El violín , a veces llamado fiddle , [a] es un cordófono de madera , y es el instrumento más pequeño y, por lo tanto, de tono más agudo ( soprano ) en uso regular en la familia del violín . Existen instrumentos más pequeños tipo violín, incluido el violino piccolo y la pochette , pero estos prácticamente no se usan. La mayoría de los violines tienen un cuerpo hueco de madera y, por lo general, tienen cuatro cuerdas (a veces cinco ), generalmente afinadas en quintas perfectas con notas G3, D4, A4, E5, y se tocan más comúnmente pasando un arco sobre las cuerdas. El violín también se puede tocar punteando las cuerdas con los dedos ( pizzicato ) y, en casos especiales, golpeando las cuerdas con el lado de madera del arco ( col legno ).
Los violines son instrumentos importantes en una amplia variedad de géneros musicales. Son más destacados en la tradición clásica occidental , tanto en conjuntos (desde música de cámara hasta orquestas ) como instrumentos solistas. Los violines también son importantes en muchas variedades de música folclórica , incluida la música country , la música bluegrass y el jazz . Los violines eléctricos con cuerpos sólidos y pastillas piezoeléctricas se utilizan en algunas formas de música rock y jazz fusión , con las pastillas enchufadas a amplificadores de instrumentos y altavoces para producir sonido. El violín se ha incorporado a muchas culturas musicales no occidentales, incluida la música india y la música iraní . El nombre violín se utiliza a menudo independientemente del tipo de música que se toque en él.
El violín se conoció por primera vez en Italia en el siglo XVI, y en los siglos XVIII y XIX se le hicieron algunas modificaciones para darle un sonido más potente y con mayor proyección. En Europa, sirvió como base para el desarrollo de otros instrumentos de cuerda utilizados en la música clásica occidental, como la viola . [1] [2] [3]
Los violinistas y coleccionistas aprecian especialmente los excelentes instrumentos históricos fabricados por las familias Stradivari , Guarneri , Guadagnini y Amati entre los siglos XVI y XVIII en Brescia y Cremona (Italia) y por Jacob Stainer en Austria. Según su reputación, la calidad de su sonido ha desafiado los intentos de explicarla o igualarla, aunque esta creencia es discutida. [4] [5] Un gran número de instrumentos han provenido de las manos de fabricantes menos famosos, así como un número aún mayor de "violines comerciales" producidos en masa que provienen de industrias caseras en lugares como Sajonia , Bohemia y Mirecourt . Muchos de estos instrumentos comerciales fueron vendidos anteriormente por Sears, Roebuck and Co. y otros comerciantes masivos.
Los componentes de un violín suelen estar hechos de distintos tipos de madera . Los violines pueden tener cuerdas de tripa , perlón u otros materiales sintéticos, o cuerdas de acero. La persona que fabrica o repara violines se denomina luthier o luthier. La persona que fabrica o repara arcos se denomina archetier o arquetero .
La palabra "violín" se utilizó por primera vez en inglés en la década de 1570. [6] La palabra "violín" proviene del "italiano violino " , [un] diminutivo de viola . El término "viola" proviene de la expresión para "violín tenor" en 1797, del italiano y del provenzal antiguo viola , [que vino del] latín medieval vitula como un término que significa ' instrumento de cuerda ' , tal vez [viniendo] de Vitula , diosa romana de la alegría..., o del verbo latino relacionado vitulari , "gritar de alegría o exaltación". [7] El término relacionado Viola da gamba que significa ' violín bajo ' (1724) es del italiano, literalmente "una viola para la pierna" (es decir, para sostener entre las piernas)". [7] Un violín es la "forma moderna de la viola da braccio medieval más pequeña ". ("viola de brazo") [6]
El violín es a menudo llamado fiddle. "Fiddle" puede usarse como el nombre habitual del instrumento en la música folclórica, o como un nombre informal para el instrumento en otros estilos de música. [8] La palabra "fiddle" se utilizó por primera vez en inglés a fines del siglo XIV. [8] La palabra "fiddle" proviene de "fedele, fydyll, fidel, anteriormente fithele, del inglés antiguo fiðele ' violín ' , que está relacionado con el nórdico antiguo fiðla , el holandés medio vedele , el holandés vedel , el alto alemán antiguo fidula , el alemán Fiedel , ' un violín ' ; todos de origen incierto". En cuanto al origen de la palabra "fiddle", la "... sugerencia habitual, basada en la semejanza en el sonido y el sentido, es que proviene del latín medieval vitula ". [8]
Los primeros instrumentos de cuerda eran en su mayoría de cuerda pulsada (por ejemplo, la lira griega ). Los instrumentos de dos cuerdas, de arco, tocados en posición vertical y encordados con crines de caballo, pueden haberse originado en las culturas ecuestres nómadas de Asia Central, en formas muy parecidas al actual Morin huur mongol y al Kobyz kazajo . Probablemente, tipos similares y variantes se difundieron a lo largo de las rutas comerciales este-oeste desde Asia hasta Oriente Medio, [9] [10] y el Imperio bizantino . [11] [12]
El rabel , el violín y la lira da braccio se consideran generalmente los antepasados del violín, [13] Varias fuentes sugieren posibilidades alternativas para los orígenes del violín, como el norte o el oeste de Europa. [14] [15] [16] Los primeros fabricantes de violines probablemente tomaron prestado de varios desarrollos de la lyra bizantina. Estos incluyeron la vielle (también conocida como fidel o viuola ) y la lira da braccio . [11] [17] El violín en su forma actual surgió a principios del siglo XVI en el norte de Italia . Las primeras imágenes de violines, aunque con tres cuerdas, se ven en el norte de Italia alrededor de 1530, aproximadamente al mismo tiempo que las palabras "violino" y "vyollon" se ven en documentos italianos y franceses. Una de las primeras descripciones explícitas del instrumento, incluida su afinación, proviene del Epítome musical de Jambe de Fer , publicado en Lyon en 1556. [18] En esa época, el violín ya había comenzado a extenderse por toda Europa .
El violín se hizo muy popular, tanto entre los músicos callejeros como entre la nobleza; el rey francés Carlos IX encargó a Andrea Amati que le construyera 24 violines en 1560. [19] Uno de estos instrumentos "nobles", el Charles IX , es el violín más antiguo que se conserva. El violín renacentista tallado y decorado más fino del mundo es el Gasparo da Salò ( c. 1574) propiedad de Fernando II, archiduque de Austria y más tarde, a partir de 1841, del virtuoso noruego Ole Bull , que lo utilizó durante cuarenta años y miles de conciertos, por su sonido muy potente y hermoso, similar al de un Guarneri. [20] "El Mesías" o "Le Messie" (también conocido como "Salabue") fabricado por Antonio Stradivari en 1716 permanece prístino. Ahora se encuentra en el Museo Ashmolean de Oxford . [21]
Los fabricantes de violines ( luthiers ) más famosos entre el siglo XVI y el siglo XVIII incluyen:
En el siglo XVIII se produjeron cambios importantes en la construcción del violín, en particular un mástil más largo y más inclinado hacia la parte posterior del instrumento que en los ejemplos anteriores, cuerdas más pesadas y una barra de graves más pesada. La mayoría de los instrumentos antiguos han sufrido estas modificaciones y, por lo tanto, se encuentran en un estado significativamente diferente al que tenían cuando salieron de las manos de sus fabricantes, sin duda con diferencias en el sonido y la respuesta. [24] Pero es en su estado actual (modificado) que estos instrumentos han establecido el estándar de perfección en la artesanía y el sonido del violín, y los fabricantes de violines de todo el mundo intentan acercarse lo más posible a este ideal.
Hasta el día de hoy, los instrumentos de la llamada Edad de Oro de la fabricación de violines , especialmente los fabricados por Stradivari, Guarneri del Gesù y Montagnana, son los instrumentos más buscados tanto por coleccionistas como por intérpretes. El monto récord actual pagado por un violín Stradivari es de £ 9,8 millones ( US$ 15,9 millones en ese momento), cuando el instrumento conocido como Lady Blunt fue vendido por Tarisio Auctions en una subasta en línea el 20 de junio de 2011. [25]
Un violín generalmente consta de una tapa de abeto (la tabla armónica , también conocida como placa superior , tabla o vientre ), aros y fondo de arce, dos bloques terminales, un mástil , un puente , un alma, cuatro cuerdas y varios accesorios, que opcionalmente incluyen una barbilla , que puede colocarse directamente sobre el cordal o a la izquierda de este . Una característica distintiva del cuerpo de un violín es su forma de reloj de arena y el arqueamiento de su tapa y fondo. La forma de reloj de arena consta de dos partes superiores, dos partes inferiores y dos partes cóncavas en forma de C en la cintura , que proporcionan espacio para el arco . La "voz" o sonido de un violín depende de su forma, la madera de la que está hecho, la graduación (el perfil de grosor) tanto de la tapa como del fondo, el barniz que recubre su superficie exterior y la habilidad del luthier al realizar todos estos pasos. El barniz y, sobre todo, la madera siguen mejorando con el tiempo, por lo que el suministro fijo de violines antiguos bien hechos, construidos por luthiers famosos, es muy solicitado.
