Édouard Manet ( Reino Unido : / ˈ m æ n eɪ / , EE. UU. : / m æ ˈ n eɪ , m ə ˈ -/ ; [1] [2] Francés: [edwaʁ manɛ] ; 23 de enero de 1832 - 30 de abril de 1883) fue Pintor modernista francés . Fue uno de los primeros artistas del siglo XIX en pintar la vida moderna, así como una figura fundamental en la transición del realismo al impresionismo .
Nacido en un hogar de clase alta con fuertes conexiones políticas, Manet rechazó la carrera naval originalmente prevista para él; se sumergió en el mundo de la pintura. Sus primeras obras maestras, El almuerzo sobre la hierba ( Le déjeuner sur l'herbe ) u Olimpia , "estrenadas" en 1863 y 1865, respectivamente, causaron una gran controversia tanto con la crítica como con la Academia de Bellas Artes, pero pronto fueron elogiadas por la crítica progresista. artistas como actos revolucionarios del nuevo estilo, el impresionismo. Hoy también estas obras, junto con otras, son consideradas pinturas parte de un hito que marcan el inicio del arte moderno . Los últimos 20 años de la vida de Manet lo vieron establecer vínculos con otros grandes artistas de la época; Desarrolló su propio estilo simple y directo que sería anunciado como innovador y serviría como una gran influencia para futuros pintores.
Édouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832, en el ancestral hôtel particulier (mansión) de la Rue des Petits Augustins (ahora Rue Bonaparte ), en el seno de una familia acomodada y bien relacionada. [3] Su madre, Eugénie-Desirée Fournier, era hija de un diplomático y ahijada del príncipe heredero sueco Charles Bernadotte , de quien descienden los monarcas suecos. Su padre, Auguste Manet, era un juez francés que esperaba que Édouard siguiera la carrera de abogado. [4] Su tío, Edmond Fournier, lo animó a dedicarse a la pintura y llevó al joven Manet al Louvre . [5] En 1844, se matriculó en la escuela secundaria, el Collège Rollin , donde permaneció hasta 1848. [4] Mostró poco talento académico y, en general, se sentía descontento en la escuela. [6] En 1845, por consejo de su tío, Manet se inscribió en un curso especial de dibujo donde conoció a Antonin Proust , futuro ministro de Bellas Artes y posterior amigo de toda la vida. [7]
Por sugerencia de su padre, en 1848 zarpó en un buque escuela rumbo a Río de Janeiro . Después de reprobar dos veces el examen para unirse a la Marina , [8] su padre cedió a sus deseos de seguir una educación artística. De 1850 a 1856, Manet estudió con el pintor académico Thomas Couture . [4] Couture animó a sus alumnos a pintar la vida contemporánea, aunque eventualmente se horrorizaría por la elección de Manet de temas de clase baja y "degenerados", como El bebedor de absenta . [9] En su tiempo libre, Manet copió a viejos maestros como Diego Velázquez y Tiziano en el Louvre. [4]
De 1853 a 1856, Manet realizó breves visitas a Alemania, Italia y Países Bajos, tiempo durante el cual recibió la influencia del pintor holandés Frans Hals [10] y los artistas españoles Velázquez y Francisco José de Goya . [11]
En 1856, Manet abrió un estudio. Su estilo en este período se caracterizó por pinceladas sueltas, simplificación de detalles y la supresión de tonos de transición. Adoptando el estilo actual de realismo iniciado por Gustave Courbet , pintó El bebedor de absenta (1858-59) y otros temas contemporáneos como mendigos, cantantes, gitanos, gente en cafés y corridas de toros. Después de los inicios de su carrera, rara vez pintó temas religiosos, mitológicos o históricos; Entre las pinturas religiosas de 1864 se incluyen Jesús burlado por los soldados [12] y El Cristo muerto con ángeles . [13]
Manet hizo aceptar dos lienzos en el Salón de 1861. Un retrato de su madre y de su padre ( Retrato del señor y de la señora Auguste Manet ), el último de los cuales estaba entonces paralizado por un derrame cerebral o por una sífilis avanzada, fue mal recibido por críticos. [14] El otro, El cantante español , fue admirado por Théophile Gautier y colocado en un lugar más visible debido a su popularidad entre los asistentes al salón. [15] La obra de Manet, que parecía "un poco descuidada" en comparación con el estilo meticuloso de tantas otras pinturas del Salón, intrigó a algunos artistas jóvenes y trajo nuevos negocios a su estudio. [15] Según una fuente contemporánea, El cantante español , pintado de una "nueva y extraña manera [,] hizo que muchos pintores abrieran los ojos y se quedaran boquiabiertos". [a]
