paul Levitz retiró y descartó debido a la aparición de un anuncio vintage de la era victoriana de "Marvel Douche ", que el editor consideró ofensivo; [40] solo existen 100 copias, la mayoría de las cuales han sido calificadas por CGC . (Vea Cómics retirados para más cómics retirados, descartados y erróneos).
En 2000, una empresa llamada Comics Guaranty (CGC) inició la práctica de "clasificar" los cómics, que consiste en envolverlos en cajas de plástico gruesas y asignarles una calificación numérica. Este enfoque inspiró la aparición del Servicio de Certificación de Cómics . Dada la importancia de la condición para determinar el valor de los cómics raros, el concepto de clasificación por parte de una empresa imparcial, que no se dedique a la compra o venta de cómics, parecía prometedor. Sin embargo, existe un debate en curso sobre si el costo relativamente alto de este servicio de clasificación está justificado y si sirve a los intereses de los coleccionistas o principalmente atiende a especuladores que buscan ganancias rápidas, similares a las transacciones con acciones o con obras de arte. La clasificación de cómics ha desempeñado un papel en el establecimiento de estándares de valoración, que las guías de precios en línea como GoCollect y GPAnalysis utilizan para proporcionar información sobre el valor de mercado en tiempo real.
Los coleccionistas también buscan las páginas con ilustraciones originales de los cómics, que son quizás los artículos más codiciados en el mundo de los cómics. Estas páginas tienen una escasez sin precedentes debido al hecho de que solo existe una página única con ilustraciones por cada página impresa y publicada.
La creación de estas páginas de ilustraciones originales implica un esfuerzo colaborativo: un escritor elabora la historia, un artista a lápiz diseña los paneles secuenciales en la página, un artista de tinta repasa el lápiz con pluma y tinta, un rotulista proporciona el diálogo y la narración a través de letras a mano y, finalmente, un colorista agrega color como toque final antes de enviar las páginas a la imprenta.
Cuando la imprenta devuelve las páginas originales, normalmente se las devuelve a los propios artistas, quienes a veces optan por venderlas en convenciones de cómics, galerías y exposiciones de arte centradas en el arte de los cómics. Las páginas originales de DC y Marvel, que presentan las apariciones de debut de personajes icónicos como Superman, Batman, Wonder Woman , Flash , Captain Marvel , Spider-Man, The Incredible Hulk , Iron Man , Captain America y Mighty Thor, se consideran tesoros invaluables dentro del mundo del cómic.
Muchas de las primeras iteraciones de personajes negros en los cómics "se convirtieron en variaciones de la 'imagen estereotipada única de Sambo'". [41] Sambo estaba estrechamente relacionado con el estereotipo del mapache, pero tenía algunas diferencias sutiles. Ambos son una forma despectiva de retratar a los personajes negros. "El nombre en sí, una abreviatura de mapache, es deshumanizante. Al igual que con Sambo, el mapache era retratado como un bufón perezoso, que se asustaba fácilmente, crónicamente ocioso e inarticulado". [42] Esta representación "fue, por supuesto, otro intento de solidificar la inferioridad intelectual de la raza negra a través de la cultura popular". [41] Sin embargo, en la década de 1940 hubo un cambio en la representación de los personajes negros. "Una mirada superficial... podría dar la impresión de que las situaciones habían mejorado para los afroamericanos en los cómics". [41] En muchos cómics que se produjeron en esta época hubo un gran impulso a la tolerancia entre razas. "Estos héroes que pensaban en la igualdad comenzaron a entrar en acción justo cuando se les pedía a los afroamericanos que participaran en el esfuerzo bélico". [41]
Durante esta época, un programa dirigido por el gobierno, el Writers' War Board, se involucró mucho en lo que se publicaría en cómics. "El Writers' War Board utilizó los cómics para dar forma a las percepciones populares de la raza y la etnicidad..." [43] No solo utilizaban los cómics como un medio para reclutar a todos los estadounidenses, sino que también los utilizaban como propaganda para "[construir] una justificación para el odio basado en la raza hacia los enemigos extranjeros de Estados Unidos". [43] El Writers' War Board creó cómics que tenían como objetivo "[promover] la armonía racial doméstica". [43] Sin embargo, "estas narrativas a favor de la tolerancia luchaban por superar los tropos negativos populares y ampliamente comprendidos utilizados durante décadas en la cultura de masas estadounidense...". [43] Sin embargo, no estaban logrando esta agenda en todos sus cómics.
