La pintura renacentista italiana es la pintura del período que comienza a fines del siglo XIII y florece desde principios del siglo XV hasta fines del siglo XVI, y se desarrolla en la península itálica , que en ese momento estaba dividida en muchos estados políticos, algunos independientes pero otros controlados por poderes externos. Los pintores de la Italia renacentista, aunque a menudo estaban vinculados a cortes particulares y eran leales a ciudades particulares, vagaron por toda Italia, a menudo ocupando un estatus diplomático y difundiendo ideas artísticas y filosóficas. [1]
La ciudad de Florencia en la Toscana es conocida como la cuna del Renacimiento , y en particular de la pintura renacentista, aunque más tarde en la era Roma y Venecia asumieron una importancia creciente en la pintura. Se proporciona una descripción detallada en los artículos complementarios Arte renacentista y Arquitectura renacentista . La pintura renacentista italiana se divide con mayor frecuencia en cuatro períodos: el Protorrenacimiento (1300-1425), el Renacimiento temprano (1425-1495), el Alto Renacimiento (1495-1520) y el Manierismo (1520-1600). Las fechas de estos períodos representan la tendencia general en la pintura italiana y no cubren a todos los pintores, ya que las vidas de los artistas individuales y sus estilos personales se superpusieron a estos períodos.
El Protorrenacimiento comienza con la vida profesional del pintor Giotto e incluye a Taddeo Gaddi , Orcagna y Altichiero . El estilo del Renacimiento temprano fue iniciado por Masaccio y luego desarrollado por Fra Angelico , Paolo Uccello , Piero della Francesca , Sandro Botticelli , Verrocchio , Domenico Ghirlandaio y Giovanni Bellini . El período del Alto Renacimiento fue el de Leonardo da Vinci , Miguel Ángel , Rafael , Andrea del Sarto , Coreggio , Giorgione , las últimas obras de Giovanni Bellini y Tiziano . El período manierista, tratado en un artículo separado, incluyó las últimas obras de Miguel Ángel, así como Pontormo , Parmigianino , Bronzino y Tintoretto .
Las influencias sobre el desarrollo de la pintura renacentista en Italia son las que también afectaron a la arquitectura, la ingeniería, la filosofía, la lengua, la literatura, las ciencias naturales, la política, la ética, la teología y otros aspectos de la sociedad italiana durante el período del Renacimiento . A continuación se presenta un resumen de los puntos tratados con más detalle en los principales artículos citados anteriormente.
Se hizo accesible una serie de textos clásicos que habían permanecido ocultos para los estudiosos de Europa occidental durante siglos, entre ellos Filosofía, Poesía, Teatro, Ciencia, una tesis sobre las artes y la teología cristiana primitiva. El interés resultante por la filosofía humanista significó que la relación del hombre con la humanidad, el universo y con Dios ya no era dominio exclusivo de la Iglesia. Un renovado interés por los clásicos dio lugar al primer estudio arqueológico de los restos romanos por parte del arquitecto Brunelleschi y el escultor Donatello . El resurgimiento de un estilo arquitectónico basado en precedentes clásicos inspiró un clasicismo correspondiente en la pintura, que se manifestó ya en la década de 1420 en las pinturas de Masaccio y Paolo Uccello .
Al mismo tiempo que Europa accedía a los textos clásicos, accedió a las matemáticas avanzadas, que tenían su origen en las obras de los eruditos bizantinos e islámicos. La aparición de la imprenta con tipos móviles en el siglo XV permitió difundir las ideas con facilidad y se escribió un número cada vez mayor de libros para un público amplio. El desarrollo de la pintura al óleo y su introducción en Italia tuvieron efectos duraderos en el arte de la pintura.
La creación del Banco Medici y el comercio que generó a partir de él aportaron una riqueza sin precedentes a una única ciudad italiana, Florencia . Cosimo de' Medici estableció un nuevo estándar para el mecenazgo de las artes, no asociado con la iglesia o la monarquía. La presencia fortuita en la región de Florencia de ciertos individuos de genio artístico, en particular Giotto , Masaccio , Brunelleschi, Piero della Francesca , Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , formó un ethos que apoyó y alentó a muchos artistas menores a lograr obras de calidad extraordinaria. [2]
Una herencia similar de logros artísticos se produjo en Venecia a través de la talentosa familia Bellini , su influyente suegro Mantegna , Giorgione , Tiziano y Tintoretto . [2] [3] [4]
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Gran parte de la pintura del Renacimiento fue encargada por o para la Iglesia católica . Estas obras eran a menudo de gran escala y con frecuencia eran ciclos pintados al fresco de la Vida de Cristo , la Vida de la Virgen o la vida de un santo, en particular San Francisco de Asís . También hubo muchas pinturas alegóricas sobre el tema de la Salvación y el papel de la Iglesia en su consecución. Las iglesias también encargaron retablos , que se pintaron al temple sobre tabla y más tarde al óleo sobre lienzo . Aparte de los grandes retablos, se produjeron pequeños cuadros devocionales en grandes cantidades, tanto para iglesias como para particulares, siendo el tema más común la Virgen con el Niño .
Durante todo este período, también fueron importantes las comisiones cívicas. Los edificios de los gobiernos locales fueron decorados con frescos y otras obras tanto profanas, como la Alegoría del buen y del mal gobierno de Ambrogio Lorenzetti , como religiosas, como el fresco de la Maestà de Simone Martini , en el Palazzo Pubblico de Siena .
El retrato era poco común en los siglos XIV y principios del XV, y se limitaba principalmente a imágenes conmemorativas cívicas, como los retratos ecuestres de Guidoriccio da Fogliano de Simone Martini , 1327, en Siena y, de principios del siglo XV, John Hawkwood de Uccello en la Catedral de Florencia y su compañero retratando a Niccolò da Tolentino de Andrea del Castagno .
Durante el siglo XV, el retrato se hizo común, inicialmente con frecuencia retratos de perfil formalizados, pero cada vez más retratos de busto y de tres cuartos. Los mecenas de obras de arte como retablos y ciclos de frescos a menudo se incluían en las escenas, un ejemplo notable es la inclusión de las familias Sassetti y Medici en el ciclo de Domenico Ghirlandaio en la Capilla Sassetti . El retrato se convertiría en un tema importante para los pintores del Alto Renacimiento como Rafael y Tiziano y continuaría en el período manierista en obras de artistas como Bronzino .
Con el crecimiento del humanismo , los artistas se volcaron a los temas clásicos, en particular para cumplir con los encargos de decoración de las casas de los mecenas ricos, siendo el más conocido El nacimiento de Venus de Botticelli para los Medici. Cada vez más, los temas clásicos también se consideraron como material alegórico adecuado para los encargos cívicos. El humanismo también influyó en la forma en que se representaban los temas religiosos, en particular en el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel .
Otros motivos se extraían de la vida contemporánea, a veces con un significado alegórico, a veces puramente decorativo. Se podían registrar incidentes importantes para una familia en particular, como los de la Camera degli Sposi que Mantegna pintó para la familia Gonzaga en Mantua . Cada vez más, se pintaron naturalezas muertas y escenas decorativas de la vida, como el Concierto de Lorenzo Costa de alrededor de 1490.