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En 1862, Manet expuso Música en las Tullerías (probablemente pintada en 1860), [5] [17] una de sus primeras obras maestras. Con su retrato de una multitud de sujetos en el Jardín de las Tullerías , la pintura muestra el ocio al aire libre del París contemporáneo, que sería un tema de toda la vida de Manet. [18] Entre las figuras de los jardines se encuentran el poeta Charles Baudelaire , el músico Jacques Offenbach y otros familiares y amigos de Manet, incluido un autorretrato del artista. [17]
La música en las Tullerías recibió una importante atención de la crítica y del público, la mayor parte negativa. [5] En palabras de un biógrafo de Manet, "nos resulta difícil imaginar el tipo de furia que provocó la música de las Tullerías cuando se exhibió". [19] Al retratar el círculo social de Manet en lugar de héroes clásicos, íconos históricos o dioses, la pintura podría interpretarse como un desafío al valor de esos temas o como un intento de elevar a sus contemporáneos al mismo nivel. [20] El público, acostumbrado a las pinceladas finamente detalladas de pintores históricos como Ernest Meissonier , pensó que las gruesas pinceladas de Manet parecían toscas e inacabadas. Enojados por el tema y la técnica, varios visitantes incluso amenazaron con destruir la pintura. [5] [21] Uno de los ídolos de Manet, Eugène Delacroix , fue uno de los pocos defensores de la pintura. [5] A pesar de la reacción en gran medida negativa, la controversia convirtió a Manet en un nombre muy conocido en París. [21]
Otra obra temprana importante es El almuerzo sobre la hierba (Le Déjeuner sur l'herbe) , originalmente Le Bain . El Salón de París rechazó su exposición en 1863, pero Manet aceptó exponerlo en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados). [21] Este salón paralelo fue iniciado por el emperador Napoleón III como una solución a la protesta pública después de que el Comité de Selección del salón oficial solo aceptara 2217 pinturas de más de 5000 presentaciones, y permitiera a los artistas rechazados seguir exhibiendo sus pinturas si así lo deseaban. [5]
La yuxtaposición de la pintura de hombres completamente vestidos y una mujer desnuda fue controvertida, al igual que su manejo abreviado, similar a un boceto, una innovación que distinguió a Manet de Courbet. Un crítico afirmó que la pincelada parecía haber sido hecha con un "trapeador". [5] Sin embargo, otros como su amigo Antonin Proust celebraron la pintura, y el novelista Émile Zola quedó tan afectado por la experiencia de verla que más tarde basó el título de la pintura en su novela L'Œuvre ("La obra de arte") en Le Déjeuner sur l'herbe . [22]
Al mismo tiempo, la composición de Manet revela su estudio de los antiguos maestros, ya que la disposición de las figuras principales se deriva del grabado de Marcantonio Raimondi del Juicio de París ( c. 1515 ) basado en un dibujo de Rafael . [5] Dos obras adicionales citadas por los estudiosos como precedentes importantes de Le Déjeuner sur l'herbe son Concierto pastoral ( c. 1510 ) y La tempestad , ambas atribuidas de diversas formas a los maestros del Renacimiento italiano Giorgione o Tiziano . [23]
Le Déjeuner y James McNeill Whistler Sinfonía en blanco, No. 1: La chica blanca fueron las dos obras más comentadas del Salon des Refusés, que a su vez se convertiría en una de las exposiciones de arte más famosas de todos los tiempos. [22] Después del Salón, Manet se volvió aún más notorio y ampliamente discutido. [24] Sin embargo, Le Déjeuner sur l'herbe y otras pinturas de Manet aún no se vendieron, y Manet continuó viviendo de la herencia de su padre recientemente fallecido. [5]
Como había hecho en Almuerzo sobre la hierba , Manet volvió a parafrasear una respetada obra de un artista del Renacimiento en el cuadro Olimpia (1863), un desnudo retratado en un estilo que recuerda a las primeras fotografías de estudio, pero cuya pose se basaba en la Venus de Tiziano . Urbino (1538). La pintura también recuerda al cuadro de Francisco Goya La maja desnuda (1800).