En la serie de cómics Captain Marvel Adventures , había un personaje llamado Steamboat que encarnaba una serie de estereotipos sumamente negativos que prevalecían durante ese período. La Junta de Guerra de Escritores no solicitó ninguna modificación a este personaje a pesar de la representación problemática. La eliminación de Steamboat de la serie sólo se produjo debido a la persistente defensa de un grupo de jóvenes negros con sede en la ciudad de Nueva York". [43] Originalmente su solicitud fue rechazada por personas que trabajaban en el cómic afirmando: " Captain Marvel Adventures incluía muchos tipos de caricaturas 'por el bien del humor'". [43] El grupo de jóvenes negros respondió con "esta no es la raza negra, pero sus un millón y medio de lectores pensarán que sí". [43] Después, Steamboat desapareció de los cómics por completo. Se creó un cómic sobre el Escuadrón 99, también conocido como Tuskegee Airmen , una unidad de la fuerza aérea totalmente negra. En lugar de hacer el cómic sobre su historia, el cómic era sobre Hop Harrigan. Un piloto blanco que captura a un nazi, le muestra videos del Escuadrón 99 derrotando a sus hombres y luego le revela al nazi que sus hombres fueron derrotados por afroamericanos, lo que lo enfureció porque los ve como una raza menos superior y no puede creer que hayan superado a sus hombres. "The Tuskegee Aviadores e imágenes de aviadores negros aparecen en sólo tres de los cincuenta y tres paneles... los pilotos del Escuadrón 99 no tienen diálogo ni interactúan ni con Hop Harrigan ni con su cautivo nazi". [43] Durante este tiempo, también utilizaron personajes negros en los cómics como un medio para invalidar los grupos militantes negros que luchaban por la igualdad dentro de los EE. UU. "Spider-Man 'dejó en claro que el poder negro militante no era el remedio para la injusticia racial'". [41] "El Halcón criticó abiertamente el comportamiento negro diciendo que 'tal vez sea importante para [ sic ] nosotros calmar las cosas para que podamos proteger los derechos por los que hemos estado luchando'". [41] Esta representación y desarrollo del carácter de los personajes negros puede atribuirse parcialmente al hecho de que, durante este tiempo, "raramente se había permitido a un artista o escritor negro en una importante compañía de cómics". [41]
Los personajes asiáticos dentro de los cómics se encontraron con un tratamiento prejuicioso similar al de los personajes negros. Fueron sometidos a representaciones deshumanizadoras, con narrativas que a menudo los retrataban como "incompetentes y subhumanos". [43] En una edición de 1944 de la publicación United States Marines , había una historia titulada The Smell of the Monkeymen . Esta narrativa retrataba a los soldados japoneses como simios brutales, y mostraba sus posiciones ocultas siendo traicionadas por su repugnante olor corporal. [43] Los personajes chinos recibieron el mismo tratamiento. "Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, las percepciones negativas de los chinos eran una parte establecida de la cultura de masas..." [43] Sin embargo, preocupados de que los japoneses pudieran usar el material antichino de Estados Unidos como propaganda, comenzaron a "presentar una imagen más positiva de los aliados chinos de Estados Unidos..." [43] Así como intentaron mostrar una mejor representación de los negros en los cómics, hicieron lo mismo con los asiáticos. Sin embargo, "los personajes