Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi ( c. 1445 [1] – 17 de mayo de 1510), más conocido como Sandro Botticelli ( / ˌ b ɒ t ɪ ˈ tʃ ɛ l i / BOT -ih- CHEL -ee , italiano: [ˈsandro bottiˈtʃɛlli] ) o simplemente Botticelli , fue un pintor italiano del Renacimiento temprano . La reputación póstuma de Botticelli sufrió hasta finales del siglo XIX , cuando fue redescubierto por los prerrafaelitas que estimularon una reevaluación de su obra. Desde entonces, se ha considerado que sus pinturas representan la gracia lineal del gótico italiano tardío y algunas pinturas del Renacimiento temprano, aunque datan de la segunda mitad del período del Renacimiento italiano .
Además de los temas mitológicos por los que es más conocido hoy en día, Botticelli pintó una amplia gama de temas religiosos (incluidas docenas de representaciones de la Virgen y el Niño , muchas de ellas en forma de tondo redondo ) y también algunos retratos. Sus obras más conocidas son El nacimiento de Venus y Primavera , ambas en los Uffizi de Florencia , que albergan muchas de las obras de Botticelli. [5] Botticelli vivió toda su vida en el mismo barrio de Florencia; sus únicos momentos significativos en otros lugares fueron los meses que pasó pintando en Pisa en 1474 y en la Capilla Sixtina de Roma en 1481-1482. [6]
Sólo una de las pinturas de Botticelli, la Natividad mística ( National Gallery , Londres) tiene inscrita una fecha (1501), pero otras pueden fecharse con distintos grados de certeza basándose en registros de archivo, por lo que se puede rastrear el desarrollo de su estilo. con cierta confianza. Fue un maestro independiente durante toda la década de 1470, en la que su reputación se disparó. La década de 1480 fue su década de mayor éxito, aquella en la que completó sus grandes pinturas mitológicas junto con muchas de sus vírgenes más famosas. En la década de 1490, su estilo se volvió más personal y hasta cierto punto amanerado. Sus últimas obras lo muestran moviéndose en una dirección opuesta a la de Leonardo da Vinci (siete años menor que él) y la nueva generación de pintores que crearon el estilo del Alto Renacimiento , y en cambio regresando a un estilo que muchos han descrito como más gótico o "arcaico". ".
Botticelli nació en la ciudad de Florencia en una casa de la calle todavía llamada Borgo Ognissanti. Vivió en la misma zona toda su vida y fue enterrado en la iglesia de su barrio llamada Ognissanti ("Todos los Santos"). Sandro fue uno de varios hijos del curtidor Mariano di Vanni d'Amedeo Filipepi y su esposa Smeralda Filipepi, y el menor de los cuatro que sobrevivieron hasta la edad adulta. [7] [5] Se desconoce la fecha de su nacimiento, pero las declaraciones de impuestos de su padre en los años siguientes dan que tenía dos años en 1447 y trece en 1458, lo que significa que debe haber nacido entre 1444 y 1446. [8]
En 1460, el padre de Botticelli dejó su negocio de curtidor y se convirtió en batidor de oro con su otro hijo, Antonio. Esta profesión habría puesto a la familia en contacto con diversos artistas. [9] Giorgio Vasari , en su Vida de Botticelli, informó que Botticelli se formó inicialmente como orfebre . [10]
El barrio de Ognissanti era "modesto, habitado por tejedores y otros trabajadores", [11] pero había algunas familias ricas, sobre todo los Rucellai, un rico clan de banqueros y comerciantes de lana. El cabeza de familia, Giovanni di Paolo Rucellai , encargó el famoso Palacio Rucellai , un hito de la arquitectura renacentista italiana , a León Battista Alberti , entre 1446 y 1451, los primeros años de Botticelli. En 1458, la familia de Botticelli alquilaba su casa a los Rucellai, que era sólo uno de los muchos tratos que involucraban a las dos familias. [11]
En 1464, su padre compró una casa en la cercana Via Nuova (ahora llamada Via della Porcellana) en la que Sandro vivió desde 1470 (si no antes) hasta su muerte en 1510. [12] Botticelli vivió y trabajó en la casa (una práctica bastante inusual) a pesar de que sus hermanos Giovanni y Simone también residían allí. [13] Los vecinos más notables de la familia fueron los Vespucci, incluido Amerigo Vespucci , de quien se nombró a América. Los Vespucci eran aliados de los Medici y, finalmente, patrocinadores habituales de Botticelli. [12]
El apodo de Botticelli, que significa "pequeño barril", deriva del apodo del hermano de Sandro, Giovanni, a quien llamaban Botticello aparentemente por su estatura redonda. Un documento de 1470 se refiere a Sandro como "Sandro Mariano Botticelli", lo que significa que había adoptado plenamente el nombre. [8]
Alrededor de 1461 o 1462, Botticelli fue aprendiz de Fra Filippo Lippi , uno de los principales pintores florentinos y favorito de los Medici. [14] Fue de Lippi que Botticelli aprendió a crear composiciones íntimas con figuras hermosas y melancólicas dibujadas con contornos claros y sólo ligeros contrastes de luces y sombras. Durante gran parte de este período, Lippi residió en Prato , a unos pocos kilómetros al oeste de Florencia, pintando frescos en el ábside de lo que hoy es la Catedral de Prato . Botticelli probablemente abandonó el taller de Lippi en abril de 1467, cuando este último se fue a trabajar a Spoleto . [15] Se ha especulado mucho sobre si Botticelli pasó un período más corto de tiempo en otro taller, como el de los hermanos Pollaiuolo o Andrea del Verrocchio . Sin embargo, aunque ambos artistas tuvieron un fuerte impacto en el desarrollo del joven Botticelli, no se puede probar definitivamente la presencia del joven artista en sus talleres. [dieciséis]
Lippi murió en 1469. Botticelli ya debía tener su propio taller para entonces, y en junio de ese año se le encargó un panel de Fortaleza (Florencia, Galleria degli Uffizi) para acompañar un conjunto de las Siete Virtudes encargado un año antes a Piero del Pollaiuolo . [17] El panel de Botticelli adopta el formato y la composición del de Piero, pero presenta una figura más elegante y con una postura más natural e incluye una serie de "enriquecimientos fantasiosos para mostrar la pobreza de invención ornamental de Piero". [18]
En 1472 Botticelli tomó su primer aprendiz, el joven Filippino Lippi , hijo de su maestro. [19] Las obras de Botticelli y Filippino de estos años, incluidas muchas pinturas de la Virgen y el Niño , a menudo son difíciles de distinguir entre sí. Los dos también colaboraban habitualmente, como en los paneles de un par de cassoni desmantelados , ahora divididos entre el Louvre , la Galería Nacional de Canadá , el Museo Condé de Chantilly y la Galería Pallavicini de Roma. [20]