Manet se embarcó en el lienzo después de haber sido desafiado a entregar al Salón un cuadro de desnudo para exhibir. Su descripción excepcionalmente franca de una prostituta segura de sí misma fue aceptada en el Salón de París de 1865, donde creó un escándalo. Según Antonin Proust , "sólo las precauciones tomadas por la administración impidieron que el cuadro fuera perforado y desgarrado" por los espectadores ofendidos. [25] La pintura fue controvertida en parte porque la desnuda lleva algunas prendas pequeñas como una orquídea en el cabello, una pulsera, una cinta alrededor del cuello y pantuflas, todo lo cual acentuaba su desnudez, sexualidad y comodidad. estilo de vida cortesana. La orquídea, el pelo recogido, el gato negro y el ramo de flores eran símbolos reconocidos de la sexualidad en aquella época. El cuerpo de esta Venus moderna es delgado, en contra de los estándares predominantes; La falta de idealismo de la pintura irritó a los espectadores. La planitud de la pintura, inspirada en el arte japonés con bloques de madera , sirve para hacer el desnudo más humano y menos voluptuoso. Aparece un sirviente negro completamente vestido, explotando la teoría entonces vigente de que los negros eran hipersexuados. [5] El hecho de que aquí lleve la ropa de una sirvienta de una cortesana aumenta la tensión sexual de la pieza.
El cuerpo de Olympia, así como su mirada, son descaradamente conflictivos. Ella mira desafiante mientras su sirviente le ofrece flores a uno de sus pretendientes masculinos. Aunque su mano descansa sobre su pierna, ocultando su zona púbica, la referencia a la virtud femenina tradicional es irónica; Una noción de modestia está notoriamente ausente en este trabajo. Un crítico contemporáneo denunció la mano izquierda "descaradamente flexionada" de Olimpia, que le parecía una burla de la mano relajada y protectora de la Venus de Tiziano. [26] Asimismo, el gato negro alerta a los pies de la cama da una nota sexualmente rebelde en contraste con la del perro dormido en la representación de la diosa que hace Tiziano en su Venus de Urbino .
Olimpia fue objeto de caricaturas en la prensa popular, pero fue defendida por la comunidad de vanguardia francesa, y la importancia de la pintura fue apreciada por artistas como Gustave Courbet , Paul Cézanne , Claude Monet y más tarde Paul Gauguin .
Al igual que con Almuerzo sobre la hierba , la pintura planteó la cuestión de la prostitución en la Francia contemporánea y el papel de la mujer en la sociedad. [5]
Después de la muerte de su padre en 1862, Manet se casó con Suzanne Leenhoff en 1863 en una iglesia protestante . [27] Leenhoff era un profesor de piano nacido en Holanda, dos años mayor que Manet, con quien había tenido una relación sentimental durante aproximadamente diez años. Leenhoff inicialmente había sido contratado por el padre de Manet, Auguste, para enseñar piano a Manet y a su hermano menor. También pudo haber sido la amante de Auguste. En 1852, Leenhoff dio a luz, fuera del matrimonio, a un hijo, Leon Koella Leenhoff.
Manet pintó a su esposa en La lectura , entre otros cuadros. Su hijo, Leon Leenhoff, cuyo padre pudo haber sido cualquiera de los Manet, posaba a menudo para Manet. Lo más famoso es que es el tema del Niño que lleva una espada de 1861 ( Museo Metropolitano de Arte , Nueva York ). También aparece como el niño que lleva una bandeja al fondo de El balcón (1868-1869). [28]
Manet se hizo amigo de los impresionistas Edgar Degas , Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Alfred Sisley , Paul Cézanne y Camille Pissarro a través de otra pintora, Berthe Morisot , que era miembro del grupo y lo atrajo a sus actividades. Más tarde se hicieron ampliamente conocidos como el grupo Batignolles (Le groupe des Batignolles).