La mayoría de las uniones encoladas en el instrumento utilizan cola de piel de animal en lugar de cola blanca común por varias razones. La cola de piel es capaz de hacer una unión más delgada que la mayoría de los demás pegamentos. Es reversible (lo suficientemente frágil como para agrietarse con una fuerza aplicada con cuidado y se puede quitar con agua caliente) cuando es necesario desmontarlo. Dado que la cola de piel fresca se adhiere a la cola de piel vieja, se puede conservar más madera original al reparar una unión. (Los pegamentos más modernos deben limpiarse por completo para que la nueva unión esté en buen estado, lo que generalmente implica raspar un poco de madera junto con el pegamento viejo). Por lo general, se utiliza un pegamento más débil y diluido para sujetar la tapa a los aros y la cejuela al diapasón, ya que las reparaciones comunes implican quitar estas partes. El ribete que corre alrededor del borde de la tapa de abeto proporciona cierta protección contra las grietas que se originan en el borde. También permite que la tapa se flexione más independientemente de la estructura de los aros. El ribete falso pintado en la tapa suele ser un signo de un instrumento de calidad inferior. La parte posterior y los aros suelen estar hechos de arce , generalmente con un dibujo de rayas a juego , conocido como raya de llama , raya de violín o raya de tigre .
El mástil suele ser de arce con una veta flameada compatible con la de los aros y el fondo. Lleva el diapasón , normalmente de ébano, pero a menudo de otra madera teñida o pintada de negro en los instrumentos más baratos. El ébano es el material preferido por su dureza, belleza y resistencia superior al desgaste. Los diapasones están revestidos con una curva transversal particular y tienen una pequeña "cuchara" o concavidad longitudinal, ligeramente más pronunciada en las cuerdas más bajas, especialmente cuando están destinados a cuerdas de tripa o sintéticas. Algunos violines antiguos (y algunos hechos para parecer antiguos) tienen una voluta injertada , evidenciada por una unión de pegamento entre el clavijero y el mástil. Muchos instrumentos antiguos auténticos han tenido sus mástiles restablecidos a un ángulo ligeramente mayor y alargados aproximadamente un centímetro. El injerto del mástil permite conservar la voluta original con un violín barroco al adaptar su mástil a los estándares modernos.
El puente es una pieza de arce cortada con precisión que forma el punto de anclaje inferior de la longitud vibrante de las cuerdas y transmite la vibración de las cuerdas al cuerpo del instrumento. Su curva superior mantiene las cuerdas a la altura adecuada desde el diapasón en un arco, lo que permite que cada una suene por separado con el arco. El poste de sonido , o poste del alma , encaja con precisión dentro del instrumento entre la parte posterior y la superior, en un lugar cuidadosamente elegido cerca del pie agudo del puente, al que ayuda a sostener. También influye en los modos de vibración de la parte posterior y la superior del instrumento.
El cordal ancla las cuerdas a la parte inferior del violín por medio de la tripa de la cola, que se enrolla alrededor de un botón de ébano llamado pitón de la cola (a veces llamado, de manera confusa, pitón del extremo , como la púa del violonchelo), que encaja en un orificio cónico en el bloque inferior. La cuerda E a menudo tendrá una palanca de afinación fina que se acciona mediante un pequeño tornillo que se gira con los dedos. Los afinadores finos también se pueden aplicar a las otras cuerdas, especialmente en un instrumento de estudiante, y a veces están integrados en el cordal. Los afinadores finos permiten al intérprete realizar pequeños cambios en el tono de una cuerda. En el extremo de la voluta, las cuerdas se enrollan alrededor de las clavijas de afinación de madera en el clavijero. Las clavijas de afinación son cónicas y encajan en los orificios del clavijero. Las clavijas de afinación se mantienen en su lugar por la fricción de la madera con la madera. Las cuerdas pueden estar hechas de metal o, con menos frecuencia, de tripa o tripa envuelta en metal. Las cuerdas suelen tener una envoltura de seda de color en ambos extremos, para identificar la cuerda (por ejemplo, cuerda G, cuerda D, cuerda A o cuerda E) y para generar fricción contra las clavijas. Las clavijas cónicas permiten aumentar o disminuir la fricción si el músico aplica la presión adecuada a lo largo del eje de la clavija mientras la gira.
Las cuerdas se hacían primero de tripa de oveja (comúnmente conocida como catgut , que a pesar del nombre, no provenía de gatos), o simplemente tripa, que se estiraba, secaba y torcía. A principios del siglo XX, las cuerdas se hacían de tripa o de acero. Las cuerdas modernas pueden ser de tripa, acero macizo , acero trenzado o varios materiales sintéticos como el perlón , enrolladas con varios metales y, a veces, revestidas de plata . La mayoría de las cuerdas E no están enrolladas, ya sean de acero liso o revestido. Las cuerdas de tripa no son tan comunes como antes, pero muchos intérpretes las utilizan para lograr un sonido específico, especialmente en interpretaciones históricamente informadas de música barroca . Las cuerdas tienen una vida útil limitada. Con el tiempo, cuando se acumulan aceite, suciedad, corrosión y colofonia, la masa de la cuerda puede volverse desigual a lo largo de su longitud. Aparte de las cosas obvias, como el desgaste de las cuerdas, los músicos suelen cambiarlas cuando ya no suenan "correctas" (con buena entonación en los armónicos), perdiendo el tono, el brillo y la entonación deseados. La longevidad de las cuerdas depende de la calidad de las mismas y de la intensidad con la que se toca.
Un violín se afina en quintas, en las notas G 3 , D 4 , A 4 , E 5 . La nota más baja de un violín, afinado normalmente, es G 3 , o G por debajo del C central (C4) . (En raras ocasiones, la cuerda más baja puede afinarse hasta una cuarta más abajo, a D 3 ). La nota más alta que se puede tocar está menos bien definida: E 7 , el E dos octavas por encima de la cuerda al aire (que está afinada a E 5 ) puede considerarse un límite práctico para las partes de violín orquestal, [26] pero a menudo es posible tocar más alto, dependiendo de la longitud del diapasón y la habilidad del violinista. Sin embargo, las notas más altas (hasta C 8 ) se pueden hacer sonar deteniendo la cuerda, alcanzando el límite del diapasón y/o utilizando armónicos artificiales .
La forma arqueada, el grosor de la madera y sus cualidades físicas determinan el sonido de un violín. Los patrones del nudo hechos con arena o purpurina espolvoreada sobre las placas con la placa vibrando a ciertas frecuencias, llamados patrones de Chladni , son utilizados ocasionalmente por los luthiers para verificar su trabajo antes de ensamblar el instrumento. [27]
Además del tamaño estándar completo ( 4 ⁄ 4 ), los violines también se fabrican en los llamados tamaños fraccionarios de 7 ⁄ 8 , 3 ⁄ 4 , 1 ⁄ 2 , 1 ⁄ 4 , 1 ⁄ 8 , 1 ⁄ 10 , 1 ⁄ 16 , 1 ⁄ 32 e incluso 1 ⁄ 64 . Estos instrumentos más pequeños son comúnmente utilizados por músicos jóvenes cuyos dedos no son lo suficientemente largos para alcanzar las posiciones correctas en instrumentos de tamaño completo.
Aunque en cierto sentido están relacionados con las dimensiones de los instrumentos, los tamaños fraccionarios no pretenden ser descripciones literales de proporciones relativas. Por ejemplo, un instrumento de tamaño 3 ⁄ 4 no tiene tres cuartas partes de la longitud de un instrumento de tamaño completo. La longitud del cuerpo (sin incluir el mástil) de un violín de tamaño completo, o 4 ⁄ 4 , es de 356 mm (14,0 pulgadas), menor en algunos modelos del siglo XVII. La longitud del cuerpo de un violín de 3 ⁄ 4 es de 335 mm (13,2 pulgadas), y la de un tamaño de 1 ⁄ 2 es de 310 mm (12,2 pulgadas). En el caso del miembro más cercano de la familia del violín, la viola, el tamaño se especifica como la longitud del cuerpo en pulgadas o centímetros en lugar de tamaños fraccionarios. Una viola de tamaño completo tiene un promedio de 40 cm (16 pulgadas). Sin embargo, cada adulto determinará qué tamaño de viola utilizar.