Los acontecimientos importantes se registraban o conmemoraban a menudo en pinturas como la Batalla de San Romano de Uccello , al igual que importantes festividades religiosas locales. La historia y los personajes históricos a menudo se representaban de una manera que reflejaba los acontecimientos actuales o la vida de la gente actual. A menudo se pintaban retratos de contemporáneos disfrazados de personajes de la historia o la literatura. Los escritos de Dante , la Leyenda Áurea de Vorágine y El Decamerón de Boccaccio fueron importantes fuentes de temas.
En todos estos temas, cada vez más, y en las obras de casi todos los pintores, se estaban desarrollando ciertas prácticas pictóricas subyacentes: la observación de la naturaleza, el estudio de la anatomía, de la luz y de la perspectiva. [2] [3] [5]
El arte de la región de Toscana a finales del siglo XIII estaba dominado por dos maestros del estilo italo-bizantino , Cimabue de Florencia y Duccio de Siena . Sus encargos eran en su mayoría pinturas religiosas, varias de ellas retablos de gran tamaño que mostraban a la Virgen y el Niño. Estos dos pintores, junto con sus contemporáneos, Guido de Siena , Coppo di Marcovaldo y el misterioso pintor en cuyo estilo puede haberse basado la escuela, el llamado Maestro de San Bernardino, trabajaron todos de una manera que era altamente formalizada y dependiente de la antigua tradición de la pintura de iconos. [6] En estas pinturas al temple muchos de los detalles estaban rígidamente fijados por el tema; la posición precisa de las manos de la Virgen y el Niño Jesús, por ejemplo, estaba dictada por la naturaleza de la bendición que la pintura invocaba sobre el espectador. El ángulo de la cabeza y los hombros de la Virgen, los pliegues de su velo y las líneas con las que se definían sus rasgos se habían repetido en innumerables pinturas de este tipo. Cimabue y Duccio dieron pasos en la dirección de un mayor naturalismo, al igual que su contemporáneo, Pietro Cavallini de Roma. [2]
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Giotto (1266-1337), un joven pastor de las colinas al norte de Florencia, se convirtió en aprendiz de Cimabue y se convirtió en el pintor más destacado de su tiempo. [7] Giotto, posiblemente influenciado por Pietro Cavallini y otros pintores romanos, no basó las figuras que pintó en ninguna tradición pictórica, sino en la observación de la vida. A diferencia de las de sus contemporáneos bizantinos, las figuras de Giotto son sólidamente tridimensionales; están de pie directamente sobre el suelo, tienen una anatomía discernible y están vestidas con prendas con peso y estructura. Pero más que nada, lo que distingue a las figuras de Giotto de las de sus contemporáneos son sus emociones. En los rostros de las figuras de Giotto hay alegría, rabia, desesperación, vergüenza, rencor y amor. El ciclo de frescos de la Vida de Cristo y la Vida de la Virgen que pintó en la Capilla de los Scrovegni en Padua estableció un nuevo estándar para las pinturas narrativas. Su Madonna de Ognissanti se exhibe en la Galería de los Uffizi , en Florencia, en la misma sala que la Madonna de Santa Trinita de Cimabue y la Madonna de Ruccellai de Duccio , donde es fácil hacer comparaciones estilísticas entre las tres. [8] Una de las características evidentes en la obra de Giotto es su observación de la perspectiva naturalista. Se le considera el heraldo del Renacimiento. [9]
Giotto tuvo varios contemporáneos que fueron formados e influidos por él, o cuya observación de la naturaleza los había llevado en una dirección similar. Aunque varios de los discípulos de Giotto asimilaron la dirección que había tomado su obra, ninguno llegaría a tener tanto éxito como él. Taddeo Gaddi logró la primera pintura de gran tamaño de una escena nocturna en una Anunciación a los pastores en la Capilla Baroncelli de la Iglesia de Santa Croce, Florencia. [2]
Las pinturas de la Iglesia Superior de la Basílica de San Francisco de Asís son ejemplos de pintura naturalista de la época, a menudo atribuidas al propio Giotto, pero más probablemente obra de artistas que rodearon a Pietro Cavallini . [9] Una pintura tardía de Cimabue en la Iglesia Inferior de Asís, de la Virgen y San Francisco , también muestra claramente un mayor naturalismo que sus pinturas sobre tabla y los restos de sus frescos anteriores en la iglesia superior.
Un tema común en la decoración de las iglesias medievales era el Juicio Final , que en las iglesias del norte de Europa con frecuencia ocupa un espacio escultórico sobre la puerta oeste, pero en iglesias italianas como la Capilla de los Scrovegni de Giotto está pintado en la pared interior oeste. La Peste Negra de 1348 hizo que sus supervivientes se centraran en la necesidad de acercarse a la muerte en un estado de penitencia y absolución. La inevitabilidad de la muerte, las recompensas para el penitente y las penas del pecado se enfatizaron en una serie de frescos, notables por sus sombrías representaciones del sufrimiento y sus imágenes surrealistas de los tormentos del Infierno .
Entre ellos se encuentran el Triunfo de la muerte , del discípulo de Giotto , Orcagna , que se encuentra actualmente en estado fragmentario en el Museo de Santa Croce, y el Triunfo de la muerte en el Camposanto Monumentale de Pisa , obra de un pintor desconocido, tal vez Francesco Traini o Buonamico Buffalmacco, que trabajó en los otros tres frescos de una serie sobre el tema de la Salvación. Se desconoce exactamente cuándo se empezaron a pintar estos frescos, pero se supone que son posteriores a 1348. [2]
Dos importantes pintores de frescos estuvieron activos en Padua a finales del siglo XIV, Altichiero y Giusto de' Menabuoi . La obra maestra de Giusto, la decoración del Baptisterio de Padua , sigue el tema de la Creación, Caída y Salvación de la humanidad, y también tiene un raro ciclo del Apocalipsis en el pequeño presbiterio. Si bien toda la obra es excepcional por su amplitud, calidad y estado intacto, el tratamiento de la emoción humana es conservador en comparación con el de la Crucifixión de Altichiero en la Basílica de San Antonio , también en Padua. La obra de Giusto se basa en gestos formalizados, donde Altichiero relata los incidentes que rodearon la muerte de Cristo con gran dramatismo e intensidad humanos. [10]
En Florencia, en la Capilla Española de Santa Maria Novella , Andrea di Bonaiuto recibió el encargo de destacar el papel de la Iglesia en el proceso redentor, y en particular el de la Orden de los Dominicos . Su fresco Alegoría de la Iglesia Activa y Triunfante es notable por su representación de la Catedral de Florencia , completa con la cúpula que no se construyó hasta el siglo siguiente. [2]
A finales del siglo XIV, el gótico internacional fue el estilo que dominó la pintura toscana. Se puede ver en cierta medida en la obra de Pietro y Ambrogio Lorenzetti, que se caracteriza por una dulzura y gracia formalizadas en las figuras y la gracia del gótico tardío en los ropajes. El estilo está plenamente desarrollado en las obras de Simone Martini y Gentile da Fabriano , que tienen una elegancia y una riqueza de detalles, y una calidad idealizada que no es compatible con las realidades más crudas de las pinturas de Giotto. [2]
A principios del siglo XV, las pinturas de Fra Angelico , que unen el gótico internacional y el renacimiento, son un puente entre ellas. Muchas de ellas, al ser retablos al temple, muestran el amor gótico por la elaboración, el pan de oro y el color brillante. En los frescos de su convento de San Marcos, Fra Angelico se muestra como discípulo artístico de Giotto. Estas pinturas devocionales, que adornan las celdas y los pasillos habitados por los frailes, representan episodios de la vida de Jesús , muchas de ellas escenas de la Crucifixión . Son de una sencillez absoluta, colores sobrios e intensos en su tono, ya que el artista buscaba hacer de las revelaciones espirituales una realidad visual. [2] [11]
Las primeras imágenes verdaderamente renacentistas de Florencia datan de 1401, aunque no son pinturas. Ese año se celebró un concurso entre siete jóvenes artistas para seleccionar al artista que crearía un par de puertas de bronce para el Baptisterio de Florencia , la iglesia más antigua que se conserva en la ciudad. Los concursantes debían diseñar cada uno un panel de bronce de forma y tamaño similares, que representara el Sacrificio de Isaac .