Morisot , supuesta sobrina nieta del pintor Jean-Honoré Fragonard , aceptó su primer cuadro en el Salón de París en 1864, y continuó exponiendo en el salón durante los siguientes diez años.
Manet se convirtió en amiga y colega de Morisot en 1868. Se le atribuye haber convencido a Manet de que intentara pintar al aire libre , que había estado practicando desde que otra amiga suya, Camille Corot , la presentó . Mantuvieron una relación recíproca y Manet incorporó algunas de sus técnicas a sus pinturas. En 1874 se convirtió en su cuñada al casarse con su hermano, Eugène . Se ha especulado que hubo un amor reprimido entre Manet y Morisot, ejemplificado por los numerosos retratos que le hizo antes de casarse con su hermano. [29] [30]
A diferencia del grupo impresionista central, Manet sostuvo que los artistas modernos deberían tratar de exponer en el Salón de París en lugar de abandonarlo en favor de exposiciones independientes. Sin embargo, cuando Manet fue excluido de la Exposición Internacional de 1867, organizó su propia exposición. A su madre le preocupaba que desperdiciara toda su herencia en este proyecto, que era enormemente caro. Si bien la exposición obtuvo malas críticas por parte de los críticos más importantes, también le proporcionó sus primeros contactos con varios futuros pintores impresionistas, incluido Degas.
Aunque su propio trabajo influyó y anticipó el estilo impresionista, Manet se resistió a participar en exposiciones impresionistas, en parte porque no deseaba ser visto como el representante de una identidad grupal y en parte porque prefería exponer en el Salón. Eva Gonzalès , hija del novelista Emmanuel Gonzalès , fue su única alumna formal.
Fue influenciado por los impresionistas, especialmente Monet y Morisot. Su influencia se ve en el uso que hizo Manet de colores más claros: después de principios de la década de 1870 hizo menos uso de fondos oscuros, pero conservó su uso distintivo del negro, poco característico de la pintura impresionista. Pintó muchas piezas al aire libre (plein air), pero siempre volvió a lo que consideraba el trabajo serio del estudio.
Manet disfrutó de una estrecha amistad con el compositor Emmanuel Chabrier , pintándole dos retratos; El músico poseía 14 cuadros de Manet y dedicó su Impromptu a la esposa de Manet. [31]
Uno de los modelos frecuentes de Manet a principios de la década de 1880 fue la "semimondaine" Méry Laurent , que posó para siete retratos al pastel. [32] Los salones de Laurent acogieron a muchos escritores y pintores franceses (e incluso estadounidenses) de su época; Manet tuvo conexiones e influencia a través de tales eventos.
A lo largo de su vida, aunque resistido por los críticos de arte, Manet pudo contar entre sus defensores a Émile Zola , que lo apoyó públicamente en la prensa, Stéphane Mallarmé y Charles Baudelaire , que lo desafió a representar la vida tal como era. Manet, a su vez, dibujó o pintó a cada uno de ellos.
Las pinturas de Manet de escenas de cafés son observaciones de la vida social en el París del siglo XIX. Se representa a personas bebiendo cerveza, escuchando música, coqueteando, leyendo o esperando. Muchas de estas pinturas se basaron en bocetos realizados sobre el terreno. Manet visitaba con frecuencia la Brasserie Reichshoffen en el bulevar de Rochechourt, en la que basó At the Café en 1878. Varias personas están en la barra, y una mujer se enfrenta al espectador mientras otros esperan a ser atendidos. Estas representaciones representan el diario pintado de un flâneur . Están pintados en un estilo suelto, que hace referencia a Hals y Velázquez , pero capturan el estado de ánimo y el sentimiento de la vida nocturna parisina. Son instantáneas pintadas de la bohemia , de los trabajadores urbanos y de parte de la burguesía .
En Rincón de un Café-Concierto , un hombre fuma mientras detrás de él una camarera sirve bebidas. En The Beer Drinkers una mujer disfruta de su cerveza en compañía de una amiga. En The Café-Concert , que se muestra a la derecha, un caballero sofisticado se sienta en un bar mientras una camarera permanece decididamente al fondo, bebiendo su bebida. En La camarera , una camarera se detiene un momento detrás de un cliente sentado fumando en pipa, mientras una bailarina de ballet, con los brazos extendidos a punto de girar, está en el escenario al fondo.