El retablo más antiguo de Botticelli que se conserva es una gran sacra conversazione de alrededor de 1470-1472, ahora en los Uffizi. La pintura muestra el temprano dominio de la composición de Botticelli, con ocho figuras dispuestas con una "fácil naturalidad en un entorno arquitectónico cerrado". [21]
Otra obra de este período es San Sebastián en Berlín, pintada en 1474 para un muelle de Santa María la Mayor , Florencia. [22] Esta obra fue pintada poco después del retablo mucho más grande del mismo santo realizado por los hermanos Pollaiuolo (Londres, National Gallery). Aunque la postura del santo de Botticelli es muy similar a la del Pollaiuolo, también es más tranquilo y sereno. El cuerpo casi desnudo está dibujado con mucho cuidado y es anatómicamente preciso, lo que refleja el minucioso estudio del cuerpo humano por parte del joven artista. El delicado paisaje invernal, que hace referencia a la fiesta del santo en enero, está inspirado en la pintura holandesa temprana contemporánea , muy apreciada en los círculos florentinos. [23]
A principios de 1474, las autoridades de Pisa pidieron a Botticelli que se uniera a los trabajos de pintura al fresco del Camposanto , un gran y prestigioso proyecto realizado en su mayor parte por Benozzo Gozzoli , que dedicó casi veinte años a él. Se registran varios pagos hasta septiembre, pero no sobrevive ninguna obra y parece que lo que Botticelli empezó no se terminó. Sin embargo, el hecho de que Botticelli fuera abordado desde fuera de Florencia demuestra una reputación creciente. [24]
La Adoración de los Magos de Santa María Novella ( c. 1475-1476 , ahora en los Uffizi , y la primera de ocho Adoraciones ), [25] fue destacada para elogios por Vasari, y estaba en una iglesia muy visitada, por lo que difundiendo su reputación. Se puede considerar que marca el clímax del estilo inicial de Botticelli. A pesar de haber sido encargado por un cambista, o tal vez prestamista, no conocido como aliado de los Medici, contiene los retratos de Cosme de Medici , sus hijos Piero y Giovanni (todos ellos ya muertos) y sus nietos. Lorenzo y Giuliano . También hay retratos del donante y, a la vista de la mayoría, del propio Botticelli, de pie al frente a la derecha. La pintura fue famosa por la variedad de los ángulos desde los que están pintados los rostros y de sus expresiones. [26]
Un gran fresco de la aduana de Florencia, hoy perdido, representaba la ejecución en la horca de los líderes de la conspiración Pazzi de 1478 contra los Medici. Era costumbre florentina humillar a los traidores de esta forma, mediante la llamada " pittura infamante ". [27] Este fue el primer encargo importante de frescos de Botticelli (aparte de la fallida excursión a Pisa), y puede haber llevado a su citación a Roma. La figura de Francesco Salviati, arzobispo de Pisa, fue retirada en 1479, tras las protestas del Papa, y el resto fueron destruidos tras la expulsión de los Medici y el regreso de la familia Pazzi en 1494. [28] Otra obra perdida fue un tondo de la Virgen encargada por un banquero florentino en Roma para presentarla al cardenal Francesco Gonzaga ; esto tal vez difundió el conocimiento de su obra en Roma. Un fresco del Palazzo Vecchio , sede del estado florentino, se perdió en el siglo siguiente cuando Vasari remodeló el edificio. [29]
En 1480, la familia Vespucci encargó una figura al fresco de San Agustín para los Ognissanti, su iglesia parroquial y la de Botticelli. Alguien más, probablemente la orden que regía la iglesia, [30] encargó a Domenico Ghirlandaio un frente a San Jerónimo ; Ambos santos fueron representados escribiendo en sus estudios, que están llenos de objetos. Como en otros casos, esa competencia directa "fue siempre un incentivo para Botticelli para desplegar todos sus poderes", y Ronald Lightbown considera el fresco, ahora el más antiguo que se conserva, como el mejor . [31] El libro abierto sobre el santo contiene una de las bromas pesadas por las que Vasari dice que era conocido. La mayor parte del "texto" son garabatos, pero una línea dice: "¿Dónde está el hermano Martino? Salió. ¿Y adónde fue? Está fuera de Porta al Prato", probablemente se escuchó un diálogo de los Umiliati , la orden que dirigía la iglesia. Lightbown sugiere que esto muestra que Botticelli pensaba que "el ejemplo de Jerónimo y Agustín probablemente sería desechado por los Umiliati tal como él los conocía". [32]
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En 1481, el Papa Sixto IV convocó a Botticelli y a otros destacados artistas florentinos y de Umbría para que pintaran con frescos las paredes de la recién terminada Capilla Sixtina . Este gran proyecto iba a ser la decoración principal de la capilla. La mayoría de los frescos permanecen, pero quedan muy eclipsados y alterados por el trabajo de Miguel Ángel del siglo siguiente, ya que algunos de los frescos anteriores fueron destruidos para dejar espacio a sus pinturas. [33] Se cree que la contribución florentina es parte de un acuerdo de paz entre Lorenzo Medici y el papado. Después de que Sixto fuera implicado en la conspiración de Pazzi, las hostilidades se intensificaron hasta llegar a la excomunión de Lorenzo y otros funcionarios florentinos y una pequeña "Guerra Pazzi". [34]
El esquema iconográfico era un par de ciclos, enfrentados a los lados de la capilla, de la Vida de Cristo y la Vida de Moisés , sugiriendo juntos la supremacía del Papado. La contribución de Botticelli incluyó tres de las catorce grandes escenas originales: las Tentaciones de Cristo , la juventud de Moisés y el castigo de los hijos de Corah (o varios otros títulos), [35] así como varios de los retratos imaginados de papas en el nivel superior. y pinturas de temas desconocidos en las lunetas de arriba, donde ahora se encuentra el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel . Es posible que también haya realizado una cuarta escena en la pared del fondo, frente al altar, ahora destruido. [36] Cada pintor traía un equipo de ayudantes de su taller, ya que el espacio a cubrir era considerable; cada uno de los paneles principales mide unos 3,5 por 5,7 metros y el trabajo se realizó en unos pocos meses. [37]