Dos de los paneles del concurso han sobrevivido, los de Lorenzo Ghiberti y Brunelleschi . Cada panel muestra algunos motivos fuertemente clasicistas que indican la dirección en la que se estaban moviendo el arte y la filosofía en ese momento. Ghiberti utilizó la figura desnuda de Isaac para crear una pequeña escultura de estilo clásico. La figura está arrodillada sobre una tumba decorada con volutas de acanto que también son una referencia al arte de la Antigua Roma. En el panel de Brunelleschi, una de las figuras adicionales incluidas en la escena recuerda a una conocida figura de bronce romana de un niño sacándose una espina del pie. La creación de Brunelleschi es desafiante en su intensidad dinámica. Menos elegante que la de Ghiberti, trata más sobre el drama humano y la tragedia inminente. [12]
Ghiberti ganó el concurso. Tardó 27 años en completar su primer conjunto de puertas del Baptisterio , tras lo cual recibió el encargo de hacer otro. En los 50 años que Ghiberti trabajó en ellas, las puertas sirvieron de campo de entrenamiento para muchos de los artistas de Florencia. Al tener un tema narrativo y emplear no solo la habilidad para organizar composiciones figurativas sino también la floreciente habilidad de la perspectiva lineal , las puertas tendrían una enorme influencia en el desarrollo del arte pictórico florentino.
Los primeros frescos o pinturas del Renacimiento temprano se iniciaron en 1425, cuando dos artistas comenzaron a pintar un ciclo de frescos de la Vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la Iglesia de las Carmelitas de Florencia. Ambos se llamaban Tommaso y eran apodados Masaccio y Masolino , Tom el Desaliñado y Tom el Pequeño.
Más que cualquier otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones de la obra de Giotto. Llevó adelante la práctica de pintar de la naturaleza. Sus frescos demuestran una comprensión de la anatomía, del escorzo, de la perspectiva lineal, de la luz y del estudio de los drapeados. En la Capilla Brancacci , su fresco del Dinero del Tributo tiene un único punto de fuga y utiliza un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad para transmitir una calidad tridimensional a la obra. Asimismo, las figuras de Adán y Eva siendo expulsados del Edén , pintadas en el lateral del arco de la capilla, son famosas por su representación realista de la forma humana y de la emoción humana. Contrastan con las figuras suaves y bonitas pintadas por Masolino en el lado opuesto de Adán y Eva recibiendo el fruto prohibido . La pintura de la Capilla Brancacci quedó incompleta cuando Masaccio murió a los 26 años en 1428. El Dinero del Tributo fue completado por Masolino, mientras que el resto de la obra en la capilla fue terminada por Filippino Lippi en la década de 1480. La obra de Masaccio se convirtió en fuente de inspiración para muchos pintores posteriores, incluidos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel . [13]
Durante la primera mitad del siglo XV, la consecución del efecto de espacio realista en una pintura mediante el empleo de la perspectiva lineal fue una preocupación importante para muchos pintores, así como para los arquitectos Brunelleschi y Alberti, quienes teorizaron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi realizó una serie de estudios minuciosos de la plaza y el baptisterio octogonal fuera de la Catedral de Florencia y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famoso nicho en trampantojo alrededor de la Santísima Trinidad que pintó en Santa Maria Novella . [13]
Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que no pensó en mucho más y experimentó con ella en muchas pinturas, las más conocidas son las tres pinturas de La batalla de San Romano (terminadas en la década de 1450) que utilizan armas rotas en el suelo y campos en las colinas distantes para dar una impresión de perspectiva.
En la década de 1450, Piero della Francesca , en pinturas como La flagelación de Cristo , demostró su dominio de la perspectiva lineal y también de la ciencia de la luz. Existe otra pintura, un paisaje urbano, de un artista desconocido, tal vez Piero della Francesca, que demuestra el tipo de experimento que había estado haciendo Brunelleschi. A partir de esta época, la perspectiva lineal se entendió y empleó con regularidad, como por ejemplo por Perugino en su Cristo entregando las llaves a San Pedro (1481-82) en la Capilla Sixtina . [12]
Giotto utilizó la tonalidad para crear formas. Taddeo Gaddi , en su escena nocturna en la Capilla Baroncelli, demostró cómo se podía utilizar la luz para crear drama. Paolo Uccello , cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos casi monocromos. Realizó varios de ellos en terra verde ("tierra verde"), animando sus composiciones con toques de bermellón. El más conocido es su retrato ecuestre de John Hawkwood en la pared de la Catedral de Florencia . Tanto aquí como en las cuatro cabezas de profetas que pintó alrededor de la esfera interior del reloj de la catedral, utilizó tonos fuertemente contrastantes, lo que sugiere que cada figura estaba iluminada por una fuente de luz natural, como si la fuente fuera una ventana real en la catedral. [14]
Piero della Francesca profundizó en su estudio de la luz. En La flagelación demuestra que sabe cómo se difunde proporcionalmente la luz desde su punto de origen. En esta pintura hay dos fuentes de luz, una en el interior de un edificio y otra en el exterior. Aunque la luz en sí es invisible, se puede calcular su posición con certeza matemática en el caso de la fuente interna. Leonardo da Vinci continuaría con el trabajo de Piero sobre la luz. [15]
La Virgen María , venerada por la Iglesia católica en todo el mundo, fue particularmente evocada en Florencia, donde había una imagen milagrosa de ella en una columna del mercado del maíz y donde tanto la Catedral de "Nuestra Señora de las Flores" como la gran iglesia dominica de Santa Maria Novella fueron bautizadas en su honor.
La imagen milagrosa del mercado de cereales fue destruida por un incendio, pero fue reemplazada por una nueva imagen en la década de 1330 por Bernardo Daddi , colocada en un baldaquino de elaborado diseño y profusamente labrado por Orcagna . El piso inferior abierto del edificio fue cerrado y consagrado como Orsanmichele .