En ocasiones, un adulto de complexión pequeña puede utilizar un violín de tamaño 7 ⁄ 8 en lugar de un instrumento de tamaño completo. A veces llamados violines de dama , estos instrumentos son ligeramente más cortos que un violín de tamaño completo, pero tienden a ser instrumentos de alta calidad capaces de producir un sonido comparable al de los violines de tamaño completo de calidad. Los tamaños de los violines de 5 cuerdas pueden diferir de los de 4 cuerdas normales.
El instrumento que corresponde al violín en el octeto para violines es el violín mezzo, afinado igual que un violín pero con un cuerpo ligeramente más largo. Las cuerdas del violín mezzo tienen la misma longitud que las del violín estándar. Este instrumento no es de uso común. [28]
Los violines se afinan girando las clavijas del clavijero debajo de la voluta o ajustando los tornillos del afinador fino en el cordal . Todos los violines tienen clavijas; los afinadores finos (también llamados ajustadores finos ) son opcionales. La mayoría de los afinadores finos consisten en un tornillo de metal que mueve una palanca unida al extremo de la cuerda. Permiten ajustes de tono muy pequeños mucho más fácilmente que las clavijas. Al girar un afinador fino en el sentido de las agujas del reloj, el tono se vuelve más agudo (ya que la cuerda está bajo más tensión), y al girarlo en el sentido contrario a las agujas del reloj, el tono se vuelve más plano (ya que la cuerda está bajo menos tensión). Los afinadores finos en las cuatro cuerdas son muy útiles cuando se utilizan cuerdas con un núcleo de acero, y algunos músicos los usan con cuerdas sintéticas. Dado que las cuerdas E modernas son de acero, casi siempre se adapta un afinador fino a esa cuerda. Los afinadores finos no se utilizan con cuerdas de tripa, que son más elásticas que las cuerdas de acero o de núcleo sintético y no responden adecuadamente a los movimientos muy pequeños de los afinadores finos.
Para afinar un violín, primero se afina la cuerda A a un tono estándar (normalmente A=440 Hz ). (Al acompañar o tocar con un instrumento de tono fijo como un piano o un acordeón, el violín se afina con la nota correspondiente de ese instrumento en lugar de con cualquier otra referencia de afinación. El oboe es generalmente el instrumento utilizado para afinar orquestas en las que hay violines, ya que su sonido es penetrante y se puede escuchar por encima de los demás instrumentos de viento de madera). A continuación, las otras cuerdas se afinan entre sí en intervalos de quintas perfectas tocándolas con el arco en pares. A veces se utiliza una afinación ligeramente más alta para tocar en solitario para dar al instrumento un sonido más brillante; por el contrario, la música barroca a veces se toca utilizando afinaciones más bajas para que el sonido del violín sea más suave. Después de la afinación, se puede examinar el puente del instrumento para asegurarse de que esté derecho y centrado entre las muescas internas de los agujeros en forma de F ; un puente torcido puede afectar significativamente al sonido de un violín que, por lo demás, está bien hecho.
Después de tocar mucho, las clavijas de afinación y sus orificios pueden desgastarse, lo que aumenta la probabilidad de que se deslicen por la tensión. Una clavija que se resbala hace que el tono de la cuerda baje un poco o, si la clavija se afloja por completo, que la cuerda pierda completamente la tensión. Un violín en el que las clavijas de afinación se resbalan debe ser reparado por un luthier o un reparador de violines. El uso regular de un compuesto para clavijas puede retrasar la aparición de dicho desgaste y permitir que las clavijas giren con suavidad.
La afinación G–D–A–E se utiliza para la mayoría de la música para violín, incluida la música clásica, el jazz y la música folclórica . Ocasionalmente se emplean otras afinaciones; la cuerda G, por ejemplo, puede afinarse hasta A. El uso de afinaciones no estándar en la música clásica se conoce como scordatura ; en algunos estilos folclóricos, se llama afinación cruzada . Un ejemplo famoso de scordatura en la música clásica es la Danza macabra de Camille Saint-Saëns , donde la cuerda E del violín solista se afina hasta E ♭ para impartir una disonancia inquietante a la composición. Otros ejemplos son el tercer movimiento de Contrastes , de Béla Bartók , donde la cuerda Mi está afinada a Mi ♭ y la Sol afinada a Sol♯ , el Primer Concierto para violín de Niccolò Paganini , donde las cuatro cuerdas están designadas para estar afinadas un semitono más arriba, y las Sonatas Misterio de Biber , en las que cada movimiento tiene una afinación de scordatura diferente.
En la música clásica india y la música ligera india, es probable que el violín esté afinado en D ♯ –A ♯ –D ♯ –A ♯ en el estilo del sur de la India. Como no existe el concepto de oído absoluto en la música clásica india, los músicos pueden usar cualquier afinación conveniente para mantener estos intervalos de tono relativo entre las cuerdas. Otra afinación predominante con estos intervalos es B ♭ –F–B ♭ –F, que corresponde a Sa–Pa–Sa–Pa en el estilo de música clásica carnática india. En el estilo indostánico del norte de la India , la afinación suele ser Pa-Sa-Pa-Sa en lugar de Sa–Pa–Sa–Pa. Esto podría corresponder a F–B ♭ –F–B ♭ , por ejemplo. En la música clásica iraní y la música ligera iraní, el violín tiene diferentes afinaciones en cada Dastgah ; Es probable que esté afinada (E–A–E–A) en Dastgah-h Esfahan o en Dastgāh-e Šur es (E–A–D–E) y (E–A–E–E), en Dastgāh-e Māhur es (E–A–D–A). En la música clásica árabe, las cuerdas A y E se bajan un tono entero , es decir, G–D–G–D. Esto es para facilitar la ejecución de maqams árabes , especialmente los que contienen cuartos de tono .
Aunque la mayoría de los violines tienen cuatro cuerdas, hay violines con cuerdas adicionales, algunos con hasta siete. En general, se cree que siete es el número máximo de cuerdas que se pueden tocar en un instrumento de cuerda frotada; con más de siete cuerdas, sería imposible tocar individualmente una cuerda interior en particular con el arco. Los violines con siete cuerdas son muy raros. Las cuerdas adicionales en estos violines suelen tener un tono más bajo que la cuerda G; estas cuerdas suelen estar afinadas (desde la cuerda más alta añadida a la más baja) en C, F y B ♭ . Si la longitud de ejecución del instrumento, o la longitud de las cuerdas desde la cejuela hasta el puente, es igual a la de un violín normal de escala completa; es decir, un poco menos de 13 pulgadas (33 cm), entonces puede denominarse correctamente violín. Algunos de estos instrumentos son algo más largos y deben considerarse violas. Los violines con cinco cuerdas o más se utilizan normalmente en jazz o música folclórica. Algunos instrumentos hechos a medida tienen cuerdas adicionales que no están frotadas, pero que suenan con simpatía, debido a las vibraciones de las cuerdas frotadas.
El violín se suele tocar con un arco que consiste en un palo con una cinta de crin de caballo ensartada entre la punta y la nuez (o cejuela, o talón) en extremos opuestos. Un arco de violín típico puede tener 75 cm (30 pulgadas) en total y pesar unos 60 g (2,1 oz). Los arcos de viola pueden ser unos 5 mm (0,20 pulgadas) más cortos y 10 g (0,35 oz) más pesados. En el extremo de la nuez, un ajustador de tornillo aprieta o afloja la crin. Justo delante de la nuez, una almohadilla de cuero para el pulgar (llamada empuñadura) y un enrollamiento protegen el palo y proporcionan una sujeción segura para la mano del intérprete. Los enrollamientos tradicionales son de alambre (a menudo plateado o plateado), seda o barbas ("hueso de ballena", ahora sustituido por tiras alternadas de plástico marrón y negro). Algunos arcos de fibra de vidrio para estudiantes utilizan una funda de plástico como empuñadura y enrollamiento.
Tradicionalmente, el pelo de los arcos proviene de la cola de un caballo macho gris (que tiene predominantemente pelo blanco). Algunos arcos más baratos utilizan fibra sintética. Se frota resina sólida sobre el pelo, para que quede ligeramente pegajoso; cuando el arco se pasa por una cuerda, la fricción entre ellos hace que la cuerda vibre. Los materiales tradicionales para las varas de arco más costosas incluyen la madera de serpiente y el palo de Brasil (que también se conoce como madera de Pernambuco). Algunas innovaciones recientes en el diseño de arcos utilizan fibra de carbono (CodaBows) para la vara, en todos los niveles de artesanía. Los arcos económicos para estudiantes están hechos de maderas menos costosas o de fibra de vidrio (Glasser).