Manet también se sentó en el restaurante de la Avenue de Clichy, llamado Pere Lathuille's, que además de la zona de comedor tenía un jardín. Una de las pinturas que produjo aquí fue Chez le père Lathuille (En casa de Pere Lathuille), en la que un hombre muestra un interés no correspondido por una mujer que cena cerca de él.
En Le Bon Bock (1873), un hombre corpulento, alegre y barbudo está sentado con una pipa en una mano y un vaso de cerveza en la otra, mirando directamente al espectador.
Manet pintó a la clase alta disfrutando de actividades sociales más formales. En Baile de máscaras en la Ópera , Manet muestra una animada multitud de personas disfrutando de una fiesta. Los hombres están de pie con sombreros de copa y largos trajes negros mientras hablan con mujeres con máscaras y disfraces. Incluyó retratos de sus amigos en esta imagen.
Su cuadro de 1868 El almuerzo fue planteado en el comedor de la casa Manet.
Manet describió otras actividades populares en su obra. En Las carreras de Longchamp , se emplea una perspectiva inusual para subrayar la energía furiosa de los caballos de carreras mientras corren hacia el espectador. En Patinaje , Manet muestra a una mujer bien vestida en primer plano, mientras otros patinan detrás de ella. Siempre existe la sensación de una vida urbana activa que continúa detrás del sujeto, extendiéndose más allá del marco del lienzo.
En Vista de la Exposición Internacional , los soldados se relajan, sentados y de pie, las parejas prósperas conversan. Hay un jardinero, un niño con un perro, una mujer a caballo; en fin, una muestra de las clases y edades de la gente de París.
La respuesta de Manet a la vida moderna incluyó obras dedicadas a la guerra, en temas que pueden verse como interpretaciones actualizadas del género de la "pintura histórica". [34] La primera obra de este tipo fue La batalla del Kearsarge y el Alabama (1864), una escaramuza marítima conocida como la batalla de Cherburgo de la Guerra Civil estadounidense que tuvo lugar frente a la costa francesa y que pudo haber sido presenciada por el artista. . [35]
Lo siguiente que resultó interesante fue la intervención francesa en México; de 1867 a 1869 Manet pintó tres versiones de la ejecución del emperador Maximiliano , un acontecimiento que suscitó preocupaciones sobre la política interior y exterior francesa. [36] Las diversas versiones de la Ejecución se encuentran entre las pinturas más grandes de Manet, lo que sugiere que el tema era uno de los que el pintor consideraba más importante. Su tema es la ejecución por un pelotón de fusilamiento mexicano de un emperador Habsburgo que había sido instalado por Napoleón III . No se permitió exhibir en Francia ni las pinturas ni una litografía del tema. [37] Como acusación de matanza formalizada, las pinturas recuerdan a Goya , [38] y anticipan el Guernica de Picasso .
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Durante la guerra franco-prusiana , Manet sirvió en la Guardia Nacional para ayudar a defender la ciudad durante el asedio de París , junto con Degas. [39] En enero de 1871, viajó a Oloron-Sainte-Marie en los Pirineos . En su ausencia, sus amigos agregaron su nombre a la "Fédération des Artistes" (ver: Courbet ) de la Comuna de París . Manet permaneció alejado de París, tal vez, hasta después de la semana sanglante : en una carta a Berthe Morisot en Cherburgo (10 de junio de 1871) escribe: "Regresamos a París hace unos días..." (la semana sanglante terminó el 28 de mayo).
La colección de grabados y dibujos del Museo de Bellas Artes (Budapest) cuenta con una acuarela / gouache de Manet, La barricada , que representa una ejecución sumaria de comuneros por parte de las tropas de Versalles a partir de una litografía de la ejecución de Maximiliano . Una pieza similar, The Barricade (óleo sobre madera contrachapada), está en manos de un coleccionista privado.