Las representaciones de la Virgen con el Niño eran una forma de arte muy popular en Florencia. Adoptaron todas las formas, desde pequeñas placas de terracota producidas en serie hasta magníficos retablos como los de Cimabue , Giotto y Masaccio .
En el siglo XV y la primera mitad del XVI, un taller más que ningún otro dominó la producción de vírgenes. Se trataba de la familia della Robbia, que no eran pintores sino modeladores en arcilla. Luca della Robbia , famoso por su galería de cantoria en la catedral, fue el primer escultor que utilizó terracota vidriada para esculturas de gran tamaño. Muchas de las obras duraderas de esta familia han sobrevivido. La habilidad de los della Robbia, en particular la de Andrea della Robbia , consistía en dar un gran naturalismo a los bebés que modelaban como Jesús y expresiones de gran piedad y dulzura a la Virgen. Debían establecer un estándar que sería emulado por otros artistas de Florencia.
Entre los que pintaron vírgenes devocionales durante el Renacimiento temprano se encuentran Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio y Davide Ghirlandaio . La costumbre fue continuada por Botticelli, quien produjo una serie de vírgenes durante un período de veinte años para los Medici ; Perugino , cuyas vírgenes y santos son conocidos por su dulzura y Leonardo da Vinci , para quien han sobrevivido varias pequeñas vírgenes atribuidas como la Madonna Benois . Incluso Miguel Ángel , que era principalmente escultor, fue persuadido para pintar el Tondo Doni , mientras que para Rafael , se encuentran entre sus obras más populares y numerosas.
Uno de los pintores más influyentes del norte de Italia fue Andrea Mantegna de Padua , que tuvo la suerte de ser un adolescente en la época en la que trabajaba allí el gran escultor florentino Donatello . Donatello creó el enorme bronce ecuestre, el primero desde el Imperio Romano, del condotiero Gattemelata , todavía visible en su pedestal en la plaza exterior de la Basílica de San Antonio . También trabajó en el altar mayor y creó una serie de paneles de bronce en los que logró una notable ilusión de profundidad, con perspectiva en los escenarios arquitectónicos y aparente redondez de la forma humana, todo en relieve muy superficial.
Con tan solo 17 años, Mantegna aceptó su primer encargo, unos ciclos de frescos de las Vidas de los Santos Jaime y Cristóbal para la Capilla Ovetari en el crucero de la iglesia de los Eremitani , cerca de la Capilla de los Scrovegni en Padua. Desafortunadamente, el edificio fue destruido en su mayor parte durante la Segunda Guerra Mundial, y solo se conocen por fotografías que revelan un sentido de la perspectiva ya muy desarrollado y un conocimiento de la antigüedad, por el que la antigua Universidad de Padua se había hecho famosa, a principios del siglo XV. [16] La última obra de Mantegna en Padua fue un retablo monumental de San Zeno , creado para el abad de la Basílica de San Zeno , Verona, de 1457 a 1459. [17] Este políptico, cuyos paneles de la predela son particularmente notables por el manejo de elementos paisajísticos, influyó en el desarrollo posterior del arte renacentista en el norte de Italia. [17] [18]
La obra más famosa de Mantegna es la decoración interior de la Camera degli Sposi en el palacio ducal de Mantua , fechada alrededor de 1470. Las paredes están pintadas al fresco con escenas de la vida de la familia Gonzaga , hablando, saludando a un hijo menor y a su tutor a su regreso de Roma, preparándose para una cacería y otras escenas similares que no hacen referencia obvia a asuntos históricos, literarios, filosóficos o religiosos. Son notables por simplemente tratar sobre la vida familiar. La única concesión es la dispersión de alegres putti alados , que sostienen placas y guirnaldas y trepan por la balaustrada perforada ilusionista que rodea una vista en trampantojo del cielo que adorna el techo de la cámara. [12] El principal legado de Mantegna se considera la introducción del ilusionismo espacial, llevada a cabo por un dominio de la perspectiva, tanto en frescos como en pinturas de sacra conversazione : su tradición de decoración de techos se siguió durante casi tres siglos.
En 1442 Alfonso V de Aragón se convirtió en gobernante de Nápoles , trayendo consigo una colección de pinturas flamencas y estableciendo una Academia Humanista . Antonello da Messina parece haber tenido acceso a la colección del Rey, que puede haber incluido las obras de Jan van Eyck . [19] La evidencia reciente indica que Antonello probablemente estuvo en contacto con el seguidor más consumado de Van Eyck, Petrus Christus , en Milán a principios de 1456 y probablemente aprendió las técnicas de pintura al óleo, incluyendo pintar detalles casi microscópicos y diminutas gradaciones de luz, directamente de Christus. [20] Además, las expresiones más tranquilas de sus obras en los rostros de las personas y la calma en la composición general de las obras también parecen ser una influencia neerlandesa. [21] Antonello fue a Venecia en 1475 y permaneció allí hasta el otoño de 1476, por lo que es probable que Antonello transmitiera las técnicas de uso de pinturas al óleo, [22] pintar la gradación de la luz y los principios de la calma a los pintores venecianos , incluido Giovanni Bellini, uno de los pintores más importantes del Alto Renacimiento en el norte de Italia, durante esa visita. [23] [2] [16]
Antonello pintó sobre todo pequeños retratos meticulosos en colores brillantes. Pero una de sus obras más famosas, San Jerónimo en su estudio , demuestra su habilidad superior en el manejo de la perspectiva lineal y la luz. La composición de la pequeña pintura está enmarcada por un arco gótico tardío, a través del cual se ve un interior, doméstico por un lado y eclesiástico por el otro, en cuyo centro el santo se sienta en un corral de madera rodeado de sus posesiones mientras su león merodea en las sombras del suelo. La forma en que la luz entra a raudales por cada puerta y ventana, proyectando luz natural y reflejada sobre la arquitectura y todos los objetos, habría entusiasmado a Piero della Francesca . [2] [16]
En Florencia, a finales del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso las que se hacían para decorar iglesias, eran en general encargadas y pagadas por mecenas privados. Gran parte de este mecenazgo provenía de la familia Medici o de personas estrechamente asociadas o relacionadas con ella, como los Sassetti, los Ruccellai y los Tornabuoni.