japoneses y filipinos eran visualmente indistinguibles. Ambos grupos tienen dientes salientes grotescos, ropa hecha jirones y piel de color amarillo brillante". [43] "Los editores describieron a los aliados asiáticos de Estados Unidos a través de imágenes despectivas y un lenguaje perfeccionado durante las décadas anteriores". [43] Los personajes asiáticos fueron retratados anteriormente como "horribles demonios amarillos". [41] Durante la Segunda Guerra Mundial, "[cada] gran superhéroe que se precie se dedicó a la erradicación de los invasores asiáticos". [41] Hubo "una constante carrera de relevos en la que una cultura asiática simplemente entregó el testigo del odio a otra sin cambios perceptibles en la forma en que se retrataría a los personajes". [41]
"La única representación específica de un superhéroe hispano [ dudoso – discutir ] no terminó bien. En 1975, Marvel nos dio a Héctor Ayala (también conocido como El Tigre Blanco)". [41] "Aunque luchó durante varios años junto a héroes mucho más populares como Spider-Man y Daredevil, solo duró seis años antes de que las ventas de cómics que lo presentaban cayeran tanto que Marvel lo hizo retirar. [41] El personaje hispano más famoso es Bane, un villano de Batman". [41]
La representación de los nativos americanos en los cómics "se puede resumir en el estereotipo del noble salvaje" [41] "un tema recurrente... que instaba a los indios americanos a abandonar su hostilidad tradicional hacia los Estados Unidos. Eran ellos los que eran retratados como intolerantes e irrespetuosos de las preocupaciones dominantes de la América blanca". [41]
Manga (漫画) son libros de historietas o novelas gráficas originarias de Japón. La mayoría de los manga se ajustan a un estilo desarrollado en Japón a fines del siglo XIX, aunque la forma de arte tiene una larga prehistoria en el arte japonés anterior . El término manga se usa en Japón para referirse tanto a las historietas como a las caricaturas en general. Fuera de Japón, la palabra se usa típicamente para referirse a las historietas publicadas originalmente en el país.
Los dōjinshi (同人誌, revista de fans ) , cómics japoneses hechos por fans , operan en un mercado mucho más grande en Japón que el mercado estadounidense de "cómics underground"; la feria de dōjinshi más grande, Comiket , atrae a 500.000 visitantes dos veces al año. [44]
Manhwa (만화) son cómics o novelas gráficas originarias de Corea del Sur . El término manhwa se utiliza en Corea del Sur para referirse tanto a los cómics como a las caricaturas en general. Fuera de Corea del Sur, el término suele referirse a los cómics publicados originalmente en el país. Manhwa está muy influenciado por los cómics manga japoneses, aunque difiere del manga y el manhua con sus propias características distintivas.
Los webtoons se han vuelto populares en Corea del Sur como una nueva forma de leer cómics. Gracias en parte a las diferentes reglas de censura, el color y los efectos visuales únicos, y la optimización para una lectura más fácil en teléfonos inteligentes y computadoras. Más manhwa han hecho el cambio del manhwa impreso tradicional a los webtoons en línea gracias a un mejor pago y más libertad que el manhwa impreso tradicional. El formato webtoon también se ha expandido a otros países fuera de Corea como China, Japón, el sudeste asiático y los países occidentales. Los principales distribuidores de webtoons incluyen Lezhin , Naver y Kakao .