Vasari insinúa que a Botticelli se le asignó la responsabilidad artística general del proyecto, pero los historiadores del arte moderno creen que es más probable que a Pietro Perugino , el primer artista contratado, se le asignara este papel, si es que a alguien se le asignó. [38] Los temas y muchos detalles a destacar en su ejecución fueron sin duda entregados a los artistas por las autoridades vaticanas. Los esquemas presentan un programa complejo y coherente que afirma la supremacía papal, y están más unificados en esto que en su estilo artístico, aunque los artistas siguen una escala consistente y un diseño compositivo amplio, con multitudes de figuras en primer plano y principalmente paisajes en la mitad superior. de la escena. Teniendo en cuenta las pilastras pintadas que separan cada escena, el nivel del horizonte coincide entre escenas, y Moisés usa la misma ropa amarilla y verde en sus escenas. [39]
Botticelli se diferencia de sus colegas en imponer una composición más insistente a modo de tríptico , dividiendo cada una de sus escenas en un grupo central principal con dos grupos flanqueantes a los lados, que muestran diferentes incidentes. [40] En cada uno la figura principal de Cristo o Moisés aparece varias veces, siete en el caso de la Juventud de Moisés . [41] Los treinta retratos inventados de los primeros papas parecen haber sido principalmente responsabilidad de Botticelli, al menos en lo que respecta a la producción de las caricaturas. De los supervivientes, la mayoría de los estudiosos coinciden en que diez fueron diseñados por Botticelli, y cinco probablemente, al menos en parte, por él, aunque todos han sido dañados y restaurados. [42]
El castigo de los hijos de Corah contiene lo que fue para Botticelli una copia inusualmente cercana, si no exacta, de una obra clásica. Esta es la representación en el centro del lado norte del Arco de Constantino en Roma, que repitió alrededor de 1500 en La Historia de Lucrecia . [43] Si aparentemente no pasaba su tiempo libre en Roma dibujando antigüedades, como muchos artistas de su época estaban muy interesados en hacer, parece haber pintado allí una Adoración de los Magos , ahora en la Galería Nacional de Arte en Washington. [44] En 1482 regresó a Florencia y, aparte de los frescos perdidos para la villa de los Medici en Spedaletto aproximadamente un año después, no se registran más viajes fuera de casa. Quizás había estado ausente desde julio de 1481 hasta, a más tardar, mayo de 1482. [45]
Las obras maestras Primavera (c. 1482) y El nacimiento de Venus (c. 1485) no son un par, pero inevitablemente se discuten juntas; ambos están en los Uffizi . Se encuentran entre las pinturas más famosas del mundo y son iconos del Renacimiento italiano . Como representaciones de temas de la mitología clásica a gran escala, prácticamente no tenían precedentes en el arte occidental desde la antigüedad clásica. Junto con los más pequeños y menos célebres Venus, Marte , Palas y el Centauro , han sido analizados infinitamente por los historiadores del arte , siendo los temas principales: la emulación de los pintores antiguos y el contexto de las celebraciones nupciales, la influencia del neoplatonismo renacentista. , y la identidad de los comisarios y posibles modelos de las figuras. [46]
Aunque todos tienen diferentes grados de complejidad en sus significados, también tienen un atractivo visual inmediato que explica su enorme popularidad. Todos muestran figuras femeninas hermosas y dominantes en un mundo idílico de sentimientos, con un elemento sexual. La atención académica continua se centra principalmente en la poesía y la filosofía de los humanistas del Renacimiento contemporáneo . Las obras no ilustran textos particulares; más bien, cada uno se basa en varios textos para determinar su importancia. Vasari caracterizó su belleza como un ejemplo de "gracia" y John Ruskin como poseedora de un ritmo lineal. Las imágenes presentan el estilo lineal de Botticelli en su máxima expresión, enfatizado por los suaves contornos continuos y los colores pastel. [47]
La Primavera y el Nacimiento fueron vistos por Vasari a mediados del siglo XVI en la Villa di Castello , propiedad desde 1477 de Lorenzo di Pierfrancesco de ' Medici, y hasta la publicación en 1975 de un inventario de los Medici de 1499, [48] Se supuso que ambas obras fueron pintadas específicamente para la villa. Estudios recientes sugieren lo contrario: la Primavera fue pintada para la casa de Lorenzo di Pierfrancesco en Florencia, y El nacimiento de Venus fue encargado por otra persona para un sitio diferente. [49]
Botticelli pintó sólo un pequeño número de temas mitológicos, pero éstas son probablemente ahora sus obras más conocidas. Un panel mucho más pequeño que los comentados anteriormente es su Venus y Marte en la National Gallery de Londres. Tenía un tamaño y una forma que sugerían que se trataba de una spalliera , una pintura hecha para encajar en muebles o, más probablemente, en este caso, en paneles de madera. Las avispas que zumban alrededor de la cabeza de Marte sugieren que pudo haber sido pintada para un miembro de sus vecinos, la familia Vespucci, cuyo nombre significa "pequeñas avispas" en italiano y que presentaba avispas en su escudo de armas. Marte yace dormido, presumiblemente después de hacer el amor, mientras Venus observa cómo los niños sátiros juegan con su equipo militar, y uno intenta despertarlo soplándole una caracola en la oreja. Sin duda, el cuadro fue regalado para celebrar un matrimonio y decorar el dormitorio. [50]
Tres de estas cuatro grandes mitologías presentan a Venus , figura central del neoplatonismo renacentista , que dio al amor divino un lugar tan importante en su filosofía como el cristianismo. El cuarto, Palas y el Centauro, está claramente relacionado con los Medici por el símbolo en el vestido de Palas. Las dos figuras son aproximadamente de tamaño natural y se han propuesto una serie de interpretaciones personales, políticas o filosóficas específicas para ampliar el significado básico de la sumisión de la pasión a la razón. [51]
Antonio Pucci encargó a Botticelli una serie de paneles en forma de spalliera o cassone en 1483 con motivo del matrimonio de su hijo Giannozzo con Lucrezia Bini. El tema era la historia de ' Nastagio degli Onesti de la octava novela del quinto día del Decamerón de Boccaccio , en cuatro paneles. En el tercer panel aparecen los escudos de los Medici y de las familias de los novios. [52]
Botticelli regresó de Roma en 1482 con una reputación considerablemente mejorada por su trabajo allí. Al igual que con sus pinturas seculares, muchos encargos religiosos son más grandes y sin duda más caros que antes. [53] En conjunto, las obras más datables de Botticelli provienen de la década de 1480 que de cualquier otra década, [54] y la mayoría de ellas son religiosas. A mediados de la década de 1480, muchos artistas florentinos destacados habían abandonado la ciudad y algunos nunca regresaron. La estrella en ascenso Leonardo da Vinci , que se burlaba de los paisajes de Botticelli, [55] partió en 1481 hacia Milán , los hermanos Pollaiolo en 1484 a Roma y Andrea Verrochio en 1485 a Venecia . [56]