En la década de 1460, Cosimo de' Medici había establecido a Marsilio Ficino como su filósofo humanista residente , y facilitó su traducción de Platón y su enseñanza de la filosofía platónica , que se centraba en la humanidad como centro del universo natural, en la relación personal de cada persona con Dios y en el amor fraternal o "platónico" como lo más cercano que una persona podía llegar a emular o comprender el amor de Dios. [24]
En la época medieval , todo lo relacionado con el período clásico se percibía como asociado al paganismo. En el Renacimiento pasó a asociarse cada vez más con la Ilustración . Las figuras de la mitología clásica comenzaron a asumir un nuevo papel simbólico en el arte cristiano y, en particular, la diosa Venus adquirió una nueva distinción. Nacida completamente formada, por una especie de milagro, fue la nueva Eva , símbolo del amor inocente, o incluso, por extensión, un símbolo de la propia Virgen María . Vemos a Venus en ambos papeles en las dos famosas pinturas al temple que Botticelli hizo en la década de 1480 para el sobrino de Cosimo, Pierfrancesco de' Medici , La Primavera y El nacimiento de Venus . [25]
Mientras tanto, Domenico Ghirlandaio , un dibujante meticuloso y preciso y uno de los mejores retratistas de su época, ejecutó dos ciclos de frescos para los asociados de los Medici en dos de las iglesias más grandes de Florencia, la Capilla Sassetti en Santa Trinita y la Capilla Tornabuoni en Santa Maria Novella . En estos ciclos de la Vida de San Francisco y la Vida de la Virgen María y la Vida de Juan Bautista había espacio para retratos de mecenas y de los mecenas de los mecenas. Gracias al mecenazgo de Sassetti, hay un retrato del propio hombre, con su empleador, Lorenzo il Magnifico , y los tres hijos de Lorenzo con su tutor, el poeta y filósofo humanista, Agnolo Poliziano . En la Capilla Tornabuoni hay otro retrato de Poliziano, acompañado por otros miembros influyentes de la Academia platónica, incluido Marsilio Ficino. [24]
A partir de 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden y posiblemente antes, los artistas conocieron la técnica del óleo . Si bien tanto el temple como el fresco se prestaban a la representación de patrones, ninguno de ellos ofrecía una forma exitosa de representar texturas naturales de manera realista. La gran flexibilidad del óleo, que podía hacerse opaco o transparente y permitía alteraciones y adiciones durante días después de su aplicación, abrió un nuevo mundo de posibilidades para los artistas italianos.
En 1483 llegó a Florencia el enorme retablo de la Adoración de los pastores pintado por Hugo van der Goes . Pintado en 1475 por encargo de la familia Portinari, fue enviado desde Brujas y colocado en la capilla de Sant' Egidio del hospital de Santa Maria Nuova. El retablo brilla con rojos y verdes intensos, que contrastan con las túnicas de terciopelo negro brillante de los donantes de Portinari. En primer plano hay una naturaleza muerta de flores en recipientes contrastantes, uno de cerámica vidriada y el otro de cristal. El jarrón de cristal por sí solo era suficiente para llamar la atención. Pero el aspecto más influyente del tríptico fue la calidad extremadamente natural y realista de los tres pastores con barbas incipientes, manos desgastadas por el trabajo y expresiones que van desde la adoración hasta el asombro y la incomprensión. Domenico Ghirlandaio pintó rápidamente su propia versión, con una bella Madonna italiana en lugar de la flamenca de cara alargada, y él mismo, gesticulando teatralmente, como uno de los pastores. [12]
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En 1477, el Papa Sixto IV reemplazó la antigua capilla abandonada del Vaticano en la que se celebraban muchos de los servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planificado desde el principio para tener una serie de 16 grandes frescos entre sus pilastras en el nivel medio, con una serie de retratos pintados de papas sobre ellos.
En 1480, un grupo de artistas de Florencia recibió el encargo de realizar la obra: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli . Este ciclo de frescos debía representar Historias de la vida de Moisés en un lado de la capilla e Historias de la vida de Cristo en el otro, con frescos que se complementaban entre sí en cuanto a su tema. La Natividad de Jesús y el Hallazgo de Moisés estaban adyacentes en la pared detrás del altar, con un retablo de la Asunción de la Virgen entre ellos. Estas pinturas, todas de Perugino, fueron destruidas más tarde para pintar El Juicio Final de Miguel Ángel . Las 12 imágenes restantes indican el virtuosismo que estos artistas habían alcanzado y la obvia cooperación entre individuos que normalmente empleaban estilos y habilidades muy diferentes. Las pinturas dieron plena expresión a sus capacidades, ya que incluían una gran cantidad de figuras de hombres, mujeres y niños y personajes que iban desde ángeles guías hasta faraones enfurecidos y el mismísimo diablo. Cada pintura requería un paisaje . Debido a la escala de las figuras que acordaron los artistas, en cada cuadro el paisaje y el cielo ocupan toda la mitad superior de la escena. A veces, como en la escena de La purificación del leproso de Botticelli , hay pequeñas narraciones adicionales que tienen lugar en el paisaje, en este caso Las tentaciones de Cristo .
La escena de Perugino de Cristo entregando las llaves a San Pedro es notable por la claridad y simplicidad de su composición, la belleza de la pintura figurativa, que incluye un autorretrato entre los espectadores, y especialmente la perspectiva del paisaje urbano que incluye una referencia al ministerio de Pedro a Roma por la presencia de dos arcos triunfales y un edificio octogonal colocado centralmente que podría ser un baptisterio cristiano o un mausoleo romano . [26]
El Alto Renacimiento de la pintura fue la culminación de los variados medios de expresión [27] y varios avances en la técnica de la pintura, como la perspectiva lineal [28] , la representación realista de características físicas [29] y psicológicas, [30] y la manipulación de la luz y la oscuridad, incluido el contraste de tonos, el sfumato (suavizar la transición entre colores) y el claroscuro (contraste entre luz y oscuridad), [31] en un solo estilo unificador [32] que expresaba un orden compositivo total, equilibrio y armonía. [33] Según Marcia Hall , el cangiante y lo que ella llama unione se pueden agregar al claroscuro y al sfumato para hacer cuatro estilos de pintura específicos en el Alto Renacimiento; [34] estos ahora a veces se agrupan como los "modos de pintura canónicos" del período. [35]
En particular, las partes individuales de la pintura tenían una relación compleja pero equilibrada y bien unida con un todo dinámico. [36] La pintura del Alto Renacimiento se considera el cenit absoluto de la pintura occidental [37] y logró el equilibrio y la reconciliación, en armonía, de posiciones artísticas contradictorias y aparentemente mutuamente excluyentes, como lo real versus lo ideal, el movimiento versus el descanso, la libertad versus la ley, el espacio versus el plano y la línea versus el color. [38]
La mayoría de los historiadores del arte afirman que el Alto Renacimiento comenzó alrededor de 1495 o 1500 [39] y terminó en 1520 con la muerte de Rafael , [40] aunque algunos dicen que el Alto Renacimiento terminó alrededor de 1525 [41] o en 1527 con el Saqueo de Roma por el ejército de Carlos V, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico , [42] o alrededor de 1530. [43] Muchos citan La última cena de Leonardo da Vinci , iniciada en 1495 y completada en 1498, como la primera obra del Alto Renacimiento. [44] En su libro, Una historia del arte: pintura, escultura y arquitectura , Frederick Hartt afirma que 1520 a 1530 fue un período de transición entre el Alto Renacimiento y el Manierismo. El Alto Renacimiento estuvo dominado por tres pintores: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael; Mientras que Giovanni Bellini, Giorgione y Tiziano fueron los líderes de la pintura veneciana del Alto Renacimiento, siendo Correggio y Andrea del Sarto otros pintores importantes del estilo del Alto Renacimiento.