Francia y Bélgica tienen una larga tradición en cómics y libros de historietas, a menudo llamados BD (una abreviatura de bandes dessinées , que significa literalmente "tiras dibujadas") [45] en francés, y tiras en holandés o flamenco . Los cómics belgas escritos originalmente en holandés muestran la influencia de los cómics francófonos "franco-belgas", pero tienen su propio estilo distintivo. [ cita requerida ]
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Aunque Half Holiday (1884) de Ally Sloper estaba dirigido a un mercado adulto, los editores rápidamente apuntaron a un grupo demográfico más joven, lo que ha llevado a que la mayoría de las publicaciones sean para niños y ha creado una asociación en la mente del público de los cómics como algo algo infantil. The Guardian se refiere a Ally Sloper como "uno de los primeros personajes de dibujos animados icónicos del mundo", y "tan famoso en la Gran Bretaña victoriana como lo sería Dennis the Menace un siglo después". [47] Los cómics británicos de principios del siglo XX generalmente evolucionaron a partir de los penny dreadfuls ilustrados de la era victoriana (con Sweeney Todd , Dick Turpin y Varney the Vampire ). [48] Publicados por primera vez en la década de 1830, los penny dreadfuls fueron "la primera muestra de cultura popular producida en masa para los jóvenes en Gran Bretaña". [49]
Los dos cómics británicos más populares, The Beano y The Dandy , fueron publicados por primera vez por DC Thomson en la década de 1930. En 1950, la circulación semanal de ambos alcanzó los dos millones. [50] [51] Al explicar la enorme popularidad de los cómics en el Reino Unido durante este período, Anita O'Brien, curadora directora del Cartoon Museum de Londres, afirma: "Cuando se inventaron cómics como Beano y Dandy en la década de 1930, y en realidad hasta las décadas de 1950 y 1960, estos cómics eran casi el único entretenimiento disponible para los niños". [50] Dennis the Menace fue creado en la década de 1950, lo que hizo que las ventas de The Beano se dispararan. [52] Aparece en la portada de The Beano , y la BBC se refiere a él como el "chico travieso definitivo del mundo del cómic". [52]
En 1954, Tiger Comics presentó Roy of the Rovers , la popular tira basada en el fútbol que narra la vida de Roy Race y el equipo en el que jugó, Melchester Rovers . La frase típica de los medios de comunicación "cosas reales de 'Roy of the Rovers'" es utilizada a menudo por escritores, comentaristas y fanáticos del fútbol para describir exhibiciones de gran habilidad o resultados sorprendentes que van en contra de las probabilidades, en referencia a las historias dramáticas que eran la marca registrada de la tira. [53] Otros cómics como Eagle , Valiant , Warrior , Viz y 2000 AD también florecieron. Algunos cómics, como Judge Dredd y otros títulos de 2000 AD , se han publicado en formato sensacionalista . Los cómics underground y los títulos de "pequeña prensa" también han aparecido en el Reino Unido, en particular Oz y Escape Magazine .
El contenido de Action , otro título dirigido al público infantil y lanzado a mediados de los años 1970, se convirtió en tema de discusión en la Cámara de los Comunes . Aunque en una escala menor que investigaciones similares en los EE. UU., tales preocupaciones llevaron a una moderación del contenido publicado dentro de los cómics británicos. Dicha moderación nunca se formalizó hasta el punto de promulgar un código, ni duró mucho. El Reino Unido también ha establecido un mercado saludable en la reimpresión y reempaquetado de material, en particular material originario de los EE. UU. La falta de suministros confiables de cómics estadounidenses llevó a una variedad de reimpresiones en blanco y negro, incluidos los cómics de monstruos de Marvel de la década de 1950, el Capitán Marvel de Fawcett y otros personajes como Sheena , Mandrake el Mago y el Fantasma . Varias empresas de reimpresión se involucraron en el reempaquetado de material estadounidense para el mercado británico, en particular el importador y distribuidor Thorpe & Porter . Marvel Comics estableció una oficina en el Reino Unido en 1972. DC Comics y Dark Horse Comics también abrieron oficinas en la década de 1990. El reempaquetado de material europeo ha ocurrido con menos frecuencia, aunque las series de Las aventuras de Tintín y Astérix se han traducido y reempaquetado con éxito en libros de tapa blanda. El número de cómics europeos disponibles en el Reino Unido ha aumentado en las últimas dos décadas. La empresa británica Cinebook , fundada en 2005, ha publicado versiones traducidas al inglés de muchas series europeas.