Los restantes líderes de la pintura florentina, Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Filippino Lippi , trabajaron en un importante ciclo de frescos con Perugino , para la villa de Lorenzo el Magnífico en Spedalletto, cerca de Volterra . [56] Botticelli pintó muchas vírgenes, cubiertas en una sección inferior, y retablos y frescos en iglesias florentinas. En 1491 formó parte de un comité para decidir sobre una fachada para la Catedral de Florencia , recibiendo al año siguiente tres pagos por el diseño de un plan, finalmente fallido, para colocar mosaicos en algunas bóvedas interiores del techo de la catedral. [57]
El primer encargo importante de la iglesia después de Roma fue el Retablo de Bardi , terminado y enmarcado en febrero de 1485, [58] y ahora en Berlín. El marco fue obra de nada menos que Giuliano da Sangallo , que se estaba convirtiendo en el arquitecto favorito de Lorenzo el Magnífico. Una Virgen entronizada y un Niño (bastante grande) sentados en un banco elevado de piedra elaboradamente tallado en un jardín, con plantas y flores detrás de ellos cerrando todo excepto pequeños parches de cielo, para dar una versión del hortus conclusus o jardín cerrado, un Marco muy tradicional para la Virgen María. En primer plano se encuentran los santos Juan Bautista y un Juan Evangelista inusualmente anciano. Pequeñas y discretas banderolas o cintas con versículos bíblicos aclaran el significado teológico bastante complejo de la obra, para la cual Botticelli debe haber tenido un asesor clerical, pero no interfieren con una apreciación más simple de la pintura y su interpretación amorosamente detallada, que Vasari elogió. [59] Es algo típico del enfoque relajado de Botticelli hacia la perspectiva estricta que el borde superior del banco se vea desde arriba, pero los jarrones con lirios se ven desde abajo. [60]
El donante, de la principal familia Bardi , había regresado a Florencia después de más de veinte años como banquero y comerciante de lana en Londres, donde era conocido como "John de Barde", [61] y algunos aspectos de la pintura pueden reflejar el norte de Europa y incluso el arte inglés y las tendencias devocionales populares. [62] Es posible que hubiera otros paneles en el retablo, que ahora faltan. [63]
Un retablo más grande y concurrido es el Retablo de San Bernabé de alrededor de 1487, ahora en los Uffizi, donde comienzan a aparecer elementos del emotivo estilo tardío de Botticelli. Aquí el escenario es un interior palaciego y celestial del último estilo, que muestra a Botticelli tomando un nuevo grado de interés por la arquitectura, posiblemente influenciado por Sangallo. La Virgen y el Niño están elevados sobre un trono, al mismo nivel que cuatro ángeles que portan los Instrumentos de la Pasión . Seis santos hacen fila debajo del trono. Varias figuras tienen cabezas bastante grandes, y el niño Jesús también es muy grande. Mientras que los rostros de la Virgen, el niño y los ángeles tienen la belleza lineal de sus tondos, los santos reciben expresiones variadas e intensas. Sobreviven cuatro paneles de predela pequeños y bastante simples ; probablemente originalmente eran siete. [64]
Probablemente terminada la fase de pintura de grandes obras seculares a finales de la década de 1480, Botticelli pintó varios retablos, y este parece haber sido un período pico para la producción de Madonnas en su taller. El retablo más grande de Botticelli, el Retablo de San Marcos (378 x 258 cm, Uffizi), es el único que se conserva con su predela completa , de cinco paneles. En el aire, sobre cuatro santos, se produce la Coronación de la Virgen en una zona celestial de oro y colores brillantes que recuerdan sus obras anteriores, con ángeles rodeándolos bailando y arrojando flores. [sesenta y cinco]
Por el contrario, la Anunciación de Cestello (1489-1490, Uffizi) forma un grupo natural con otras pinturas tardías, especialmente dos de la Lamentación de Cristo que comparten su sombrío color de fondo y la expresividad bastante exagerada de las posturas inclinadas de las figuras. Tiene un paisaje inusualmente detallado, todavía en colores oscuros, visto a través de la ventana, que parece inspirarse en modelos del norte de Europa, tal vez de grabados. [66]
De las dos Lamentaciones , una tiene un formato vertical inusual porque, al igual que su San Sebastián de 1474 , fue pintada para el costado de un pilar en la Iglesia de Santa María la Mayor, Florencia ; ahora está en Milán. El otro, horizontal, fue pintado para una capilla en la esquina de la calle Botticelli; ahora está en Munich. En ambos, las figuras abarrotadas y entrelazadas alrededor del Cristo muerto ocupan casi todo el espacio de la imagen, con sólo roca desnuda detrás. La Virgen se ha desmayado y las demás figuras forman un scrum para sostenerla a ella y a Cristo. [67] La pintura de Munich tiene tres santos menos involucrados con atributos (de manera algo extraña, incluido San Pedro , generalmente considerado como en Jerusalén ese día, pero no presente en esta escena), y les da a las figuras (excepto a Cristo) halos planos que se muestran en perspectiva. , que a partir de ahora Botticelli utiliza con frecuencia. Probablemente ambos datan de 1490 a 1495. [68]
Los primeros registros mencionaban, sin describirlo, un retablo de Botticelli para los Convertitas, una institución para ex prostitutas, y se propusieron como candidatas varias obras supervivientes de origen desconocido. Actualmente se acepta generalmente que una pintura de la Galería Courtauld de Londres es la Pala delle Convertite , que data aproximadamente de 1491-1493. Su tema, inusual para un retablo, es la Santísima Trinidad , con Cristo en la cruz, sostenido por detrás por Dios Padre. Los ángeles rodean la Trinidad, que está flanqueada por dos santos, con Tobías y el Ángel en una escala mucho menor justo en primer plano. Probablemente se trataba de una adición votiva , tal vez solicitada por el donante original. Las cuatro escenas de la predela, que muestran la vida de María Magdalena , entonces tomada como una prostituta reformada, se encuentran en el Museo de Arte de Filadelfia . [69]
Después de aproximadamente 1493 o 1495, Botticelli parece no haber pintado más cuadros religiosos de gran tamaño, aunque probablemente continuó la producción de vírgenes. Las escenas religiosas narrativas más pequeñas de los últimos años se tratan a continuación.