Leonardo (1452-1519) pasó sus años de formación formándose en el taller florentino de Verrocchio antes de trasladarse a Milán, donde trabajó de 1482 a 1499 antes de regresar a Florencia de 1500 a 1506. Debido a la amplitud de sus intereses y al extraordinario grado de talento que demostró en tan diversas áreas, se le considera el arquetipo del " hombre del Renacimiento ". Pero fue sobre todo como pintor como fue admirado en su época, y como pintor se basó en el conocimiento que adquirió de sus otros intereses. Leonardo era un observador científico. Aprendía mirando las cosas. Estudió y dibujó las flores de los campos, los remolinos del río, la forma de las rocas y las montañas, la forma en que la luz se reflejaba en el follaje y brillaba en una joya. En particular, estudió la forma humana, diseccionando treinta o más cadáveres no reclamados de un hospital para comprender los músculos y los tendones.
Leonardo alcanzó un grado de realismo en la expresión de la emoción humana, prefigurado por Giotto pero desconocido desde Adán y Eva de Masaccio . La Última Cena de Leonardo , pintada entre 1495 y 1498 en el refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie (Milán) , se convirtió en el referente de la pintura narrativa religiosa durante el siguiente medio milenio. Muchos otros artistas del Renacimiento pintaron versiones de la Última Cena , pero solo la de Leonardo estaba destinada a ser reproducida incontables veces en madera, alabastro, yeso, litografía, tapiz, crochet y alfombras de mesa.
Más que ningún otro artista, Leonardo difundió el estudio y la pintura de la "atmósfera". En sus pinturas, como la Mona Lisa ( c. 1503-1517 ) y La Virgen de las Rocas (1483-1486) (la primera obra completa totalmente de su mano), utilizó la luz y la sombra con tal sutileza que, a falta de una palabra mejor, se la conoció como el sfumato o "humo" de Leonardo. Exhibió un uso revolucionario del color al definir la transición entre figuras mediante la modulación del color en lugar de mediante líneas reales. [45] Su obra invitaba al espectador a un mundo misterioso de sombras cambiantes, montañas caóticas y torrentes arremolinados. Otra obra significativa de Leonardo fue La Virgen con el Niño y Santa Ana ( c. 1503-1519 ); la monumental calidad tridimensional del grupo y los calculados efectos de dinamismo y tensión en la composición la convirtieron en un modelo que inspiró a los clasicistas y a los manieristas en igual medida. [46] Además del impacto directo de las obras en sí, los estudios de Leonardo sobre la luz, la anatomía, el paisaje y la expresión humana se difundieron en parte gracias a su generosidad hacia un séquito de estudiantes. [47]
En 1508, el papa Julio II consiguió que el escultor florentino Miguel Ángel (1475-1564) aceptara continuar con el esquema decorativo de la Capilla Sixtina. El techo de la Capilla Sixtina se construyó de tal manera que había doce pechinas inclinadas que sostenían la bóveda y formaban superficies ideales sobre las que pintar a los Doce Apóstoles . Miguel Ángel pronto ideó un esquema completamente diferente, mucho más complejo tanto en diseño como en iconografía. La escala de la obra, que ejecutó con una sola mano salvo por la asistencia manual, fue titánica y tardó casi cinco años en completarse.
El plan del Papa para los Apóstoles habría formado temáticamente un vínculo pictórico entre las narraciones del Antiguo y el Nuevo Testamento en las paredes y los papas en la galería de retratos. [26] Son los doce apóstoles y su líder Pedro como primer obispo de Roma los que forman ese puente. Pero el plan de Miguel Ángel iba en la dirección opuesta. El tema del techo de Miguel Ángel no es el gran plan de Dios para la salvación de la humanidad. El tema trata sobre la desgracia de la humanidad. Trata sobre por qué la humanidad y la fe necesitaban a Jesús. [48]
Superficialmente, el techo es una construcción humanista . Las figuras son de dimensiones sobrehumanas y, en el caso de Adán , de tal belleza que, según el biógrafo Vasari , realmente parece como si Dios mismo hubiera diseñado la figura, en lugar de Miguel Ángel. Pero a pesar de la belleza de las figuras individuales, Miguel Ángel no ha glorificado el estado humano, y ciertamente no ha presentado el ideal humanista del amor platónico . De hecho, los antepasados de Cristo, que pintó alrededor de la sección superior de la pared, muestran todos los peores aspectos de las relaciones familiares, mostrando la disfunción en tantas formas diferentes como familias hay. [48]
Vasari elogió los poderes aparentemente infinitos de invención de Miguel Ángel a la hora de crear posturas para las figuras. Rafael , a quien Bramante le dio una vista previa después de que Miguel Ángel dejara el pincel y se marchara furioso a Bolonia, pintó al menos dos figuras en imitación de los profetas de Miguel Ángel, una en la iglesia de San Agustín y la otra en el Vaticano , su retrato del propio Miguel Ángel en La Escuela de Atenas . [26] [49] [50]
La obra posterior de Miguel Ángel, El Juicio Final , pintada en la pared del altar de la Capilla Sixtina entre 1534 y 1541, muestra un estilo manierista, con cuerpos generalmente alargados, que tomó el relevo del estilo del Alto Renacimiento entre 1520 y 1530.
Junto con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , el nombre de Rafael (1483-1520) es sinónimo del Alto Renacimiento, aunque era 18 años más joven que Miguel Ángel y casi 30 que Leonardo y murió a los 37 años tan solo un año después que Leonardo. No se puede decir que hiciera avanzar tanto el estado de la pintura como sus dos famosos contemporáneos. Más bien, su obra fue la culminación de todos los avances del Alto Renacimiento.