El 18 de marzo de 1871, escribió a su amigo (confederado) Félix Bracquemond en París sobre su visita a Burdeos , sede provisional de la Asamblea Nacional francesa de la Tercera República Francesa , donde Émile Zola le presentó los lugares: "Nunca imaginé que Francia podría estar representada por esos viejos tontos y vacilantes, sin exceptuar a ese pequeño imbécil de Thiers ..." [40] Si esto pudiera interpretarse como un apoyo a la Comuna, la siguiente carta a Bracquemond (21 de marzo de 1871) expresaba su idea más claramente: "Sólo los partidarios del partido y los ambiciosos, los Henry de este mundo siguiendo los pasos de los Milliéres, los grotescos imitadores de la Comuna de 1793". Sabía que el comunero Lucien Henry había sido un antiguo modelo de pintor y Millière, agente de seguros. "¡Qué estímulo para las artes todas estas cabriolas sanguinarias! Pero hay al menos un consuelo en nuestras desgracias: que no somos políticos y no tenemos ningún deseo de ser elegidos diputados".
La figura pública que más admiraba Manet era el republicano Léon Gambetta . [41] En el fragor del golpe de estado de 1877, Manet abrió su taller a una reunión electoral republicana presidida por el amigo de Gambetta, Eugène Spuller . [41]
Manet representó muchas escenas de las calles de París en sus obras. La Rue Mosnier Engalanada con Banderas muestra banderines rojos, blancos y azules que cubren los edificios a ambos lados de la calle; otra pintura del mismo título muestra a un hombre con una sola pierna caminando con muletas. Nuevamente representa la misma calle, pero esta vez en un contexto diferente, la Rue Mosnier con adoquines , en la que los hombres reparan la calzada mientras la gente y los caballos pasan.
El Ferrocarril , ampliamente conocido como La Gare Saint-Lazare , fue pintado en 1873. El escenario es el paisaje urbano del París de finales del siglo XIX. Utilizando su modelo favorito en su último cuadro, una colega pintora, Victorine Meurent , también modelo de Olimpia y el almuerzo sobre la hierba , se sienta frente a una valla de hierro sosteniendo un cachorro dormido y un libro abierto en su regazo. A su lado hay una niña pequeña, de espaldas al pintor, que observa pasar un tren por debajo de ellas.
En lugar de elegir la tradicional vista natural como fondo para una escena al aire libre, Manet opta por la reja de hierro que "se extiende con audacia sobre el lienzo". [42] La única evidencia del tren es su nube blanca de vapor. A lo lejos se ven modernos edificios de viviendas. Esta disposición comprime el primer plano en un foco estrecho. Se ignora la convención tradicional del espacio profundo.
La historiadora Isabelle Dervaux ha descrito la recepción que tuvo esta pintura cuando se exhibió por primera vez en el Salón oficial de París de 1874: "Los visitantes y críticos encontraron el tema desconcertante, su composición incoherente y su ejecución incompleta. Los caricaturistas ridiculizaron el cuadro de Manet, en el que sólo había una pocos reconocieron el símbolo de la modernidad en el que se ha convertido hoy". [43] La pintura se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC [44]
Manet pintó varios temas relacionados con la navegación en 1874. La navegación , ahora en el Museo Metropolitano de Arte, ejemplifica en su concisión las lecciones que Manet aprendió de los grabados japoneses, y el recorte abrupto realizado por el marco del barco y la vela aumenta la inmediatez de la imagen. [45]
En 1875, una edición francesa en forma de libro de El cuervo de Edgar Allan Poe incluía litografías de Manet y traducción de Mallarmé. [46]
En 1881, con la presión de su amigo Antonin Proust , el gobierno francés concedió a Manet la Legión de Honor . [47]
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Cuando tenía cuarenta y tantos años, la salud de Manet se deterioró y desarrolló dolores intensos y parálisis parcial en las piernas. En 1879 comenzó a recibir tratamientos de hidroterapia en un balneario cerca de Meudon destinados a mejorar lo que creía que era un problema circulatorio , pero en realidad padecía ataxia locomotriz , un conocido efecto secundario de la sífilis . [48] [49] En 1880, pintó allí un retrato de la cantante de ópera Émilie Ambre como Carmen . Ambre y su amante Gaston de Beauplan tenían una propiedad en Meudon y habían organizado la primera exposición de La ejecución del emperador Maximiliano de Manet en Nueva York en diciembre de 1879. [50]
En sus últimos años, Manet pintó muchos bodegones a pequeña escala de frutas y verduras, como Un manojo de espárragos y El limón (ambos de 1880). [51] Completó su última obra importante, Un bar en el Folies-Bergère (Un Bar aux Folies-Bergère) , en 1882, y se exhibió en el Salón ese año. Después se limitó a los pequeños formatos.