Las pinturas de la Virgen y el Niño , es decir, la Virgen María y el niño Jesús , fueron enormemente populares en la Italia del siglo XV en una variedad de tamaños y formatos, desde grandes retablos del tipo sacra conversazione hasta pequeños cuadros para el hogar. También solían colgarse en oficinas, edificios públicos, tiendas e instituciones administrativas. Estas pinturas más pequeñas eran una fuente constante de ingresos para los pintores de todos los niveles de calidad, y muchas probablemente se produjeron para stock, sin un encargo específico. [70]
Botticelli pintó Madonnas desde el comienzo de su carrera hasta al menos la década de 1490. Fue uno de los primeros pintores en utilizar el formato de tondo redondo , con un área pintada de entre 115 y 145 cm de ancho (alrededor de cuatro a cinco pies). Este formato se asociaba más con pinturas para palacios que para iglesias, aunque eran lo suficientemente grandes como para ser colgadas en iglesias, y algunas luego les fueron donadas. [71] Varias Madonnas usan este formato, generalmente con una Virgen sentada mostrada hasta las rodillas, y aunque las imágenes rectangulares de la Madonna las superan en número, las Madonnas en forma de tondo están especialmente asociadas con Botticelli. Usó el formato de tondo para otros temas, como una de las primeras Adoraciones de los Magos en Londres, [72] y aparentemente era más probable que él mismo pintara un tondo de Madonna, generalmente dejando los rectangulares para su taller. [70]
Las Vírgenes de Botticelli son siempre hermosas, de la misma manera idealizada que sus figuras mitológicas, y a menudo están ricamente vestidas al estilo contemporáneo. Aunque las principales críticas de Savonarola iban contra el arte secular, también se quejó de las pinturas en las iglesias florentinas que decían "Has hecho que la Virgen aparezca vestida como una puta", [54] lo que puede haber tenido un efecto en el estilo de Botticelli. A menudo van acompañados de ángeles igualmente hermosos o de un niño San Juan Bautista (el santo patrón de Florencia). Algunas presentan flores y ninguna presenta los fondos paisajísticos detallados que otros artistas estaban desarrollando. Muchos existen en varias versiones de diferente calidad, a menudo con elementos distintos a la Virgen y el Niño diferentes. Muchas de ellas fueron realizadas por Botticelli o, especialmente, por su taller, y otras aparentemente por artistas ajenos. Cuando el interés por Botticelli revivió en el siglo XIX, inicialmente fue principalmente por sus Madonnas, que luego comenzaron a forjarse a una escala considerable. [73]
En el Magnificat Madonna de los Uffizi (118 cm o 46,5 pulgadas de ancho, c. 1483), María está escribiendo el Magnificat , un discurso del Evangelio de Lucas (1:46–55) donde María lo pronuncia en la ocasión. de su Visitación a su prima Isabel , algunos meses antes del nacimiento de Jesús. Ella sostiene al niño Jesús y está rodeada de ángeles sin alas imposibles de distinguir de los jóvenes florentinos vestidos a la moda. [74]
La Virgen y el Niño con ángeles llevando candelabros de Botticelli (1485/1490) fue destruida durante la Segunda Guerra Mundial. Se almacenó en la torre antiaérea Friedrichshain en Berlín para su custodia, pero en mayo de 1945, la torre fue incendiada y la mayoría de los objetos del interior fueron destruidos. También se perdieron la Virgen y el Niño de Botticelli con el Niño San Juan y una Anunciación . [75]
Botticelli pintó varios retratos, aunque no tantos como se le han atribuido. Hay una serie de pinturas idealizadas que parecen retratos de mujeres que probablemente no representan a una persona específica (varias se parecen mucho a Venus en su Venus y Marte ). [76] Los chismes tradicionales los vinculan con la famosa belleza Simonetta Vespucci , que murió a los veintidós años en 1476, pero esto parece poco probable. [77] Estas figuras representan un vínculo secular con sus Madonnas .
Con una o dos excepciones, sus pequeños retratos en paneles independientes muestran al modelo no más abajo del torso que aproximadamente la parte inferior de la caja torácica. Las mujeres normalmente están de perfil, totalmente o ligeramente giradas, mientras que los hombres normalmente adoptan una pose de "tres cuartos", pero nunca se ven completamente de frente. Incluso cuando la cabeza mira más o menos hacia adelante, la iluminación se utiliza para crear una diferencia entre los lados de la cara. Los fondos pueden ser sencillos o mostrar una ventana abierta, generalmente sin nada más que el cielo visible a través de ella. Algunos han desarrollado fondos paisajísticos. Estas características eran típicas de los retratos florentinos al comienzo de su carrera, pero anticuadas en sus últimos años. [78]
Existen muchos retratos en varias versiones, probablemente la mayoría realizadas por el taller; a menudo hay incertidumbre en su atribución. [79] A menudo, el fondo cambia entre versiones, mientras que la figura sigue siendo la misma. Sus retratos masculinos también han tenido identificaciones dudosas, la mayoría de las veces de varios Medicis, durante más tiempo del que respalda la evidencia real. [80] Lightbown le atribuye sólo unos ocho retratos de personas, todos menos tres anteriores a 1475 aproximadamente. [81]
Botticelli a menudo exagera ligeramente algunos aspectos de los rasgos para aumentar el parecido. [82] También pintó retratos en otras obras, como cuando insertó un autorretrato y los Medici en su temprana Adoración de los Magos . [83] Varias figuras de los frescos de la Capilla Sixtina parecen ser retratos, pero se desconocen los temas, aunque se han hecho conjeturas extravagantes. [84] Grandes frescos alegóricos de una villa muestran a miembros de la familia Tornabuoni junto con dioses y personificaciones; Probablemente no todos sobrevivan, pero ahora se encuentran en el Louvre algunos con retratos de un joven con las Siete Artes Liberales y una mujer joven con Venus y las Tres Gracias . [85]
![Giuliano de' Medici, asesinado en la conspiración de Pazzi. Varias versiones, todas quizás póstumas[86].](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/98/Giuliano_de'_Medici_by_Sandro_Botticelli.jpeg/1280px-Giuliano_de'_Medici_by_Sandro_Botticelli.jpeg)
Botticelli tuvo durante toda su vida un interés por el gran poeta florentino Dante Alighieri , del que produjo obras en varios medios. [88] Se le atribuye un retrato imaginado. [89] Según Vasari, "escribió un comentario sobre una parte de Dante", al que también se hace referencia con desdén en otra historia de la Vida , [90] pero ningún texto de ese tipo ha sobrevivido.
El intento de Botticelli de diseñar las ilustraciones de un libro impreso no tuvo precedentes para un pintor destacado y, aunque parece haber sido un fracaso, se trataba de un papel para artistas que tenía un futuro importante. [91] Vasari escribió con desaprobación del primer Dante impreso en 1481 con grabados del orfebre Baccio Baldini , grabados a partir de dibujos de Botticelli: "siendo de mentalidad sofista, escribió allí un comentario sobre una parte de Dante e ilustró el Infierno que imprimió, dedicando mucho tiempo a ello, y esta abstención del trabajo le provocó graves trastornos en su vida." [92] Vasari, que vivió cuando el grabado se había vuelto mucho más importante que en la época de Botticelli, nunca lo toma en serio, tal vez porque sus propias pinturas no se vendieron bien en reproducción.