En la década de 1980, un resurgimiento de escritores y artistas británicos ganó prominencia en los cómics convencionales, lo que se denominó la " Invasión británica " en la historia del cómic. [54] Estos escritores y artistas trajeron consigo sus propios temas y filosofía madura, como la anarquía, la controversia y la política, comunes en los medios británicos. Estos elementos allanarían el camino para los cómics maduros y "más oscuros y atrevidos" e impulsarían la Era Moderna del Cómic . [55] Los escritores incluyeron a Alan Moore , famoso por su V de Vendetta , From Hell , Watchmen , Marvelman y La Liga de los Hombres Extraordinarios ; [56] Neil Gaiman con el mito de The Sandman y Books of Magic ; Warren Ellis , creador de Transmetropolitan y Planetary ; y otros como Mark Millar , creador de Wanted y Kick-Ass . La serie de cómics de John Constantine, Hellblazer , ambientada en gran parte en Gran Bretaña y protagonizada por el mago John Constantine , allanó el camino para escritores británicos como Jamie Delano . [57]
El músico inglés Peter Gabriel publicó en 2000 The Story of OVO , que se publicó en formato de cómic en formato CD con el título " OVO The Millennium Show ". El Millennium Dome Show de 2000 se basó en él. [58]
En Navidad, los editores reenvasan y encargan material para anuarios de cómics , impresos y encuadernados en libros de tapa dura tamaño A4 ; "Rupert" proporciona un famoso ejemplo del anuario de cómics británico. DC Thomson también reenvasa las tiras de The Broons y Oor Wullie en libros de tapa blanda tamaño A4 para la temporada navideña.
El 19 de marzo de 2012, el servicio postal británico, Royal Mail , lanzó una serie de sellos que representan personajes y series de cómics británicos. [59] La colección incluía a The Beano , The Dandy , Eagle , The Topper , Roy of the Rovers , Bunty , Buster , Valiant , Twinkle y 2000 AD . [59]
Se ha afirmado que las Cantigas de Santa María del siglo XIII podrían considerarse como el primer «cómic» español , aunque los cómics (también conocidos en España como historietas o tebeos ) debutaron alrededor de 1857. La revista TBO fue influyente en la popularización del medio. Después de la Guerra Civil Española , el régimen franquista impuso una estricta censura en todos los medios: los cómics de superhéroes fueron prohibidos y como resultado, los héroes de cómic se basaron en la ficción histórica (en 1944 el héroe medieval El Guerrero del Antifaz fue creado por Manuel Gago y otro héroe medieval popular, Capitán Trueno , fue creado en 1956 por Víctor Mora y Miguel Ambrosio Zaragoza ). Dos editoriales —Editorial Bruguera y Editorial Valenciana— dominaron el mercado español del cómic durante su época dorada (1950-1970). Los cómics más populares mostraban un estilo reconocible de humor slapstick (influenciado por autores francobelgas como Franquin ): Carpanta y Zipi y Zape de Escobar , Las hermanas Gilda y Anacleto de Vázquez , Mortadelo y Filemón y 13. Rue del Percebe de Ibáñez o Superlópez de Jan. Tras el fin del franquismo , se produjo un aumento del interés por el cómic para adultos con revistas como Totem , El Jueves , 1984 , y El Víbora , y obras como Paracuellos de Carlos Giménez .
Los artistas españoles han trabajado tradicionalmente en otros mercados obteniendo un gran éxito, ya sea en el americano (por ejemplo, los ganadores del premio Eisner Sergio Aragonés , Salvador Larroca , Gabriel Hernández Walta, Marcos Martín o David Aja ), el británico (por ejemplo, Carlos Ezquerra , cocreador de Juez Dredd ) o el franco-belga (por ejemplo, el ganador del Fauve d'Or Julio Ribera o los autores de Blacksad Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido ).