El violín se toca sentado o de pie. Los solistas (ya sea que toquen solos, con piano o con orquesta) tocan principalmente de pie (a menos que se lo impida una discapacidad física, como en el caso de Itzhak Perlman ). En cambio, en la orquesta y en la música de cámara se suele tocar sentado. En los años 2000 y 2010, algunas orquestas que interpretan música barroca (como la Orquesta Barroca de Friburgo ) han hecho que todos sus violines y violas, solistas y ensamble, toquen de pie.
La forma habitual de sujetar el violín es con el lado izquierdo de la mandíbula apoyado en la barbilla del violín y apoyado en el hombro izquierdo, a menudo con la ayuda de una hombrera (o una esponja y una banda elástica para los músicos más jóvenes que tienen dificultades con las hombreras). La mandíbula y el hombro deben sujetar el violín con la suficiente firmeza para permitirle permanecer estable cuando la mano izquierda pasa de una posición alta (una nota aguda muy arriba en el diapasón) a una baja (más cerca del clavijero). En la postura india, la estabilidad del violín está garantizada por la voluta apoyada en el lateral del pie.
Aunque los profesores destacan la importancia vital de una buena postura, tanto por la calidad de la interpretación como para reducir las posibilidades de sufrir lesiones por esfuerzo repetitivo , los consejos sobre qué es una buena postura y cómo lograrla difieren en los detalles. Sin embargo, todos insisten en la importancia de una posición relajada y natural sin tensión ni rigidez. Las cosas que se recomiendan casi universalmente son mantener la muñeca izquierda recta (o casi) para permitir que los dedos de la mano izquierda se muevan libremente y reducir las posibilidades de lesiones, y mantener ambos hombros en una posición relajada y natural, evitando levantarlos de manera exagerada. Esto, como cualquier otra tensión injustificada, limitaría la libertad de movimiento y aumentaría el riesgo de lesiones.
El encorvamiento puede dificultar una buena interpretación porque desequilibra el cuerpo y hace que los hombros se eleven. Otro síntoma que se desprende de una tensión no saludable es el dolor en la mano izquierda, que indica que se ejerce demasiada presión al sostener el violín.
La mano izquierda determina la longitud sonora de la cuerda, y por lo tanto el tono de la cuerda, al "detenerla" (presionarla) contra el diapasón con las yemas de los dedos, produciendo diferentes tonos. Como el violín no tiene trastes para detener las cuerdas, como es habitual en la guitarra , el violinista debe saber exactamente dónde colocar los dedos sobre las cuerdas para tocar con una buena entonación (afinación). Los violinistas principiantes tocan cuerdas al aire y en la posición más baja, más cercana a la cejuela. Los estudiantes a menudo comienzan con tonalidades relativamente fáciles, como La mayor y Sol mayor. A los estudiantes se les enseñan escalas y melodías simples. A través de la práctica de escalas y arpegios y el entrenamiento auditivo , la mano izquierda del violinista eventualmente "encuentra" las notas intuitivamente por memoria muscular .
Los principiantes a veces confían en las cintas colocadas en el diapasón para la colocación correcta de los dedos de la mano izquierda, pero generalmente abandonan las cintas rápidamente a medida que avanzan. Otra técnica de marcado comúnmente utilizada utiliza puntos de corrector blanco en el diapasón, que desaparecen en unas pocas semanas de práctica regular. Esta práctica, lamentablemente, se utiliza a veces en lugar de un entrenamiento auditivo adecuado, guiando la colocación de los dedos a simple vista y no a simple vista. Especialmente en las primeras etapas del aprendizaje de la interpretación, los llamados "tonos de llamada" son útiles. Hay nueve notas de este tipo en primera posición, donde una nota detenida suena al unísono u octava con otra cuerda (al aire), lo que hace que resuene por simpatía . Los estudiantes a menudo usan estos tonos de llamada para verificar la entonación de la nota detenida al ver si es armoniosa con la cuerda al aire. Por ejemplo, al tocar la nota detenida "A" en la cuerda G, el violinista podría tocar la cuerda D al aire al mismo tiempo, para verificar la entonación de la nota detenida "A". Si la "A" está afinada, la "A" y la cuerda D abierta deberían producir una cuarta perfecta armoniosa.
Los violines están afinados en quintas perfectas, como todas las cuerdas de orquesta (violín, viola, violonchelo) excepto el contrabajo, que está afinado en cuartas perfectas. Cada nota subsiguiente se detiene en un tono que el intérprete percibe como el más armonioso, "cuando no está acompañado, [un violinista] no toca consistentemente ni en la escala temperada ni en la natural [justa], sino que tiende en general a ajustarse a la escala pitagórica ". [29] Cuando los violinistas tocan en un cuarteto de cuerdas o una orquesta de cuerdas , las cuerdas normalmente "suavizan" su afinación para adaptarse a la tonalidad en la que están tocando. Cuando tocan con un instrumento afinado en temperamento igual , como un piano , los violinistas expertos ajustan su afinación para que coincida con el temperamento igual del piano para evitar notas discordantes .
Los dedos se numeran convencionalmente del 1 (índice) al 4 (meñique) en notación musical , como partituras y libros de estudios. Especialmente en ediciones instructivas de música para violín, los números sobre las notas pueden indicar qué dedo usar, con 0 u O indicando una cuerda al aire. El cuadro de la derecha muestra la disposición de las notas alcanzables en primera posición. No se muestra en este cuadro la forma en que el espaciado entre las posiciones de las notas se vuelve más cercano a medida que los dedos se mueven hacia arriba (en tono) desde la cejuela. Las barras a los lados del cuadro representan las posibilidades habituales para las ubicaciones de la cinta para principiantes, en el 1.er, 2.º, 3.er y 4.º dedo alto.
La colocación de la mano izquierda en el diapasón se caracteriza por "posiciones". La primera posición, donde comienzan la mayoría de los principiantes (aunque algunos métodos comienzan en la tercera posición), es la posición más utilizada en la música de cuerdas. La música compuesta para orquestas juveniles principiantes suele estar mayoritariamente en primera posición. La nota más baja disponible en esta posición en la afinación estándar es un G3 abierto; la nota más alta en la primera posición se toca con el cuarto dedo en la cuerda E, sonando un B5. Al mover la mano hacia arriba por el mástil, el primer dedo toma el lugar del segundo dedo, llevando al intérprete a la segunda posición . Dejar que el primer dedo tome el lugar de la primera posición del tercer dedo lleva al intérprete a la tercera posición , y así sucesivamente. Un cambio de posiciones, con su movimiento asociado de la mano, se conoce como cambio , y un cambio efectivo manteniendo una entonación precisa y un sonido legato (conectado) suave es un elemento clave de la técnica en todos los niveles. A menudo se utiliza un "dedo guía"; El último dedo que toca una nota en la posición anterior toca suavemente la cuerda durante el transcurso del cambio para terminar en su lugar correcto en la nueva posición. En ejercicios de cambio elementales, el "dedo guía" se suele tocar mientras se desliza hacia arriba o hacia abajo por la cuerda, de modo que el ejecutante pueda establecer la colocación correcta de oído. Fuera de estos ejercicios, rara vez debería ser audible (a menos que el ejecutante esté aplicando conscientemente un efecto de portamento por razones expresivas).
En el transcurso de un cambio en posiciones bajas, el pulgar de la mano izquierda se mueve hacia arriba o hacia abajo por el mástil del instrumento para permanecer en la misma posición en relación con los dedos (aunque el movimiento del pulgar puede ocurrir ligeramente antes o ligeramente después del movimiento de los dedos). En tales posiciones, el pulgar se considera a menudo como un "ancla" cuya ubicación define en qué posición se encuentra el intérprete. En posiciones muy altas, el pulgar no puede moverse con los dedos ya que el cuerpo del instrumento se interpone en el camino. En cambio, el pulgar trabaja alrededor del mástil del instrumento para ubicarse en el punto en el que el mástil se encuentra con el borde derecho del cuerpo, y permanece allí mientras los dedos se mueven entre las posiciones altas.