La Divina Comedia consta de 100 cantos y el texto impreso dejaba espacio para un grabado por cada canto. Sin embargo, sólo se grabaron 19 ilustraciones y la mayoría de las copias del libro tienen sólo las dos o tres primeras. Los dos primeros, y a veces tres, suelen imprimirse en la página del libro, mientras que los últimos se imprimen en hojas separadas que se pegan en su lugar. Esto sugiere que la producción de los grabados iba a la zaga de la impresión, y las ilustraciones posteriores se pegaron en el stock de libros impresos y encuadernados, y tal vez se vendieron a quienes ya habían comprado el libro. Desafortunadamente Baldini no tenía mucha experiencia ni talento como grabador, y no pudo expresar la delicadeza del estilo de Botticelli en sus planchas. [93] También se acepta generalmente que dos grabados religiosos son diseños de Botticelli. [94]
Más tarde, Botticelli comenzó un lujoso manuscrito ilustrado de Dante en pergamino , la mayor parte del cual llegó sólo hasta los dibujos inferiores y sólo unas pocas páginas están completamente iluminadas. Este manuscrito tiene 93 páginas supervivientes (32 x 47 cm), ahora divididas entre la Biblioteca del Vaticano (8 hojas) y Berlín (83), y representa la mayor parte de los dibujos supervivientes de Botticelli. [95]
Una vez más, el proyecto nunca se completó, ni siquiera en la etapa de dibujo, pero algunos de los primeros cantos parecen haber sido al menos dibujados, pero ahora faltan. Las páginas que sobreviven siempre han sido muy admiradas y muy discutidas, ya que el proyecto plantea muchas preguntas. El consenso general es que la mayoría de los dibujos llegan tarde; El escriba principal puede identificarse como Niccolò Mangona, que trabajó en Florencia entre 1482 y 1503, cuyo trabajo presumiblemente precedió al de Dante. Botticelli parece haber trabajado en los dibujos durante un largo período, como se puede ver en el desarrollo estilístico y en correspondencia con sus pinturas. Aunque se han propuesto otros patrocinadores (entre ellos inevitablemente Medicis, en particular el joven Lorenzo, o il Magnifico), algunos estudiosos piensan que Botticelli hizo el manuscrito por sí mismo. [96]
Hay indicios de que Botticelli pudo haber trabajado en ilustraciones para folletos impresos de Savonarola, casi todos destruidos tras su caída. [97]
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Botticelli fue asociado por los historiadores con la Escuela Florentina bajo el patrocinio de Lorenzo de' Medici , un movimiento que los historiadores caracterizarían más tarde como una " edad de oro ". [98] La familia Medici fue gobernante efectiva de Florencia, que nominalmente era una república, durante toda la vida de Botticelli hasta 1494, cuando la rama principal fue expulsada. Lorenzo el Magnífico se convirtió en el cabeza de familia en 1469, justo cuando Botticelli abrió su propio taller. Fue un gran mecenas de las artes visuales y literarias, y alentó y financió el círculo humanista y neoplatónico del que parece provenir gran parte del carácter de la pintura mitológica de Botticelli. En general, Lorenzo no parece haber encargado mucho a Botticelli, prefiriendo a Pollaiuolo y otros, [99] aunque las opiniones al respecto difieren. [100] Un Botticello que probablemente era el hermano de Sandro, Giovanni, era cercano a Lorenzo. [101]
Aunque los patrocinadores de muchas obras que no estaban destinadas a iglesias siguen sin estar claros, Botticelli parece haber sido utilizado más por los dos primos jóvenes de Lorenzo el Magnífico, su hermano menor Giuliano , [102] y otras familias aliadas de los Medici. Tommaso Soderini, un aliado cercano de Lorenzo, obtuvo el encargo de la figura de Fortaleza de 1470, que es la pintura más antigua de Botticelli fechada con seguridad, completando una serie de las Siete Virtudes que Piero del Pollaiuolo dejó inacabadas . Posiblemente los había presentado un Vespucci que había sido tutor del hijo de Soderini. Antonio Pucci, otro aliado de los Medici, probablemente encargó la Adoración de los Magos en Londres , también alrededor de 1470. [103]
Giuliano de' Medici fue asesinado en la conspiración Pazzi de 1478 (Lorenzo escapó por poco, salvado por el director de su banco), y un retrato que se dice que es de Giuliano y que sobrevive en varias versiones puede ser póstumo, o con al menos una versión de no mucho antes. su muerte. [104] También es un foco de teorías de que las figuras en las pinturas mitológicas representan individuos específicos de la alta sociedad florentina, generalmente emparejados con Simonetta Vespucci, de quien John Ruskin se convenció que había posado desnuda para Botticelli. [105]
Según Vasari, Botticelli se convirtió en seguidor del fraile dominico profundamente moralista Girolamo Savonarola , quien predicó en Florencia desde 1490 hasta su ejecución en 1498: [106]
Botticelli era seguidor de Savonarola, por lo que abandonó la pintura y luego cayó en una situación de penuria considerable al no tener otra fuente de ingresos. Sin embargo, siguió siendo un miembro obstinado de la secta, convirtiéndose en uno de los piagnoni , los llorones, como se les llamaba entonces, y abandonando su trabajo; así que finalmente, ya anciano, se encontró tan pobre que si Lorenzo de' Medici... y luego sus amigos y... [otros] no hubieran acudido en su ayuda, casi habría muerto de hambre. [106]
El alcance de la influencia de Savonarola sobre Botticelli sigue siendo incierto; su hermano Simone era más claramente un seguidor. [107] Vasari no cuenta la historia, vista a veces, de que había destruido sus propias pinturas sobre temas seculares en la hoguera de las vanidades de 1497 . La afirmación de Vasari de que Botticelli no produjo nada después de caer bajo la influencia de Savonarola no es aceptada por los historiadores del arte moderno. La Natividad mística , la única pintura de Botticelli que lleva una fecha real, si se expresa crípticamente, proviene de finales de 1500, [108] dieciocho meses después de la muerte de Savonarola, y el desarrollo de su estilo se puede rastrear a través de una serie de obras tardías, como se analizó. abajo.