Rafael nació como hijo de un pintor, por lo que su carrera, a diferencia de la de Miguel Ángel, que era hijo de una nobleza menor, se decidió sin peleas. Algunos años después de la muerte de su padre trabajó en el taller umbro de Perugino , siendo un excelente pintor y un técnico soberbio. Su primer cuadro firmado y fechado, ejecutado a la edad de 21 años, es Los esponsales de la Virgen , que revela inmediatamente su origen en Cristo entregando las llaves a San Pedro de Perugino . [16]
Rafael, que se trasladó a Florencia en 1504 y a Roma en 1508, se inspiró sin complejos en las habilidades de los pintores de renombre que vivieron en el mismo período que él. En sus obras se combinan las cualidades individuales de numerosos pintores diferentes. Las formas redondeadas y los colores luminosos de Perugino, los retratos realistas de Ghirlandaio, el realismo y la iluminación de Leonardo y el poderoso dibujo de Miguel Ángel se unificaron en las pinturas de Rafael. En su corta vida ejecutó una serie de grandes retablos, un impresionante fresco clásico de la ninfa del mar Galatea , retratos excepcionales con dos papas y un escritor famoso entre ellos y, mientras Miguel Ángel pintaba el techo de la Capilla Sixtina , una serie de frescos murales en las Estancias de Rafael del Palacio Apostólico cercano, de los cuales la Escuela de Atenas (1509-1511) en la Stanza della Segnatura es de singular importancia. Este fresco representa una reunión de todos los más eruditos de la antigua Atenas, reunidos en un gran escenario clásico alrededor de la figura central de Platón , a quien Rafael ha modelado a partir de Leonardo da Vinci . La figura melancólica de Heráclito , que está sentado junto a un gran bloque de piedra, es un retrato de Miguel Ángel y es una referencia a la pintura de este último del profeta Jeremías en la Capilla Sixtina. Su propio retrato está a la derecha, junto a su maestro, Perugino. [51]
Pero la principal fuente de popularidad de Rafael no fueron sus obras principales, sino sus pequeños cuadros florentinos de la Virgen y el Niño Jesús. Una y otra vez pintó, en poses ligeramente diferentes, una mujer rubia regordeta y de rostro tranquilo y sus bebés regordetes; el más famoso probablemente sea La Belle Jardinière ("La Virgen del Hermoso Jardín"), ahora en el Louvre . Su obra más grande, la Madonna Sixtina , utilizada como diseño para innumerables vidrieras , ha llegado, en el siglo XXI, a proporcionar la imagen icónica de dos pequeños querubines que se ha reproducido en todo, desde servilletas de papel hasta sombrillas. [52] [53]
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Giovanni Bellini (1430-1516), un líder de la pintura veneciana , nació un año después que su hermano Gentile , su cuñado Mantegna y Antonello da Messina , pero vivió una década más que los dos primeros y casi tres décadas más que el último. Pintó hasta su muerte y sus obras ilustran varias influencias. Sus primeras obras muestran la influencia de Mantegna con líneas incisivas y colores claramente delineados, [54] mientras que después de la estancia de Messina en Venecia entre 1475 y 1476 sus obras adoptaron un realismo de estilo flamenco y colores luminosos, lo que demuestra que tuvo mucho éxito en la adopción de las técnicas de pintura al óleo traídas por Messina. [55] Primero fue maestro de Giorgione [56] y Tiziano [57], pero más tarde fue influenciado por Giorgione, sobre todo en la adopción del tonalismo, en el que la pintura se aplica en capas superpuestas creando un efecto suave y difuso para que las figuras y los paisajes se vuelvan más unificados en la atmósfera. [58] [59]
Bellini se convirtió en el único gran pintor del siglo XV que cruzó el umbral del Renacimiento temprano al estilo del Alto Renacimiento con obras como Retrato del dux Leonardo Loredan (1501), [60] en la que el dux muestra una calma que Bellini probablemente aprendió de Messina, [61] y Bautismo de Cristo (1500-1502). Bellini, como Rafael , también produjo numerosas pequeñas vírgenes de colores intensos y brillantes, generalmente de una tonalidad más intensa que su contraparte florentina.
Tradicionalmente, en la pintura de retablos de la Virgen con el Niño , la figura entronizada de la Virgen está acompañada por santos, que se sitúan en espacios definidos, separados físicamente en forma de políptico o definidos por límites arquitectónicos pintados. Piero della Francesca utilizó el nicho clásico como escenario para sus Vírgenes entronizadas (con santos agrupados alrededor del trono), como Masaccio lo había utilizado como escenario para su Santísima Trinidad en Santa Maria Novella .
Bellini utilizó esta misma forma, conocida como Conversaciones sagradas , en varios de sus retablos posteriores, como el de la iglesia veneciana de San Zaccaria (1505). Es una composición magistral que utiliza el tonalismo y extiende la arquitectura real del edificio a la arquitectura ilusionista de la pintura, convirtiendo el nicho en una especie de logia abierta al paisaje y a la luz del día que se filtra a través de las figuras de la Virgen y el Niño, las dos santas y el pequeño ángel que toca una viola , haciéndolos más brillantes que San Pedro y San Jerónimo en primer plano. [62]
A pesar de la brevedad de su carrera (murió en 1510 a los 35 años aproximadamente) [63] y del bajo número de obras que universalmente se acepta que fueron totalmente de su mano (tan solo cuatro o cinco), [64] a Giorgione se le atribuye a menudo el mérito de ser el fundador del estilo del Alto Renacimiento veneciano, [65] aunque diferentes estudiosos citan diferentes razones para afirmarlo.
Uno de ellos es su creciente uso de gradaciones de color y luz (modulación del color), incluido el sfumato , a menudo logrado por el tonalismo, [58] para definir las formas de figuras y paisajes y crear una atmósfera en la que todos los componentes de la pintura están unificados. [66] Algunos creen que pudo haberle enseñado esto Leonardo da Vinci, de quien se dice que visitó Venecia en 1501. [67] En su Madonna de Castelfranco , 1505, el uso de la línea y la modulación del color están igualmente equilibrados, pero en La tempestad , c. 1510 , la modulación del color reemplaza casi por completo la línea creando una visión artística en la que se combinan la humanidad y la naturaleza. [68] Algunos consideran que La tempestad es una de las pinturas más importantes producidas en Italia, ya que los componentes se mantienen unidos por el color y hay una atmósfera de ensueño de perfecta armonía. [69] Giorgione fue el primer pintor en asignar un papel principal a la naturaleza, [70] y siempre que sus pinturas presentan un paisaje, se convierte en una parte integral de la pintura. [71]
La Madonna de Castelfranco , comparada con el retablo de San Zaccaria de Giovanni Bellini , ilustra otra innovación de Giorgione: ajustar las direcciones y posiciones de las figuras, como la lanza sostenida por San Liberale a la izquierda y los pliegues del manto de la Madonna colocados en paralelo, para unificar más los temas. [72] Por último, las pinturas de Giorgione son siempre ambiguas en su significado y abiertas a diferentes interpretaciones. [73] En La tempestad , la mujer desnuda alimentando a un bebé y el hombre vestido, y un relámpago, tal vez representen a Adán y Eva en sus días posteriores al Edén, o tal vez no. [74] Otra pintura atribuida a él, Los tres filósofos , puede representar a los Reyes Magos planeando su viaje en busca del niño Cristo, o puede que no. [75] Ninguna de las pinturas de Giorgione ha tenido nunca una interpretación determinada. [76]
Hasta hace unos años parecía seguro que con La Venus dormida ( 1510) Giorgione pintó el primer desnudo femenino que se erige, o más bien yace, como sujeto para ser retratado y admirado únicamente por su belleza. Si bien se ha aceptado durante mucho tiempo que Tiziano terminó el paisaje de la pintura después de la muerte de Giorgione, muchos estudiosos del arte se preguntan cada vez más si Giorgione pintó el cuerpo femenino entero. [77]
Tiziano ( c. 1490-1576 ) se formó en el taller de Giovanni Bellini junto a Giorgione y luego fue su asistente. [78] Tras la muerte de Giorgione, fue el monarca de la Escuela veneciana durante más de 60 años. [79] Su obra temprana muestra fuertes influencias de Bellini y Giorgione, [80] pero pronto tomó los principios de forma y color anunciados por estos dos, [81] y estableció el color, no la línea, como el determinante principal en la pintura, [82] consumando así el estilo del Alto Renacimiento veneciano. [83] Lo hizo aplicando colores de pintura como pasta en parches uno al lado del otro con pinceladas sueltas y amplias. [84] Esto hizo resaltar la luz y el color en igual medida al mismo tiempo; [85] fue famoso en su propia época como el maestro de la luz y el color. [86]
Otro punto fuerte de Tiziano fue la composición de sus pinturas. [87] En la Madonna de Pesaro , 1519-1526, desplaza a la Madonna del centro y la coloca en el vértice superior de una potente línea diagonal (en oposición a la vertical u horizontal habitual) que aún centra la atención en la Madonna. [88] Esta fue una de las primeras obras en agrupar figuras en una estructura circular ascendente. [89]
La Asunción de la Virgen , 1516-1518, también presenta líneas diagonales (formadas por los querubines ubicados alrededor de la Virgen), que llevan el mensaje triunfal de la pintura hacia arriba, a los niveles superiores de la Iglesia de Frari en Venecia, en cuyo altar se encuentra. [90] Esta obra fue la primera en tener una sugerencia visual de movimiento; [91] todas las obras de Tiziano tienen un nuevo dinamismo en los movimientos de las personas en comparación con los elementos estáticos de otros pintores del Alto Renacimiento. [92] La Asunción de la Virgen también presenta, como todas sus pinturas, colores brillantes, profundos y ricos debido a que Tiziano aplicó capa tras capa de pintura, a veces de diferentes colores. [93]
Tiziano también fue el retratista más solicitado de su tiempo y llevó el retrato al mismo nivel de estima que la pintura narrativa. [94] Muy notables son el Retrato ecuestre de Carlos V , 1548, una imagen ecuestre en una sinfonía de púrpuras, y el retrato del dux Andrea Gritti , gobernante de Venecia, quizás el retrato más poderoso de Tiziano.