Una nota tocada fuera del compás normal de una posición, sin ningún cambio, se conoce como una extensión . Por ejemplo, en la tercera posición en la cuerda A, la mano se ubica naturalmente con el primer dedo en D ♮ y el cuarto en G ♮ o G ♯ . Estirar el primer dedo hacia abajo hasta un C ♯ , o el cuarto dedo hacia arriba hasta un A ♮ , forma una extensión. Las extensiones se usan comúnmente cuando una o dos notas están ligeramente fuera de una posición que de otro modo sería sólida, y brindan el beneficio de ser menos intrusivas que un cambio o un cruce de cuerdas. La posición más baja en el violín se conoce como "media posición". En esta posición, el primer dedo está en una nota de "primera posición baja", por ejemplo, B ♭ en la cuerda A, y el cuarto dedo está en una extensión hacia abajo desde su posición normal, por ejemplo, D ♮ en la cuerda A, con los otros dos dedos colocados en el medio según sea necesario. Como la posición del pulgar suele ser la misma en la "media posición" que en la primera posición, es mejor pensarlo como una extensión hacia atrás de toda la mano que como una posición genuina.
El límite superior del rango del violín está determinado en gran medida por la habilidad del intérprete, que puede tocar fácilmente más de dos octavas en una sola cuerda y cuatro octavas en el instrumento en su conjunto. Los nombres de las posiciones se utilizan principalmente para las posiciones más bajas y en los libros de métodos y estudios; por esta razón, es poco común escuchar referencias a algo más alto que la séptima posición. La posición más alta, prácticamente hablando, es la decimotercera posición. Las posiciones muy altas son un desafío técnico particular, por dos razones. En primer lugar, la diferencia en la ubicación de las diferentes notas se vuelve mucho más estrecha en las posiciones altas, lo que hace que las notas sean más difíciles de localizar y, en algunos casos, de distinguir de oído. En segundo lugar, la longitud de sonido mucho más corta de la cuerda en posiciones muy altas es un desafío para el brazo derecho y el arco a la hora de hacer sonar el instrumento de manera efectiva. Cuanto más fino (y más caro) sea un instrumento, mejor podrá mantener un buen tono hasta la parte superior del diapasón, en los tonos más altos de la cuerda E.
Todas las notas (excepto las que están por debajo de la nota D abierta) se pueden tocar en más de una cuerda. Esta es una característica de diseño estándar de los instrumentos de cuerda; sin embargo, difiere del piano, que solo tiene una ubicación para cada una de sus 88 notas. Por ejemplo, la nota A abierta en el violín se puede tocar como A abierta, o en la cuerda D (en las posiciones primera a cuarta) o incluso en la cuerda G (muy arriba en las posiciones sexta a novena). Cada cuerda tiene una calidad de sonido diferente , debido a los diferentes pesos (grosores) de las cuerdas y debido a las resonancias de otras cuerdas abiertas. Por ejemplo, la cuerda G a menudo se considera que tiene un sonido muy completo y sonoro que es particularmente apropiado para la música romántica tardía. Esto a menudo se indica en la música mediante la marca, por ejemplo, sul G o IV (un número romano que indica que se debe tocar en la cuarta cuerda; por convención, las cuerdas se numeran desde el tono más fino y más alto (I) hasta el tono más bajo (IV)). Incluso sin instrucciones explícitas en la partitura, un violinista avanzado usará su discreción y sensibilidad artística para seleccionar qué cuerda tocará notas o pasajes específicos.
Si se toca una cuerda con un arco o con un punteo sin que ningún dedo la detenga, se dice que es una cuerda abierta . Esto produce un sonido diferente al de una cuerda parada, ya que la cuerda vibra más libremente en la cejuela que bajo un dedo. Además, es imposible usar el vibrato por completo en una cuerda abierta (aunque se puede lograr un efecto parcial deteniendo una nota una octava más arriba en una cuerda adyacente y vibrando esa, lo que introduce un elemento de vibrato en los armónicos). En la tradición clásica, los violinistas a menudo usan un cruce de cuerdas o un cambio de posición para permitirles evitar el cambio de timbre introducido por una cuerda abierta, a menos que lo indique el compositor. Esto es particularmente cierto para la cuerda E abierta, que a menudo se considera que tiene un sonido áspero. Sin embargo, también hay situaciones en las que se puede elegir específicamente una cuerda abierta para lograr un efecto artístico. Esto se ve en la música clásica, que imita el zumbido de un órgano (JS Bach, en su Partita en mi para violín solo, lo logró), el violín (por ejemplo, Hoedown ) o donde tomar medidas para evitar la cuerda al aire es musicalmente inapropiado (por ejemplo, en la música barroca, donde el cambio de posición era menos común). En pasajes rápidos de escalas o arpegios, una cuerda E al aire puede simplemente usarse por conveniencia si la nota no tiene tiempo de sonar y desarrollar un timbre áspero. En la música folclórica, el violín y otros géneros musicales tradicionales , las cuerdas al aire se usan comúnmente por su timbre resonante.
Tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota parada en una cuerda adyacente produce un zumbido parecido al de una gaita , que los compositores suelen utilizar para imitar la música folclórica . A veces, las dos notas son idénticas (por ejemplo, al tocar una nota A digitada en la cuerda D contra la cuerda A al aire), lo que produce un sonido de "violín" resonante. También se puede recurrir a tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota parada idéntica cuando se necesita más volumen, especialmente en la interpretación orquestal. Algunas partes de violín clásico tienen notas para las que el compositor solicita al violinista que toque una cuerda al aire, debido a la sonoridad específica que crea una cuerda al aire.
La doble parada se produce cuando dos cuerdas separadas se detienen con los dedos y se tocan con el arco simultáneamente, produciendo dos tonos continuos (los intervalos típicos incluyen 3ras, 4tas, 5tas, 6tas y octavas). Las dobles paradas se pueden indicar en cualquier posición, aunque el intervalo más amplio que se puede doblemente detener de forma natural en una posición es una octava (con el dedo índice en la cuerda más baja y el dedo meñique en la cuerda más alta). No obstante, a veces se requiere que los intervalos de décimas o incluso más se doblen en el repertorio avanzado, lo que da como resultado una posición estirada de la mano izquierda con los dedos extendidos. El término "doble parada" se utiliza a menudo para abarcar el sonido de una cuerda al aire junto con una nota digitada también, aunque solo un dedo detenga la cuerda.
Cuando se indican tres o cuatro notas simultáneas, el violinista normalmente "divide" el acorde, eligiendo la nota o las dos notas más bajas para tocar primero antes de continuar inmediatamente con la nota o las dos notas más altas, con la resonancia natural del instrumento produciendo un efecto similar al que se obtendría si las cuatro notas se hubieran tocado simultáneamente. En algunas circunstancias, es posible una "triple parada", donde se pueden tocar tres notas a lo largo de tres cuerdas simultáneamente. El arco no tocará naturalmente tres cuerdas a la vez, pero si hay suficiente velocidad y presión en el arco cuando el violinista "rompe" (hace sonar) un acorde de tres notas, las cerdas del arco se pueden doblar temporalmente sobre tres cuerdas, permitiendo que cada una suene simultáneamente. Esto se logra con un golpe fuerte, generalmente cerca de la nuez, y produce un tono fuerte y agresivo. Las dobles paradas en la orquesta a veces se marcan como divisi y se dividen entre los intérpretes, con una división de los músicos tocando la nota más baja y otra división tocando la nota más alta. Las notas dobles (y los divisi) son comunes en el repertorio orquestal cuando los violines tocan acompañamiento y otro instrumento o sección toca melódicamente.
En algunos géneros de interpretación con base histórica (generalmente de música barroca y anteriores), no se considera apropiado ni el uso de acordes divididos ni de acordes de tres notas; algunos violinistas arpegian todos los acordes (incluidos los acordes de notas dobles regulares), tocando todas o la mayoría de las notas individualmente como si hubieran sido escritas como una figura ligada. Sin embargo, con el desarrollo de los violines modernos, los acordes de tres notas se han vuelto más naturales debido a que el puente es menos curvado. En algunos estilos musicales, se puede tocar un bordón de cuerda abierta sostenido durante un pasaje escrito principalmente en una cuerda adyacente, para proporcionar un acompañamiento básico. Esto se ve más a menudo en las tradiciones folclóricas que en la música clásica.