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En Italia , los cómics (conocidos en italiano como fumetti ) hicieron su debut como tiras de humor a finales del siglo XIX, y más tarde evolucionaron hacia historias de aventuras. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, artistas como Hugo Pratt y Guido Crepax expusieron los cómics italianos a una audiencia internacional. Los cómics populares como Diabolik o la línea Bonelli (en concreto, Tex Willer o Dylan Dog) siguen siendo superventas. [60]
Los cómics de consumo masivo suelen publicarse mensualmente, en formato de resumen en blanco y negro , con aproximadamente entre 100 y 132 páginas. También son habituales las recopilaciones de material clásico de los personajes más famosos, normalmente con más de 200 páginas. Los cómics de autor se publican en formato BD francés, siendo un ejemplo Corto Maltés de Pratt .
Los dibujantes italianos muestran la influencia de los cómics de otros países, como Francia, Bélgica, España y Argentina . Italia también es famosa por ser uno de los principales productores de historietas de Walt Disney fuera de Estados Unidos; el alter ego superhéroe del Pato Donald , Paperinik , conocido en inglés como Superduck, fue creado en Italia.
La industria del cómic ha tenido problemas de distribución a lo largo de su historia, ya que numerosos minoristas tradicionales se han mostrado reacios a almacenar cantidades importantes de los cómics más atractivos y buscados. Los teléfonos inteligentes y las tabletas han resultado ser un medio ideal para la distribución en línea. [61]
El 13 de noviembre de 2007, Marvel Comics lanzó Marvel Digital Comics Unlimited , un servicio de suscripción que permite a los lectores leer muchos cómics de la historia de Marvel en línea. El servicio también incluye nuevos cómics de lanzamiento periódico que no están disponibles en ningún otro lugar. Con el lanzamiento de Avenging Spider-Man #1, Marvel también se convirtió en el primer editor en proporcionar copias digitales gratuitas como parte de la copia impresa del cómic. [62]
Con la creciente popularidad de los teléfonos inteligentes y las tabletas, muchas editoriales importantes han comenzado a publicar títulos en formato digital. La plataforma más popular es comiXology . Algunas plataformas, como Graphicly , han cerrado.
Numerosas bibliotecas albergan extensas colecciones de cómics en forma de novelas gráficas, lo que constituye un medio conveniente para que el público en general se familiarice con el medio. [63]
En 2015, el artista de manga japonés Eiichirō Oda recibió el título de Guinness World Records por tener la «mayor cantidad de copias publicadas para la misma serie de cómics por un solo autor». Su serie de manga One Piece , que él escribe e ilustra, ha sido serializada en la revista japonesa Weekly Shōnen Jump desde diciembre de 1997, y para 2015, se habían publicado 77 volúmenes recopilados . Guinness World Records informó en su anuncio que los volúmenes recopilados de la serie habían vendido un total de 320.866.000 unidades. One Piece también posee el título de Guinness World Records por «la mayor cantidad de copias publicadas para la misma serie de manga». [64]
El 5 de agosto de 2018, el título de Guinness World Records para el "cómic más grande jamás publicado" fue otorgado al cómic brasileño Turma da Mônica — O Maior Gibi do Mundo!, publicado por Panini Comics Brasil y Mauricio de Sousa Produções . El cómic mide 69,9 por 99,8 centímetros (2 pies 3,5 pulgadas por 3 pies 3,3 pulgadas). El cómic de 18 páginas tuvo una tirada de 120 copias. [65]
Con la publicación en julio de 2021 del volumen n.° 201 de su serie de manga Golgo 13 , el artista de manga japonés Takao Saito recibió el título de Guinness World Records por "La mayor cantidad de volúmenes publicados para una sola serie de manga". [66] Golgo 13 se ha serializado de forma continua en la revista japonesa Big Comic desde octubre de 1968, lo que también lo convierte en el manga más antiguo aún en publicación. [67] [68]
{{cite news}}: CS1 maint: unfit URL (link){{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)La época precisa de la Edad de Oro es objeto de controversia, aunque la mayoría coincide en que nació con el lanzamiento de Superman en 1938.
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