Los últimos cuadros de Manet fueron flores en jarrones de cristal. [52] Se conocen 20 pinturas de este tipo, la última pintada en marzo de 1883, apenas dos meses antes de su muerte. [53] Citado en Venecia trece años después, a Manet se le atribuye haber afirmado que un artista puede decir todo lo que tiene que decir con "flores, frutas y nubes". Sus últimas pinturas de flores son una demostración de esa creencia. [53]
En 2023, el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York exhibió una exposición a dos personas de Manet con Degas . [54]
En abril de 1883 le amputaron el pie izquierdo a causa de una gangrena provocada por complicaciones de la sífilis y el reumatismo . Murió once días después, el 30 de abril, en París. Está enterrado en el Cementerio de Passy de la ciudad. [55]
La carrera pública de Manet duró desde 1861, año de su primera participación en el Salón, hasta su muerte en 1883. Sus obras conocidas, catalogadas en 1975 por Denis Rouart y Daniel Wildenstein, comprenden 430 pinturas al óleo, 89 pasteles y más de 400 obras sobre papel. [56]
Aunque duramente condenada por los críticos que criticaron su falta de acabado convencional, la obra de Manet tuvo admiradores desde el principio. Uno de ellos fue Émile Zola, que escribió en 1867: "No estamos acostumbrados a ver traducciones tan simples y directas de la realidad. Luego, como dije, hay una torpeza tan sorprendentemente elegante... es una experiencia verdaderamente encantadora contemplar esta Pintura luminosa y seria que interpreta la naturaleza con una suave brutalidad." [57]
El estilo tosco pintado y la iluminación fotográfica de las pinturas de Manet se consideraron específicamente modernos y como un desafío a las obras renacentistas que copió o utilizó como material fuente. Rechazó la técnica que había aprendido en el estudio de Thomas Couture –en la que se construía un cuadro utilizando sucesivas capas de pintura sobre un fondo de tonos oscuros– en favor de un método directo, alla prima, utilizando pintura opaca sobre un fondo claro. Este método, novedoso en aquella época, permitía realizar un cuadro de una sola vez. Fue adoptado por los impresionistas y se convirtió en el método predominante de pintura al óleo durante las generaciones siguientes. [58] La obra de Manet se considera "moderna temprana", en parte debido a la planitud opaca de sus superficies, los frecuentes pasajes en forma de bocetos y el contorno negro de las figuras, todo lo cual llama la atención sobre la superficie del plano de la imagen y el Calidad del material de la pintura.
La historiadora del arte Beatrice Farwell dice que Manet "ha sido considerado universalmente como el padre del modernismo . Con Courbet fue uno de los primeros en correr serios riesgos con el público cuyo favor buscaba, el primero en hacer de la pintura alla prima la técnica estándar para la pintura al óleo. y uno de los primeros en tomarse libertades con la perspectiva renacentista y ofrecer la "pintura pura" como fuente de placer estético. Fue pionero, también con Courbet, en el rechazo de la temática humanista e histórica, y compartió con Degas la establecimiento de la vida urbana moderna como material aceptable para el arte elevado". [58]
La última pintura de Manet, Le Printemps (1881), se vendió al Museo J. Paul Getty por 65,1 millones de dólares, estableciendo un nuevo récord de subasta para Manet, superando su estimación de preventa de 25 a 35 millones de dólares en Christie's el 5 de noviembre de 2014. [ 59] El récord de subasta anterior lo ostentaba Self-Portrait With Palette , que se vendió por 33,2 millones de dólares en Sotheby's el 22 de junio de 2010. [60]
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Todos los retratos de Berthe Morisot por Manet son magníficos, pleins de son amour pour celle qui avait épousé son frère Eugène.
Ils disent un désir qui n'a pu s'exprimer et c'est autour de cette part manquante que j'ai imaginé mon exposition
Medios de los comunes
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