El vibrato es una técnica de la mano y el brazo izquierdos en la que el tono de una nota varía sutilmente en un ritmo pulsante. Aunque varias partes de la mano o el brazo pueden estar implicadas en el movimiento, el resultado es un movimiento de la punta del dedo que produce un ligero cambio en la longitud de la cuerda vibrante, lo que provoca una ondulación en el tono. La mayoría de los violinistas oscilan por debajo de la nota, o en un tono más bajo que la nota real cuando utilizan vibrato, ya que se cree que la percepción favorece el tono más alto en un sonido variable. [32] El vibrato hace poco, o nada, para disimular una nota desafinada; en otras palabras, el vibrato mal aplicado es un mal sustituto de una buena entonación. Las escalas y otros ejercicios destinados a trabajar la entonación se suelen tocar sin vibrato para que el trabajo sea más fácil y efectivo. A los estudiantes de música se les suele enseñar que, a menos que se indique lo contrario en la música, se supone que hay vibrato. Sin embargo, esto es solo una tendencia; no hay nada en la partitura que obligue a los violinistas a agregar vibrato. [ cita requerida ] Esto puede ser un obstáculo para un violinista con formación clásica que desee tocar en un estilo que utiliza poco o ningún vibrato, como la música barroca tocada en estilo de época y muchos estilos de violín tradicionales.
El vibrato se puede producir mediante una combinación adecuada de movimientos de dedos, muñeca y brazo. Un método, llamado vibrato de mano (o vibrato de muñeca ), implica balancear la mano hacia atrás a la altura de la muñeca para lograr la oscilación. En contraste, otro método, el vibrato de brazo , modula el tono mediante el movimiento del codo. Una combinación de estas técnicas permite al intérprete producir una gran variedad de efectos tonales. El "cuándo", el "para qué" y el "cuánto" del vibrato del violín son cuestiones artísticas de estilo y gusto, y diferentes profesores, escuelas de música y estilos de música favorecen diferentes estilos de vibrato. Por ejemplo, un vibrato exagerado puede llegar a distraer. En términos acústicos, el interés que el vibrato añade al sonido tiene que ver con la forma en que la mezcla de armónicos [33] (o el color del tono o el timbre) y el patrón direccional de la proyección del sonido cambian con los cambios de tono. Al "dirigir" el sonido a diferentes partes de la sala [34] [35] de manera rítmica, el vibrato añade un "brillo" o "vivacidad" al sonido de un violín bien hecho. El vibrato se deja, en gran medida, a la discreción del violinista. Diferentes tipos de vibrato aportarán diferentes estados de ánimo a la pieza, y los distintos grados y estilos de vibrato son a menudo características que se destacan en violinistas conocidos.
A veces se puede utilizar un movimiento similar al vibrato para crear un efecto de trino rápido . Para ejecutar este efecto, el dedo que está por encima del dedo que detiene la nota se coloca muy ligeramente alejado de la cuerda (presionándolo firmemente contra el dedo que detiene la cuerda) y se implementa un movimiento de vibrato. El segundo dedo tocará ligeramente la cuerda por encima del dedo inferior con cada oscilación, lo que hará que el tono oscile de una manera que suena como una mezcla entre un vibrato amplio y un trino muy rápido. Esto da una transición menos definida entre la nota más alta y la más baja, y generalmente se implementa por elección interpretativa. Esta técnica de trino solo funciona bien para trinos semitonales o trinos en posiciones altas (donde la distancia entre notas es menor), ya que requiere que el dedo que trina y el dedo que está debajo se toquen, lo que limita la distancia que se puede trinar. En posiciones muy altas, donde la distancia trinada es menor que el ancho del dedo, un trino vibrato puede ser la única opción para los efectos de trino.
Tocar ligeramente la cuerda con la punta de un dedo en un nodo armónico , pero sin presionar completamente la cuerda, y luego puntear o tocar la cuerda con un arco, crea armónicos . En lugar del tono normal, suena una nota más aguda. Cada nodo está en una división entera de la cuerda, por ejemplo, la mitad o un tercio a lo largo de la longitud de la cuerda. Un instrumento sensible sonará numerosos nodos armónicos posibles a lo largo de la longitud de la cuerda. Los armónicos se marcan en la música con un pequeño círculo sobre la nota que determina el tono del armónico, o con cabezas de nota en forma de diamante. Hay dos tipos de armónicos: armónicos naturales y armónicos artificiales (también conocidos como falsos armónicos ).
Los armónicos naturales se tocan en una cuerda abierta. El tono de la cuerda abierta cuando se pulsa o se toca con un arco se llama frecuencia fundamental. Los armónicos también se llaman sobretonos o parciales . Se producen en múltiplos enteros de la fundamental, que se llama primer armónico. El segundo armónico es el primer sobretono (la octava por encima de la cuerda abierta), el tercer armónico es el segundo sobretono, y así sucesivamente. El segundo armónico está en el medio de la cuerda y suena una octava más alta que el tono de la cuerda. El tercer armónico divide la cuerda en terceras y suena una octava y una quinta por encima de la fundamental, y el cuarto armónico divide la cuerda en cuartas que suenan dos octavas por encima de la primera. El sonido del segundo armónico es el más claro de todos, porque es un nodo común con todos los armónicos pares sucesivos (cuarto, sexto, etc.). El tercer armónico impar y los siguientes son más difíciles de tocar porque dividen la cuerda en un número impar de partes vibrantes y no comparten tantos nodos con otros armónicos.
Los armónicos artificiales son más difíciles de producir que los armónicos naturales, ya que implican tanto detener la cuerda como tocar un armónico en la nota detenida. Si se utiliza el marco de octava (la distancia normal entre el primer y el cuarto dedo en cualquier posición dada) con el cuarto dedo tocando la cuerda una cuarta más alta que la nota detenida, se produce el cuarto armónico, dos octavas por encima de la nota detenida. La colocación y la presión de los dedos, así como la velocidad del arco, la presión y el punto de sondeo son esenciales para conseguir que suene el armónico deseado. Y para aumentar el desafío, en los pasajes con diferentes notas tocadas como falsos armónicos, la distancia entre el dedo detentor y el dedo armónico debe cambiar constantemente, ya que el espaciado entre las notas cambia a lo largo de la cuerda.
El dedo armónico también puede tocar en una tercera mayor por encima de la nota presionada (el quinto armónico), o una quinta más alta (un tercer armónico). Estos armónicos se usan con menos frecuencia; en el caso de la tercera mayor, tanto la nota tocada como la detenida deben tocarse ligeramente agudas, de lo contrario el armónico no habla tan fácilmente. En el caso de la quinta, el estiramiento es mayor de lo que resulta cómodo para muchos violinistas. En el repertorio general, no se utilizan fracciones menores de una sexta. Sin embargo, a veces se utilizan divisiones de hasta una octava y, si se cuenta con un buen instrumento y un intérprete experto, son posibles divisiones tan pequeñas como una doceava. Hay algunos libros dedicados exclusivamente al estudio de los armónicos del violín. Dos obras completas son Theory of Harmonics de Henryk Heller en siete volúmenes , publicada por Simrock en 1928, y Tecnica dei suoni armonici de Michelangelo Abbado en cinco volúmenes publicada por Ricordi en 1934.
En la literatura virtuosa del violín, especialmente en los siglos XIX y principios del XX, se pueden encontrar elaborados pasajes con armónicos artificiales. Dos ejemplos notables de ello son una sección completa de Csárdás de Vittorio Monti y un pasaje hacia la mitad del tercer movimiento del Concierto para violín de Piotr Ilich Chaikovski . Una sección del tercer movimiento del Concierto para violín n.º 1 de Paganini consta de terceras con doble nota en armónicos.
Cuando las cuerdas están desgastadas, sucias y viejas, los armónicos pueden perder precisión en el tono. Por este motivo, los violinistas cambian las cuerdas con regularidad.
Las cuerdas se pueden tocar haciendo pasar el pelo del arco sostenido con la mano derecha a través de ellas ( arco ) o puntillándolas ( pizzicato ), generalmente con la mano derecha. En algunos casos, el violinista punteará las cuerdas con la mano izquierda. Esto se hace para facilitar las transiciones del pizzicato a la interpretación con arco. También se utiliza en algunas obras maestras de virtuosismo. El pizzicato con la mano izquierda se suele hacer con cuerdas al aire. El pizzicato se utiliza en todos los instrumentos de la familia del violín; sin embargo, el estudio sistemático de las técnicas avanzadas de pizzicato está más desarrollado en el jazz bass , un estilo en el que el instrumento se puntea casi exclusivamente.
El brazo derecho, la mano y el arco, así como la velocidad del arco, son responsables de la calidad del tono, el ritmo , la dinámica , la articulación y la mayoría de los cambios en el timbre (pero no todos) . El ejecutante pasa el arco sobre la cuerda, lo que hace que esta vibre y produzca un tono sostenido. El arco es un palo de madera con pelo de cola de caballo tensado, que se ha cubierto con una barra de colofonia . La textura natural del pelo de caballo y la pegajosidad de la colofonia ayudan al arco a "agarrar" la cuerda y, por lo tanto, cuando el arco se pasa sobre la cuerda, el arco hace que la cuerda suene un tono.