A finales de 1502, unos cuatro años después de la muerte de Savonarola, Isabella d'Este quería pintar un cuadro en Florencia. Su agente Francesco Malatesta le escribió para informarle que su primera opción, Perugino, estaba fuera, Filippino Lippi tenía una agenda completa para seis meses, pero Botticelli era libre de empezar de inmediato y dispuesto a cumplir. Prefirió esperar el regreso de Perugino. [94] Esto nuevamente arroja serias dudas sobre la afirmación de Vasari, pero igualmente no parece haber tenido una gran demanda. [109]
Muchas dataciones de obras se extienden hasta 1505, aunque vivió cinco años más. [110] Pero Botticelli aparentemente produjo poco trabajo después de 1501, o quizás antes, y su producción ya se había reducido después de 1495 aproximadamente. Esto puede deberse en parte al tiempo que dedicó a los dibujos del manuscrito de Dante. [54] En 1504 fue miembro del comité designado para decidir dónde se colocaría el David de Miguel Ángel . [111]
Botticelli volvió a temas de la antigüedad en la década de 1490, con algunas obras más pequeñas sobre temas de la historia antigua que contenían más figuras y mostraban diferentes escenas de cada historia, incluidos momentos de acción dramática. Se trata de la Calumnia de Apeles (c. 1494-1495), una recreación de una alegoría perdida del antiguo pintor griego Apeles , que pudo haber destinado a su uso personal, [112] y la pareja de La historia de Virginia y La Historia de Lucrecia , que probablemente son de alrededor de 1500. [113]
La Natividad Mística , una pintura relativamente pequeña y muy personal, quizás para su propio uso, parece estar fechada a finales de 1500. [114] Lleva al extremo el abandono de la escala consistente entre las figuras que había sido una característica de Las pinturas religiosas de Botticelli durante algunos años, con la Sagrada Familia mucho más grande que las otras figuras, incluso las que están muy por delante de ellas en el espacio del cuadro. [115] Esto puede verse como una reversión parcial a las convenciones góticas. La iconografía del tema familiar de la Natividad es única, con características que incluyen demonios escondidos en la roca debajo de la escena, y debe ser muy personal. [116]
Otra pintura, conocida como la Crucifixión Mística (ahora Museo de Arte Fogg ), se relaciona claramente con el estado y el destino de Florencia, mostrada al fondo detrás de Cristo en la Cruz, junto al cual un ángel azota a un marzocco , el león heráldico que es un símbolo de la ciudad. Esto puede conectarse más directamente con las convulsiones de la expulsión de los Medici, la breve supremacía de Savonarola y la invasión francesa. Desgraciadamente está muy deteriorado, por lo que puede que no sea de Botticelli, aunque ciertamente es de su estilo. [117]
Su obra posterior, especialmente como se ve en los cuatro paneles con Escenas de la vida de San Zenobio , fue testigo de una disminución de escala, figuras expresivamente distorsionadas y un uso no naturalista del color que recuerda la obra de Fra Angelico casi un siglo antes. Botticelli ha sido comparado con el pintor veneciano Carlo Crivelli , unos diez años mayor, cuya obra posterior también se aleja del inminente estilo del Alto Renacimiento , optando en cambio por "pasar a un lenguaje claramente gótico". [118] Otros estudiosos han visto premoniciones del manierismo en la representación expresionista simplificada de las emociones en sus obras de los últimos años. [119]
Ernst Steinmann (muerto en 1934) detectó en las Madonnas posteriores una "profundización de la percepción y la expresión en la interpretación de la fisonomía de María ", que atribuyó a la influencia de Savonarola (que también hizo retroceder la datación de algunas de estas Madonnas). [120] Más Los estudiosos recientes se muestran reacios a asignar influencia directa, aunque ciertamente hay un reemplazo de la elegancia y la dulzura por una contundente austeridad en el último período.
Botticelli continuó pagando sus cuotas a la Compagnia di San Luca (una cofradía más que un gremio de artistas ) hasta al menos octubre de 1505; [121] los rangos de fechas provisionales asignados a sus últimas pinturas no van más allá de esto. Para entonces tenía sesenta años o más, en este período ya era definitivamente anciano. Vasari, que vivió en Florencia hacia 1527, dice que Botticelli murió "enfermo y decrépito, a la edad de setenta y ocho años", después de un período en el que "no podía mantenerse de pie ni moverse con la ayuda de muletas". [122] Murió en mayo de 1510, pero ahora se cree que tenía poco menos de setenta años en ese momento. Fue enterrado con su familia afuera de la Iglesia Ognissanti en un lugar sobre el que ahora se construyó la iglesia. [123] Esta había sido su iglesia parroquial desde que allí fue bautizado, y contenía su San Agustín en su Estudio . [124]
Vasari menciona que Botticelli realizó dibujos muy finos, que fueron buscados por los artistas después de su muerte. [125] Aparte de las ilustraciones de Dante, sólo sobreviven un pequeño número de ellas, ninguna de las cuales puede conectarse con las pinturas supervivientes, o al menos no con sus composiciones finales, aunque parecen ser dibujos preparatorios más que obras independientes. Algunos pueden estar relacionados con el trabajo en otros medios que sabemos que hizo Botticelli. Sobreviven tres vestimentas con diseños bordados por él, y desarrolló una nueva técnica para decorar pancartas para procesiones religiosas y seculares, aparentemente en algún tipo de técnica de aplicación (llamada commesso ). [126]
En 1472, los registros del gremio de pintores registran que Botticelli sólo tenía como asistente a Filippino Lippi, aunque otra fuente registra a un joven de veintiocho años, que se había formado con Neri di Bicci . En 1480 había tres, pero ninguno de ellos destacó posteriormente. Otros nombres aparecen en el disco, pero sólo Lippi se convirtió en un maestro conocido. [127] Un número considerable de obras, especialmente Madonnas, se atribuyen al taller de Botticelli, o al maestro y su taller, lo que generalmente significa que Botticelli hizo el dibujo subyacente, mientras que los asistentes hicieron el resto, o los dibujos de él fueron copiados por el taller. [128]
El estilo lineal de Botticelli era relativamente fácil de imitar, haciendo que las diferentes contribuciones dentro de una obra fueran difíciles de identificar, [129] aunque la calidad del dibujo del maestro hace que las obras enteramente de otros sean en su mayoría identificables. La atribución de muchas obras sigue siendo debatida, especialmente en términos de distinguir la proporción de obra entre maestro y taller. Lightbown creía que "la división entre las obras autógrafas de Botticelli y las pinturas de su taller y círculo es bastante clara", y que sólo en una obra importante sobre tabla "encontramos partes importantes ejecutadas por asistentes"; [130] pero otros podrían no estar de acuerdo.