A medida que Tiziano envejecía, mantuvo un estilo generalmente del Alto Renacimiento hasta sus últimos años, cuando la figura estaba casi completamente disuelta en el movimiento del color, [95] por lo que se aisló cada vez más de la corriente principal de la pintura italiana, que se había inclinado casi por completo hacia el manierismo en 1530. [96] En muchos sentidos, Tiziano puede ser considerado el fundador de la pintura moderna. [97]
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Correggio (1489-1534), que nunca visitó Roma, pero debe haber visto las obras de Rafael, Miguel Ángel y Tiziano, trabajó en un estilo personal del Alto Renacimiento en Parma , en el norte de Italia. [98] Inventó la cúpula de la iglesia con cielo abierto lleno de figuras flotantes, que se convirtió en un sello distintivo del período barroco del siglo XVII, con su Visión de San Juan Evangelista , 1520-1524, en San Giovanni Evangelista de Parma, y la Asunción de la Virgen , 1526-1530, en la Catedral de Parma. [99] Un erudito en arte afirma que en este último, Correggio crea una "ilusión deslumbrante: la arquitectura de la cúpula parece disolverse y la forma parece explotar a través del edificio atrayendo al espectador hacia el vórtice arremolinado de santos y ángeles que se precipitan hacia arriba para acompañar a la Virgen al cielo". [100]
En esas cúpulas y otras obras, su uso audaz de la perspectiva, generalmente al colocar un color oscuro contra colores claros para mejorar la ilusión de profundidad, se describe como asombroso. [101] Su principal interés era pintar la luz y anticipa los efectos que lograría Caravaggio a principios del siglo siguiente. [102] Su dominio del escorzo (haciendo que los objetos parezcan más cortos porque están en ángulo con respecto al espectador) para crear perspectiva se describe como quizás el más hábil de todos los tiempos. [103]
En Júpiter e Ío (1531-1532), Correggio pintó un fuerte contraste entre la figura luminosa de Ío y las nubes suaves pero oscuras que llenaban el cielo, [104] que parecían envolver el cuerpo reluciente de Ío. [105] Correggio fue capaz de ejecutar el efecto difuso de las nubes, la neblina o la niebla a la perfección, [106] y junto con la modulación del color, esto infunde a sus personajes una clara sensación de ingravidez. [107] Pintó la carne de una manera delicada y voluptuosa que nunca ha sido superada, [108] y presenta un nuevo concepto de belleza femenina que solo se redescubrió durante el período rococó . [109] Correggio prefiguró muchos componentes de la pintura barroca . [110]
Andrea del Sarto (1486-1530), florentino, se inspiró tanto en Miguel Ángel como en Rafael en su obra, pero fue mucho más allá en la representación de expresiones faciales y gestos, como se evidencia en Madonna de las arpías , 1517. [111] Sus figuras muestran una mayor individualidad que las obras anteriores del Alto Renacimiento sin perder nada de la nobleza. [112] En la década de 1520, se mantuvo fiel a los ideales del Alto Renacimiento, como en las composiciones de las pinturas, [113] y con los rostros de sus figuras generalmente tranquilos y a menudo hermosos, sin mostrar nada del tormento de sus contemporáneos manieristas, [114] algunos de los cuales fueron sus alumnos. [115]
Lorenzo Lotto (1480-1556), uno de los pintores más importantes del Alto Renacimiento en Venecia, [116] también pasó tiempo en otras áreas del norte de Italia ya que, quizás debido a su mayor enfoque en los detalles realistas y en la línea que en el color en comparación con la escuela veneciana, no fue muy apreciado en Venecia. [117] Si bien pintó una variedad de temas, fue un excelente retratista que tenía una capacidad superior para ver dentro del alma de sus sujetos y retratar una profundidad de sentimiento en la pintura. [118] Por lo general, incluía otros objetos en el fondo o en el primer plano del retrato para retratar el carácter del sujeto. [119]
Las vidas de Miguel Ángel y Tiziano se extendieron hasta bien entrada la segunda mitad del siglo XVI. Ambos vieron sus estilos y los de Leonardo , Mantegna , Giovanni Bellini , Antonello da Messina y Rafael adaptados por pintores posteriores para formar un estilo dispar conocido como manierismo , y avanzar de forma constante hacia la gran efusión de imaginación y virtuosismo pictórico del período barroco .
Los artistas que más extendieron las tendencias de las grandes composiciones figurativas de Tiziano fueron Tintoretto y Veronés , aunque muchos consideran que Tintoretto era un manierista. El conocimiento de Rembrandt de las obras de Tiziano y Rafael es evidente en sus retratos. Las influencias directas de Leonardo y Rafael sobre sus propios alumnos afectaron a generaciones de artistas, incluidos Poussin y las escuelas de pintores clásicos de los siglos XVIII y XIX. La obra de Antonello da Messina tuvo una influencia directa en Alberto Durero y Martin Schongauer y, a través de los grabados de este último, en innumerables artistas. La influencia de Schongauer se puede encontrar en las escuelas alemana, holandesa e inglesa de fabricantes de vidrieras , que se extendieron hasta principios del siglo XX. [16]
El techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel y, más tarde, El Juicio Final tuvieron una influencia directa en las composiciones figurativas, primero de Rafael y sus discípulos y luego de casi todos los pintores posteriores del siglo XVI que buscaron formas nuevas e interesantes de representar la forma humana. Es posible rastrear su estilo de composición figurativa a través de Andrea del Sarto , Pontormo , Bronzino , Parmigianino , Veronese , hasta El Greco , Carracci , Caravaggio , Rubens , Poussin y Tiepolo, hasta los pintores clásicos y románticos del siglo XIX, como Jacques-Louis David y Delacroix .
Bajo la influencia de la pintura renacentista italiana, se fundaron muchas academias de arte modernas, como la Royal Academy , y fue específicamente para recopilar las obras del Renacimiento italiano que se formaron algunas de las colecciones de arte más conocidas del mundo, como la National Gallery de Londres .