El arco se puede utilizar para producir notas o melodías largas y sostenidas. En una sección de cuerdas , si los músicos de la sección cambian de arco en diferentes momentos, una nota puede parecer que se sostiene sin fin. Asimismo, el arco se puede utilizar para tocar notas breves y nítidas, como notas repetidas, escalas y arpegios, que proporcionan un ritmo propulsivo en muchos estilos de música.
La parte más esencial de la técnica del arco es el agarre del mismo. Normalmente se hace con el pulgar doblado en la pequeña zona entre la nuez y el enrollamiento del arco. Los demás dedos se distribuyen de forma más o menos uniforme por la parte superior del arco. El dedo meñique se curva con la punta del dedo colocada sobre la madera junto al tornillo. El violín produce notas más fuertes con una mayor velocidad del arco o con más peso sobre la cuerda. Los dos métodos no son equivalentes, porque producen timbres diferentes; presionar la cuerda tiende a producir un sonido más áspero e intenso. También se puede lograr un sonido más fuerte colocando el arco más cerca del puente.
El punto de sonoridad donde el arco intersecta la cuerda también influye en el timbre (o "color del tono"). Tocar cerca del puente ( sul ponticello ) da un sonido más intenso de lo habitual, enfatizando los armónicos más altos; y tocar con el arco sobre el extremo del diapasón ( sul tasto ) produce un sonido delicado y etéreo, enfatizando la frecuencia fundamental . Shinichi Suzuki se refirió al punto de sonoridad como la autopista Kreisler ; uno puede pensar en los diferentes puntos de sonoridad como carriles en la autopista.
Diversos métodos de ataque con el arco producen diferentes articulaciones . Existen muchas técnicas de arco que permiten todos los rangos de estilos de interpretación. Muchos profesores, músicos y orquestas dedican mucho tiempo a desarrollar técnicas y a crear una técnica unificada dentro del grupo. Estas técnicas incluyen el arco estilo legato (un sonido suave, conectado y sostenido adecuado para melodías), el collé y una variedad de arcos que producen notas más cortas, como el ricochet, el sautillé , el martelé , el spiccato y el staccato.
Una nota marcada como pizz. (abreviatura de pizzicato ) en la música escrita se debe tocar punteando la cuerda con un dedo de la mano derecha en lugar de hacerlo con el arco. (El dedo índice es el que se usa más comúnmente aquí). A veces, en partes de orquesta o en música solista virtuosa donde se usa la mano del arco (o para hacer alarde), el pizzicato de la mano izquierda se indicará con un + (signo más) debajo o encima de la nota. En el pizzicato de la mano izquierda, se colocan dos dedos sobre la cuerda; uno (generalmente el dedo índice o medio) se coloca sobre la nota correcta y el otro (generalmente el dedo anular o meñique) se coloca sobre la nota. El dedo más alto puntea la cuerda mientras que el más bajo permanece, produciendo así el tono correcto. Al aumentar la fuerza del punteo, se puede aumentar el volumen de la nota que produce la cuerda. El pizzicato se usa en obras orquestales y en piezas solistas. En las partes orquestales, los violinistas a menudo tienen que hacer cambios muy rápidos del arco al pizzicato, y viceversa.
Una marca de col legno ( que en italiano significa "con la madera") en la música escrita exige golpear la(s) cuerda(s) con la vara del arco, en lugar de pasar el pelo del arco por las cuerdas. Esta técnica de arco se utiliza con poca frecuencia y da como resultado un sonido de percusión apagado. La inquietante calidad de una sección de violines tocando col legno se explota en algunas piezas sinfónicas, en particular en la "Danza de las brujas" del último movimiento de la Sinfonía fantástica de Berlioz . El poema sinfónico de Saint-Saëns , Danza macabra, incluye la sección de cuerdas que utiliza la técnica del col legno para imitar el sonido de esqueletos danzantes. "Marte" de " Los planetas " de Gustav Holst utiliza el col legno para tocar un ritmo repetido en5
4Compás. La Guía para jóvenes orquestales de Benjamin Britten exige su uso en la variación " Percusión ". Dmitri Shostakovich lo utiliza en su Decimocuarta Sinfonía en el movimiento "En la cárcel de Sante". Sin embargo, algunos violinistas se oponen a este estilo de interpretación porque puede dañar el acabado y perjudicar el valor de un buen arco, pero la mayoría de ellos llegarán a un acuerdo utilizando un arco barato al menos durante la duración del pasaje en cuestión.
Un golpe suave y uniforme durante el cual la velocidad del arco y el peso son los mismos desde el principio del golpe hasta el final. [36]
Literalmente martillado , un efecto fuertemente acentuado producido al soltar cada golpe de arco con fuerza y de repente. El martelé se puede tocar en cualquier parte del arco. A veces se indica en la música escrita con una punta de flecha.
El trémolo es una repetición muy rápida (normalmente de una sola nota, pero en ocasiones de varias notas), que se suele tocar con la punta del arco. El trémolo se marca con tres líneas cortas e inclinadas que atraviesan el tallo de la nota. El trémolo se utiliza a menudo como efecto sonoro en la música orquestal, en particular en la era de la música romántica (1800-1910) y en la música de ópera.
Colocar un pequeño dispositivo de metal, caucho, cuero o madera llamado sordina o sordino en el puente del violín le da un tono más suave y dulce, con menos sobretonos audibles ; el sonido de una sección de cuerdas de orquesta completa tocando con sordinas tiene una calidad silenciosa. La sordina cambia tanto la sonoridad como el timbre ("color del tono") de un violín. Las marcas italianas convencionales para el uso de sordina son con sord. o con sordino , que significa 'con sordina'; y senza sord. , que significa 'sin sordina'; o via sord. , que significa 'sordina apagada'.
Existen sordinas de metal, goma o madera de mayor tamaño, conocidas como sordinas de práctica o sordinas de hotel . Estas sordinas no suelen utilizarse en interpretaciones, sino para amortiguar el sonido del violín en lugares de práctica, como habitaciones de hotel. (Para practicar también existe la sordina para violín , un violín sin caja de resonancia). Algunos compositores han utilizado sordinas de práctica para conseguir efectos especiales, por ejemplo, al final de la Secuencia VIII para violín solo de Luciano Berio .
Desde la época barroca , el violín ha sido uno de los instrumentos más importantes de la música clásica por varias razones. El sonido del violín destaca por encima de otros instrumentos, lo que lo hace apropiado para tocar una línea melódica. En manos de un buen intérprete, el violín es extremadamente ágil y puede ejecutar secuencias de notas rápidas y difíciles.
Los violines constituyen una gran parte de una orquesta y suelen dividirse en dos secciones, conocidas como violines primero y segundo. Los compositores suelen asignar la melodía a los primeros violines, normalmente una parte más difícil que utiliza posiciones más altas. Por el contrario, los segundos violines tocan la armonía, los patrones de acompañamiento o la melodía una octava más baja que los primeros violines. Un cuarteto de cuerdas también tiene partes para violines primero y segundo, así como una parte de viola y un instrumento bajo, como el violonchelo o, en raras ocasiones, el contrabajo .
Las primeras referencias a la interpretación de jazz utilizando el violín como instrumento solista están documentadas durante las primeras décadas del siglo XX. Joe Venuti , uno de los primeros violinistas de jazz, es conocido por su trabajo con el guitarrista Eddie Lang durante la década de 1920. Desde entonces ha habido muchos violinistas improvisadores , incluidos Stéphane Grappelli , Stuff Smith , Eddie South , Regina Carter , Johnny Frigo , John Blake , Adam Taubitz , Leroy Jenkins y Jean-Luc Ponty . Aunque no son principalmente violinistas de jazz, Darol Anger y Mark O'Connor han pasado partes importantes de sus carreras tocando jazz. La violinista suizo-cubana Yilian Cañizares mezcla el jazz con la música cubana. [37]
Los violines también aparecen en conjuntos que proporcionan fondos orquestales a muchas grabaciones de jazz.