La Galería Nacional tiene una Adoración de los Reyes de alrededor de 1470, que describen como iniciada por Filippino Lippi pero terminada por Botticelli, señalando lo inusual que era que un maestro se hiciera cargo de una obra iniciada por un alumno. [131]
Según el relato quizás poco fiable de Vasari, Botticelli "ganó una gran cantidad de dinero, pero lo desperdició todo por descuido y falta de gestión". [122] Continuó viviendo en la casa familiar toda su vida, teniendo también allí su estudio. A la muerte de su padre en 1482, fue heredado por su hermano Giovanni, que tenía una familia numerosa. Al final de su vida era propiedad de sus sobrinos. Desde la década de 1490 tuvo una modesta villa de campo y una granja en Bellosguardo (ahora absorbida por la ciudad), que fue arrendada a su hermano Simone. [132]
Botticelli nunca se casó y aparentemente expresó un fuerte disgusto por la idea del matrimonio. Una anécdota cuenta que su mecenas Tommaso Soderini, fallecido en 1485, le propuso casarse, a lo que Botticelli respondió que unos días antes había soñado que se había casado, se despertó "golpeado de pena", y durante el resto de la noche Caminó por las calles para evitar que el sueño se reanudara si volvía a dormir. La historia concluye crípticamente que Soderini entendió "que no era un terreno apto para plantar vides". [133]
Podría haber tenido una relación cercana con Simonetta Vespucci (1453-1476), de quien se afirma, especialmente por John Ruskin , que fue retratada en varias de sus obras y que sirvió de inspiración para muchas de las figuras femeninas del artista. pinturas. Es posible que estuviera al menos platónicamente enamorado de Simonetta, dada su petición de hacerse enterrar al pie de su tumba en los Ognissanti – la iglesia de los Vespucci – en Florencia, aunque ésta era también la iglesia de Botticelli, donde había sido bautizado. Cuando murió en 1510, sus restos fueron colocados según lo solicitado. [134] [135]
Ha habido más de un siglo de especulaciones sobre la posibilidad de que Botticelli fuera un pederasta. Muchos escritores observaron homoerotismo en sus retratos. El historiador de arte estadounidense Bernard Berenson , por ejemplo, detectó lo que creía que era una pederastia latente. [136] En 1938, Jacques Mesnil descubrió un resumen de una acusación en los Archivos Florentinos del 16 de noviembre de 1502, que decía simplemente "Botticelli se queda con un niño", una acusación de sodomía (homosexualidad). No se inició ningún proceso. El pintor tendría entonces unos cincuenta y ocho años. Mesnil lo desestimó como una calumnia habitual mediante la cual los partidarios y adversarios de Savonarola abusaban entre sí. La opinión sigue dividida sobre si esto es evidencia de homosexualidad o no. [137] Muchos han respaldado a Mesnil. [138] El historiador de arte Scott Nethersole ha sugerido que una cuarta parte de los hombres florentinos fueron objeto de acusaciones similares, lo que "parece haber sido una forma estándar de llegar a la gente" [139] pero otros han advertido contra la desestimación apresurada del cargo. [140] Sin embargo, Mesnil concluyó que "la mujer no era el único objeto de su amor". [141]
El historiador del arte del Renacimiento, James Saslow, ha señalado que: "Su sensibilidad homoerótica [de Botticelli] aflora principalmente en obras religiosas donde imbuyó a jóvenes santos desnudos como Sebastián con la misma gracia andrógina y fisicalidad implícita que el David de Donatello". [142]
Después de su muerte, la reputación de Botticelli quedó eclipsada durante más tiempo y de manera más completa que la de cualquier otro artista europeo importante. [ cita necesaria ] Sus pinturas permanecieron en las iglesias y villas para las que habían sido creadas, [143] y sus frescos en la Capilla Sixtina fueron eclipsados por los de Miguel Ángel. [144]
Hay algunas menciones de pinturas y su ubicación en fuentes de las décadas posteriores a su muerte. La Vida de Vasari es relativamente breve y, especialmente en la primera edición de 1550, bastante desaprobadora. Según los Ettlinger "está claramente incómodo con Sandro y no supo cómo incluirlo en su esquema evolutivo de la historia del arte que va desde Cimabue hasta Miguel Ángel". [145] Sin embargo, esta es la principal fuente de información sobre su vida, a pesar de que Vasari lo confunde dos veces con Francesco Botticini , otro pintor florentino de la época. Vasari veía a Botticelli como un firme partidario de la facción anti-Medici influenciada por Savonarola, mientras que el propio Vasari dependía en gran medida del patrocinio de los Medicis regresados de su época. Vasari también lo veía como un artista que había abandonado su talento en sus últimos años, lo que ofendía su elevada idea de la vocación artística. Dedica buena parte de su texto a anécdotas bastante alarmantes de bromas pesadas de Botticelli. [146] Vasari nació un año después de la muerte de Botticelli, pero habría conocido a muchos florentinos con recuerdos de él.
En 1621, un agente de compras de cuadros de Ferdinando Gonzaga, duque de Mantua, le compró un cuadro que se decía era un Botticelli por interés histórico "como de la mano de un artista del que Su Alteza no tiene nada, y que fue el maestro de Leonardo da Vinci ". [147] Ese error tal vez sea comprensible, ya que aunque Leonardo era sólo unos seis años más joven que Botticelli, su estilo podría parecerle a un juez barroco como una generación más avanzada.
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El Nacimiento de Venus se exhibió en los Uffizi desde 1815, pero se menciona poco en los relatos de los viajeros de la galería durante las siguientes dos décadas. La galería de Berlín compró el Retablo de Bardi en 1829, pero la Galería Nacional de Londres sólo compró una Virgen (ahora considerada como parte de su taller) en 1855. [144]
El coleccionista inglés William Young Ottley compró La Natividad mística de Botticelli en Italia y la llevó a Londres en 1799. Pero cuando intentó venderla en 1811, no pudo encontrar comprador. [144] Después de la muerte de Ottley, su siguiente comprador, William Fuller Maitland de Stansted, permitió que se exhibiera en una importante exposición de arte celebrada en Manchester en 1857, la Art Treasures Exhibition , [148] donde, entre muchas otras obras de arte, se vio. por más de un millón de personas. Su única pintura de gran tamaño con un tema mitológico que se ha vendido en el mercado abierto es Venus y Marte , comprada en Christie's por la Galería Nacional por una modesta suma de 1.050 libras esterlinas en 1874. [149] Los raros resultados de la subasta del siglo XXI incluyen en En 2013, la Madonna Rockefeller , vendida en Christie's por 10,4 millones de dólares, y en 2021, el Retrato de un joven sosteniendo un círculo , vendido en Sotheby's por 92,2 millones de dólares. [150]
El primer historiador del arte del siglo XIX que se entusiasmó con los frescos sixtinos de Botticelli fue Alexis-François Rio ; Anna Brownell Jameson y Charles Eastlake también fueron alertados sobre Botticelli, y obras de su mano comenzaron a aparecer en colecciones alemanas. La Hermandad Prerrafaelita incorporó elementos de su obra a la suya propia. [151]
Walter Pater creó una imagen literaria de Botticelli, que luego fue retomada por el movimiento estético . La primera monografía sobre el artista se publicó en 1893, el mismo año de la fundamental disertación de Aby Warburg sobre las mitologías; luego, entre 1900 y 1920 se escribieron más libros sobre Botticelli que sobre cualquier otro pintor. [152] La monografía de Herbert Horne en inglés de 1908 todavía se reconoce por su calidad y minuciosidad excepcionales, [153] "uno de los logros más estupendos en los estudios del Renacimiento". [154]
Botticelli aparece como un personaje, a veces principal, en numerosas representaciones ficticias de la Florencia del siglo XV en diversos medios. Fue interpretado por Sebastian de Souza en la segunda temporada de la serie de televisión Medici: Masters of Florence . [155]
El asteroide del cinturón principal 29361, descubierto por Botticelli el 9 de febrero de 1996, lleva su nombre. [156]
Durante la coloración, Botticelli reforzó muchos de los contornos mediante un instrumento puntiagudo, probablemente para darles la claridad audaz tan característica de su estilo lineal.
![Retrato de un joven c. 1480-1485.[87]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Sandro_Botticelli_070.jpg/1280px-Sandro_Botticelli_070.jpg)
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