El violín indio, aunque esencialmente es el mismo instrumento que el que se utiliza en la música occidental, es diferente en algunos sentidos. [38] El instrumento está afinado de modo que las cuerdas IV y III (Sol y Re en un violín afinado occidental) y las cuerdas II y I (A y E) son pares sa–pa (do–sol) y suenan igual pero están desplazadas por una octava, asemejándose a las afinaciones cruzadas comunes de la scordatura o del violín, como G3–D4–Sol4–D5 o A3–E4–A4–E5. La tónica sa (do) no es fija, sino que se afina de forma variable para adaptarse al vocalista o al intérprete principal. La forma en que el músico sostiene el instrumento varía de la música occidental a la india. En la música india, el músico se sienta en el suelo con las piernas cruzadas y el pie derecho delante de él. La voluta del instrumento reposa sobre el pie. Esta posición es esencial para tocar bien debido a la naturaleza de la música india. La mano puede moverse por todo el diapasón y no existe una posición fija para la mano izquierda, por lo que es importante que el violín esté en una posición firme e inmóvil.
Hasta al menos la década de 1970, la mayoría de los tipos de música popular utilizaban secciones de cuerdas frotadas . Se utilizaron ampliamente en la música popular durante la década de 1920 y principios de la de 1930. Sin embargo, con el auge de la música swing , de 1935 a 1945, el sonido de las cuerdas se utilizó a menudo para agregar plenitud a la música de big band . Después de la era del swing , desde finales de la década de 1940 hasta mediados de la de 1950, las cuerdas comenzaron a revivir en la música pop tradicional . Esta tendencia se aceleró a fines de la década de 1960, con un resurgimiento significativo del uso de cuerdas, especialmente en la música soul . Las grabaciones populares de Motown de finales de la década de 1960 y de 1970 dependían en gran medida de las cuerdas como parte de su textura característica.
Con el auge de la música creada electrónicamente en la década de 1980, el uso del violín disminuyó y su lugar lo ocuparon los sonidos de cuerdas sintetizadas tocados por un tecladista con un sintetizador . Sin embargo, si bien el violín ha tenido muy poco uso en la música rock convencional , tiene cierta historia en el rock progresivo (por ejemplo, Electric Light Orchestra , King Crimson , Kansas , Gentle Giant ). El instrumento tiene un lugar más importante en las bandas de fusión de jazz modernas , en particular The Corrs .
La popularidad de la música crossover, que comenzó en los últimos años del siglo XX, ha devuelto el violín al ámbito de la música popular, con violines eléctricos y acústicos utilizados por bandas populares. Dave Matthews Band cuenta con el violinista Boyd Tinsley . The Flock contó con el violinista Jerry Goodman, que más tarde se unió a la banda de fusión de jazz y rock , The Mahavishnu Orchestra . James ' Saul Davies , que también es guitarrista , fue reclutado por la banda como violinista.
La banda de folk metal Ithilien utiliza el violín ampliamente a lo largo de su discografía. [39] La banda de metal progresivo Ne Obliviscaris cuenta con un violinista, Tim Charles, en su formación. [40]
Artistas independientes, como Owen Pallett , The Shondes y Andrew Bird , también han estimulado un mayor interés en el instrumento. [41] Las bandas indie a menudo han adoptado arreglos nuevos e inusuales, lo que les permite más libertad para presentar el violín que muchos artistas musicales convencionales. Lindsey Stirling toca el violín junto con ritmos y riffs electrónicos/dubstep/trance. [42]
Eric Stanley improvisa con el violín con elementos de música hip hop /pop/clásica y ritmos instrumentales. [43] [44] La exitosa banda de indie rock y pop barroco Arcade Fire utiliza violines ampliamente en sus arreglos. [45]
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Al igual que muchos otros instrumentos utilizados en la música clásica , el violín desciende de ancestros remotos que se utilizaban para la música folclórica . Tras una etapa de intenso desarrollo a finales del Renacimiento , sobre todo en Italia , el violín había mejorado (en volumen, tono y agilidad), hasta el punto de que no solo se convirtió en un instrumento muy importante en la música artística, sino que también resultó muy atractivo para los músicos folclóricos, extendiéndose en última instancia muy ampliamente, a veces desplazando a los instrumentos de arco anteriores. Los etnomusicólogos han observado su uso extendido en Europa, Asia y las Américas.
Cuando se toca como instrumento folclórico, el violín se suele denominar en inglés fiddle ( aunque el término fiddle se puede utilizar de manera informal sin importar el género musical). En todo el mundo, existen varios instrumentos de cuerda, como el violín de rueda y el violín apache , que también se denominan "fiddles". La música de violín se diferencia de la clásica en que las melodías generalmente se consideran música de baile, [46] y se utilizan varias técnicas, como el zumbido, el arrastre y la ornamentación específica de estilos particulares. En muchas tradiciones de música folclórica, las melodías no se escriben, sino que se memorizan por generaciones sucesivas de músicos y se transmiten [46] en lo que se conoce como la tradición oral . Muchas piezas antiguas requieren afinación cruzada o el uso de afinaciones distintas a la GDAE estándar. Algunos intérpretes de estilos americanos de violín folklórico (como el bluegrass o el old-time) tienen el borde superior del puente cortado con una curva ligeramente más plana, lo que hace que técnicas como el "double shuffle" sean menos exigentes para el brazo del arco, ya que reduce el rango de movimiento necesario para alternar entre notas dobles en diferentes pares de cuerdas. Los violinistas que usan cuerdas con núcleo de acero sólido pueden preferir usar un cordal con afinadores finos en las cuatro cuerdas, en lugar del afinador fino único en la cuerda E que usan muchos violinistas clásicos.
Además del rababah árabe , el violín se ha utilizado en la música árabe.
Los violines eléctricos tienen una pastilla magnética o piezoeléctrica que convierte la vibración de las cuerdas en una señal eléctrica. Un cable de conexión o un transmisor inalámbrico envía la señal a un amplificador de un sistema de megafonía . Los violines eléctricos suelen construirse como tales, pero se puede añadir una pastilla a un violín acústico convencional. Un violín eléctrico con un cuerpo resonante que produce un sonido a nivel de escucha independientemente de los elementos eléctricos puede denominarse violín electroacústico . Para ser eficaces como violín acústico, los violines electroacústicos conservan gran parte del cuerpo resonante del violín y, a menudo, se parecen a un violín o violín acústico. El cuerpo puede tener un acabado de colores brillantes y estar hecho de materiales alternativos a la madera. Es posible que estos violines deban conectarse a un amplificador de instrumentos o a un sistema de megafonía . Algunos tipos vienen con una opción silenciosa que permite al músico utilizar auriculares conectados al violín. Los primeros violines eléctricos especialmente construidos datan de 1928 y fueron fabricados por Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner , George Beauchamp , Hugo Benioff y Fredray Kislingbury. Estos violines se pueden conectar a unidades de efectos , al igual que una guitarra eléctrica , que incluyen distorsión , pedal wah-wah y reverberación . Dado que los violines eléctricos no dependen de la tensión de las cuerdas y la resonancia para amplificar su sonido, pueden tener más cuerdas. Por ejemplo, hay violines eléctricos de cinco cuerdas disponibles de varios fabricantes, y también está disponible un violín eléctrico de siete cuerdas (con tres cuerdas más bajas que abarcan el rango del violonchelo ). [47] La mayoría de los primeros violinistas eléctricos eran músicos que tocaban jazz fusión (por ejemplo, Jean-Luc Ponty ) y música popular.
La autenticación de violines es el proceso de determinar el fabricante y la fecha de fabricación de un violín. Este puede ser un proceso importante, ya que se puede asignar un valor significativo a los violines fabricados por fabricantes específicos o en momentos y lugares específicos. El análisis del diseño, el modelo, las características de la madera y la textura del barniz se pueden utilizar para autenticar un violín. [48] La falsificación y otros métodos de tergiversación fraudulenta se pueden utilizar para inflar el valor de un instrumento.
En consecuencia, el nivel de sonido de cada armónico tendrá un valor que fluctúa periódicamente debido al vibrato.
Sin embargo, en el caso de los instrumentos de cuerda, no sólo son fuertemente direccionales, sino que el patrón de su direccionalidad cambia muy rápidamente con la frecuencia. Si piensas en ese patrón a una frecuencia dada como faros de sonido, como las púas de un puercoespín, entonces incluso los ligeros cambios en el tono creados por el vibrato pueden hacer que esas púas ondulen continuamente.
El efecto puede visualizarse en términos de una serie de balizas de sonido altamente direccionales, todas las cuales el vibrato hace que ondulen de un lado a otro de una manera coherente y altamente organizada. Es obvio que un fenómeno de este tipo ayudará enormemente a fusionar los sonidos de los parciales de diferente dirección en una única corriente auditiva; incluso se puede especular que es una de las razones por las que el vibrato es utilizado tan universalmente por los violinistas, en comparación con los músicos de viento, en cuyos instrumentos el color de tono direccional generalmente está ausente.
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